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Bad Taste (Mal Gusto)

Los divertidos, grotescos y sensacionales comienzos de Peter Jackson (I)

Bad Taste

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  • Título original: Bad Taste
  • Nacionalidad: Nueva Zelanda | Año: 1987
  • Director: Peter Jackson
  • Guión: Peter Jackson, Ken Hammon, Tony Hiles
  • Intérpretes: Terry Potter, Doug Wren, Peter Jackson
  • Argumento: Una pequeña ciudad costera ha quedado desierta tras la llegada de unos aliens. El destino de los desaparecidos no es otro que servir de comida en una hamburguesería inter-galáctica. Un cuerpo especial se enfrentará a los extraterrestres.

80 |100

Estrellas: 4

Bad Taste

“Hay una anécdota muy divertida… supongo, que es en la escena en la que un extraterrestre (de hecho, yo) vomita y otros se lo beben. Pues la sustancia se hizo con yogurt, porque como se lo tenían que beber lo hice pensando ellos para que fuese lo menos desagradable posible. Incluso compré un yogurt bueno. Pero la mezcla quedó muy diluida y tenía que quedar mucho más espesa. Y yo se la di a un extra y le dije que la hiciese más espesa, mientras me iba a rodar otra escena. Y claro, yo suponía que él sabía que era para beberla. Después volví y el tipo lo había hecho muy bien, y había conseguido espesarla bastante. Así que rodamos, y al poco los actores empezaron a marearse… ¿Sabéis lo que pasó? El tío que espesó la mezcla había ido al jardín y le había echado barro al potingue, ¡y entonces claro que quedó más espesa! Así que, cuando vuelvas a ver la escena, piensa lo que esos pobres actores estaban bebiendo de verdad, ¡barro!”

Esta anécdota, entre otras que iremos viendo, narrada por el director del invento, Peter Jackson, resume perfectamente lo que es Mal gusto. Primero, ahí tenemos el titulo. Segundo, porque el sentido de lo desagradable, pero a la vez divertido, festivo, es algo que manejaba como nadie en esto del gore. Y tercero, porque estamos ante una película de amigos, de rodaje largo, complicado, pero del que estoy seguro que la mayoría de los que estuvieron involucrados guardan gratos recuerdos. Se lo pasaron pipa, vaya. Ese es el espíritu de la opera prima del hoy megalómano cineasta que se codea con gente como Spielberg.

Actualmente, puede que queden espectadores no aficionados a estas cosas que no tenga mucha idea de Mal gusto. Pero, si hablamos de Peter Jackson, casi todos responderán afirmativo. Su carrera inicial, y en mi opinión más interesante y redonda, está formada por dos clásicos del gore; la que nos ocupa y, sobre todo, la insuperable Braindead, tu madre se ha comido a mi perro (1992). Y también por una olvidada pero reivindicable rareza como es El delirante mundo de los Feebles (1989).

La sobrevalorada trilogía de El señor de los anillos (2001-2003) y el aburrido remake de King Kong (2005) le han marcado a fuego en las miras de Hollywood y en las de muchos fans a lo largo del mundo. Su estilo se ha vuelto denso, menos simpático, pero aún con capacidad, dentro de sus nuevos órdenes presupuestarios, de llevar a cabo excelentes set pieces espectaculares. En todo caso, la imaginación desbordante y el ingenio creativo, sin prejuicios, buscando romper moldes y llamar la atención con un cine atrevido y original, quedaron en gran medida, y a la espera de sorpresa, en esos comienzos.

“Nadie se había percatado de lo que estaba durando el rodaje hasta que alguien del equipo reseñó que durante el proceso de producción dos actores se habían prometido, otro se había retirado y otro se había divorciado. Desgraciadamente también murió alguien, Doug Wren, el actor que hace del jefe de los extraterrestres, falleció durante la post producción y todo su trabajo tuvo que ser doblado por otro actor”.

El rodaje se alargó hasta los cuatro años. Tuvieron que rodar durante los fines de semana y algún otro hueco libre que consiguieran. Los actores eran amigos, compañeros de trabajo y vecinos de Jackson. El presupuesto era ínfimo aunque, por sorpresa, tras el rodaje, recibieron ayuda de la New Zealand Film Commission, permitiendo que se dedicara por completo a terminarla, así como pasar la película de los 16mm en los que fue rodada a los 35mm necesarios para su distribución en salas de cine. Así, además de pasarla por variopintos festivales, consiguieron llevarla a Cannes y darse a conocer a mayor escala. Allí, en el famoso festival, fue donde algunos pelearon por conseguir Mal gusto para su distribución comercial.

¿Cómo es posible que una película gore, producida sin medios y por completos desconocidos, llamase tanto la atención en un festival respetado y “serio”? La razón fue Peter Jackson. Y es que solo hay que ver unos minutos de la película para darnos cuenta que, ya en sus comienzos, apuntaba maneras; puesta en escena imaginativa y eficaz, ritmo de montaje excelente, soluciones visuales inesperadas; y todo ello con dos duros y muchas ganas. No es algo nuevo que esto suceda, pues, sin ir más lejos, unos años antes, un tal Sam Raimi consiguió algo muy similar con la excelente Evil Dead (1981). Ahora pocos desconocen que Raimi es (o era) muy amigo de Marvel y su Hombre Araña.

Mal gusto es lo que podríamos denominar “gore festivo”. Algo que Jackson llevó posteriormente hasta sus ultimas consecuencias con la citada Braindead, cumbre tanto del festivo como del gore en general. Pero antes, con la que nos ocupa, y con menos medios pero no por ello malos efectos visuales y de maquillaje, consiguió convocar a aficionados al cine de todo tipo, pese a que no fuesen degustadores habituales del subgénero, para que se divirtieran y/o se introdujeran en él. Ahí se encuentra otro acierto más de su creador: llevar lo grotesco, desagradable, sangriento y prácticamente underground a un público más amplio. Y de todo ello crear un culto instantáneo. Cuando suceden estás cosas (intención de llevar un género o subgénero poco comercial o underground a un público amplio) los resultados, para los puristas, suelen ser devastadores. Este no fue el caso.

“Aquello era otro mundo completamente absurdo. Hay una escena en la que al alien le explota la cabeza. Para esa escena estábamos tres personas: el que hacía del alien, otro y yo. Entonces mi trabajo era rodar, mover la cámara, accionar los explosivos y actuar, y tenía que hacerlo todo casi a la vez. Así que para ello tenía que poner la cámara en un trípode y rodar en plano fijo; sacar a mi personaje de plano mientras corría a por los explosivos, detonarlos y volver otra vez a dirigir en movimiento. Una locura. Casi todo se rodó así y todo se ve en pantalla, casi siempre es lo que había, la gente si no estaba haciendo una cosa estaba haciendo otra”.

Lejos del normalmente soporífero ultragore alemán, y sin intención de provocar las sensaciones malsanas y enfermizas de aquel, Jackson sabe como llenar la pantalla de desmembramientos, líquidos purulentos, decapitaciones y momentos completamente desagradables (como el que se cita en la introducción) que, pese a ello, logran arrancarnos la carcajada entre la nausea. Él mismo ha dicho en más de una ocasión, que únicamente volvería al gore para hacer algo más sangriento que Braindead. Ojala. De esa joya del delirio macabro-festivo hablaremos dentro de poco.

Lo mejor: El talento de Peter Jackson para, con medios ínfimos y cientos de complicaciones, sacar adelante una película divertida, con buena puesta en escena, montaje dinámico, soluciones visuales, narrativas sorprendentes y ultragore.

Lo peor: Que no pudiese (o más bien, no quisiese) volver a dirigir algo con esta libertad y ausencia de prejuicios.

Hostel: Part III

Torture Porn en la ciudad del pecado

Hostel: Part 3Cuatro amigos inmersos en la vorágine de una despedida de solteros en Las Vegas, son atraidos por un par de prostitutas para asistir a una selecta fiesta privada. Una vez allí descubrirán que son las víctimas de un perverso juego de tortura, en el que los miembros del Elite Hunting Club controlan el más sádico de los espectáculos de la ciudad.

No hay dos sin tres… y seguramente tres sin cuatro, ni cuatro sin cinco. Si no que se lo digan a Saw y su interminable saga de jueguecitos macabros. El primer Hostel, dirigido en 2005 por el inefable Eli Roth, fue uno de los pilares básicos del llamado Torture Porn, subgénero literalmente asfixiado por un sinfín de producciones independientes norteamericanas y asiáticas (perdón por lo genérico del término) que se empeñaron en repetir la misma fórmula, una vez tras otra, sin prácticamente aportar un solo elemento que les diferenciara de la obra de Roth (Train, Penance…).

La segunda secuela de Hostel, bajo el original título de Hostel: Part III, no estará en manos de Eli Roth, quien se reserva en esta ocasión las funciones de productor. Como director del evento se ha contado con la participación de Scott Spiegel, productor de Hostel y Hostel 2, y director de Abierto hasta el amanecer 2: Texas Blood Money (1999).

La principal aportación de este Hostel: Part III parece ser el abandono de la vieja Europa del Este como escenario propicio para todo tipo de cafrerías y desvaríos gore; y el traslado a un marco tan sugerente como es Las Vegas, ciudad del pecado (supongo que Grissom y su equipo del CSI tendrán algo que decir al respecto… y de nuevo disculpas si Grissom ya no está al frente del CSI. Hace ya mucho tiempo que dejé de suguir la serie).

Hostel: Part III se estrenará en los USA, directo al mercado doméstico, el próximo 27 de diciembre (una excusa perfecta para reunir a la família frente al televisor en fechas tan señaladas…). Os dejo con el teaser poster y el primer trailer de Hostel: Part III.

Treevenge

Nunca debimos abandonar la sopa primigenia

Treevenge Poster

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  • Título original: Treevenge
  • Nacionalidad: Canadá | Año: 2008
  • Director: Jason Eisener
  • Guión: Rob Cotterill, Jason Eisener
  • Intérpretes: Jonathan Torrens, Sarah Dunsworth, Maris Morgan
  • Argumento: Los árboles navideños, arrancados de sus bosques, planean la venganza contra las personas disfrutando de las fiestas.

80 |100

Estrellas: 4

Treevenge Grande

Quiero agradecer efusivamente a Eddie Lamorgue (de LaMorgueCinema) por la publicación, en su blog, de pequeñas gemas como la que nos ocupa. Sin el trabajo de estos aficionados, dedicados en podrido cuerpo y corrupta alma al cine de terror, no íbamos a disfrutar ni la mitad del cine que tanto amamos. ¡Seguid en la brecha!

¿Que ocurriría si los árboles cobrasen lucidez y fuesen conscientes, así como dolorosamente sensibles, de las atroces indignidades a las que el ser humano los somete?

Canadá, una pequeña ciudad sin problemas que prepara la celebración de la Navidad, época de milagros y asesinatos rituales desde que el nacimiento de Jesucristo la inagurase. Los abetos tiemblan cuando llegan los depravados leñadores, pero su paciencia se está agotando. Ni un siglo más, ni una año más, ni un segundo más.

El director y el guionista de Hobo with a Shotgun, además del trailer falso para la dupla Grindhouse y el corto en que se basaba su puesta de largo, el cuál sobra decir que ha sido una de las grandes revelaciones del año; pues entre estos trabajos, justamente en 2008, estrenaron un premiado cortometraje que demuestra como el éxito de Hobo en la ciudad del pecado no ha sido flor de un día.

Comedia negra, escatología sexual inédita, irreverentes viñetas de splatter explicito y una cruel venganza que entronca directamente con la sangría, que no os podéis perder, de un tal Rutger Hauer. Aunque en esta ocasión presentada en cómodo formato píldora, y es que estamos hablando de un corto de quince minutos a la antigua usanza: una micropelícula que desecha la complejidad por la presentación, usando una estética visual rica en matices, partiendo de una idea innovadora pero simple y cuyo trasfondo no son las lecturas filosóficas si no el entretenimiento. Amén de presentarnos un marco encantador y surrealista, que supone esa Navidad donde el rojo contrasta sobre el blanco de la nieve, merced a nuestros abetos justicieros preferidos.

Partida en dos mitades bien diferenciadas, Treevenge detona en un festín gore final que contrasta dolorosamente con el colorido de la encantadora ciudad donde se celebran unas típicas navidades “pseudoyankies”. Aunque como en Hobo, los vivos colores, los personajes sonrientes y la fotografía clara no esconden la depravación humana que motiva el nexo común entre ambas obras: la rebelión granguiñolesca de la inocencia frente a la hipócrita maldad humana. Por supuesto, desde una perspectiva burlona y cínica que evita cualquier discursito moral que hubiese fastidiado la experiencia. El ecologismo queda lejos del punto de mira de Eisener y Cotterill, pero desde luego que se puede extraer una lectura muy simpática de la historia narrada por el cortometraje: “la humanidad es ridícula”.

Cita ineludible para los amantes del cine gore y el humor negro, porque no se sentirán decepcionados por ningún aspecto de este cortometraje empaquetado en un brillante y pulido envoltorio dorado. Actores graciosos, efectos especiales de la vieja escuela, fotografía, dirección y banda sonora de lujo sin renunciar a la “suciedad” de un proyecto independiente… ¿qué más se le puede pedir al gordito barbudo del traje rojo?

Lo mejor: Lo divertido y cruel que resulta

Lo peor: Que no se estilen más cortos así

Fashion Hell

Masajes con final sangriento

Fashion Hell Poster

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  • Título original: Fasshon heru
  • Nacionalidad: Japón | Año: 2010
  • Director: Jun Tsugita
  • Guión: Jun Tsugita
  • Intérpretes: Miho Arai, Asami, Saori Hara
  • Argumento: Tres amigos quieren pasar una noche picante en la casa del sexo "Shogun". Sus deseos se pagarán con sangre.

78 |100

Estrellas: 4

Fashion Hell Grande

Mr. Zombie regresa esta semana con la crítica de una cinta ciertamente “picante”. El rango de producciones que se realizan en oriente es muy diverso, y de nuevo Mr. Zombie nos trae una buena muestra de ello. Sin más…

Antes de empezar un aviso para navegantes: Fashion Hell (también conocida como Horny House of Horrors) no es el típico gorefest con géiseres de sangre al que nos han acostumbrado últimamente. El que espere algo al estilo de Tokyo Gore Police o Machine Girl, mejor sepa que esta película se aparta del estilo sangriento de las citadas. Eso no significa que no haya sangre, pero si que lo que prima es mas el humor berraco estilo Takeshi’s Castle (Humor Amarillo en España) , aderezado con puntuales fx creados por Yoshihiro Nishimura con buenos resultados.

Películas de este estilo las hacen a patadas en Japón con, en general lamentables y decepcionantes resultados, aunque no siempre es así, y alguna que otra es capaz de divertir y entretener en sus normalmente escasas duraciones. Hay que tener en cuenta que estas películas se ruedan entre 3 días a una semana a lo sumo, así que se hacen como churros y se simplifican al máximo.

Jun Tsugita es el director de esta Fashion Hell donde sus protagonistas femeninas son estrellas del cine porno japonés real. O sea, son como las Sasha Grey o las Alexis Texas que hemos visto últimamente adentrarse en el cine convencional, en este caso de horror, con resultados catastróficos en cuanto a interpretación para las chicas americanas. Quiero decir con esto, que no es habitual ver actrices del cine para adultos aventurarse en el cine fuera de su categoría x, pero si es mas normal que en Japón si se de ese caso y de hecho sus protas femeninas son habituales verlas en ambas vertientes, ya que están mas acostumbradas a trabajar de esta forma.

En el regreso del juego de su equipo de béisbol, Nakazu, Uno y Toshida han bebido demasiado y terminan visitando el salón de sexo ‘Shogun’. Nakazu nunca ha estado en un salón de relaciones sexuales antes y se siente culpable por traicionar a su novia, Misa. Se intenta ir, pero los otros dos ya están demasiado emocionados para salir. Uno elige a Nonoko, muy atractiva con su uniforme escolar, mientras que Toshida escoge a Kaori, vestida con un sugerente kimono. El tercero espera la llegada de su anfitriona, pero nada es lo que parece en este salón del sexo y cosas horribles están a punto de desencadenarse.

Esta seria la escueta sinopsis de la historia que cuenta Fashion Hell, pero es hora de desvelar ya si la película es otra de esas del montón que indigestan a los 10 minutos de proyección o si por el contrario podemos ver algo potable y decente en esta película. Mi opinión es que Fashion Hell destaca sobremanera de ese montón y en sus 75 minutos de duración se ve de un tirón y sin pestañear. No existen tiempos muertos, no encontré relleno y si por el contrario una película sugerente en cuanto a sensualidad y sexualidad, con un matiz muy claro que ahora intentare explicar. Una película con buen dominio del “tempo” en cuanto a sucesos y planos. En general aceptables interpretaciones, aunque tanto a Saori Hara como a Asami hay que darles de comer aparte y luego explico también esto. El gore escaso pero contundente y divertido. Diría que la película me ha asombrado por que esperaba menos de ella y por el contrario me ha parecido de las rarezas más divertidas que he visto este año.

Fashion Hell indudablemente y para mi gusto es no solo una “rara avis” en el panorama de este tipo de cine chirriante, alocado y definitivamente estrafalario, si no que además es una película con categoría para no quedarse en el pozo de las olvidadas y en definitiva una película que esta muy bien en lo que ofrece, como lo ofrece y en como aspira ofrecerlo.

El matiz del que hablaba anteriormente es sobre las escenas con sexo explicito, pero camufladas a la vez. Es decir, la peli es muy visceral en cuanto a contenido sexual y sugiere que se ven penes, vaginas y sexo explicito, pero en realidad, y repito que solo sugiere, por que no se muestra nada mas que los cuadritos o círculos de color negro que evitan que se vean las partes intimas tanto masculinas, como femeninas, aunque de pechos no habrá ninguna contención y se podrán ver los de las tres protagonistas durante prácticamente toda la películas casi. En el porno japonés es frecuente que las partes intimas se difuminen con cuadraditos que no dejan ver las escenas más “hot”, y el resto quede liberado de ese ocultamiento. Se las denomina películas con categoría “censored”, por que esas partes están censuradas y ocultas. Del mismo modo existen las porno “uncensored” donde no existe ningún difuminamiento y todo se muestra completamente, tal como es una peli americana, europea o latina. Esto lo explico por que aparte de en Fashion Hell se pueden ver mas pelis de este tipo con este mismo tratamiento, como por ejemplo la realizada por Noburo Iguchi, Hyperthrophy Genital Girls, aun sin subtítulos de ningún tipo, donde a la prota , la actriz del porno y convencional a la vez, Tsubomi, le crece un aparato, un trabuco, un troncomovil, ya saben , un superpalote de considerables proporciones, en una película que te partes la caja de lo desproporcionada e intencionadamente ridícula que es.

No me olvido de mencionar a las protagonistas femeninas, especialmente a las dos más conocidas para los habituales a este tipo de películas japos. Tanto Asami como Saori Hara están a caballo entre sus interpretaciones carnosas en sus innumerables producciones x y las ya bastante habítales producciones de cine mas convencional, pero del estilo que rezuma Fashion Hell, aunque no en todos los casos. A Asami la hemos visto en varias pelis de este tipo ya, es una actriz que en papeles de “mala” destaca por su buen hacer, y además es una ricura dando mamporros ya que domina bastante decentemente los movimientos y se defiende bastante bien en escenas de golpes y karate. Es una actriz que me parece muy divertida y sus caras y mohines de cabra loca los hace ingeniosamente elocuentes. Saori Hara por el contrario es mas sensual y se mueve por papeles mas melodramáticos, la chica es bella y despampanante para quien guste de las orientales y tiene madera de buena actriz más allá del universo x. De hecho es la protagonista de Sex and Zen 3D , una superproducción del cine Hongkones de reciente estreno. Se la puede ver también en la esplendida Yurikos Aroma, una película muy recomendable y de estética apasionada y fetichista con tinte dramático, que se encuentra con subtítulos en castellano.

Fashion Hell no es la típica película estúpida y bizarra con actuaciones malas y contenido aburrido, mas bien es un soplo de aire fresco al cine z japonés: Con buenas actuaciones, mejores intenciones y una trama simple pero muy eficaz, destaca por encima de medianías y mediocridades existentes.


Lo mejor: Trama simple pero sugerente y tremendamente divertida. Asami divertidísima, Saori belleza exótica. Fx de Nishimura , pocos pero de calidad. La música en esta ocasión funciona bien, muy acorde con la exposición en pantalla.

Lo peor: Las escenas tapadas, comprensibles pero molestas, sin esos difuminados la peli iria a la categoría x y por ello se entiende, y alguna actuación masculina algo floja.

Ubaldo Terzani Horror Show

El Viejo Terrible

Ubaldo Terzani

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  • Título original: Nelle fauci di Ubaldo Terzani
  • Nacionalidad: Italia | Año: 2010
  • Director: Gabriele Albanesi
  • Guión: Gabriele Albanesi
  • Intérpretes: Giuseppe Soleri, Paolo Sassanelli, Laura Gigante
  • Argumento: Alessio es un joven director al que le encargan escribir un guión junto a Ubaldo Terzani, un escritor macabro, cuya leyenda oculta un sangriento secreto.

70 |100

Estrellas: 3

Ubaldo Terzani Grande

Alessio es un joven y apasionado director italiano cuyos guiones siempre son mirados con suspicacia; quizás su excesivo celo en la búsqueda del horror, a través de las miradas inquietas de otros cineastas anteriores, convierta su narrativa en un círculo cerrado carente de voz propia y originalidad
Un productor amigo, con muy buenas palabras, le hace ver que sus guiones serán siempre rechazados si no busca una inspiración interna y un discurso más auténtico. Para ello, le ayuda a ponerse en contacto con el famoso, a la par que misterioso, escritor de novelas de terror Ubaldo Terzani. El mismo productor estaría dispuesto a apoyar el desarrollo de un libreto que hubiesen escrito a medias, así que Alessio se pone en contacto con Ubaldo, imbuyéndose en su magnética personalidad con el fin de encontrar la quintaesencia, la piedra filosofal que transforme meras ideas en escalofríos vertebrales.
La primera lección es sumergirse de lleno en el pozo del miedo primigenio para poder plasmarlo en pantalla. Así, Alessio comienza a vivir su propia película de terror plagada de pesadillas, alucinaciones y evisceraciones; fiesta pagana presidida desde su trono de huesos por la inquietante y fija mirada de Ubaldo Terzani

Gabriele Albanesi, joven escritor y director de una cinta más que demuestra que el género terrorífico “autentico” en Italia solo está dormido y no muerto – como el alto sacerdote de los primigenios allí en R’Lyeh -; nos trae una obra independiente de escasos recursos que indaga en la creación del artista y la procedencia de las musas, desde un punto de vista, evidentemente, sucio, directo y perverso; como no podría ser menos viniendo de la península de la bota.
El responsable de The Last House in the Woods (2006), otra mirada puesta en el ayer, concretamente hacía la época dorada de los ochenta, cuando el spaghetti-terror reinaba inmisericorde en los video-clubs de barrio; parece haber querido excavar en la tumba de ese cine espantoso y encantador, de hace décadas, de dos formas claramente diferenciadas:

1.- Por una parte, apartamos los abotargados gusanos de la mítica cinéfila alrededor de celebrados autores como Lucio Fulci (Ubaldo Terzani fue en la gris realidad director de fotografía y operador cámara de Mario Bava, Fulci y Dario Argento, entre otros). Pero no todo queda en Italia, el título original de esta producción era In the Mouth of Ubaldo Terzani, rendición obvia a uno de los mejores trabajos de Jhon Carpenter, cineasta explotado hasta la saciedad por decenas de casposos directores italianos. En cuanto a la decisión de cambiar el título del film, no tengo muy clara cual pudo ser la causa; en todo caso, es cierto que con la nueva denominación se pierde gancho pero se gana en personalidad puesto que, además, la que hoy nos ocupa no tiene nada que ver con la encomiable En la Boca del Miedo, a lo sumo el detalle de usar la figura de un escritor de novelas de horror como eje central de la trama. El homenaje no queda ahí, puesto que para dotar de una mayor verosimilitud a las atrocidades carnales que van guiando al argumento hasta su sangriento desenlace, Albanessi ha contado con la colaboración de lujo de Sergio Stivaletti (Demons, Creepers), afamado especialista en efectos especiales y colaborador constante de los grandes directores del género.

2.- Por el otro lado, levantamos la carcomida tapa del ataúd que guarda el corazón del terror. Ubaldo Terzani Horror Show es también un estudio, o disección si lo preferís, sobre la motivación que se esconde tras la narración de todo cuento macabro. Una aproximación fantástica, y nostálgica, a la creatividad artística y a la psique de aquellos locos que buscan expresarse cara a la galería mediante escalofríos, sustos y degeneración. Por supuesto el acercamiento viene de la mano de, y aquí la nacionalidad de la cinta no iba a ser un dato desdeñable, un recargamiento gótico (incluso erótico) muy propio del romanticismo y que donde mejor se ve, es en las pesadillas y alucinaciones que acompañan a nuestro protagonista en el descenso a las entrañas de Ubaldo. La premisa es simple, el tormento y la frustración alimentan la hoguera del verdadero horror, y acercarse mucho… quema.

Así pues, nos hayamos ante una película en absoluto casual, todo un tributo a los fans acérrimos del “fantaterror”; hecho que al convertirse en único estandarte de la película, se convierte en su gran fortaleza y en su mayor debilidad: es imposible disfrutar convenientemente de la humilde obra de Albanesi sin haberse acercado antes a las cintas de las que bebe; y no solo eso, la cinta también requiere del espectador que se involucre intelectualmente en las disertaciones filosóficas que alimentan la evolución de los personajes. Y solo veo posible involucrarse de esa manera, cuando tus gustos y aficiones gozan de un porcentaje terrorífico muy elevado. En definitiva, no apta para aficionados noveles que probablemente se aburran pronto ante las disertaciones sobre la miseria humana y la creación de monstruos imaginarios.

Y cuando un plato mantiene su exclusividad solo para paladares selectos es porque esconde sutilezas cuyo poder de seducción es equiparable con el tremendo esfuerzo que el gourmet realizó en su día para poder presumir de la sensibilidad de sus papilas gustativas. Estos aromas únicos y prohibidos, serían básicamente dos:

a) La actuación de Paolo Sassanelli como Ubaldo; un personaje hipnótico, luciferino, apasionante, mefistofélico, prohibido, mesiánico, blasfemo, lujurioso, corrupto, seductor, inteligente, sexual, satánico. Un Alister Crowley metido a novelista, por decirlo de otro modo. Tamaña personalidad es el hilo central de la historia, es el planeta alrededor del que un fascinado Alessio orbita sin conocer los peligros en los que su creciente admiración le está metiendo. Genial la sintética escena donde el joven director a punto está de besar el diabólico escritor, embelesado por la cadencia de sus palabras.

b) Las escenas gores que van salpimentando una cubierta de decadencia y perversión – transmitidas como si de un virus se tratase por parte del todopoderoso escritor -; estas secuencias son expuestas en la mejor tradición, marcadas por la mano del ya mencionado Stivaletti, viscerales y dolorosamente realistas, lejos de convertirse en la principal motivación de la película, sirven como granate guinda del sanguinolento pastel. Un guiño que el aficionado talludo disfrutará y que, sin embargo, las generaciones crecidas al diluido amparo de Hostel, Saw o peores, encontrarán risible. Aquí serviría lo que, en las últimas semanas, me he emperrado en llamar como “test Gorgon Video”: si no sabes que narices es “Gorgon Video” no veas esta película. Así de simple.

Todas estas buenas palabras no serían validas, ni justas, sin mencionar los puntos oscuros de una producción, que como todo buen cine “undeground” goza del controvertido encanto de la imperfección.

Puede que el curtido Paolo Sassanelli esté soberbio, pero su gran papel hace que casi cualquier otro momento del metraje – quitando las fantasías gore – desluzca un poco. Fuera de los incendiarios discursos y apasionadas seducciones de Ubaldo, por mucho empeño que pongan el resto de actores – muy sexy y enérgica Laura Gigante como Sara -, existen tediosos interludios que no aportan nada a la trama. Esto es debido, principalmente, a cierta simpleza argumental que daba antes para un mediometraje que para una película completa, y eso que tampoco dura excesivamente.
Tampoco ayuda el que los medios (fotografía, iluminación, vestuario, banda sonora, decorados…) se encuentren tremendamente acotados por un presupuesto ridículo (300.000 € aproximadamente). El “look” casero que despide el conjunto general echará a muchos para atrás, pero pasado el miedo inicial nos encontraremos una cinta que supera sus limitaciones a base de respeto y amor por cine, véase el fantástico trabajo de montaje que imprime ritmo a una cinta mayoritariamente dialogada. ¡Venga que levanten la mano las producciones comerciales occidentales que siquiera intenten aplicar ese respeto para con el espectador! ¿Dos, una… ninguna?

Con todo, lo peor de la cinta sería su descafeinado epílogo que resulta prescindible a todas luces; su tono se aleja incomprensiblemente del resto de la película; pero más allá de esa mancha, solo son pequeños detalles los que deslucen un poco la impresión general.

Una pequeña sorpresa en un panorama bastante dejado de la mano de Dios, irónicamente estoy hablando de Italia, que demuestra como el esfuerzo, la falta de presión a la hora de redactar un guión – estupendos diálogos que consiguen mantener el interés, amén de estar cargados de premoniciones y reflexiones apasionantes – y básicamente las ganas de contar una historia son suficientes para alcanzar el corazoncito que los aficionados al cine de horror tenemos. Lo suficiente exigente como para abordarla sin prejuicios por todos aquellos que lleváis lustros y lustros de lleno en el complicado mundo del cine de terror. Por y para vosotros…

PD: Aunque no comparto la opinión del Sr. Terzani acerca de la narrativa de Clive Barker, reconozco que su planteamiento está muy bien enfocado.

Lo mejor: Buenas actuaciones, especialmente Paolo Sassanelli, un gore doloroso acorde a la historia y una atmósfera demente, directamente heredada del cine maldito de VHS.

Lo peor: El limitado presupuesto define milimétricamente hasta donde puede llegar la cinta obligando a meter mucho relleno intranscendente, como algunas conversaciones demasiado vagas y repetitivas. El epílogo.

Wound

Heridas que cuesta cicatrizar

Wound Poster

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  • Título original: Wound
  • Nacionalidad: Nueva Zelanda | Año: 2010
  • Director: David Blyth
  • Guión: David Blyth
  • Intérpretes: Kate O´Rourke,Te Kaea Beri,Campbell Cooley
  • Argumento: Susan vive en absoluta soledad, intentando sobrevivir a sus demonios, unos demonios que la atormentan y cada vez son mas reales…

73 |100

Estrellas: 4

Wound Grande

Quiero dedicar esta reseña a Luis Trad, quien me animó a ver “Wound” con sus comentarios. Gracias.

Aviso: Intentar no spoilear en la reseña es prácticamente imposible si quiero analizarla como me gusta, porque en este tipo de propuestas todo es relevante y nada lo es a la vez, pero todo ha de ser comentado.

“Wound” es un ejercicio de traslado del subconsciente a nuestra parte consciente sin una lógica clara, o al menos, sin una lógica clara aparente.
David Byrth ha tratado de mostrar en imágenes cómo son los traumas, los miedos, las pasiones y la locura.
“Wound” es una propuesta difícil, que se puede analizar desde dos puntos de vista: Dejándonos llevar por lo que estamos viendo y disfrutarlo sin más o buscando todo el simbolismo e intentar llegar a una conclusión a través de él.
Yo he optado por la parte más simbólica, que en realidad me parece la mas jugosa.

La película arranca potente, es como si nos dijera “vamos chicos, ésta es mi carta de presentación, ¿os estáis enterando? ¿os gusta…?”. Pues vamos a por ella: en las primeras imágenes vemos a Susan dramática, vulnerable, seria, delicada, frágil… desatando toda la ira que tiene dentro, ejerciendo de vengadora castrando gráficamente a su padre, quien la violó en repetidas ocasiones. ¡Quiero sangre! ¡Quiero ver a Susan empapada en sangre, en una sangre que no sea la suya! Y dicho y hecho, Blyth hace caso a mi petición y nos regala la primera escena gore del film, y no está nada mal, nasty…

A partir de ese momento, nuestra realidad y la psicótica realidad de Susan se entremezclan, y en ocasiones lo hacen tanto que no tenemos claro qué es lo que está sucediendo realmente, pero aun así “Wound” no hace perder el hilo, solo hay que intentar meterse dentro de la mente de la protagonista para atar bien los cabos.
¿Por qué se comporta como lo hace? ¿Qué le ha sucedido para llegar a ese estado de desubicación emocional total? No hay que preocuparse, las respuestas se desvelan a lo largo de los 76 minutos que dura “Wound”, pero, como comentaba al principio, creo que es importante dar la relevancia que tiene al simbolismo, o al menos lo que yo entendí por cada uno de esos símbolos, así que, me lanzo a mi conclusión con 9 puntos simbólicos:

1- SUSAN Y TANYA: Tanya es la hija fallecida de Susan, que vuelve a la “vida” de su madre para ayudarla a cerrar el círculo, cerrar el círculo con su madre y con ella misma.
Se podría pensar que Susan es la parte pasiva y sumisa – la débil – y Tanya es la guerrera, la luchadora, la activa (la eterna contraposición del color blanco y el color negro). El delicado aspecto etéreo de Susan, se funde con el salvaje aspecto siniestro de Tanya (en realidad ellas son el ying y el yang).
Susan y Tanya se complementan y se completan, se necesitan y se destruyen. Ellas son el símbolo de una misma identidad.

2 – Simbolismo de la SANGRE (y en abundancia…): La sangre es el reflejo de la pérdida, el dolor, de la ausencia. Cada vez que aparecen las escenas con sangre algo se pierde, la sangre ya no es vida, la sangre es vacío.
Una de las mejores escenas de la película está regada con sangre y precisamente es la sangre la protagonista. Una escena tremendamente esclarecedora. Se trata de la escena en la que Tanya lame el gran charco de sangre del suelo que ha provocado su propio aborto (porque para mí esta hipótesis es totalmente factible dentro de la trama). En un lado de la puerta está Susan, prácticamente desangrada, mientras su hija muerta chupa la sangre de su propia muerte (escena que será, para algunos repulsiva y para otros poética…)

3 – MÁSCARAS: A lo largo de la trama, vemos una sucesión de máscaras. Las máscaras de Susan y Tanya no tienen expresión, simbolizan su propio vacío. Las máscaras de sus propios demonios son máscaras de cerdo (más gráfico imposible). Desde mi punto de vista, el uso de las máscaras está planteado en los puntos necesarios y, de alguna forma, explican el desequilibrio mental de Susan (quien en ocasiones aparece con la máscara que representa a Tanya). Las máscaras son la negación del mundo real.

4 – JUEGOS DE DOMINACION Y SUMISION: Otros dos personajes relevantes son Master John y Mistress Ruth (quien es la madre de Susan), que marcan presente, pasado y futuro.
La dominación que ejerce su madre asesinada sobre ella es el símbolo de una infancia marcada por violaciones y soledad, por traumas y venganza.
La sumisión de Susan ante Master John, más allá de algo puramente sexual y placentero, es el deseo de reprimir su parte mas enferma y violenta (representada a través de Tanya). La sumisión es su vida, la dominación representa su psique

5 – UN ARCÓN LLENO DE “SORPRESAS”: Éste punto fue uno de los que mas me costó entender. El tema es que no se explica nada, pero Susan tiene un arcón en su pasillo donde guarda cientos de deposiciones envueltas en papel de aluminio, ¿el motivo? Ni idea…pero puestos a imaginar, creo que todo forma parte del círculo que no se cierra. Es una idea parecida a: nada que salga de mi interior debe ser desechado porque mi cuerpo ya una vez “desechó” lo mas importante de mi vida (en relación a su hija muerta).

6 – CÁMARAS: En “Wound” vemos una realidad a través de la mente de Susan y Tanya, y otra que muestran unas serie de cámaras ubicadas estratégicamente. Sinceramente creo que el uso de estas cámaras mas que explicar algo, despistan y no cumplen con el propósito de mostrar la cordura y la locura: considero éste un elemento fallido.

7 – VAGINA GIGANTE: Impagable el momento en que Tanya y Susan renacen de nuevo de una vagina gigantesca que marca la comunión de ambas. Este renacimiento con las máscaras puestas, significa que ellas han ganado (o perdido, depende de cómo se mire…), que se han hecho una, que Tanya volvió de la muerte para “poseer” en cierto modo a su madre e indicarle el camino de vuelta a casa. Todo ello regado con mucha sangre y una viscosidad que se pude palpar, un auténtico espectáculo bizarro.

8 – TREN: La imagen de las vías y la preparación para el suicidio de Tanya marcan el inicio de la locura. La visión del vagón del tren final en el que se sube Susan para buscar a su hija, podemos intuir qué simboliza (pero decirlo ya sería el colmo de mis spoilers). Igualmente en este punto no quiero dejar de destacar el hecho de que Susan finalmente se desespere por encontrar a Tanya, porque desde mi punto de vista es algo terriblemente pesimista (el círculo se cierra a pasos agigantados…).

9 – FINAL: SPOILER!!!! Puede sorprender que un final tan aparentemente “fácil” encierre tanto magnetismo. Susan destaca en este final por ser uno de los personajes más tristes y abandonados de este tipo de propuestas bizarras. Después de pasear con ella, de ser parte de su vida y de compartir su locura, con el final que plantea David Blyth, solo pude pensar en dos palabras: soledad y vacío.

En resumidas cuentas, ”Wound” no se anda con medias tintas: es extraña, es salvaje, y te permite sentir la carga sexual y la sangre muy cerca de ti. Puede que te guste mucho o puede que no entiendas nada y no te de la gana de esforzarte por hacerlo, pero creo que para tener una opinión hay que verla. Yo estoy en el grupo de los que quedaron muy satisfechos con la película, ¿en qué grupo estás tú?

Lo mejor: El simbolismo de la película, el duelo entre Susan y Tanya, quisiera que la pantalla pudiera salpicarme de sangre en algunos momentos…

Lo peor: En ocasiones se enrevesa todo tanto que no sabes ni lo que estás viendo y el, para mí, inútil uso de las cámaras.

Saw VII (3D)

Lanzando carnaza a la pantalla

Saw 3d

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  • Título original: Saw VII (Saw 3d)
  • Nacionalidad: USA | Año: 2011
  • Director: Kevin Greutert
  • Guión: Patrick Melton, Marcus Dunstan
  • Intérpretes: Costas Mandylor, Sean Patrick Flanery, Betsy Russell
  • Argumento: Un grupo de supervivientes de los juegos de Puzzle se reúnen para buscar el apoyo del gurú de la autoayuda, y también superviviente, Bobby Dagen. Un secreto que guarda éste será el detonante para una nueva hornada de trampas.

58 |100

Estrellas: 3

Saw 3d

864 millones de dólares. Esto es lo que han recaudado, a nivel mundial, las siete películas de las que consta la saga Saw. Los presupuestos de estos siete títulos suman 68 millones. Si a los 864 millones antes citados añadimos las ganancias en concepto de ventas en DVD y Blu-Ray, así como merchandising variado y ventas a televisiones, se antoja evidente una conclusión: estamos ante la franquicia más rentable que ha proporcionado el cine de terror. De hecho, de no ser por otro fenómeno del género, Paranormal Activity, que durante Halloween del 2009 arrebató el trono a la saga de Puzzle, que por aquel entonces contaba con la sexta (y menos taquillera) entrega, podríamos seguir hablando de éxitos masivos año tras año. Sin embargo, el relevo se ha pasado definitivamente a la saga rival, pues con Paranormal Activity 2 (2010) volvió a repetir éxito y reinado sobre la matanza tridimensional que nos ocupa.

Tal como comentaba, la sexta entrega comenzó el declive comercial de una franquicia que no tenía intención de desgastarse. En los resultados artísticos, el tema es muy diferente. Desde que la interesante primera entrega diese la sorpresa, fue perdiendo puntos a marchas forzadas. Así, pese a que la segunda y la tercera todavía eran capaces de ofrecer tramas medianamente atrayentes, quedaba claro que la violencia y el más difícil todavía en las trampas eran el modus operandi. El problema vino cuando, tanto la cuarta como, sobre todo, la quinta, no sorprendían ni siquiera en este aspecto (la tercera sigue siendo la más gore y mejor ejecutada en este aspecto), y sus tramas, incluso siendo mínimas, resultaban cargantes y absurdas por igual. La llegada de la sexta, con toda la surrealista polémica que despertó entre algunos “políticos” españoles (calificada X y más tarde estrenada con unos cuantos cortes), dejó mejor sabor de boca. Sin ser gran cosa, al menos resultaba más entretenida e intentaba volver a los tiempos del inicio de la saga: calibrar el gore con un guión más aceptable y llevadero. Sin embargo, para el (dicen) capitulo final, han tirado por el camino de la cuarta y la quinta. Pero…

Y digo pero, porque, pese a seguir esa dinámica, es la primera que entiende, por fin, como debe hacerse un espectáculo sanguinolento sin mayor pretensión que ser un festival para aficionados al Torture Porn. Apología de la tortura, lo llaman. Pero, no olvidemos, apología de una tortura ficticia, cinematográfica. No la que nos practican nuestros políticos cada mes estrujando nuestros sueldos, prohibiendo las pocas libertades que nos quedan y subiéndonos los precios de todo lo básico para vivir. Respiro hondo y seguimos con Saw VII… o Saw 3d.

El 3d siempre se ha usado como antídoto contra la destrucción o pérdida de interés de una saga en lo comercial. O simplemente, para reactivar unas ganancias que se preveían menores a los anteriores capítulos. Ahí tenemos ejemplos, dentro de otras archiconocidas (y rentables) sagas terroríficas, como Viernes 13 Parte 3 (Friday the 13th: Part 3, 1982) o Pesadilla final: La muerte de Freddy (Freddy´s Dead: The Final Nightmare, 1991). Claro que, las tres dimensiones de aquellas no eran las mismas que las actuales. La experiencia, aparte de ser mucho más envolvente, no deja con dolor de cabeza. Al menos, no a tanta gente como antaño. Esto no quiere decir que la experiencia 3d del nuevo Saw sea asombrosa o impactante. En realidad, podría ser vista por el modo convencional y no se notaría cambio relevante. Y es que las nuevas tecnologías han sido aplicadas en Saw 3d con la dichosa excusa de lanzar cosas (órganos varios, sangre, armas matarifes) a la pantalla. Algo parecido a lo visto en San Valentín sangriento (My Bloody Valentine 3d, 2009). ¿Cuál es la diferencia con aquella? Pues que la que nos ocupa es, con gafas o sin ellas, un divertimento realmente eficaz y honesto. Incluso en su guión, de resumido trazado, encontramos los suficientes alicientes para dar por cerrada la serie sin que ningún fanático de la misma se corte las venas. Aunque ya sabemos que dentro del mundillo “fan” hay puristas y meticulosos hasta para un Torture Porn tan superficial.

Las trampas, principal plato de la función, son degustadas sin pausa. No son las mejores de la saga, aunque hay alguna bastante curiosa (la que da arranque a la película, o la que atañe a un grupo de skins), pero el nivel general se encuentra en la media de las más decentes. Varias de ellas son repeticiones (homenajes, dirán), y otras seudo variaciones. No obstante, todo funciona dentro de lo que uno pretende ver a estás alturas. Un mix, con algunas caras conocidas que retornan, un cameo de Puzzle (nada de protagonismos desde el mundo del flash back, como hasta ahora), nuevos agentes involucrados en la trama policial y buenas dosis de gore (a veces demasiado digital, supongo que por aquello del 3d), en la que puede considerarse, sin entrar en avatares quisquillosos, la entrega más divertida (que no interesante) de las siete.

Lo mejor: Que, como Torture Porn sin complejos, cumple sin problemas y a un mayor nivel que algunas aburridas entregas (la cuarta y la quinta).

Lo peor: Que no hay más que eso y algún guiño cómplice para con los fans de la saga. Aunque a estás alturas del “juego” quién espere ser sorprendido…

Cruel Restaurant

Sangre, tetas y comida ¿se puede pedir más?

Cruel Restaurant

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  • Título original: Zankoku hanten
  • Nacionalidad: Japón | Año: 2008
  • Director: Kôji Kawano
  • Guión: Kôji Kawano, Satoshi Ôwada
  • Intérpretes: Mihiro, Sakae Yamazaki, Katsuya Naruse
  • Argumento: La gente empieza a desaparecer al mismo tiempo que un restaurante se hace popular gracias a una nueva receta culinaria. ¿Coincidencia?

70 |100

Estrellas: 4

Cruel Restaurant

Hace algunos años, los que teníamos acceso a las cadenas autonómicas de este país, España, pudimos disfrutar de un anime un poco inusual: “El Gran Sushi”. Saturados de tantos combates en Dragon Ball, del humor macarra del Dr. Slump y del tronchate Musculman; El Gran Sushi narraba las vivencias del joven Yoichi y de su lucha por ser el mejor chef del mundo. Humor y cocina se mezclaban a la perfección ofreciéndoos combates culinarios muy peculiares aptos para todos los públicos.

Así que… ¿qué tienen en común “El Gran Sushi” y la película que nos ocupa en este momento? En Cruel Restaurant la cocina también juega un papel importantísimo, de humor tampoco falta, las luchas derivan más bien en asesinatos y el elemento picante no se debe, precisamente, al chili (¿apta para menores? Hay cosas peores que ver un par de tetas, la verdad).

Nos encontramos delante de una película que reúne todos los elementos que un buen fan de estas marcianadas espera: gore, humor, sexo… y una sorpresa: ¡¡un giro argumental!! Sí, habéis leído bien, ¡¡un giro argumental!!. A ver, tampoco hay que tirar cohetes pero… ¡¡un giro argumental!! Y es que en esta clase de películas los guiones elaborados o que esconden sorpresas no proliferan mucho, la verdad.

El argumento, como habéis podido leer más arriba, es simple. Investigada por dos detectives a causa de la repentina desaparición de personas en las inmediaciones del restaurante, la misma Lin, responsable del local, comienza a sospechar que el duro (y húmedo) entrenamiento que recibió por parte del Maestro Hoi para convertirse en la mejor chef del mundo preparando dumplings, no era tan bonito y fácil como a priori parecía. Sus pérdidas de conocimiento acompañadas de imágenes sangrientas hacen que se pregunte si realmente la teoría de los detectives que la incriminan en el uso de carne humana en sus comidas es verdadera. Tampoco ayuda mucho que su ayudante de cocina sea un poco raro, ni que un cocinero no pare de insistir que lo acoja de pupilo, ni de la crítica culinaria con mala leche, ni….

Si puedes recobrarte de ver todos los desnudos que nos ofrece la guapísima Mihiro, modelo y actriz porno que en 2010 nos contó su vida en la autobiográfica Nude, Cruel Restaurant nos ofrece un trio de secundarios a destacar, ya sea por su personalidad, sus acciones o su simpatía.

El primero es el cocinero que quiere conocer el secreto de los dumplings. Gracias a él encontramos un sitio mucho mejor para preparar salsas que dentro de cualquier bol. El segundo es el ayudante de cocina de Lin, un tipo muy misterioso con cara de mala leche y con muy pocos modales; aunque toda mi simpatía va hacia el tercer personaje en discordia, el maestro de Lin: Hoi. A través de flashbacks conoceremos a este viejuno cachondín y su duro entrenamiento, el cual tuvo que soportar la joven Lin para poder llegar a elaborar los mejores dumplings del país.

Para terminar solo nos falta el gore: cabezas cortadas, desmembramientos, cuchilladas… como un buen condimento, en su punto. Hay sangre suficiente para contentar al espectador y también la suficiente para que no sea la baza principal de film.

Un detalle: el director, Kôji Kawano es el mismo que nos trajo esa otra muestra de chicas bonitas y hemoglobina que fue The Girls Rebel Forced of Competitive Swimmers.

Lo mejor: Un film ameno y lleno de erotismo.

Lo peor: Su falta de, de, de… ¿poco presupuesto? La verdad es que me ha gustado y no encuentro nada excesivamente malo.