Lesson of the Evil

Hablar de Takashi Miike, equivale a referirse a una de las personalidades con más peso y renombre dentro de la industria cinematográfica a nivel internacional. Con más de veinte años de carrera a sus espaldas, y habiéndose ganado un renombre espectacular con films de la talla de Audition (Ôdishon, 1999), la cual generó una auténtica legión de fans en torno a su persona, Visitor Q (Bizita Q, 2001), una bizarrada de grado extremo que despertó dispares opiniones de crítica y público, o la formidable e intensa Ichi the Killer (Koroshika 1, 2001), considerada objeto de culto por los seguidores del director a la par que uno de los mayores logros en la carrera de Miike; el prolífico cineasta ha sabido, en igual medida, alejarse de los arriesgados parámetros de la industria V- Cinema japonesa para debutar con éxito en terrenos más claramente comerciales, con títulos de la talla de A big bang love, Juvenile (46-Okunen no koi, 2006), premiada en el festival de Sitges del mismo año en la sección de largometrajes a concurso, Sukiyaki Western Django (2007), remake de un western del director italiano Sergio Corbucci en el cual colaboró Quentin Tarantino o Thirteen asassins (Jusannin no Shikako, 2010), remake con el mismo título que el film dirigido en el año 63 por Eiichi Kudo y que recibió el premio del público en Sitges 2010, o la más reciente Shield of Straw (Wara no tate, 2013), un thriller bastante más moderado que otros títulos anteriores que ha sido presentado en Cannes en este mismo año. Miike tiene claro que no es su intención permanecer encasillado en un único género, cosa que ha demostrado con creces a lo largo de sus ya experimentados años de abultada y prolífica carrera, por ello ha alegado en unas declaraciones recientes: “Hago las películas que quiero hacer, no pienso en un público concreto…”, un ¡zás, en toda la boca!, para todos aquellos que le han tachado de haberse convertido en un cineasta más moderado y comercial a causa, sobre todo, de su última y, para muchos, “suavizada” incursión en Cannes.

Este pasado año 2012 fue, también, bastante productivo para el director, el cuál rodo tres filmes de diferente carácter: For love´s sake (Ai to makoto), basada en un manga japonés escrito por Ikki Kawijara con una carga bastante romántica, Phoenix Wright: Ace Attorney (Gyakuten Saiban), adaptación de una popular saga de videojuegos, que contó con la producción de la propia compañía creadora, Capcom, y Lesson of the evil (Aku no kyôten), la cual será presentada este mismo año en el festival de Sitges y que viene a ser objeto de la reseña en cuestión. En esta ocasión, Miike toma como base una novela editada en el año 2010 del escritor japonés Kishi Yûsuke con el mismo título, cuya adaptación en forma de guión ha sido llevada a cabo, de forma excepcional, por el propio cineasta:

Seiji Hasumi es un joven, atractivo y reputado profesor de inglés que se implica, de forma altruista, en los problemas personales de cada uno de sus alumnos. El centro de estudios, lejos de ser un espacio tranquilo plagado de pormenores de la menor importancia, se va transformando en un hervidero de buying, acoso sexual y otro tipo de corrupciones no menos abyectas, lo cual empieza a afectar el estado de ánimo del profesor de forma visible. Rodeado por toda esta espiral de envilecimiento, Hasumi decide mostrar su auténtica naturaleza e impartir una lección verdaderamente memorable…

Lesson of the evil supone, una vez más, la vuelta al redil del Miike más violento y feroz. Una vuelta magistral que se aleja, quizá, del tufo underground y más transgresor despedido por otras de sus arriesgadas producciones pero que, en igual medida, derrocha calidad y originalidad a mansalva. Es por ello, que el film ha sido objeto de excelentes críticas en diferentes webzines y publicaciones, siendo considerada, casi por unanimidad, como una de las sorpresas más claramente gratas en lo concerniente a este pasado año.

Cabe la posibilidad de que, para aquellos espectadores poco o nada familiarizados con el cine nipón, Lesson of the evil pueda presentar un inicio inexorablemente lento, tedioso hasta la extenuación, lo cual puede representar una importante traba a la hora de completar el visionado. En su defensa, cabe alegar que, a lo largo de esa hora y poco durante la cual se llevan a cabo las presentaciones formales entre el público, los diferentes personajes y, asimismo, las respectivas tramas y circunstancias personales que envuelven a cada uno de ellos, el bueno de Miike solo pretende poner al espectador en situación y concienciarle, a fondo, de la magnitud de aquello que va a presenciar en el último y denso acto.

Es en esta segunda parte cuando el film comienza a tomar forma y arranca de verdad, y lo hace de una manera estelar, vibrante, de infarto, lo cual se traduce en una súbita explosión de hemoglobina y violencia gráfica retratada con un salvajismo brutal y sobrecogedor. Siguiendo en esta misma línea, resulta inevitable no recordar títulos como Elephant, dirigida en el año 2003 por Gus Van Sant, en la cual se relataba la matanza llevada a cabo por dos jóvenes que sufrían vejaciones por parte de sus compañeros en el instituto de Columbine, Rampage (2009, Uwe Bold), donde se narra la historia de un tipo con problemas mentales que decide salir a la calle a matar a todo aquel que se ponga por delante o la más reciente Assault on wall street (2013, Uwe Bold), en consonancia con la anteriormente citada. Por supuesto, en el caso que ocupa esta reseña, el propio director trata de ir más allá e intenta “justificar” de algún modo, si es que esa la palabra adecuada, los excesivos actos de Hasumi. Es por ello que ofrece una visión pormenorizada de la doble cara del protagonista, desde su niñez hasta la época actual, consiguiendo hacer plantearse al espectador si es tan frágil la fina membrana que separa, en el extenso mapa de la psique humana, el estado de raciocinio de la transmutación a la más severa alienación. Lo cual delata que el supuesto cambio operado en Hasumi, un ser humano dechado de un adalid de virtudes, no deja de ser, simplemente, una grave transfiguración que viene a manifestar su auténtica condición de, lo que algunos expertos denominarían, monstruo o engendro antisocial. Este planteamiento logra poner en tela de juicio un hecho que puede constatarse a diario atendiendo a los diferentes medios de información o, sin ir más lejos, saltando a los terrenos de la prensa rosa, un género social bastante en auge en los últimos tiempos, por desgracia: la auténtica naturaleza del ser humano, naturaleza de carácter insidioso, dañino, dotada de una capciosa necesidad de regocijo en la desgracia ajena, sea del género que sea. Un planteamiento que, a juicio propio, aporta cierta carga moral a esta reciente obra, pero que no por ello la eleva a la categoría de drama sino que, muy por el contrario, le otorga la fuerza necesaria para ser reconocida como una creación verdaderamente macabra y llena de veracidad.

A la hora de llevar a cabo semejante logro, Miike no ha pasado tampoco por alto una cuestión de suma importancia, como lo es elegir el plantel adecuado para que los diferentes personajes representados en el film cobren vida adecuadamente. Cabría destacar, de manera primordial, la elección de un actor bastante experimentado, con nada más y nada menos que cuarenta y seis títulos a sus espaldas y estrella recurrente en otros trabajos del director, como Hideaki Itô, para el papel principal. Resulta irónico, cuanto menos, que Itô, vislumbrado por muchos como salvador, gracias al heroico rescate de los pasajeros de un avión en Brave Hearts: Umizaru (2012, Eiichiro Hasumi) cuarta película de la serie Umizaru, basada en un comic manga de Shuho Sato; haya tomado el registro contrario, para transformarse en la auténtica reencarnación del mal. Una vuelta de tuerca bastante inteligente por parte del director, que aporta el toque de interés definitivo a la ya de por sí formidable propuesta.

Por supuesto, es imposible desmerecer al resto del, también, interesante reparto, entre los cuales, destacan de manera especial, Fumi Nikaidô como Reika Katagiri, joven promesa que se ha forjado una nominación en la trigésimo sexta edición del festival Japanese Academy Awars a mejor actriz incipiente gracias a esta brillante intervención, o Shôta Sometani como Keisure Hayamizu, otro joven valor del cine japonés que cuenta en su haber con once años de carrera a sus espaldas. Imposible no obviar tampoco nombres como Mitsuru Fukikoshi, protagonista de Cold Fish, con más de veinte años de experiencia en el sector, interpretando a uno de los enemigos de Hazumi o Takayuki Yamada (Sono yoru no samurai), en el papel del profesor de gimnasia Tetsuo Shibahara. Excelentes nombres para una producción no menos merecedora de elogios.

Como no podía ser menos, a la hora de hablar de este tipo de cine, en cuanto a factura técnica la producción tampoco se queda corta, mostrando una escenografía colorista y, a la par, oscura; muy bien nivelada y especialmente destacable en los momentos de mayor tensión. Un auténtico goce para los sentidos, que consigue poner los pelos como escarpias en más de una ocasión. Merece especial mención la preciosista y sobrecogedora fotografía de Nobuyasu Kita, colaborador habitual en el departamento de imagen y sonido en diferentes producciones de Miike, que aporta al conjunto un toque visual elegante a la par que grotesco y profundamente expresionista.

Sin embargo, no es oro todo lo que reluce pues, pese a todos los aspectos positivos que muestra el film a todos los niveles, también es poseedor de ciertas carencias o defectos, como quieran llamarse, que restan puntos al ya de por sí maravilloso conjunto. Para empezar, a titulo más personal, remarcar el inequívoco error del director a la hora de hacer uso de un recurso tan desgastado como la utilización recurrente de una única pieza musical como main theme. El tema elegido para tal fin ha sido Die Moritat Von Makie Messer (La copla de Mackie el navaja), compuesta en el año 1928 por Beltor Brech y Kurt Weill y que, en el año 1929, fue incorporada a la ópera Die Dreigoschenoper (La ópera de los tres centavos). Evidentemente, la elección de esta composición como principal tiene un significado primordial a tenor del significado del título de la canción, siendo el resultado bastante desacertado y contrario al pretendido. Otro de los pormenores que contiene la obra, radica en ciertos tramos del metraje que llegan a resultar desconcertantes, tanto a nivel argumental como a nivel visual , remitiendo al espectador a la faceta del Miike más bizarro y surrealista, pero sin llegar a los extremos de otras de sus celebradas y más comentadas producciones. Es este profuso estado de confusión debido en parte a los saltos de tiempo y a una estética con tintes vanguardistas rayana a la corriente Pop art, lo que impide que la puntuación final de esta obra maestra se torne en un soberano cinco, cosa que pocas veces, por no decir ninguna, tiende a suceder.

Como conclusión final, y para culminar esta review, señalar, una vez más, el placer indefinible que se experimenta al encontrarse, de cara, con una joya fílmica como esta, dotada de una trama muy bien urdida, que asegura el más sincero entretenimiento durante las dos horas y diez minutos que dura la proyección. Un coctel de escándalo, aderezado con unas interpretaciones que, literalmente, quitan el hipo y una parafernalia visual no menos destacable. Una de las mejores y más brillantes contribuciones al cine de género en los últimos años. Por supuesto, queda recomendada.