Madre!

Complicada tarea la de reseñar una de las películas más reseñadas y habladas del año. Previo a su estreno y cuando, justamente, es una cinta en la que un simple condicionante a la hora de enfrentarte a ella te la puede joder tan sobremanera. Polémica de las gordas la que arrastró Aronofsky tras su paso por el festival de Venecia. Abucheos y silbidos en la sala. Prensa, de nuevo. Demostrando de nuevo que hay sectores que se creen por encima del cine que ven, y del cual se nutren.

Obviamente voy a evitar los SPOILERS a toda costa. Pero si, como yo, sois espectadores especialmente cautos, advierto que, sin tocar elementos de la trama, se va a hablar de ciertos puntos que igual preferís no conocer antes de ir a verla. Si no queréis conocerlos parad de leer ahora.

Ojo, que Madre! Juega a la ofensa de manera bastante directa. Y no porque lance imágenes perturbadoras o desagradables. No hay alto contenido sexual. De hecho, es bastante sutil en cuanto a ello. La controversia la traen las formas. Y ahí es cuando uno se da cuenta de que Aronofsky apunta a la yugular.

Pero vayamos por partes y empecemos por el principio.

¿Es Madre! Una cinta de terror? Mas si que no. Pero desde luego no lo es al uso. Y de nuevo es donde las formas son las que acaban definiendo el contenido. Aronofsky rueda la película basándose en el lenguaje y códigos del cine de terror más heredero de (¡adivina!) cintas como La semilla del diablo. El uso de la cámara enfatiza efecto y consecuencia de situaciones que bajo otro enfoque no crisparían los nervios de uno tanto como lo hacen aquí. Y creedme que lo hacen. La peli es tensa de narices, y en ese sentido, para el que podríamos llamar espectador medio funcionará de manera casi subyacente.

También es cierto que será el espectador medio el que, por desgracia, acabará odiando la película por haber ido a ver lo que él creía que sería otra cosa. Sean condicionados o no.

Lo suyo es que, a partir del uso de estas herramientas la película funciona casi como un home invasión. Lo es. Solo que no juega con las mismas reglas que de costumbre. Cámara y sonido exacerban cada detalle hasta tal punto de agresividad que la mas mínima muestra de peligro hace saltar las alarmas. Aronofsky demuestra un pulso narrativo envidiable, manteniéndose además siempre (¡Siempre!) tras el punto de vista de Jennifer Lawrence, que, dado su personaje, aporta el elemento de inquietud, transcribiendo así, los hechos al terreno del absoluto horror.

Y entonces la película EXPLOTA.

Y el espectador abuchea. O no. Aplaude. En nuestro pase (por suerte) fueron aplausos al terminar la sesión. Es innegable que Aronofsky en cierto momento de la película no es que nos pida, si no que nos exige, un esfuerzo para agarrarnos a su planteamiento y seguir adelante con él. Juega con la rotura tanto de nuestros esquemas y expectativas como incluso el de la propia narrativa que llevamos tal vez una hora procesando. Claro, nos salta la aguja. Y con razón. Él lo busca. Pero va más allá de la mera provocación. Mas allá de sacarse una metáfora de la manga a estas alturas, por que de forma más o menos sutil (no especialmente) siempre ha estado ahí. No cambia el qué. Cambia el cómo.

Y es esta bola de demolición la que al final arrastra toda la película. Con todas sus consecuencias. Donde unos verán ruinas, otros verán el inicio de una nueva construcción. Y esto al fin y al cabo es totalmente acorde al tema central de la película. Y a gran parte de la filmografía del director. Hay que tocar fondo para renacer. A todos los niveles.