Lourdes es una joven inmigrante de El Salvador que se ve forzada a trabajar en un restaurante en Estados Unidos. Necesita cuanto antes el dinero que le proporciona dicho trabajo, ya que su hijo se encuentra muy enfermo y no tiene dinero suficiente para la operación. Pronto comenzarán los extraños sucesos en el restaurante que junto con los malos tratos que sufre de mano de sus compañeros harán que la protagonista poco a poco se debilite. Aun así tendrá que seguir. Por su hijo.

Debo aclarar que me voy a limitar a hablar de qué me ha parecido la película y comentaré alguna cosilla sobre ella, pero no quiero contar absolutamente nada de lo que pasa ya que cuanto menos sepáis mejor, esa es la razón, también, por la que he decidido que la reseña sea bastante breve.

Devour:
1. eat (food or prey) hungrily or quickly.
2. read quickly and eagerly.
3. (be devoured) be totally absorbed by a powerful feeling.

Tres veces tuvimos que ver dicha definición (problemas técnicos) y parecía que se nos iba a fastidiar la premiere de la película… totalmente falso.

¿Sabéis de esas películas que mientras la veis pensáis “quiero que acabe, pero no quiero que acabe”? Sí, de esas que sacan nuestro lado más bipolar e incoherente, pues Devoured es sin duda una de esas. La historia nos pone en la piel de Lourdes y es de esta de la que voy a hablar antes que nada. Marta Milans interpreta a la joven inmigrante y se encuentra con un papel, en mi opinión, complicadísimo. Estoy seguro de que no es nada fácil ponerse en el lugar de una madre que puede perder a su hijo. Yo vi en los ojos de Marta, a lo largo de toda la película, dicho sufrimiento. Se le preguntaba por las terribles lloreras que se pega en la película (como anécdota nos contó que pensaba que moría su padre, presente en ese momento en la sala, para sumergirse mejor en esa tristeza), pero hay algo que nos llamó especialmente la atención. Al comienzo de la película hay una escena en la que la madrileña se enfrenta a un plano fijo de casi 2 minutos en el que descarga toda su tristeza, definitivamente, eso solo lo consiguen las grandes.

He destacado a Marta Milans, pero no por ello dejo de lado a Tyler Hollinger o al mismísimo Bruno Gioiello. Casi todos los papeles están perfectos. El único que no me terminaba de convencer era el de Kara Jackson, pero bueno, nada de lo que preocuparse.

Es realmente difícil analizar la película sin mencionar detalles importantísimos para el desenlace del filme, por lo tanto intentaré ser breve e iré al grano: la trama es el punto fuerte, sin duda. La película no necesita unos efectos especiales Hollywoodienses, pero, aún así, lo poco que tiene lo tiene bien puesto. Devoured es la típica película de bajo coste, camuflada como un blockbuster y que pisotea a (casi) cualquier película del género terrorífico o thriller de la sala más grande de nuestro cine favorito. ¿Pasé miedo? La verdad es que sí, de hecho llevaba tiempo sin sufrir dicha sensación por culpa de mantenerme algo alejado del género y fue casi placentero. Los sustos también nos harán saltar de nuestras sillas más de una vez y es aquí donde he visto otro punto fuerte. Yo, sinceramente, le tengo manía a los sustos, de hecho creo que el “miedo” que paso viendo las películas blockbuster-ianas terroríficas no es más que tensión para intentar aguantar el susto que tanto se intuye. En esta no es así, los sustos no son tontas subidas de volumen para dejar a medio público sordo a la vez que se nos sale el corazón por la boca, la clave de los sustos radica en el ámbito visual. Si en algún momento sucede algo alejado del encuadre de la cámara seguramente nos hará ponernos tensos, pero no nos daremos aquellos sobresaltos tontos que vendía (y sigue vendiendo) gratuitamente Paranormal Activity o alguna de sus secuelas.

Ahora haría gustosamente una zona “spoiler” donde aquellos que hubiesen visionado la película pudiesen ayudarme a analizarla un poquito más, pero sé que eso no sería más que una trampa para los demás. No sé si seré el único pero las señales de SPOILER atraen mi mirada de una forma alarmante y ya me han fastidiado más de una película. Sé que Greg Olliver estaba satisfecho de su trabajo y, como pude ver en el estreno, Marta Milans y toda su familia también. Es algo que también se debería valorar pues no todos los directores y actores principales se quedan a gusto después de acabar una película tan importante como es Devoured. Ya está, no quiero hablar más de esto, quiero que la disfrutéis, que la odiéis, que riáis, que lloréis, que paséis miedo, que me critiquéis por ser exagerado o por valorarla con una nota tan baja, pero sobre todo quiero que la veáis. Esta sí lo merece. Ojalá pueda volver a verla en la pantalla grande. De las que no se olvidan.

Lo mejor: El argumento, Marta Milans, lo bien que está planteada la película, Marta Milans, la BSO y Marta Milans

Lo peor: Algunas pequeñísimas incoherencias en un par de trozos (tonterías) y que no va a tener el reconocimiento que merece.

Arboria es una empresa/comuna que proporciona felicidad con misteriosas sustancias y experimentos psíquicos. Uno de sus más reputados doctores, Barry Nyle, anda obsesionado con una de las “pacientes”, una chica muda que no ha llegado a ver nunca el exterior. Los días pasan y los poderes mentales de la bella Elena crecen a la par que el malsano deseo que embarga a Barry. Una espiral de locura y luces estroboscópicas los condenará a compartir tanto la vida como la muerte.

No recuerdo muy bien donde leí que el director de esta Beyond the Black Rainbow, Panos Cosmatos, pasó su juventud viajando por todo el mundo hasta recalar en su Canadá natal para ganarse unas perrillas realizando video-cilps y cortometrajes. ¿Y qué hizo durante su formación como persona allá por el extranjero? Si tuviese que realizar una hipótesis cruel, pero basada meramente en las sensaciones que me ha transmitido éste su debut, diría que se pegó un par de años lamiendo más cartones que Manolo Kabezabolo en los buenos viejos tiempos. Lo que vendría a significar que el bueno de Panos se lo pasó en grande probando todo tipo de ácidos, en sus garbeos por el mundo, a costa del patrimonio de su padre, el también director George P. Cosmatos.

Y como de casta le viene al galgo, ¿nadie se pregunta que producciones caracterizaron al bueno de papá Cosmatos? Pues resulta que este italiano de raíces griegas alcanzó la fama dirigiendo a Stallone en dos de sus películas más cazurras: Rambo II y Cobra. Obritas que, por otro lado, hay que analizarlas con cuidado puesto que son de un estilo “explotativo” (“¡oye, que para eso uno es italiano!”, emitió la tumba del fallecido George P.) que tira “pa’tras”. De hecho tampoco os sorprenderá si os digo que la carrera de Cosmatos paró fulminantemente en 1997 con la sosita Conspiración en la Sombra . Aunque también hay que reconocer que por esas fechas el cáncer ya estaba bien aferrado a sus pulmones; sin olvidarnos de unos inicios que fueron harto prometedores con películas épicas del corte de El puente de Casandra.

Probablemente la fama del padre abrió las puertas de la financiación a una producción que despliega todo el poderío visual de los video-clips de Panos, pero cuyo análisis en profundidad desmonta cualquier tipo de valor cinematográfico en este macro bostezo de casi dos horas de duración. Si no fuese por el peso de su apellido, me atrevo a decir que el estilo sobrecargado e intelectualoide de Panos provocaría la risa maliciosa a las puertas de cualquier productora que se precie. Como decía, nuestro director canadiense ha tenido la brillante idea de verter una serie de reflexiones lisérgicas, carentes de sentido al extrapolarlas de su ámbito alucinógeno, sobre una estética estroboscópica que destripada de la simpatía que nos provoca el nostálgico grano gordo queda en una mera aura de presuntuosidad.

Ubiquémonos, la historia transcurre en un hipotético 1983 donde las ideas hippies-futuristas de la década pasada han cristalizado en una empresa que se dedica a vender la felicidad. Más en concreto, las instalaciones de dicha empresa enmarcan la mayoría de la trama. Hasta ahí ningún problema; es más, los compases iniciales nos ponen los dientes largos con esa música de sintetizador, lo mejor con diferencia, tan acorde a la época y a la frialdad de los entornos que predominan (cristal, plástico, neón, colores básicos sobre fondos blancos). Resulta excitante esa obcecación “Kubrick” por narrar mediante el silencio antes que dialogo real, incluso los personajes son enigmáticos en su presentación. Ahora bien, pasan escasos minutos y no ocurre nada, no ocurre nada, no ocurre nada… y cuando ocurre tiene muy poco fondo y se rueda con una lentitud exasperante.

La historia es tan simple como un científico new-age que pierde los papeles por una de las “residentes”, una chica muda con dudosos poderes telequinéticos y telepáticos. Vamos acompañando a dicho científico chiflado en su degeneración mental, en loa abúlicos juegos mentales que practica cruelmente con el objeto de su deseo. Hasta terminar desvelándose una faceta “slasher” que desentona completamente y está resuelta de una forma que pone en duda el respeto de Panos para con el público. Como diría mi querido compañero Manu: “una pamplina”. Sobre el final no voy a revelar nada, pero cuando experimentas con lánguidas reflexiones filosóficas e intentas dramatizar con elementos fantásticos, un consejo: termina tu crónica con dignidad, no con un tropiezo imperdonable.

Supongo, y por ser generoso, que a Panos le ha podido la falta de experiencia, el deseo de flipar demasiado y las influencias de ese consumo de LSD que seguro ha realizado. A estas alturas de la vida intentar llevar al cine – además con una mezcla de terror y ciencia ficción mediante – los filmes psicodélicos de finales de los sesenta/principios de los setenta, me parece un riesgo que hay que asumir con algo más de veteranía. No me basta con soltar una retahíla de influencias “culturetas”: que si Cronenberg me marcó de pequeñito, que si Odisea en el Espacio, la narración a través de viñetas visuales… ¡pamplinas! Al final, Beyond the Black Rainbow resulta aburrida y algo pedante. La principal responsable de esta pedantería acaba siendo la escena que ejerce de núcleo centra de la película y base filosófica para su título. En concreto, un desvarío visual de casi quince minutos que, a mi parecer, está fuera de lugar. Si queréis un desvarío de verdad, con sentimiento, con gente involucrada en ritos peligrosos, probad con la obra de Kenneth Anger; películas que pese a su autenticidad siguen siendo un poco peñazo, todo hay que decirlo.

La cuestión es que el buen marketing de Beyond the Black Rainbow radica en el acierto sintetizando una época. Como The House of The Devil o The Sleeper, esta película no solo se ubica en la década de los ochenta, busca verse como una cinta rodada en dicha época. Y efectivamente, todo es muy coherente y vistoso, aunque el poder evocador de los colores estroboscópicos, los planos cortos y el “anti tiempo” (parece que pasen entre 0 y 100 años durante las dos horas de metraje) pierde rápidamente el interés tanto por lo excesivo como por lo repetitivo. No me extraña que Panos invirtiese tres años en terminar la cinta. Se nota muy deslavazada y con ideas que no llegan a cristalizar de ninguna forma. ¿Sabíais que hasta podemos disfrutar de androides en esta película? Robots subnormales que no pintan nada en la función. No quiero enlazar la letanía de preguntas que han caracterizado recientemente a un famoso entrenador portugués. No obstante, es lo único que podía susurrar asustado entre bostezo y bostezo.

Por supuesto que alguno dirá que estoy siendo innecesariamente cruel y hasta injusto. Muchos pensarán que no he visto el factor artístico de una película que revoluciona en cierta forma el subgénero “slasher”, vuelve a poner en boga la ciencia ficción humanista, desborda hipnotismo visual y blah, blah… Un servidor es el primero en reconocer que una película con una buena dosis experimental hay que juzgarla con parámetros únicos – he sido muy prudente no hablando de la miríada de molestas incongruencias e incoherencias narrativas –. ¡Hey! Reconozco abiertamente haber disfrutado como un enano de Rubber o Amer (donde el humor surrealista en una y la sensualidad exacerbada en otra justificaban y mucho su existencia), pero lo siento: si me aburro como con Beyond the Black Rainbow soy inflexible. Un patinazo en toda regla cuya tremenda decepción no atenúa ni la cuidada estética, el perfeccionismo técnico o los esforzados actores. Y eso que, en el caso de los actores, os aseguro que se dejan los cuernos en darles a sus personajes una dimensión que no tienen. Al fin y al cabo el guion del mismo Cosmatos los dibuja como seres antipáticos bastante planos, sin contar con esos tres años de rodaje que serían una auténtica locura para los interpretes. Una doble pena, porque estamos ante uno de esos productos que giran únicamente alrededor de dos caracteres, y no se puede dejar tan desnudos a Michael “Barry” Rogers (reputado actor de TV) y a la jovencita Eva “Elena” Allan. Al final su “historia” se torna patética y da algo de risa, así de simple.

Bueno, pues uno que se ha despachado a gusto no os recomienda verla ni evitarla. De personas educadas es admitir que una valoración objetiva sobre un producto tan experimental es cosa de broma. Aquí no hay medias tintas, estoy seguro de que levantará las pasiones de algunos y el odio de otros. Me importa un pepino quien fuese el padre de Elena: ya sabéis cual es mi bando.

Lo mejor: Su ambientación sonora junto a una magnifica fotografía.

Lo peor: El completo delirio visual de quince minutos incrustado en medio del metraje. Uno de los momentos más pedantes y bostezantes de la historia del cine.

Alguna vez, en los comentarios que nos dejáis en Almas Oscuras, he sido testigo de acusaciones referentes a una cierta “crítica blanda” o “ventajosa” con las películas españolas. Por ejemplo, cuando escribí la reseña de la inmensa ¿Quién puede matar a un niño? (1978), varios me acusaron de calificarla de obra maestra simplemente por ser española y, de ese modo, querer ver en ella más valores de los que realmente tiene. En otro caso más reciente, el de la polémica con Rec 3: Génesis (2012), se llegó a afirmar, sin presunción de inocencia ni leches, que a la firmante de la reseña, en este caso Samdra, le habían metido pasta en los bolsillos para que la recomendase hasta el infinito. Es obvio que los que hacen tales acusaciones son unos pocos, y que Almas tiene muchos más lectores y comentaristas que confían plenamente en que nuestras opiniones no están condicionadas por el ánimo de lucro ni por las invitaciones a grandes orgías. Esto es una web de y para fans del cine de terror. Pero está claro que de entre todos los colaboradores puede haber opiniones diversas y no siempre coincidirán con lo que opine el resto de nosotros ni tampoco con vosotros. ¿Por qué todo este coñazo de introducción? Pues porque con XP3D tengo la oportunidad perfecta para demostrar algo a los que no se fían. Aquí, favoritismos con el cine español, ninguno. Allá vamos.

Ha dicho que quieren ser psiquiatras?

Lo primero que choca viendo XP3D es que sus protagonistas estén estudiando psiquiatría. Entiendo que la intención del equipo de casting es la de elegir las cuatro caras guapas y conocidas de la TV (la horrenda TV que nos ha tocado en España, por cierto) para intentar llenar los cines de imberbes y gritonas. Lo que no entiendo es, con todas las situaciones o incluso profesiones y carreras en las que les podían haber metido, han elegido que sean estudiantes de una de las carreras más difíciles. Hasta cierto punto tampoco habría problema, sino fuese por lo estereotipado y fuera de tono que están los personajes. Nuestro grupo de empollones es un selecto club de la media neurona en el que no falta el macarra, la choni, la “seria” a la que le van los macarras, el chistoso cuyo cerebro podría ser hermano del de Homer Simpson y el greñas fan de lo oculto que dormirá con una foto de Iker Jiménez. A ellos se les une la hermana de la “seria”, una chica rarita de las que tienen por hobby suicidarse, sin conseguirlo, dos veces a la semana.

El profesor, uno de esos tan exigentes que tenemos en nuestras universidades, convence a la “seria” para que se marchen de viaje a un pueblo minero llamado Susurro. Supongo que sabiendo que la pandilla estudiantil iba a ir, emigraron hasta las vacas. Así, cuando llegan se encuentran un lugar vacío; una especie de antiguo matadero en el que hacer su trabajo. Llevamos treinta minutos de película y aún no pasa nada. Y eso que dura menos de ochenta.

¡Cuidado! Por fin empieza lo bueno. Por fin empieza la experiencia 3D de terror (con lo del 3D me extenderé luego un poco más). Como parte del experimento, el fan de Iker Jiménez pone a la suicida en una silla enfrente de un ordenador. El fan de lo oculto asegura que ha encontrado un programa “en internet”. A estas alturas no sé si lo que dicen va en serio o de coña, pero poco importa. La suicida mira fijamente al monitor y empiezan a salir, en el 3d más chungo y barato que os podáis imaginar, una serie de ondas de colores que se acercan a ella. Y de pronto, ¡zas!, aparece en pantalla el psicópata de la función, que supongo el director, un tal Sergi Vizcaíno, esperaría que se convirtiese en icono del género, y seguramente así será en las barbacoas que organice con su familia.

A partir de aquí hay más vacío, alguna escena sangrienta que ni fu ni fa, rutina y clichés del slasher teen estadounidense intentado ser (mal) aplicados a nuestro microcosmos poligonero. Y sobre todo, un desenlace ridículo y mil veces visto que cualquiera con media neurona será capaz de adivinar aunque vea la película mientras friega los platos.

La primera película de terror española en 3D

Ahí es nada. Supongo que Vizcaíno no pudo esperar para contar a todos sus amigos lo que tenía entre manos. ¡Una boñiga tridimensional! Todos fliparían, desde luego. Incluso llamaría a esos profesores que no creyeron en él cuando iba al instituto, para restregarles que su momento había llegado. Pero, a juzgar por el cabreo que sintieron muchos espectadores al verla (me da que incluso la borregada a la que principalmente va dirigido el invento no salió muy contenta) puede que tenga que buscarse una nueva identidad, emigrar y empezar de 0. De momento se ha unido a lo que llamo “el club de la chapuza patria”. En él voy incluyendo directores españoles que han intervenido o se han dado a conocer con terror adolescente basurilla, a los que debo temer si me dispongo a ver algún nuevo trabajo suyo. Tenemos a Pedro L. Barbero y Vicente J. Martín, de Tuno negro (2001); tenemos a Carlos Gil, de School Killer (2001); tenemos a David Alonso, de Más de mil cámaras velan por tu seguridad (2003); tenemos a Álvaro Fernández Armero, de El arte de morir (2004). Podría seguir, pero esto sería muy largo.

El uso del 3D, aparte de para sacar pasta a los incautos, tiene un interés muy de autor en la historia: mostrar en relieve las tetas y culos de los jovencitos de moda. Así, el primer susto que nos llevamos lo provoca el culo blanco de Luis Fernández. Justo después, Amaia Salamanca vuelve a demostrar (aunque aquí prefiera quedarse en ropa interior) que va camino ser la típica estrella femenina de nuestro cine: es decir, que vamos a verla en pelotas en dos de cada tres películas. Luego, en un alarde autoral, Vizcaíno ofrece un regalo para deleite de pajilleros: el culo de Úrsula Corberó en primer plano durante treinta segundos. ¡Ah! Y el otro momento más destacado en el que el 3D compensa el precio de la entrada es cuando dan una patada hacía cámara a una rata muerta. Me imagino al responsable del guión junto al teclado, sintiéndose orgulloso por el momento icónico para el terror patrio que nos iba a proporcionar. En fin.

Problemas para vocalizar

Un gran problema, no solo de esta película sino de las series y el cine español juvenil en general, es la dificultad para vocalizar que tienen algunas de nuestras jóvenes promesas. Algunos hablan tan rápido que tienes que rebobinar para entenderles, mientras que otros, directamente, parecen estar masticando determinado órgano sexual mientras escupen sus diálogos. En XP3D tenemos unos cuantos ejemplos de dicha problemática, a la cual parece no querer poner freno nadie. Y yo creo que es porque, al fin y al cabo, muchos de nuestros adolescentes hablan así. Es decir, se entienden entre ellos, al igual que los peces, los gorrinos o las hormigas tendrán sus códigos. Debe ser que los SMS y los programas del corazón han hecho mucho daño a la sociedad.
Para que lo entendáis.

Uno dice: “Pejoesque si nos quedamus vendazezino y nus mata tos”
Traducción: Pero es que, si nos quedamos, vendrá el asesino y nos matará a todos.
Aún así, todavía no ha podido ser superado el “Azezinooooo” de María Esteve en la citada El arte de morir.

Lo mejor: Que puedes recomendársela a un enemigo.

Lo peor: Que seas tú el enemigo al que se la recomienden.

Quisiera agradecer la generosidad del director y guionista de Cell Count, Todd. E. Freeman, por hacernos llegar un visionado en exclusiva de su prometedor thriller de ciencia ficción y horror. Espero que sepáis entender, por esta exclusividad, mi falta de detalle en la reseña con respecto al argumento. ¡Gracias Todd!

Sadie está muy enferma, se va consumiendo poco a poco. Su marido, Russell, accede a la petición del Dr. Brandt. Así se interna con Sadie en una institución donde tiene lugar un tratamiento experimental que apenas entienden. Junto a otros sujetos, la pareja irá descubriendo que algo falla. Sienten un error dentro de ellos, aquel hospital casi parece una cárcel y sus compañeros de tratamiento están tan tristes y confusos como ellos. Sin respuestas claras lo único que perciben es como el Dr. los lleva hasta un mundo en que la enfermedad y la realidad dejan de cobrar sentido. Cansados de esperar un por qué, la pareja planea escapar de las instalaciones, es entonces cuando la falsa quietud de aquellas celdas revela su verdadero y deformado rostro.

Cell Count es sin paliativos una de las cintas de terror más prometedoras de este 2012. No solo por su inmediato valor argumental – aunque la situación de partida no es muy nueva, su tratamiento es absolutamente innovador -, si no por una serie de detalles que la convierten en un producto auténtico y sumamente entretenido. Siendo la primera y última capa de interés una mezcla de géneros dispares que luce equilibrada como desde hace tiempo no había podido disfrutar. Algo que quiero recalcar puesto que vivimos unos tiempos en los que el terror está aprendiendo a sobrevivir gracias a la “fusión”. Los géneros puros son recibidos con dureza por la taquilla, probablemente la principal razón para que muchos directores se dejen llevar y manipulen los guiones que tienen entre manos hasta convertirlos en una mezcla forzada y poco natural. Aquí el director de Cell Count, el joven Todd E. Freeman, sabe darle la vuelta a la tortilla a su particular cóctel, orquestando una deliciosa bebida fílmica que entra muy suave pero que sube con etílica rapidez.

Usando una idea base más propia de un thriller carcelario, va desgranado una historia de suspense psicológico con unas pinceladas de drama y que navega constantemente entre el terror más puro y visceral con la ciencia ficción más retorcida. Todo a un ritmo medido en que cada escena está colocada donde debe, y la ambientación envuelve un preciso trabajo coral por parte de los actores. ¿Cómo regalo? Un final que a nadie dejará indiferente, un giro de los acontecimientos que son toda una guinda para los amantes del horror fantástico, porque sin lugar a dudas Cell Count es todo un homenaje cinéfilo a los géneros tradicionalmente marginados del séptimo arte. Un tributo alejado de la nostalgia y con su radar puesto en el perfeccionamiento del discurso. Todd tiene claro que al otro lado de la pantalla nos contemplan seres inteligentes – el público -y la única misión de su cinta es satisfacer honestamente a esos espectadores que no tienen miedo de involucrarse emocionalmente con una obra de ficción.

Lo primero que impresiona de Cell Count es la intensidad de sus actuaciones. Más allá del argumento, la excelente planificación arropa a los actores ofreciendo un muestrario ideal de lo que puede conseguir una esforzada dirección artística dentro de un thriller. Los planos añaden la tensión, y las sentidas declamaciones de los actores cimientan una dimensión dramática que obliga al espectador a sumergirse en los pequeños horrores de unos protagonistas enfermos, confusos, pero muy vivos. La pareja protagonista, Russell y Sadie, son los guías ideales de una trama que va volviéndose más y más compleja hasta cobrar verdadero significado a su conclusión. La expresividad y presencia física de Robert McKeehen y Haley Talbot, respectivamente, nos sumergen en la narración con naturalidad. Dos actores que no son muy conocidos en España, pero que se revelan excelentes profesionales. Dupla de actores que está bien arropada por el resto del elenco, ni siquiera la presencia como “estrella invitada” por parte de Daniel Baldwin afea el conjunto, de las pocas veces que se ha visto creíble al miembro del famoso clan. Destacando por encima de todos los secundarios encontramos a Christopher Toyne – director y productor muy metido en el mundillo del documental musical – que en su rol de Dr. Victor Brandt da todo un recital de intimidación, manipulación y confusión.

Probablemente ayude a la intensidad estas actuaciones, el marco donde se desarrolla la acción: La institución, muy similar a una cárcel, que acapara el 100% de la acción, es tan sobria y fría que Todd consigue de forma espontánea centrar toda la atención del público en el desarrollo de la intriga. La claustrofobia llega con el inteligente uso de la iluminación, una claridad aséptica que trae reminiscencias de Cronenberg y las refuerza con una fotografía que se empeña en no esconder nada. Una capacidad de evocación que se reafirma constantemente con los extraños momentos que se van viviendo. Cuatro escenas puntuales dinamitan todo lo que creemos estar viendo, para elevar nuestra adrenalina a niveles prohibidos clínicamente. Como os comentaba más atrás, en ningún momento se renuncia al terror más básico y primigenio. Pese a ser una cinta orientada a lo reflexivo, a la interrelación entre personajes y la elucubración científica; Cell Count adquiere su verdadera personalidad cuando asoma los colmillos y nos muerde sin piedad. De hecho, es la inclusión de esos elementos de terror tan puros y variados (bien sean humanos, basados en la especulación o dirigidos casi al gore y al fantástico más alocado) lo que convierten a Cell Count en una experiencia única capaz de satisfacer a tantos niveles.

Otra cosa es que tamaña variedad de atmósferas en solo hora y media obliga al espectador a dar bastante de sí. Es decir, tampoco estamos ante una película completamente digerida. A nivel de trama existen momentos puntuales en que la confusión de los personajes, sobre su estado y situación, se traslada sin piedad al público, obligando a tomar varias copas de paciencia y no agobiarse por la aparente falta de rumbo de la parte central de la cinta. La verdad que fijándose en pequeños detalles y disfrutando de las escenas más directas uno puede llegar hasta la conclusión de Cell Count sin mucho problema, así descubrirá que está ante una de esas maravillosas cintas que cobran vida propia cuando acaban. Todd juega tanto con el estilo narrativo como con la morosa construcción de su guión, pero solo responde a la premisa de que cualquier aficionado que vea la película con atención quiere una pequeña dosis de incógnita en el metraje, para formularse preguntas y teorías sobre lo que está viendo. Dudas que son respondidas en los últimos minutos con un giro arriesgado, uno de esos vuelcos de la trama que odias o amas. Siendo honesto he de decir que un servidor no lo esperaba en absoluto, lo cual acaba siendo un valor añadido a tener en cuenta.

Espero que estas breves pinceladas sobre Cell Count os hayan puesto los dientes largos. Honestamente, no es para menos. Todo alcanza muy buen nivel en Cell Count desde la imprescindible y atmosférica banda sonora hasta unos efectos especiales, que presentan una de las escenas más asquerosamente biológicas que he haya visto nunca, con un realismo digno de elogiar para una producción independiente. Un triunfo técnico que logra no desmerecer una faceta artística muy trabajada, sobre todo en cuanto a labor actoral se refiere (¿unos diálogos creíbles y sentidos? ¡No busques más!).

Todd E. Freeman ha dado un paso de gigante desde sus anteriores producciones (Wake Before I die, Come Hell or Highwater) y puede presumir de haber realizado una película que resucita el espíritu más sucio y visceral de Cronenberg (sexualidad perversa incluida) con la vitalidad del discurso de Natali, siempre sin olvidar el sabor único de una voz propia, que aquí vendría a ser representada por ese aire onírico subyacente que da pie a un final trepidante, inesperado y jodidamente coherente. El mejor resumen de lo que esconde Cell Count lo tenéis embebido en el póster que tanto llamó la atención de la película, un collage de imágenes que sintetizan a la perfección lo que encontraréis en este largometraje.

Este próximo 20 de Mayo se celebrará la première mundial de Cell Count en la gala de clausura del Fantaspoa 2012, festival brasileño que resulta un adecuado punto de partida para la carrera de éxito que seguro vivirá esta pequeña joya que resucita viejas formas de horror sin falsa nostalgia y con el hígado del público como principal objetivo. Cine de terror moderno sin contemplaciones.

Lo mejor: El trabajo coral de los actores.

Lo peor: Su exigencia con el espectador.