En 1989, una enajenada joven de 16 años llamada Lara Hill (Eleanor Tomlinson) se adentró junto a su padre (Stephen Rea), un historiador de arte, en un abandonado castillo atravesando la “Cortina de Hierro”. De un acccidente de coche en las afueras del castillo surge la enigmática y bella Carmilla (Julia Pietrucha). Es entonces cuando las dos jóvenes inician una relación tóxica; pero cuando Carmilla desaparece misteriosamente, las heridas mentales de Lara erupcionarán en una pesadilla viviente que consume desde años a la ciudad de Styria.

Hay una cosa que, de entrada, adoro de Styria, y es que un proyecto de esta naturaleza “requiere arriesgarse”; y eso, en cierto modo, suele demostrar la pasión y el esfuerzo que uno pone en el trabajo que realiza. Mauricio Chernovetzky y Mark Devendor afirman ser dos grandes fanáticos de la obra de Le Fanu, Carmilla, novela que inspira la película que hoy nos ocupa. Una obra literaria que he defendido a capa y espada en varias ocasiones y que dio orígen a la que actualmente es una de mis películas favoritas de comienzos de los 70: Lemora, un cuento sobrenatural. En conclusión, era prácticamente inevitable que me fijara en Styria. Sin embargo esa fijación personal por la obra de Le Fanu también comporta un riesgo: suelo mostrarme, quizás, demasiado exigente con este tipo de producciones. No obstante intuyo que Styria propone otro tipo de giros a los habituales cuando se trata de adaptar Carmilla. Más allá de la inocencia corrompida por un ente oscuro y sensual, Styria parece decantarse por el terror psicológico de una mente inestable y lo dificultoso de convertirse en una mujer en un momento insano y tenebroso, cuyas reminiscencias dieron lugar a grandes clásicos del género de casas encantadas como The Innocents. Es posible que esta perspectiva que parece tomar Styria reste parte de esa potencia sexual, lésbica y explícita que contenía la obra de Le Fanu (recordemos que la película de Richard Blackburn, Lemora, fue censurada por contener una escena sexual lésbica con una menor de edad), lo que no implicaría un inconveniente en sí mismo siempre y cuando se supla con ingenio, sagacidad y se sepa sugerir lo debido (véase la propia Lemora, cuya escena sexual anteriormente mencionada jamás vió la luz, y sin embargo la película sigue siendo una genialidad con todas las letras).

La robótica ha sido uno de los temas predilectos del cine desde tiempos antediluvianos, sobre todo desde aquel clásico alemán, Metrópolis (1927) – una película nacida por y para el futurismo, todavía hoy plenamente vanguardista –, la cual es objeto de homenaje por la película que hoy nos ocupa, The Machine, con opulencia y reiteración. Con el paso de los años a Metrópolis le sucedieron cientos de clásicos, desde la saga Star Wars, al Blade Runner de Ridley Scott (con el que también encontramos ciertas similitudes con The Machine), la saga Terminator y por último A.I. Inteligencia Artificial, película con la que Steven Spielberg se alejaba del cine de acción para indagar en un concepto mucho más dramático: el del robot que quiere ser humano (además de desarrollar el concepto de “empatía” de una manera excelente). El gran logro de The Machine ha sido aportar su granito de arena dentro de un subgénero abarrotado, aun cuando muy a su pesar no deje de ser casi como un Metrópolis de nueva generación, pero siempre destacando que Caradog W. James juega sus cartas meritoria y minuciosamente.

The Machine es una película muy inteligente. Puede parecer que partimos de un guión alocado, que se mueve sin mesura; cuando en realidad la película gira en sentido rotundamente contrario. La premisa parte de una guerra fría. Una guerra tecnológica, mediada por el hombre, que sitúa a The Machine en el mejor escenario posible: una distopia cuyos avances tecnológicos se ven como la solución al conflicto; pero que finalmente acaban revelándose como la causa principal del mismo. En el fondo The Machine es una crítica tanto al hombre como al uso indebido de la tecnología. Ese hombre déspota y egoísta incapaz de sentir la menor afinidad por nada más allá de su propia y ruin existencia. Ese hombre que opta por luchar con máquinas porque no es capaz de afrontar y solventar los conflictos por sí solo. Y ahí es precisamente donde entra el concepto de “La Máquina”, un artefacto que no es humano pero que acabará ofreciéndole al frívolo mundo en el que ha sido creado una lección de humanidad. Asimismo otro de los ambiciosos objetivos de The Machine es el de redefinir el concepto de “ser humano” por medio de lo que se conoce como “cyborg”, logrando su objetivo y demostrando, nuevamente, poseer un guión inteligente y bien escrito.

Con una larga historia de muertes inexplicables y fenómenos paranormales a sus espaldas, la fantasmagórica localidad de King Ransom debe su celebridad al hecho de ser considerada como uno de los lugares encantados de Norteamérica por antonomasia. Liderados por Theresa Augland, un grupo de seis investigadores paranormales abren las puertas de la bodega para iniciar la búsqueda de pruebas de sucesos paranormales. A través de recuerdos enterrados durante años y profundos y oscuros secretos cociéndose en la superficie, aprederán, a través del terror, que incluso los fantasmas de la bodega temen a algo mucho más siniestro que aguarda desde generaciones.

Espeluznante, excéntrica y doblemente espeluznante. Aunque el argumento pueda sonar típico, olvidad la presunta falta de originalidad; porque si hay algo que tiene Altergeist de novedoso son sus extrañas imágenes capaz de dejarte un tanto descolocado… Además de tratarse de una historia sobrenatural con tintes de ciencia ficción (como suena, tal cual) que, para mi sorpresa, está basada en hechos reales. Como bien os podéis informar en la página web oficial de la película, la bodega de Kings Ransom es real, y se encuentra en el idílico valle de Russian River. Incluso el productor Aaron Heck afirma haber presenciado extraños fenómenos a lo largo de sus vivenvias en la bodega en la cual se inspira Altergeist.

Un día antes de la boda, la extensa familia al completo y los más allegados amigos de la pareja ideal formada por Robbert y Rosemary, se reúnen para cenar. La hecatombe matrimonial está a punto de iniciarse. Cámaras en marcha, presentación de personajes, todo el mundo ebrio, futura esposa durmiendo en una habitación separada y, de repente, el novio, la dama de honor y el hermano borracho jugando a “quién se vuela los sesos en primer lugar”. Una situación de partida ingeniosa e inteligente.

¡Arrolladora! Sin lugar a dudas, ese sería mi calificativo para resumir a esta pequeña joyita titulada Shotgun Wedding, desgraciadamente olvidada entre tanto bodrio filmado con cámara en mano. Es curioso, pero a veces me da la sensación de que son los peores found footage los que llegan a un público mayoritario. Hemos sido muchos - yo mismo me incluyo – los que nos hemos cebado con producciones tan horrendas como The Jungle, Aréa 407 o cualquier deleznable producto taquillero a la sombra de la saga Paranormal Activity; y sin embargo ahora me llega el momento de reseñar un found footage por el que de verdad ha merecido la pena invertir mi tiempo, y ni una sola alma la ha visto. No estoy diciendo que Shotgun Wedding sea una película perfecta, pero el entretenimiento está más que asegurado; y es realmente triste ver como películas de similar catadura, como la mencionada The Jungle, gozan de mayor alcance y distribución.

Atención: no hemos encontrado póster oficial para la película Greatful Dead, de Eiji Uchida.

Todos estamos solos.
Uno debe pasar la mayor parte del tiempo luchando
una batalla contra si mismo hasta su muerte.
Una batalla en soledad que nunca culmina.
No me rendiré jamás.

Con estas bellas palabras se define a si misma Nami, protagonista y villana de Greatful dead. Un personaje inmerso en el pozo de la obsesión más radical, pero que sabe emerger y deleitarnos con una de las críticas más humanas y grotescas que recuerdo. ¿Matarías por un abrazo?, ¿una caricia?, ¿un beso?, ¿o quizás una segunda oportunidad? Han sido muchas las ocasiones en las que el cine ha pretendido que los odiosos villanos se conviertan en verdaderos héroes o incluso en mártires a los que - por mucho que les duela a las víctimas que los tuvieron que sufrir – mitificar e incluso añorar. Sin embargo, aun cuando esa imagen manida del villano redimido sea la que puede aparentar en un primer momento la película del japonés Eiji Uchida, hay algo realmente nuevo en Greatful dead que la hace diferente; algo poético y abstracto. Algo mucho más sensible y ligero que Audition (Takashi Miike, 1999), pero siendo lo suficientemente agresivo como para sobrepasar con suma facilidad la frontera del telefilm. Greatful Dead se encuentra en una especie de estadio intermedio, poco definido, histriónico y con mucho que ofrecer.

Adoro Penumbra, la penúltima película de Bogliano. Ya sé que no viene al caso y que la película dividió en su momento a la crítica; pero no daba un duro por ella - ni un mísero centavo – y al final resultó ser una de las mejores y más especiales películas que vi durante aquel 2012. Lo que precisamente hace que sea todo un misterio el hecho de que Here comes the devil sea de lo peor que he visto durante el 2014 en curso.

Here comes the devil logró engatusarme. Un prometedor tráiler, seguido de un buen número de críticas que han llegado a puntuar la película incluso con la máxima puntuación y siempre poniendo de manifiesto los parecidos existentes entre la obra de García Bogliano y la adaptación cinematográfica que Peter Weir realizó de Picnic en Hanging Rock (obra de la que me considero todo un fanático)…; a pesar de que en cierto modo sonaba demasiado utópico, todo apuntaba a que Here comes the devil iba a ser una de las grandes películas del año. Sin embargo…

Here comes the devil se vende estupendamente, pero a la hora de la verdad es muy vaga y bastante pobre en todos los sentidos. Es cierto que se mantiene fiel a las anteriores películas de su director. Bogliano sigue apostando por ese “sexplotation” marca de la casa, sigue apostando por el entretenimiento y sigue manteniendo ese estilo setentero tan encantador; pero lo que realmente importa es que lo prometido… acaba siendo una payasada. No es la obra maestra arriesgada y deslumbrante que se esperaba ella. En realidad es una banalidad poco original y tontorrona de estructura laxa y lábil.