Lo que hace Alfredo Montero en La cueva es un logro en el muestrario cinematográfico español que no puede ni debe pasar desapercibido. Lo es porque nace de la escasez de medios y aún así es capaz de sobrevivir a un incómodo rodaje, sometido a las duras condiciones de una localización limitada y prácticamente intransitable, e incluso amoldarse a un remontaje que solo conserva unos 40 minutos del metraje original tras su paso por el Festival de Sitges en 2012, donde llamó la atención de Morena Films, que accedió a producir la película a cambio de realizar varios ajustes. Con el equipo en marcha rodando nuevo material para su segundo montaje, La cueva se presentó de nuevo a festivales llevándose galardones en Málaga y Nocturna, propiciando un posterior – aunque discreto – estreno en salas.

El director y guionista (entre muchas otras funciones que equipara en la película) llevó a su sufrido elenco al extremo para rodar un material que se antojara lo más realista posible. “Primero fue la cueva y luego el guión”, palabras que Montero repite en varias entrevistas y que fortalecen la relevancia de un espacio natural que no solo es testigo de su historia, es el epicentro de una idea valiente y su correspondiente arriesgada puesta en escena. Probablemente el resultado no habría sido el mismo de no ser por ese desgaste físico y emocional que sufrieron los actores (y el realizador) durante el rodaje, traducido en inevitables magulladuras, golpes y heridas al interactuar con un espacio tan estrecho como la gruta. Y es precisamente esa agonía que circula entre actor-personaje con la misma fluidez que lo hace entre punto de vista-espectador, lo que convierte a La cueva en una experiencia intensa como pocas se han visto últimamente en el reciente cine español.

La primera película de terror venezolana no es solo una buena noticia para la producción cinematográfica del país (fue líder de taquilla en su estreno), sino que es además un más que notable acercamiento al subgénero ambientado en casas encantadas. En los últimos años hemos sido testigos de un incremento de producción de cine de terror latinoamericano, con una presencia cada vez más numerosa en festivales de género e incluso despertando la atención de la industria estadounidense que ya ha llevado a cabo remakes de cintas como La casa muda (Uruguay, 2011) o Somos lo que hay (México, 2010). Certámenes como Sitges, la Semana de Donosti, TerrorMolins o el Fanter han programado en sus recientes ediciones títulos con más o menos éxito como Juan de los muertos (Cuba, 2010), Ahí va el diablo (México, 2012), El páramo (Colombia, 2011), La memoria del muerto (Argentina, 2011), Magic Magic (Chile, 2013), Sudor frío (Argentina, 2011) o 2/11 Día de los muertos (Argentina, 2012), entre muchas otras. Películas que se aproximan al cine fantástico y al terror desde perspectivas muy distintas y aprovechan para plasmar realidades sociales y culturales de su territorio.

El debutante Alejandro Hidalgo se hace cargo en La casa del fin de los tiempos de todas las tareas, desde dirección a producción, en una película que se mueve entre el melodrama telenovelesco familiar con tintes de cine social, el misterio, y el terror sobrenatural de estética cercana a títulos como Los otros o El orfanato. Su punto fuerte es un guión que nunca es lo que parece, que reta a aquel espectador que resopla en los primeros compases cuando ve venir la misma historia una vez más.

Una vez más el Parc Audiovisual de Catalunya, contiguo al Hospital del Tórax de Terrassa, sirve de escenario para el rodaje de una producción española de género fantástico. Se trata del debut en largo del realizador Marc Carreté con un guión a cuatro manos entre el mismo y Mike Hostench, subdirector del Festival de Sitges.

Asmodexia narra en clave de cine de terror 5 días en la vida de Eloy – un veterano pastor evangelista – y Alba – su nieta adolescente -, quienes practican exorcismos en el área de Barcelona. Es el primer largometraje de Carreté, cuya previa filmografía como cortometrajista incluye los títulos Mal cuerpo y Castidermia, estrenados en el Sitges Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya (2011 y 2012 respectivamente) y otros certámenes de género como el Cryptshow de Badalona. El reparto está formado por el veterano Lluís Marco (La voz dormida), la joven Clàudia Pons (Elisa K) e Irene Montalà (El barco) en papeles protagonistas, así como Marta Belmonte, Pepo Blasco, Silvia Sabaté, Marina Duran y Mireia Ros como secundarios.

Asmodexia es el primer título respaldado por la nueva productora liderada por el empresario Emili Pons, Ms Entertainment, dedicada a la realización de proyectos cinematográficos de género fantástico (terror, ciencia ficción, fantasía) con miras al mercado estatal e internacional. Poco pudimos averiguar sobre la compañía más allá de que se encuentran en fase de desarrollo de varios proyectos, tanto largometrajes como cortos o series de ficción y otros formatos de género fantástico. La entidad abrirá ventanas a nuevos formatos de distribución como el VOD y se unirá a la escena de producción de género estatal por la que ya transitan Nostromo, Rodar y Rodar, Roxbury o Filmax. Además del empresario Pons, Mike Hostench colaborará con la productora en las conexiones con el mercado internacional.

Basta darse una vuelta por su cuenta de Tumblr y Twitter para confirmar que Adam Wingard es un tipo muy atraído por el fetichismo. Mujeres desnudas, calcetines hasta las rodillas y luces brillantes de fiestas navideñas son sus mayores objetos de deleite, todas con notable presencia en su filmografía desde los primeros cortos. Ya en aquellos resulta interesante el gusto del cineasta por experimentar con la imagen y la narrativa. La trilogía de cortometrajes “Forget My Meds” formada por: Laura Panic, Cerebella y Her Name is Laura Panic es un buen ejemplo de ello, tres piezas interconectadas a través del retrato de mujeres mentalmente inestables que fantasean en un plano de existencia surrealista (una de ellas cree firmemente que su novio es un extraterrestre, otra sufre insomnio y la restante vive asediando a un hombre que ni siquiera conoce). Los tres títulos - junto a otro de sus primeros cortos, 1000 Year Sleep – , comparten ecos de enfermedad, paranoia, violencia y un uso introspectivo de la voz en off que se repetirá después en dos de sus largos, Pop Skull y A Horrible Way to Die, extensiones más profundas y ampliadas de ese carácter oscuro, enfermo y perturbado.

Curiosamente, Pop Skull, un viaje terrorífico y paranoico por una mente depresiva en el que Wingard juega con filtros de imagen y sonido en un montaje alucinatorio (algunos críticos han apuntado la influencia de Lynch o Gaspar Noé en sus trabajos); y A Horrible Way to Die, un thriller-drama intimista alrededor de la figura de un serial killer en la línea formal de la anterior pero sin la sobredosis de LSD de aquella y con un uso de cámara temblorosa acorde con la psicología de la protagonista, están escritas por dos de las personas que más han contribuido al trabajo del realizador: E.L. Katz y Simon Barret. Y digo curiosamente porque pese a ser dos guionistas distintos, coinciden en dos libretos con muchos puntos en común que, a su vez, difieren por completo tanto del primer largo del director, una más cachonda y gamberra Homesick (escrita por Katz), un aparente trabajo más amateur con interpretaciones deplorables a excepción de los dos invitados de lujo, Bill Moseley y Tom Towles, que guarda sin embargo un brillante despliegue de gore artesanal; y Autoerotic, escrita por el mismo Wingard codo a codo con su amigo y compañero de reparto Joe Swanberg, una mirada exageradamente irónica y (nuevamente) fetichista a las dinámicas del (auto) placer sexual. Ese tono más cómico presente en Homesick o Autoerotic encuentra su máximo esplendor tanto en la definitiva You’re Next como en la pieza incluida en la antología del terror de The ABCs of Death, que para mí resume a la perfección el estilo del binomio Wingard-Barret con guiños al fetichismo cinematográfico de Wingard y la mejor versión del absurdo sentido del humor irónico y sarcástico de Barret (su Twitter es una máquina constante de cinismo). Otro caso a parte es el del proyecto conjunto de V/H/S, lo más cerca que ha estado Wingard del horror puro y el trabajo más directo a los fans hardcores del género.

En el remake de 2005 del clásico de Carpenter, Asalto a la comisaría del distrito 13, Ethan Hawke se metía en la piel de un joven sargento encargado de cumplir su deber con la justicia y defender una vieja comisaría atacada por un grupo de policías corruptos con asuntos pendientes. En The Purge, una cinta que tiene muchos puntos en común con aquella maravilla original de uno de los genios del terror moderno, es el mismo Hawke quien se ve encerrado en casa junto a su familia haciendo frente a las violentas amenazas de un grupo de sádicos dispuestos a aprovechar al máximo la tregua legal que les concede el sistema durante una noche. Doce horas en las que las calles de Estados Unidos se convierten en un campo de batalla y cualquier tipo de violencia hacia el prójimo no solo está justificada con total impunidad y respaldada por el mismo Presidente, sino que además se concibe como una medida necesaria, un canalizador de ira que supuestamente reduce el índice de criminalidad durante el resto del año. Vamos, una puta locura.

Una salvajada que, desgraciadamente, no dista mucho del nivel de noticias macabras y sucesos que nos llegan a diario desde la capital del mundo. En ese sentido, The Purge juega con una lectura crítica de moralidad ambigua pues sitúa al espectador en un contexto de ficción anárquica y preocupante pero provoca al mismo tiempo alto grado de morbo y curiosidad malsana. De hecho, así lo demuestran las cifras de taquilla que han multiplicado por 10 el presupuesto de la película en su estreno americano.

Fotografías cedidas por Tyrannosaurus Entertainment.

El pasado viernes 5 de julio tuvo lugar una proyección de Thanatomorphose en El Círcol, enclave que albergó durante cinco jornadas el Cryptshow Festival, escaparate de cortometrajes de terror, fantasía y ciencia-ficción en Badalona. Muy buena entrada para una sesión gratuita que contó además con la inestimable presencia del guionista, director y productor de la película, Éric Falardeau, quien se dirigió al público en un casi perfecto catalán agradeciendo su presencia.

Tras la proyección, gran parte de los asistentes se acercaron a El Refugi para compartir una charla con Eric y asistir a la presentación del DVD con la presencia del equipo de Tyrannosaurus Entertainment y nuestro compañero Joan Lafulla, capitán de Almas Oscuras. Ambos han unido fuerzas para sacar adelante esta primera edición mundial de la película. Por lo que pudimos saber, la convocatoria fue un éxito, se vendieron todos los DVD’s disponibles y Éric se mostró encantado de firmar y intercambiar unas palabras con cada uno de los presentes.