Con motivo del pase de Thanatomorphose hoy mismo en el marco del Cryptshow Festival de Badalona (a las 17h), y la posterior presentación del DVD de la película, reeditamos la reseña de nuestra compañera Samdra.

La muerte, para muchas culturas, incluida la nuestra, sigue siendo un gran tabú. Enfrentarse a su sentencia y a todo lo que ello conlleva genera angustia e incomodidad para la gran mayoría de los mortales. El vacío existencial, la distancia entre cuerpo y alma, lo físico y lo tangible por un lado y la nada. Todos esos conceptos filosóficos, que a un nivel espiritual, forman parte de un gran misterio indescifrable. Pero, ¿y qué hay del cuerpo? El cuerpo es nuestro enlace directo con la vida, es a través de él por donde experimentamos el placer y el dolor. Incluso muertos, muchos optan por la incineración, que –simplificando- es la no tolerancia a la idea de la descomposición orgánica del cuerpo. Las heridas del cuerpo provocan sufrimiento porque nos conectan con la muerte, del mismo modo que el placer sexual (otro tema tabú) lo hace con la vida. Sexo, vida y muerte, tres conceptos que dialogan entre ellos y a los que el debutante Éric Falardeau recurre en esta inspirada y extrema historia de muerte en vida no apta para todos los estómagos. A modo de apunte, Thanatomorphose se llevó el premio a Mejor Película según el jurado de la reciente edición del Festival de Cine de Terror de Molins de Rei.

Lo fácil en una cinta como Stitches sería empezar la reseña echando mano al registro de payasos terroríficos y psicóticos que nos han traumatizado durante años detrás de la pantalla. Desde el célebre Pennywise hasta la enésima aproximación cinematográfica a la figura del perturbado Gacy. No será este el caso, básicamente porque el psycho-killer al que da vida Ross Noble en Stitches tiene más del sarcasmo y los chistes malos de Freddy Krueger que del halo sobrenatural del IT de Stephen King. De hecho, la película en general le debe bastante a la pesadilla de Wes Craven en Elm Street: target de víctimas, personalidad del asesino, guiños al “Hypnocil”, motivos e incluso algún que otro pasaje onírico salvaje y sangriento que remite a los sueños invadidos por Robert Englund.

Siendo la venganza uno de los motivos recurrentes en los libretos de cualquier slasher al uso, McMahon – un tipo que deja patente su amor por el género y una más que destacable retorcida imaginación – no se rompe mucho en cambio la cabeza a la hora de hilvanar una trama simple que sirva de mera excusa para potenciar los tres pilares sobre los que se construye Stitches: el humor negro, el gore y la interpretación de Ross Noble. Cualquier otra lectura o expectativa ante una película de presupuesto y filosofía de serie B no se ajustará a las pretensiones reales de la cinta irlandesa, dejando al descubierto unas carencias a nivel técnico y, sobretodo, interpretativo, que no le dejan ser la obra definitiva de payasos asesinos (¡con culto sectario incluido!) que estábamos esperando.

Texto: Samdra. Fotos: Andrea Nieto.

Aprovechando el estreno de su segunda película, Los últimos días, nos citamos con los hermanos y directores David y Àlex Pastor en Arc del Triomf, emblemático enclave de la misma Barcelona que exponen sucia y desolada en su relato post-apocalíptico. Allí hablamos del largo y complicado proceso de creación de la película, los pormenores de un rodaje ambicioso, del cine apocalíptico, de sus experiencias en las Américas y, por supuesto, de Barcelona.

Sus primeros recuerdos fantásticos se remontan al Alien de Ridley Scott y a Kubrick y su odisea en el espacio. Formados en el séptimo arte entre la ESCAC, la universidad Pompeu Fabra y la de Columbia, aunque ambos coinciden en apuntar que la verdadera formación es la del rodaje en práctica. Capaces de nombrar a Spielberg, Kurosawa, Scorsese o Clint Eastwood entre la lista de sus directores predilectos, y al mismo tiempo sacar a relucir la secuela de Hostel en plena conversación. Tras su debut con Carriers, recuperan la temática post-apocalíptica, pero no solo de pandemias viven los Pastor…

¿Os preocupaba que la gente tuviera esa percepción?

David: Entiendo que, desde fuera, pueda verse como que repetimos de nuevo el mismo tema que Carriers. Pero el mundo del cine es así, tu escribes muchos proyectos y después son las leyes y la demanda del mercado las que deciden que unos se hagan antes y que otros quizás ni lleguen a hacerse o tarden mucho más tiempo. De todos modos, Carriers y Los últimos días son películas muy diferentes, ni siquiera son del mismo género: una es un thriller dramático con elementos de terror y la otra se acerca más al cine de aventuras. La primera está ambientada en una zona rural y en espacios abiertos, la segunda es más urbana y se concentra en lugares cerrados. La primera es muy pesimista y la segunda es mucho más optimista. De hecho, es como si hubiéramos intentado hacer justo lo contrario.

Àlex: Sabíamos que nos enfrentaríamos a ello, pero para nosotros tenía mucho sentido que la película fuera hacia ese lado, era lo más coherente y la mejor manera de desarrollar la trama. No nos lo planteamos como idea de hacer otra película post-apocalíptica, sino que surgió de las propias necesidades de la historia.

Os recordamos que Los últimos días, de los hermanos Pastor, se estrenará en las salas de cine españolas el próximo 27 de Marzo.

La semilla que plantaron los hermanos Pastor muchos meses atrás con aquel poster promocional de una Barcelona devastada y desolada, humedecía el paladar del ávido degustador de escenarios postapocalípticos. David y Àlex ya habían flirteado con la temática pandémica en su debut de rostro americano con Carriers (Infectados), pero esto era distinto, porque estos últimos días iban a tener lugar en nuestras calles. Tan cercano que se antojaba imposible reprimir la curiosidad y la emoción de comprobar el aspecto final de disaster movie que los directores catalanes tenían previsto imprimir sobre la ciudad condal. Solo con eso ya tenían media carrera ganada. Hay que añadir a la expectativa, además, la encomiable destreza mostrada en la realización de Carriers así como la singularidad narrativa del excelente cortometraje dirigido por Àlex en el palíndromo ciclo vital de La ruta natural. Una expectación, en resumidas cuentas, ante el cultivo del fantástico y terror español, del que tanto hemos hablado ya en este portal, tan laureado y ensalzado más allá de nuestras fronteras, y cuyo registro de nombres no hace más que dilatarse.

Tres años han sido necesarios para completar un proyecto cuya máxima ambición era convertir Barcelona en un páramo de calles desiertas, comercios vacíos, humo y ceniza, vehículos abandonados y mobiliario urbano destrozado. Como una resaca de victoria azulgrana llevada al extremo de la extinción. Es en ese aspecto donde los hermanos Pastor mejor reciclan la espectacularidad del cine americano y logran con excelente resultado convertir la destrucción en algo atractivo a ojos del espectador, fascinado por lo abrumador de su estética y por los lazos que le unen a esos espacios habitualmente transitados. Aún así, quepa avisar que no estamos ante un reportaje de Callejeros Viajeros y la gran parte de su metraje se desarrolla precisamente en lo opuesto a las panorámicas que contemplan el Arc del Triomf, las torres Mapfre o la Diagonal, ya que sus personajes se ven obligados a avanzar a través de una extensa red de túneles de metro potenciando así las sensaciones de agobio, claustrofobia y aislamiento.

Tres minutos. Un plano secuencia. Cuatro frases. Dos niñas. Un espacio tenue y claustrofóbico. Y una entidad sobrenatural. Nada más que eso para parir uno de los cortometrajes más inquietantes a los que hemos tenido acceso en muchísimo tiempo. Una imagen de movimiento incorpóreo impresa en el subconsciente. Benditos sean los hermanos Muschietti, que aunque dispararon mi factura de luz durante varios días, nos dieron toda una lección de construcción del miedo. La cosa se podría haber quedado allí, pero tanto Mamá como la destreza de Andrés Muschietti tras la cámara bien pedían a gritos una prórroga. Y allí estaba el omnipresente Guillermo del Toro, un entusiasta de los cuentos de terror y el cine fantástico, dispuesto a convertir aquella pequeña pieza de terror minimalista en un largometraje respaldado por Universal y uno de los nombres de moda en cartelera, Jessica Chastain. El reto estaba sobre la mesa. ¿Cómo alargar ese escalofrío durante 90 minutos sin profanar la idea original?

Supongo que tanto Del Toro como Muschietti tenían claro que había dos elementos básicos de los que no se podía prescindir: las niñas y Mamá. Dos conceptos inalterables alrededor de los cuales colocar las piezas que dieran profundidad a una historia que en el corto se presentaba como un momento suspendido en el tiempo. Ese deseo de contar está presente desde el primer minuto. El punto de partida, aunque confuso por innecesarias conexiones con una crisis económica, sitúa la historia en un marco tenso y atrayente. Una presentación abrupta e impactante que además se atreve a mostrar su mejor carta pasados apenas cinco minutos. Y lo hace de un modo muy sutil, a través de una mirada borrosa, amparado a ese verbo que tan efectivo resulta en el cine de terror cuando se usa a favor de la historia: SUGERIR.

Imaginad un proyecto que convierta al Festival de Sitges en el escenario de una ficción en la que los zombies sean los protagonistas. Una zombiewalk que traspase el umbral y se adentre en lo cinematográfico. La idea de que tú, fanático del género y asiduo al certamen, te tropieces con el ataque putrefacto de una horda de muertos vivientes que inundan las calles del pueblo costero. Que se fusionara el imaginario zombie con la realidad y que desde el Auditori hasta Miramar no hubiera un lugar seguro al acecho del ataque de esos seres ansiosos por destripar.

Esa es la base de la idea del director Rubén Jiménez Sanz y el guionista David Labe, junto a un grupo de profesionales del sector audiovisual. Los cimientos de un cortometraje que recree, parodie y homenajee al público y a las situaciones típicas que se dan a lo largo del certamen. Desarrollado todo en un plató de lujo: el mismo festival.