Gareth Evans vuelve a la acción con la segunda parte de The Raid, bautizada para la ocasión como The Raid 2: Berandal. Mismo protagonista, nueva trama y más acción que en la primera parte; pero esto último en parte debido a una duración de dos horas y treinta minutos que, aunque no provoca que la película se haga pesada en ningún momento, tampoco se acaba de entender porqué era necesario extender tanto el metraje, ya que en realidad la mencionada trama no cuenta tantas cosas como pudiera parecer. Tengo la sensación de que a The Raid 2: Berandal le ocurre lo mismo que a las películas de Bollywood, que duran tantísimo porque al menos media hora la dedican casi siempre - sin apenas excepciones – a ofrecer grandilocuentes números musicales, mientras que el resto del metraje lo invierten en desarrollar la trama.

A Berandal le pasa eso. Tiene, ciertamente, muchas escenas de acción - algunas más largas que otras -, tiene sus momentos para desentramar la historia y tiene, también, sus momentos de relax, donde la película se toma un respiro entre tanto golpe. No voy a spoilear nada de la trama, ni de la historia, porque en realidad no vale la pena hacerlo. Se puede decir que, aunque la historia que cuenta The Raid 2: Berandal no está mal, tampoco es la panacea de las historias del cine de acción. Es una historia que avanza algo plana, en ocasiones se nota estirada innecesariamente y tiene un pequeño problema en la creación de personajes. No es algo que sea excesivamente molesto, pero la historia tiene muchos personajes, además del principal, y a algunos te los presentan de golpe (nunca mejor dicho), causando que de entrada te preguntes de dónde sale ese tío/a, hasta que más avanzada la acción empiezas a descubrir quién es quién de manera algo más clara. Personalmente no me convenció mucho este vaivén de personajes nuevos a mitad de la historia, no porque aparezcan a la mitad o incluso hacia el final de la trama, sino por su presentación algo inesperada y en ocasiones no del todo justificada. También habrá a quien le parezca bien esta forma de ir descubriendo personajes…, pero repito, a mi personalmente me gustó el fondo, pero no la forma.

Frank Miller. Claro que tiene sus detractores, pero muchos más admiradores. Sólo pronunciar su nombre impone respeto en el mundo del cómic, y ahora resulta de lo más comercial en el cine. Y esto último es gracias a las excelentes adaptaciones, fieles prácticamente al cien por cien, que fueron Sin City (2005) y 300 (2006). Lo que no entiendo es por qué han tardado tanto en continuarlas. Hemos tenido que esperar al 2014 para poder ver 300: El origen de un imperio, estrenada recientemente, y Sin City: Una dama por la que matar, que llegará el 22 de agosto a los cines estadounidenses. En el caso de Sin City, el material grafico ya estaba listo hace años, pero en el de 300 Miller ha creado una nueva aventura en viñetas para ser adaptada al cine. Su titulo, Xerxes. Claro que, a estas alturas no hemos podido leer dicho cómic porque su lanzamiento se ha retrasado. Por lo tanto, hablemos de la película.

300: El origen de un imperio nos narra la historia de Jerjes, hijo de Dario I, Rey de Persia. Durante las Guerras médicas se enfrentó a Temistocles, héroe griego que luchó a su vez por conseguir la unidad de las polis griegas y enfrentar al ejército persa. Sobre el papel esta es la historia, aunque, al menos en el montaje final cinematográfico, poco ha quedado de Jerjes, y sí mucho de Temistocles. En cambio, el rol principal del lado persa ha caído, para bien, en la rutilante presencia de Artemisia, o lo que es lo mismo, una Eva Green espectacular a todos los niveles. Ella termina siendo el alma de función. Pero… ¿quién fue Artemisa? Artemisa I de Caria fue mayormente recordada por su participación en la batalla de Salamina, en la que comandó cinco navios. Siendo la única mujer entre sus comandantes, aconsejó al rey Jerjes una ofensiva conjunta terrestre y marítima. De este modo, esperaba que los barcos griegos se separasen de sus ciudades, dejándolos vulnerables. El rey desechó el plan, realizando un ataque a la flota conjunta griega en Salamina. Pese a sus orígenes griegos, Artemisa fue de unas de las principales bazas del ejército persa.

Lo que parecía inverosímil, dentro de algo de por sí ya bastante inverosímil, se ha convertido en una realidad “de facto”: ‘Machete’ (2010) no ha sido un episodio aislado en los cines de medio mundo, sino que ya cuenta con su secuela aquí comentada y muy probablemente una tercera y quizá no definitiva parte.

Los que vimos en el cine la primera parte no llegamos a dar por cierto el anuncio de dos nuevas películas, tituladas ‘Machete Kills’ y ‘Machete Kills again…in Space’ al final de la locura de Robert Rodríguez calificada por él mismo como ‘mexploitation’. Mezcolanza de una ‘exploitation’ con el grifo bien abierto en la violencia absurda y la imagen granulada, que en aquella ocasión llegaba renovada por la inclusión flagrante de tópicos fronterizos y sobre todo, la antaño imposibilidad de meter intérpretes del nivel de Jessica Alba o Robert de Niro. Todas estas estrellas, que colaboraron prácticamente gratis, permitieron al director mejicano emplear un presupuesto ínfimo que consiguió cuadriplicar en las taquillas, gracias también a la polémica de tocar un tema muy sensible en aquel año: la inmigración ilegal en las ciudades del sur de los Estados Unidos, posicionándose además a favor de los “mojados”, como se conoce despectivamente a los inmigrantes mejicanos en tierras yanquis. La cuestión es que ahora es un tema que ha perdido peso político, y ello, unido a lo limitado de una propuesta tan grotesca como la del culto a las películas de bajo presupuesto de los setenta, ha provocado una acogida bastante tibia de esta segunda película. No en vano la película ha tenido muy poco impacto en las carteleras, y muchos vieron en ‘Machete Kills’ la broma que sólo hace gracia la primera vez.

Lo cierto es que pese a ser ambas película de un subgénero tan nicho y tener al mismo par de actores en sus papeles protagonistas, ambas películas se parecen menos de lo esperable. La principal diferencia radica en el guión, mucho menos serio y, consecuentemente, menos comercial, pues hace que quien deguste la película tenga que aparcar durante el metraje conceptos como verosimilitud o continuidad.

No es ningún secreto que siento profunda admiración - adoración incluso – por el que, para mí, es el mejor director nipón de los últimos años. Sí, efectivamente hablo de Mr. Sono. Así que no es de extrañar que, como ocurriese el año pasado – en el que coroné a Guilty of romance como mejor película – , Sono haya vuelto a conquistarme del mismo modo que lo logra siempre y se haya llevado, nuevamente, el triunfo.

Why don’t you play in hell? es uno de los mejores ejercicios fílmicos jamás llevados a cabo por el cine nipón. Es perfecta. Una explosión adrenalítica de amor por el cine veraz. Repleta de hemoglobínicas batallas. El sueño de cualquier director. Una crítica/homenaje al cine japonés hecha con tal maestría que no pude evitar sentirme culpable por haber puesto en tela de juicio ese merecidísimo y más que justificado premio que la emcumbró como la mejor película del Midnight Madness del Tiff 2013. Con Why don’t you play in hell? Sono vuelve a recuperar esa vena oscura y enfermiza que había abandonado desde que optase por orientar su carrera hacía el melodrama, tras dar por concluida la llamada “trilogía del odio”. Pero como transgresor y fanático de lo sanguinolento que es (y que nunca ha dejado de ser), no sorprende que, de repente, surgiese Why don’t you play in hell? de la nada. Y que mejor tema central para el regreso del maestro que “el cine japonés de acción”. Personalmente tan solo me queda aplaudirle, porque no solo acierta en cada uno de los golpes cómicos que atesora la película, sino que la ridícula y fantoche plasmación del género que homenajea – un cine rematadamente tonto – , convierte, paradójicamente, a Why don’t you play in hell?, en una obra maestra de aquel cine descerebrado al que alude: aquellas viejas películas de yakuzas, de venganzas y tramas rebuscadas e incluso irrisorias en los que las katanas, las artes marciales y la sangre a borbotones eran los verdaderos protagonistas.

Historia de Ricky es un film rodado en 1991 en Hong-Kong. Estamos ante un Cat III; esto en realidad es tan solo una clasificación de recomendación por edades. El Cat III eran películas recomendadas a personas a partir de una determinada edad por su contenido de violencia y erotismo. Aunque son muchos los aficionados que ven el Cat III prácticamente como un subgénero, puesto que hubo entre los 70 y los 90 tal cantidad de películas asiáticas, especialmente provenientes de Hong Kong, con denominación Cat III, que llegó a identificarse dicha calificación como un subgénero muy violento y explicito, más que como una simple clasificación por edades.

Historia de Ricky es un drama carcelario con un componente de gore absolutamente bestial. Tiene varios géneros que confluyen en una única película. Drama, artes marciales e incluso elementos de fantasía y fenómenos sobrenaturales. Todo ese conjunto de géneros, aplicados en la misma película, nos proporciona un film único y espectacular. Historia de Ricky es una adaptación al cine del manga Riki-Oh, creado por Masahiko Takajo y Saruwatari Tetsuya. La película cuenta con el guion y dirección de Lam Ngai Kai y está protagonizada por Siu-Wong Fan.

Ricky-Oh, acusado de homicidio sin premeditación y agresión, deberá pasar los próximos diez años de su vida recluído en una cárcel. Pero al poco de entrar ya encuentra problemas al enfrentarse a una banda que, aliada con el alcaide y su ayudante, controlan la prisión. Los presos, muchos de ellos condenados sin motivo y/o de manera exagerada, son explotados como mano de obra barata para el cultiva de opio. Ricky-Oh, fiel a su ideal de defender a los débiles, se revelará ante los dictadores y el sistema carcelario del lugar en el que acabará siendo un auténtico baño de sangre.

¿Recordáis cuando Van Damme llenaba salas de cine? A diferencia de estrellas de acción A como Schwarzenegger y Stallone, el belga jugó en la liga B junto a Seagal y Norris. Un ejemplo muy similar a día de hoy podría ser Jason Statham. No hacía películas multimillonarias, pero durante años ostentó uno de los primeros puestos del género para los aficionados gracias a propuestas tan entretenidas y, pese a quién pese, míticas, como Contacto sangriento (1988), Kickboxer (1999) o Doble impacto (1991). Fue por aquel entonces cuando le llegó su primera producción relativamente grande que, cosas de la vida, tenía como director a un megalomano en potencia como el temible Roland Emmerich, y le juntaba con otra estrella B como Dolph Lundgren. Estoy hablando de Soldado universal (1992). Estoy hablando de un actioner estrenado a la sombra de la grandiosa Terminator 2: El juicio final(1992), que durante el mismo año arrasaba con todo y sentaba las bases del nuevo CGI. Pese a todo, Soldado universal se hizo un hueco en la taquilla y en el corazoncito de los fans, convirtiéndose posteriormente en una de las películas más alquiladas en los videoclub y más repetidas en la parrilla televisiva. ¿Cuántos de vosotros tenéis un viejo VHS rallado de tanto repetir?

Pese al éxito, no fue hasta 1999, cuando un Van Damme comenzando su declive decidió echa mano de una secuela. Sin embargo, la pésima Soldado universal: El retorno, no solo no contribuyó a dar un empujón a la carrera de su estrella, sino que terminó de hundirla.

Rescatado de polvorientas estanterías de videoclub por Stallone y sus mercenarios, y unos años antes, al menos artísticamente hablando, en la interesante JCVD (2008), se negó a dejar morir la franquicia con tan mal recuerdo. Así, y decidido a dar un cambio radical al invento, sorprendió con Soldado universal: Regeneración(2009). Aquí se intuía el cambio radical que se pensaba dar a la saga: hacerla más oscura, con violencia más sucia y personajes ambiguos. En esto último entra un Van Damme alejado de su rol de estrella y comenzando su viaje al reverso siniestro del personaje. Una transformación que culmina en Universal Soldier: Day of Reckoning.