Railway Children es un curioso drama indie-postapocalíptico que nos llega desde Irlanda de la mano del director Jason Figgis, del que aprovecho para recordaros que su nueva película The ecstasy of Isabel Mann se encuentra aún en proceso de financiación vía Indiegogo, por si os animáis a contribuir. Lo mejor de encontrarse con una película como Railway Children es lo arriesgado de su argumento. Quizá suene algo estúpido, o incluso a simple patochada en una primera instancia; pero os aseguro que el argumento de Railway Children es lo suficientemente original como para incitarnos a darle una oportunidad. Os pongo en situación:

Dos hermanas, Evie y Fran, han perdido a sus padres tras un cataclismo viral que ha afectado a todo el planeta. Ahora lo único que les queda es vagar de aquí para allá, en busca de recursos y de un cobijo seguro. Hasta que, por fin, llegan a una casa atestada de niños y adolescentes como ellas.

Otra característica trascendental del argumento, que además da título a la película, radica en observar como, a medida que Evie y Fran se adentran en esa nueva realidad que les ha tocado vivir, irán leyendo pasajes del libro The Railway Children, de Edith Nesbit. Es evidente que lo que busca Figgis con la idea de introducir el libro de Nesbit en la vida de nuestras protagonistas es establecer una unión mucho más intimista que la sempiterna relación libro-lector, principalmente porque la obra de Nesbit servirá a Evie y Fran como vía evasiva y empática con la que hacer frente la distopía en la que se encuentran sumergidas. Lo que Evie y Fran encuentran en la novela de Nesbit es la esperanza de recuperar a sus padres, y de ahí nace su motivación por introducir el libro en sus vidas. Es más, llega a ser tal la evasión a la que les induce el libro que incluso veremos, durante el transcurso de la película, cómo priorizan su lectura a la necesidad de saciar su hambre, olvidándose por completo de la realidad. Seguir leyendo…

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Os recordamos que Los últimos días, de los hermanos Pastor, se estrenará en las salas de cine españolas el próximo 27 de Marzo.

La semilla que plantaron los hermanos Pastor muchos meses atrás con aquel poster promocional de una Barcelona devastada y desolada, humedecía el paladar del ávido degustador de escenarios postapocalípticos. David y Àlex ya habían flirteado con la temática pandémica en su debut de rostro americano con Carriers (Infectados), pero esto era distinto, porque estos últimos días iban a tener lugar en nuestras calles. Tan cercano que se antojaba imposible reprimir la curiosidad y la emoción de comprobar el aspecto final de disaster movie que los directores catalanes tenían previsto imprimir sobre la ciudad condal. Solo con eso ya tenían media carrera ganada. Hay que añadir a la expectativa, además, la encomiable destreza mostrada en la realización de Carriers así como la singularidad narrativa del excelente cortometraje dirigido por Àlex en el palíndromo ciclo vital de La ruta natural. Una expectación, en resumidas cuentas, ante el cultivo del fantástico y terror español, del que tanto hemos hablado ya en este portal, tan laureado y ensalzado más allá de nuestras fronteras, y cuyo registro de nombres no hace más que dilatarse.

Tres años han sido necesarios para completar un proyecto cuya máxima ambición era convertir Barcelona en un páramo de calles desiertas, comercios vacíos, humo y ceniza, vehículos abandonados y mobiliario urbano destrozado. Como una resaca de victoria azulgrana llevada al extremo de la extinción. Es en ese aspecto donde los hermanos Pastor mejor reciclan la espectacularidad del cine americano y logran con excelente resultado convertir la destrucción en algo atractivo a ojos del espectador, fascinado por lo abrumador de su estética y por los lazos que le unen a esos espacios habitualmente transitados. Aún así, quepa avisar que no estamos ante un reportaje de Callejeros Viajeros y la gran parte de su metraje se desarrolla precisamente en lo opuesto a las panorámicas que contemplan el Arc del Triomf, las torres Mapfre o la Diagonal, ya que sus personajes se ven obligados a avanzar a través de una extensa red de túneles de metro potenciando así las sensaciones de agobio, claustrofobia y aislamiento. Seguir leyendo…

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Con motivo de la celebración del Festival de Terror de Sabadell volvemos a publicar la reseña de Pontypool, la extraordinaria película que esta misma tarde inaugurará el Festival.

Palabras, palabras, palabras… teléfono, armario, tienda, salón, especie, sal, libro, pulsera… ¿alguna de estas palabras será la escogida?

A través de la palabra podemos expresar nuestro estado de ánimo. Nuestros sentimientos hacia otra persona. A través de la palabra podemos transmitir una buena noticia, prestar apoyo, dar ánimos, revelar una verdad… Pero a través de la palabra también podemos mentir, humillar, herir, provocar la ira y el odio de quiénes nos escuchan, incitar a la revolución, a las armas… matar. Nuestras palabras suelen ser un fiel reflejo de quiénes somos y de cómo somos. Por todo ello deberíamos ser responsables de nuestras propias palabras, pero… ¿lo somos realmente?

¿Qué ocurriría si en plena era de la información (de la sobreinformación), cuando nuestros oídos parecen condenados (y acostumbrados) a escuchar cualquier tipo de argumento, venga de dónde venga, y por más banal o simplemente estúpido que éste resulte; de pronto esas mismas palabras de las que os hablaba se revolvieran furiosamente en nuestra contra y fueran las causantes de nuestra aniquilación?

Un panorama parecido a este es el que dibuja el canadiense Bruce McDonald en su película de bajísimo presupuesto Pontypool, basada en la novela de Tony Burguess “Pontypool changes everything”. Seguir leyendo…

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En una entrevista, Eugenio Mira, el director de The Birthday, ostenta sin reparos ni disimulos su condición de “autor” en el sentido más romántico del término, esto es, aquel artesano comprometido con su arte, hosco para con el gran público, cuyos intereses no transcienden más allá de sus propias filias y fobias. Sus palabras destilan una cierta autocomplacencia cuando nos presenta su primer largo como un claro caso de película maldita, con la satisfacción morbosa de quien, en una reunión familiar, exhibe con velado orgullo una herida profunda o una cicatriz bordada de costuras, a sabiendas de la repulsa que provocará en la gran mayoría y del interés morboso que suscitará entre los desviados.

Ejercicio de evocación – y de invocación – nostálgica, aglutinación de referencias, The Birthday procura no dejar hilo sin puntal. Es una obra que se vale de las “múltiples lecturas” como aval de un cine intelectualizado, perfeccionista y un tanto hermético. A menudo estas propuestas suelen acabar en gran fiasco (verbigracia: Intruders), en una machada del listillo de la clase. The Birthday no fracasa por un estrecho margen en este sentido. Obtiene el indulto gracias un cierto carisma ochentero, una brillante realización técnica y un punto de partida ciertamente original. No obstante, convienen no olvidar que un buen relato no se construye a base de guiños, de filigranas técnicas made in Hitchcock (¿La soga?), de homenajes y del esparcimiento de pistas a lo whodunnit. Una película memorable empieza con una cosa mucho más sencilla: una historia de los pies a la cabeza, sin puntos flacos ni puntas romas; el resto no son más que añadidos que por sí solos no dan para alcanzar la excelencia; y es precisamente ahí donde The Birthday cojea. Seguir leyendo…

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Hay películas que, aunque no jueguen directamente en el género de terror, tienen mucho que ver con él. Y es que el terror no contempla únicamente la posibilidad de amenazas monstruosas, paranormales, alienígenas o criminales, sino que, y muchas veces se trata del

horror más temible, explora nuestra mente. Así, una película como Take Shelter puede entenderse como un drama, como un thriller o como una de terror, siendo las tres opciones igual de validas y, vamos a decirlo ya, magnificas analizadas como tales.

En un pequeño pueblo ubicado en la ciudad de Ohio, un hombre llamado Curtis LaForche comienza a tener extraños sueños de carácter apocalíptico, pero mantiene a su esposa Samantha y a su hija Hannah al margen de los sucesos. Tras pensarlo seriamente, Curtis decide dedicarse a la construcción de un refugio para tormentas en el patio trasero de su hogar, pero sus continuas y extrañas visiones y sueños hacen cada vez más anormal su comportamiento con su familia y compañeros del trabajo. A medida que el pequeño escondite se va construyendo, Curtis teme por descubrir la verdad y el real origen de sus sueños. Éstos cuestionamientos decidirán sí fue mejor construir un refugio con motivo de proteger a su familia del advenimiento de una tormenta cercana, o de sí mismo.

Tal como comenté hace unas semanas en la reseña para Martha Marcy May Marlene (2011), el cine indie estadounidense, cuya etapa dorada fueron los noventa, lleva un tiempo desaparecido en un mar de ambigüedades. Sin embargo, de vez en cuando llegan películas, como aquella o la que nos ocupa, que hacen que la libertad creativa, los guiones originales y los medios escasos pero bien aprovechados, dignifiquen un modo de ver el cine necesario en tiempos de ausencia de riesgo e inventiva por parte de la industria cinematográfica más poderosa del mundo. Seguir leyendo…

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Marie viaja con su hermana y con Phillip por las viejas carreteras quebradas. La temperatura del planeta fue subiendo, y las tormentas solares han acabado con la mayor parte del ganado y la agricultura. No llueve, no dan frutos los árboles y el futuro es incierto para Marie. Quizás al otro lado de las montañas puede haber agua, manantiales que los vuelvan a hacer sentir humanos. Desgraciadamente, el camino es duro y malos encuentros están esperándolos.

No sabemos el por qué, desconocemos las causas, pero la cuestión es que Hell nos presenta un mundo calcinado, donde la temperatura ha subido diez grados y la vida resulta casi imposible a plena luz del día. Un thriller postapocalíptico en toda regla que intenta tratar con dramático distanciamiento los últimos días de la humanidad. Verdadera hija de su patria, Alemania, la cinta de Tim Fehlbaum, un jovencísimo y desconocido cineasta alemán cuya filmografía anterior no merece ningún comentario especial, retrata con fría pasión unos paisajes calcinados bajo la sobresaturada iluminación del despiadado astro rey. Sobre estos tristes escenarios, un grupo de personas cuyo pasado se ha borrado y su situación actual parece difusa, van dando tumbos sin un rumbo claro. Esa falta de pasión intenta convertirse en su mejor arma, erigiéndose como directora de la función. Incluso lo pausado de su ritmo, que finalmente provoca un ligero hastío, busca reforzar esa sensación de absoluta desesperanza que acaba empapando al espectador que termina despreocupase por lo que sucede en pantalla. Una pena que el único solaz a esta falta de contenido sean las tan bellas como desérticas postales que ofrece este nuevo mundo ambarino.

Los seres humanos están agotados, desconfían unos de otros, la escasez de lluvias y alimentos frescos convierten a los protagonistas de nuestra historia en simples espectadores de un cuadro desolador. Que no exista apenas una presentación de personajes se puede entender, que las relaciones entre ellos y sus personalidades estén desdibujadas por una intensa claridad cegadora es comprensible. Lo que resulta difícil perdonar a sus guionistas, que incluyen al mismo director Fehlbaum, es la ausencia de una historia motriz con un mínimo peso. El argumento, resumido en cuatro líneas, contiene todo, absolutamente todo lo que ocurre durante la hora y media que dura Hell.

Como ya decía, su origen alemán se hace patente desde el primer minuto dado el marcado desinterés que las relaciones entre los protagonistas presentan. Supongo que sus responsables han forzado ligeramente su genuino nihilismo, para reafirmar que el mundo de Hell está muerto tanto a nivel físico como sentimental. Una jugada arriesgada que a mi entender les ha salido por la culata. Si bien el inicio de la cinta promete una intensidad post-apocalíptica digna de Mad Max, al poco metraje la falta de carisma de todos los personajes, así como su inutilidad emocional, terminan por provocar la antipatía hacia ellos. Como ya pasase en otro ejemplo postapocalíptico alemán reciente, Toxic Lullaby, es imposible que como público nos importen las aventuras y desventuras de un grupo de personas que son únicamente nombres sobre un papel. Aun más pecado tiene Hell, cuando ni siquiera se ha buscado alguna vuelta de tuerca en ese deambular de Marie, la actriz protagonista, en busca de su hermana secuestrada tras un pequeño descuido. Incluso el giro final, que considero parcialmente deudor de La Matanza de Texas, se ve venir mucho antes siquiera de empezar la película. Teniendo un escenario perfecto para el dramatismo intenso, para crear un survival descorazonador, como así lo fuese The Road, la cinta se preocupa más en no romper la estampa solar que contar un relato épico de supervivencia.

No me entendáis mal, existen pinceladas muy suaves que sitúan a Hell dentro de los parámetros del survival más despiadado, la cuestión es que dan vueltas y vueltas sobre ideas previamente destripadas hasta la saciedad, solo que más densas, estáticas y faltas de verdadera emotividad. Quizás a esta sensación de vacío se una en parte la labor de los actores. No conozco mucho a los profesionales alemanes, pero siempre me parecen actores eficaces aunque poco sensibles. El elenco de Hell cae dentro de esa idiosincrasia: ningún actor se sale de su marca, todos realizan su trabajo con una austeridad escalofriante. No es para menos, el mundo se ha ido al cuerno y el cuerpo no está para bromas; no obstante resulta cansado ver piedras, en lugar de seres humanos, durante hora y media. Gran eficacia profesional, poca cercanía con un público, como el que suscribe, más apasionado y, reconozcámoslo, poco aficionado al género survival en el cine.

Lo que brilla con luz propia – chiste fácil al que da pie el mismo título de la obra, puesto que lejos de significar “Infierno”, “Hell” en alemán viene a significar “brillo” – sería la fotografía. Se nota que el esfuerzo real de sus productores se encaminaba a la perfección estética, una pena que por el camino se haya perdido la dirección artística y el guión. Más que merecido el premio en el pasado festival de Sitges a la mejor fotografía. El dominio de la iluminación, de la sobre exposición de las lentas y del procesado de la saturación lumínica pueden presumir de ser totalmente magistrales. Además, ninguno de estos esfuerzos tendría sentido sin nada que mostrar. Aquí Hell también se muestra muy bien acabada: los escenarios nos trasladan de un plumazo al mundo devastado que Fehlbaum tenía en mente. Solo pondría una pega al manejo de cámara, y es que en ocasiones tiende a esa filmación naturalista y nerviosa que impide ver claramente lo que sucede. No llega a las cotas epilépticas de otras producciones más enfocadas a la acción, pero esa perdida de claridad incrementa el desapego del espectador por la narración.

En definitiva, una película bien planteada técnicamente, muy consciente de que otras películas del subgénero marcaron un antes y un después. A este respecto se muestra muy cauta a la hora de romper moldes, y prefiere situarse en lo tópico, ofreciendo una historia que a nadie sorprenderá por su novedad, siquiera por su profundidad o forma de narrarla. Elemento, el del tedio, que se amortigua por una fotografía capaz de mantenernos pegados a la pantalla como unos niños jugando con un calidoscopio. De noche, de día, la forma que tiene Hell de manipular la iluminación natural hará babear a más de un aficionado a la fotografía. Otra cosa es que el discurso y las palabras estén equilibrados, siendo esa falta absoluta de equilibrio una barrera para el disfrute real de una cinta que no desmerece el género, pero que no se sitúa como una imprescindible del mismo. De agradecer es el realismo que se ha conseguido – detalles como el periodo de Marie o los efectos de la deshidratación –, pero ni siquiera profundiza en los efectos de un sol desmedido sobre el ser humano (¿no deberían haber estado todos los actores exageradamente morenos por la luz ultravioleta indirecta?). Así mismo, su final resulta demasiado predecible y rápido, quizás hasta mal rodado – no parece que Fehlbaum se desenvuelva bien con las escenas de acción –, terminado por cuajar una mala sensación que solo salvan esos bosques de árboles muertos, esas montañas desérticas, esos túneles ennegrecidos, los campos agostados, la tonalidad gris y áurea de una gasolinera abandonada… paisajes evocadores para una historia muy floja.

Alexandre Aja, Fabrice Du Welz, Julien Maury y Alexandre Bustillo, Pascal Laugier… Les seguimos los pasos, a todos ellos, muy de cerca. Supongo que nadie se extraña de ello. Estos tipos fueron los artífices de la llamada Nouvelle Horreur Vague, un movimiento espontáneo surgido a principios del s.XXI que colocó a nuestro país vecino – Francia – en una posición privilegiada dentro del panorama del género gracias a títulos tan extraordinarios como Alta Tensión, À l’Interieur, Martyrs o Calvaire.

Y Xavier Gens, desde luego, se ganó a pulso el derecho a entrar en tan distinguido club social gracias a Frontiers, una revisitación de La Matanza de Texas tan escasamente original como tremendamente divertida. Con una sola película, oda a la brutalidad y violencia desatadas (atención a sus últimos 20 minutos), Gens logró ganarse las simpatías de los aficionados al género de medio mundo. De manera que, como al resto de sus compatriotas, un servidor siempre ha seguido muy de cerca los movimientos del director galo.

Dejando a un lado Hitman, una patochada que olía de lejos a encargo y que adaptaba un videojuego que no tengo el gusto de conocer (en cuanto a la película aguanté únicamente sus 30 minutos iniciales); The Divide, película de tintes apocalípticos que hoy nos ocupa, se presumía como el vehículo idóneo para que Xavier Gens confirmara – y aumentará – el talento apuntado en Frontiers.

Tras lo que parece ser un apocalipsis nuclear de origen desconocido, un grupo de personas se refugian en un sótano propiedad de un tipo paranoico (Michael Biehn) al que, por lo visto, nada de lo sucedido le ha cogido por sorpresa. Sellan la que parece ser la única puerta de salida y deciden esperar un tiempo prudencial (hasta que desaparezca la radiación) antes de abandonar el refugio e intentar descubrir qué demonios ha ocurrido.

El empuje inicial de The Divide es magnífico. Se plantean, de manera inmediata, una serie de cuestiones que, también de manera inminente, logran situarnos en la órbita de los personajes encerrados en el sótano y hacernos partícipes de sus preocupaciones: ¿Qué está sucediendo fuera? ¿Cuánto tiempo deberán permanecer encerrados? ¿Deben confiar en Mickey, dueño del sótano y el único que parece tener respuestas para casi todo? Por lo tanto tenemos, de entrada, un buen número de incógnitas por despejar, una situación tensa con expectativas de volverse insostenible, unos personajes a los que, sin ser extremadamente arquetípicos, sí resulta sencillo atribuirles un rol concreto sin miedo a equivocarnos en exceso y, finalmente, tenemos la confirmación de que Xavier Gens sabe dotar a sus obras de una atmósfera y sobre todo una estética encomiables. A nivel formal no hay absolutamente nada que reprocharle a The Divide.

Pero de pronto hay un momento en que todas esas expectativas, todas esas cuestiones sin resolver, desaparecen. Se extinguen. Unos tipos que parecen salidos de un videojuego de última generación irrumpen en el sótano y se llevan, por la fuerza, a uno de los personajes. ¿Quiénes son? ¿Qué están haciendo? ¿Por qué se llevan al personaje en cuestión? ¿Y por qué son tan torpes en el uso de las armas? No importa. Ya nada de esto tiene la menor importancia. No es tiempo de preguntas… porque en realidad ninguna de ellas obtendrá respuesta (ya sabéis que eso es algo que a mí, personalmente, nunca me ha molestado).

La única puerta de salida queda sellada por fuera. No hay escapatoria. Los supervivientes parecen condenados a quedar atrapados de por vida. Y es en este instante cuando The Divide muestra su verdadera naturaleza: El apocalipsis no está fuera. No responde a ninguna catástrofe nuclear. A ninguna amenaza externa. El auténtico apocalipsis tiene lugar en el interior del sótano. Un grupo de hombres y mujeres harán cualquier cosa por salir adelante, por sobrevivir. Y por supuesto – no podía ser de otra manera – la situación desesperada que están viviendo les llevará a a mostrar la cara más mísera y vulnerable de la naturaleza humana. Una lucha por el poder y la supervivencia que les llevará a la degradación máxima del ser humano. A un proceso de involución. Convertidos en animales salvajes fieles a la ley del más fuerte y para los que la vida y la dignidad de sus semejantes no tiene valor alguno.

Todo este discurso no resulta novedoso. Nos lo sabemos. Pero existía mucha curiosidad – al menos por mi parte – por saber cómo el poderío visual y la fuerza de un director como Xavier Gens se desenvolvía en semejante escenario. Sin embargo el resultado final no ha sido todo lo satisfactorio que esperaba…

Bastan un par de secuencias violentas (y de nuevo excelentemente rodadas) para intentar motivar o justificar una evolución excesivamente rápida y muy poco convincente de algunos de los personajes principales. De víctimas preocupadas por salir adelante de la mejor forma posible, intentando resolver los inevitables conflictos interpersonales; pasan a ser auténticas bestias sin atisbo alguno de humanidad. Emuladores espídicos de Travis Bickle (protagonista de Taxi Driver) a los que les sientan de maravilla las ojeras, los abdominales y el pelo rapado. Y es justo en este instante cuando la película se atasca. Gens se regocija en la degradación de sus personajes hasta el punto de coquetear peligrosamente con la monotonía. El discurso se acaba de manera precipitada, y de pronto The Divide no tiene nada más que contar más allá de su impecable acabado formal.

El ritmo decae. La degradación de los personajes, supongo que para algunos totalmente factible y para otros (entre los que me incluyo) absolutamente exagerada y a destiempo; se convierte en el único argumento que le queda a The Divide. Y Gens lo estira hasta el máximo provocando un metraje excesivamente largo y un ritmo en ocasiones cansino que muy poco tiene que ver con el excelente inicio de la película.

Y cuando Gens decide, por fin, dejar de mirarse el ombligo, se da cuenta que ya es hora de terminar la película. ¿Resultado? Un final precipitado y poco convincente… aderezado con un plano final con ínfulas poéticas que probablemente exaspere a más de uno.

Voy a recomendar The Divide. A pesar de que no ha sido, ni mucho menos, lo que me esperaba. A pesar de que he visto en la nueva obra de Gens una maravillosa oportunidad perdida. A pesar de que resulta más que evidentemente que le sobran, como mínimo, 20 minutos de metraje. A pesar de que llega un momento en el que la película se estanca y da vuelta sobre sí misma, apoyada únicamente en el magnífica ejercicio de estilo que Gens borda tras las cámaras.

La voy a recomendar porque, a pesar de todo, es una película con destellos de calidad. Su arranque, algunas situaciones que se dan entre los personajes, su estética, instantes en los que Gens sí logra unos niveles de tensión más que aceptables… Puede que, a nivel personal, no esté a la altura de lo esperado; pero sin duda es una película que merece ser vista. Y de la misma manera que os digo que The Divide no acabó de convencerme, también estoy seguro de que a muchos de vosotros os acabará pareciendo una magnífica película (o al menos eso espero…).

Recomiendo encarecidamente la adquisición de El Último Fin de Semana. A continuación os explicaré el porqué, pero sirva este aviso destacado para avisaros que solo podréis adquirir el DVD – de momento – a través de la propia página de la película, es decir AQUÍ. Todo a un precio ridículo y con el añadido de unos poquitos extras muy simpáticos, como las divertidas tomas falsas. ¡Qué lo compréis coñe!

Leo, Lisi y Diana, compañeras de trabajo y supuestamente amigas, se embarcan en un fin de semana de “chicas” junto a un agregado de última hora: el bueno de Roque. Una casa de campo será el escenario ideal para conocerse mejor, dejándose llevar por la bebida, el entorno y los sentimientos. Aunque a veces es mejor no averiguar cómo son de verdad tus amigos, porque todo el mundo esconde sorpresas, y los más cercanos las peores.

¡Estoy satisfecho! El Último Fin de Semana ha colmado todas mis expectativas, e incluso diría que ha superado unas cuantas. Otra muestra más de que el cine independiente puede ofrecer historias interesantes y un entretenimiento superlativo; y, por si fuera poco, netamente español, lo que supone una verdadera alegría en estos tiempos de escasez dentro del panorama fantástico ibérico. Cuando hay pocos medios hay que tirar de talento y de cara, pues bien, Norberto Ramos del Val demuestra que le sobra de ambos.

Talento porque hay que ver cómo se las ha gasta con la cámara: soberbio, muy bien planificadas todas las escenas. Puede ser ostensible en algún momento puntual lo ajustado del presupuesto – sobre todo cuando se plantean escenas de “acción” (que son casi inexistentes, eso sí) –, pero sorprenden unos encuadres tan cuidados e inteligentes, un diseño de producción tan natural cuando el tiempo de rodaje fue muy limitado, según nos explicaba el propio Norberto en la entrevista/interrogatorio que tuvimos el placer de realizarle (ver AQUÍ).

Cara porque, a falta de un equipo de cientos de personas, Norberto plantea su película de forma brillante, nos la presenta de una manera orgánica que incluye y juega con diferentes géneros. Así tenemos la apariencia de un thriller europeo que coquetea con el terror sobrenatural, la ciencia ficción e, incluso, unas gotas de comedia que se controlan lo suficiente como para no convertir El Último Fin de Semana en una parodia pero alivian la gran cantidad de diálogos que, de otra forma, podrían llegar a ser cansados.

Otra idea inteligente ha sido revestir el apartado visual con una estética rozando lo retro, pero solo a nivel formal, porque en todo momento disfrutamos de una producción moderna y dinámica. Un ejemplo claro, y simpático, parte del propio diseño de la carátula del DVD (realizado por Sergio Rozas, detrás de algunos de los mejores pósteres nacionales) . Un homenaje al cine español de finales de los setenta – los colores, la presentación de los actores y una enternecedora marca de calificación “S” –. Aunque insisto que se trata de un revestimiento que parte del amor de Norberto por el cine de aquella época (Ossorio, Franco…), y no se trata de una cuestión integral en el desarrollo de la película. Como resultado de estas influencias setenteras/ochenteras disfrutaremos de una fotografía clara y luminosa que enriquece la “actuación” del sexto protagonista: Cantabria.

Y es que efectivamente los paisajes naturales, donde se sitúa el meollo de la trama, son indisolubles a la profundidad de El Último Fin de Semana. Es como si los riscos, las calles abandonadas de un pequeño pueblo, los acantilados y playas estuviesen “espiando” las desventuras de nuestros protagonistas, lo que crea una atmósfera de inquietud sobrenatural que aporta un “plus” a la tensión que los personajes van generando entre sí.

Otro elemento que no podemos olvidar, y que destaca muchísimo, sería la soberbia banda sonora. Si la naturaleza cántabra ejerce casi de actor de reparto, podríamos decir que la música, omnipresente durante casi todo el metraje, sería otro personaje más. Magnífica, lleva de la mano al espectador, ayudándolo a involucrarse con la situación mediante sus pasajes oníricos y psicodélicos. Agudizan la sensación de extrañeza que se respira toda la película, acercándola de nuevo al cine de finales de los setenta, aunque esta vez el “italofantástico”. Un homenaje a las composiciones de Goblin que Niklas Barker, su creador, nos regala sin concesiones, apelando a los resortes interiores de nuestra imaginación. Solo puedo calificarla de acierto pleno, y recomiendo, a los amantes de los “scores” de calidad, adquirirla justo AQUÍ.

Habréis notado que intento evitar el tema del guión por alguna extraña razón. Pues bien, no es otra que el evitar incómodos destripes, puesto que la gran baza de El Último Fin de Semana radica en la intensidad de la caracterización de sus personajes – y mejor que conozcáis a las “reinas del drama” vosotros mismos – y a un par de giros argumentales, de ahí la mezcla de géneros, que vuelven a entroncar esta cinta con el mejor y más sugestivo cine fantástico italiano y que no podréis encontrar con facilidad en producciones actuales. Es tarea vuestra descubrirlo pero ya os digo que no se trata de “cuatro tías tirándose trapos sucios a la cara durante hora y media”, nada más lejos de la realidad.

Retomando el tema de la mezcla de géneros, también me gustaría recalcar que si desollamos El Último Fin de Semana hasta su osamenta, descubriéremos que se trata de un “thriller cabrón”, pero entendedme por el buen sentido. Usando los estrógenos como arma de destrucción masiva, Norberto y Javier Sánchez Donate redactan un guión donde manipulan y doblegan el carácter de sus personajes en múltiples direcciones simultáneamente. Ninguna emoción se ha dejado en el tintero, pero sobre todo destacan cuando hay que plasmar la vileza de sus chicas. Por eso se trata de “una cabronada”, porque la manipulación de los temperamentos de los personajes se extrapola al espectador, que fácilmente puede empatizar con las protagonistas (independientemente de sexo, religión o tendencias políticas) gracias al esfuerzo por perfilar sus personalidades. Esfuerzo que acaba estallando en un apocalipsis miniaturizado, dando pie a la verdadera esencia de la historia.

El trabajo de los actores, como podéis ver, es otra parte fundamental – ya os decía que se trataba de una obra muy orgánica – del éxito de El Último Fin de Semana. Todos están entregados – veréis que se trata de una producción muy “sexy” –, aunque destacaría por encima de todos a mi querido compatriota maño, y turolense de pro, Nacho Rubio, y a la televisiva Marian Aguilera, que está seductora y maquiavélica a partes iguales. Obviamente los actores con una trayectoria más dilatada dan el do de pecho, algo que no quita para que todo el elenco merezca un rendido aplauso (Silma López, Alba Mesa e Irene Rubio)<. Aunque, todo hay que decirlo, como película cuya fuerza reside en los diálogos, existe cierto exceso en los mismos, que derrumba la tensión de unas cuantas escenas aisladas. Por ejemplo, cabe destacar el surrealista momento en que un misterioso surfista aparece de la nada para contar una leyenda urbana local. Un servidor se la tomó poco menos que a broma, porque los diálogos lucen muy falsos en ese momento. Ya os digo, unos altibajos que solo responden a la gran cantidad de conversaciones que se van sucediendo, y os aseguro que lo más complicado de un guión es crear diálogos convincentes (y si no mirar lo que últimamente se estila en Hollywood).

Otra de las pequeñas “pegas” que le pondría a “El Último Fin de Semana” sería su desequilibrio en cuanto a proporción entre mitades. Digamos que se divide en dos partes: presentación de caracteres/ubicación argumental y la sucesión de acontecimientos catastróficos. Por mucho que me guste que un autor se explaye involucrándonos con sus personajes, en esta ocasión creo que se alarga demasiado. Pero se trata de una mera opinión personal, porque en ningún momento llega a cansar esta presentación dada la involucración total de los actores, así como por algún truco de cámara que nos dejará embobados frente a la pantalla.

En definitiva, si no queréis perderos una de las películas más auténticas que ha dado la producción nacional reciente (que sí… que [REC] está muy chula… pero no deja de ser un producto comercial parido a rebufo de la inexplicable fiebre zombi), debéis abandonaros a este fin de semana de relax, sexo y mucha mala leche. Tomad la mano de un cineasta con voz propia, honestidad y, por encima de todo, talento, os hará pasar un rato genial. Palabrita del niño Bob. Eso sí, dejaos los prejuicios en la puerta: nada de “vaya popurrí de paranoias”, que en la variedad está la diversión. Nada de “que pocos efectos especiales”, ¿pero sabéis el presupuesto, cachondos? Nada de “se pasan todo el rato rajando”, ¡bienvenidos al cine sonoro! Solo disfrutadla porque el amor puesto en su confección os llegará al corazón. ¡Enhorabuena Norberto!

“Retreat” es una de esas películas cuyo argumento promete, así que es difícil enfrentarse a ella sin expectativas.

Martin y Kate son una pareja que no está en el mejor momento de su relación, así que deciden pasar unos días en una isla apartada. Allí, tiempo atrás, pasaron unas vacaciones felices, así que quizás puedan recuperar lo que perdieron.
Pero la cosa no parece estar saliéndoles muy bien y, para más inri, un día descubren a un hombre malherido, Jake, que resulta ser un militar con un mensaje apocalíptico: una epidemia se está extendiendo por el resto del mundo y, lo único que pueden hacer, es sellar la casa y no dejar entrar a nadie para evitar el contagio. Lo cierto es que Martin y Kate llevaban ya unos días sin poder contactar con nadie del exterior, pero… ¿realmente está pasando eso? ¿O las intenciones de Jake son otras?

Puede que no sea el argumento más original del mundo, pero tiene interés. Una situación claustrofóbica, con un personaje cuyas motivaciones pueden no ser las que aparentan, y una pareja que, en un momento en el que necesitan sentirse más unidos que nunca para afrontar el peligro, se encuentran separados. Además, el elenco no está nada mal: Cillian Murphy como Martin, Thandie Newton como Kate y Jamie Bell como el intruso Jake.

Sin embargo, desde las primeras imágenes, algo no va bien. La película arranca con unos planos aéreos del océano que ya hemos visto en muchas ocasiones. La química entre Martin y Kate es inexistente. Su historia es potente pero ya está explicada. Nos enteramos, pero nunca llegamos a sentirla.

Así, hasta la irrupción de Jake, realmente hay poco interés. Cuando éste entra en escena, la cosa se anima un poco. Sin embargo, enseguida se le ve el cartón a la trama. Martin y Kate, como es lógico, dudan de la historia que les cuenta Jake, que un virus ha asolado el resto del mundo y, como se contagia por el aire, hay que sellar la casa y no dejar entrar a nadie. Pero al espectador enseguida le saltan todas las alarmas porque, a partir de ese momento, la película se vuelve tramposa y fullera, y un gran ejemplo es una escena en la que, por la noche, Jake despierta a Martin y le pide que le ayude a defender la casa porque afuera hay gente que intenta acercarse. Disparos, tensión… ¿tensión? ¿seguro? Porque, para no mentir, Carl Tibbets apenas sí muestra el exterior y a quienes asedian la cabaña, por lo que realmente no te crees que haya gente afuera y la escena se desinfla. Es una contradicción: por no engañar al espectador no le enseñan el exterior y, eso mismo, es lo que vuelve tramposa a la escena: si no se ve el exterior, será por algo. Otro ejemplo: Jake parece estar siempre un paso por delante de Martin y Kate, adelantándose a sus movimientos, pero no oye cómo Martin consigue salir de la casa en un par de ocasiones, algo extraño teniendo en cuenta que, como personaje, éste es torpe y poco hábil, así que hemos de suponer que tampoco es precisamente silencioso.

Así las cosas, el que tenía que haber sido un vibrante y tenso choque de caracteres se vuelve más bien irritante y aburrido. Jake debía hacer tambalearse la relación entre Martin y Kate, pero está ya tan jodida que no tiene mucho que hacer. Y tampoco consigue que ella se ponga de su parte y esté en contra de su marido, porque es un personaje lo suficientemente desequilibrado como para que no pueda fiarse de él ni la persona más estúpida del mundo.

Para el tramo final, Carl Tibbets y Janice Hallet se han reservado un as en la manga. Y no está mal, sólo que, a esas alturas, es demasiado poco aliciente para levantar una peli en la que, pese a la decente factura técnica y el empeño de los actores, hace mucho que se han perdido todas las esperanzas.

En 1968 Charlton Heston descubrió en la orilla del mar de lo que creía un planeta extraño, que en el pasado la humanidad no hizo bien los deberes. Aquella terrible escena con la Estatua de la Libertad semihundida en la arena y con Heston maldiciéndonos a todos, ha perdurado hasta hoy como uno de los mayores iconos cinematográficos de la historia: el impactante clímax de una notable película llamada a convertirse en clásico de la ciencia ficción. Los simios eran amos del planeta Tierra y los humanos que quedaban eran los nuevos simios. El enorme éxito sirvió para que cuatro secuelas poco destacables y una serie de animación vieran la luz en los años posteriores. Sin embargo, ese éxito se perdió con cada nueva película y, pese a que en el 2001 Tim Burton lo intentó defecando un remake que vendió bastantes entradas, El planeta de los simios no volvió a ser lo que un día fue. Pero tranquilos, pues…

…Cada cierto tiempo sucede. Una película de la que nadie espera nada, que no cuenta con una publicidad enorme en comparación con otros blockbuster veraniegos o navideños, ni con un presupuesto que da para comprar el mundo tres veces y que parece sentenciada semanas antes del estreno…da la sorpresa. Si hace varios meses preguntabas a alguien sobre El origen del planeta de los simios te respondía con gesto áspero, cansado. O bien arqueaba una ceja. O bien te afirmaba con humo saliendo de las orejas que no vería nunca más algo que tenga en su titulo “planeta” y “simios”, después de sufrir el remake. Pero, señoras y señores, niños y niñas, cada cierto tiempo sucede. Y este origen, precuela a priori innecesaria, a priori insufrible, a priori ninguneada, se ha convertido no solo en un gran éxito comercial, sino también en una de las mejores películas en lo que va de año.

Entonces, arrepentidos del error del prejuicio, miremos ahora con la mente limpia y ajusticiada la lección que nos ofrecen sus responsables sobre como realizar un entretenimiento de calidad que además de inteligente resulte espectacular; que además de “palomitero” resulte intimista; que además de archiconocido resulte sorprendente.

El origen del planeta de los simios supone, de primeras, un punto y a parte en la captura de movimiento. Esta técnica, utilizada, entre algún otro, por Peter Jackson y, sobre todo, el devoto en la materia Robert Zemeckis, se basa en capturar la interpretación del actor por medio de variados parches, situados en su rostro y cuerpo, que envían al ordenador la información necesaria para crear un personaje ficticio a partir de sus gestos y movimientos. En la trilogía de El señor de los anillos (2001-2003) obtuvo su primer gran personaje con Gollum, y experimentos animados fallidos como Polar Express (2004) o Beowulf (2007) pusieron su empeño en hacer crecer el invento. Pero la cumbre a batir ha llegado con los nuevos simios. Especialmente con uno llamado César. Cosas de la vida, interpretado detrás de los parches por el gran Andy Serkis; el mismísimo Gollum o…el último King Kong (2005).

Tiene más merito aún si contamos que los minutos que César/Serkis está en pantalla, borra de un plumazo las (buenas) interpretaciones de James Franco o el siempre bienvenido John Lithgow, y obviamente las apariciones-florero de Freida Pinto. Tal vez ella junto a algún que otro cliché en la exposición de malos-malosos humanos constituyen las únicas y pequeñas notas negativas de la función.

A los pocos minutos de proyección, cuando el ojo se acostumbra a visualizar los efectos “por captura” de los simios, cuesta distinguir lo que es real y lo que no. Sus gestos nos provocan sensaciones cada momento: les acompañamos en su tristeza, en su dolor y finalmente, en su revolución. Sin necesidad (salvo algún estereotipo aislado, como ya comenté) de hacer de los humanos unos villanos de película, es difícil no sentir esas ganas de mostrar tu apoyo a los peludos. Y no, no simpatizo con los del PETA ni similares.

El director del invento se llama Rupert Wyatt, y lo único que ha hecho anteriormente más o menos reconocible es el thriller independiente The Escapist (2008). A partir de ahora, Wyatt pasa a formar parte de los cineastas a tener en cuenta. Y digo esto porque la puesta en escena de El origen… es simplemente magnifica. Se mueve con idéntica soltura en el drama que en la acción, y no deja ninguna escena sin algún interés visual añadido. La acción, cuando estalla durante el largo clímax final, va directa al grano y, dentro de su sencillez, convierte algo esperable desde el comienzo de la trama en una aventura intensa y emocionante. Por descontado, hay que agradecerle a él y a su equipo de montaje que hayan dejado todo clarito, de la forma más clásica posible. Esto es, nada de diez planos por segundo ni montaje epiléptico ni de explosiones más molestas (para el tímpano) que impactantes (para la vista), ni efectos especiales hasta el agotamiento ni salidas de tono chorra ¡Y sin 3D!

Todavía nos quedaría hablar de toda la parte obvia de denuncia social ecologista; de llamada de atención, como lo era El planeta de los simios original, sobre como el hombre debe autoevaluarse y recapacitar. Pero creo que aquí lo más interesante e importante es que con un 30% del presupuesto de cosas como la nueva de Transformers o la nueva de Piratas del Caribe, se ha conseguido ofrecer una lección de cómo hacer un blockbuster veraniego sin necesidad de vender humo ni de tomar al personal por idiota. Que ya se sabe que el cine está muy caro y hay que elegir bien por lo que uno paga.