Con esta saga me pasa algo curioso. A cada entrega, bajo las expectativas para amoldarme al producto y, de esa forma, poder verlo con otros ojos que me animen a entender el fenómeno social que han originado. Sin embargo, cada vez que me enfrento a la nueva entrega con las expectativas mermadas respecto a la anterior, me doy cuenta que debería haberlas bajado todavía más. Y así sigo, cuatro películas después, sin comprender qué gusta tanto y a tanta gente. Creedme, lo intento, pero no hay manera. No soy ningún detractor acérrimo de los mockumentary. Al contrario, algunos de ellos, como El proyecto de la bruja de Blair (1999), REC (2007) Cloverfield (2008) o Trollhunter (2010) me parecen muy interesantes, alguno incluso excelente. Claro que, dentro de este estilo, esta reeditada moda, hay mucha más morralla anual que productos interesantes. Ahora bien, ¿por qué Paranormal Activity 4 se estrena en cines, recaudando alrededor de 140 millones de dólares a nivel mundial, cuando es la misma basura que engendros directos a video como Gacy House (2010) y Área 407 (2012)? Coño, si incluso la copia de turno de los sinvergüenzas de Asylum, Paranormal Entitity (2010)… ¡le da mil vueltas a esto!

El primer Paranormal Activity, producido en 2007 aunque conocido masivamente en 2009, me pareció un experimento curioso y, a ratos, efectivo en su construcción del terror sobrenatural. La segunda y la tercera se empeñaban en jugar al típico “a ver quién la tiene más grande”, contando igualmente con presupuestos ínfimos, pero jugando la baza de multiplicar lo que ya funcionó anteriormente: más puertas abriéndose y cerrándose, más pasos en la escalera, más sabanas que vuelan de repente, más gritos, etcétera. Vamos, multiplicar cosas que sale barato multiplicar. La novedad, salvo en cambio de formatos (en la tercera se utilizaba presuntamente el difunto VHS) o el añadido de personajes vulnerables (niños y perros) venía a ser lo mismo, pero cada vez más cansino. Puro desgaste formulario.

Con motivo del estrenos en salas de cine españolas de El Páramo, reeditamos la reseña que le dedició el compañero John Trent hace unos meses a la película.

Han pasado muchos años desde que el inolvidable Marlon Brando soltase las míticas y demoledoras palabras que leéis bajo el título. Aquel Apocalypse Now (1979) era una de las más evidentes demostraciones de que los géneros bélico y terror no se encontraban tan distanciados. En realidad, la guerra, cualquiera de ellas, es la peor pesadilla que se puede vivir lejos del mundo de los sueños. Y por desgracia, tenemos una distinta cada día.

En este caso nos situamos en un desolado paramo de Colombia. Hasta él llegan nueve experimentados soldados para investigar la zona, puesto que se perdió contacto con ella hace varios días. Se teme que los soldados destinados a dicho lugar fueran víctimas de un ataque de la guerrilla. Sin embargo, lo único que encuentran allí es a una campesina encadenada. La mujer, de aspecto amenazante, no dice una palabra. Algunos creen que podría ser parte de la guerrilla y piensan en acabar con ella, mientras que otros optan por no creerlo e intentar ayudarla. En el desconcierto, ella escapa. A partir de ahí, el páramo se convertirá en un lugar donde los soldados vivirán como el aislamiento, los puntos de vista enfrentados, la imposibilidad de huir y un oscuro secreto que viaja con ellos, son capaces de crear un nuevo horror para el que no estaban entrenados.

Ya os habréis percatado de que el argumento no descubre nada nuevo; típica situación en la que un grupo de algo llega a un sitio recóndito y siniestro en el que empiezan a ocurrir hechos más allá de la explicación lógica. Y tampoco es nada nuevo que dicha explicación lógica puede estar más cerca de lo que creen; el mismo horror de la guerra y la marca que va dejando en los hombres, termina creando monstruos que no se parecen a los de cualquier película. De todos modos, con esto no destripo nada, puesto que la ambigüedad del mensaje/intenciones que nos ofrece El Páramo es uno de sus principales elementos.

El mundo del cómic y el de la animación, contrariamente a lo que pudiera parecer, no terminan de casar bien… La adaptaciones de cómics adultos a dibujo en movimiento no logran atraer al público casual y, generalmente, tampoco reciben el aplauso de los lectores. Y es raro, pues, aparentemente, es la transición lógica… Más suerte han tenido las adaptaciones a personajes reales. Tras un comienzo torpe, plagado de guiones superficiales y de dudosa calidad; entrando en el nuevo siglo, películas encabezadas por superhéroes y seguidas por cómics de todos los pelajes, nos han dejado títulos como Los vengadores, 300, Sin city, Ghost wold o Camino a la perdición, cintas tal vez cuestionables en algunos casos, pero que desde luego han logrado que la industria y la crítica reconozcan al cómic como lo que es, un género narrativo tan expresivo y rico como lo puede ser la novela o el teatro.

En cambio ha tenido que pasar mucho tiempo hasta que el público valore en su justa medida películas como Heavy metal o Tigra hielo y fuego y, aún así, seguimos a la espera del título que abandere el cómic llevado al dibujo animado. Lo más cercano y acertado hasta el momento, para mi gusto, son Persepolis y Cuando el viento sopla. El principal problema de estas propuestas es lograr mantenerse a la altura del look estético de sus originales, el segundo, saber plasmar el espíritu y sabor que se obtiene al leer un comic. Peur(s) du noir (creo que viene a traducirse algo así como “miedos a la oscuridad”) es un nuevo intento de conseguir ambas cosas y, a pesar de lograr triunfar en el apartado estético, en lo argumental termina por quedar en tierra de nadie, un terreno peligroso que ha llevado al título a los lejanos mundos del olvido y la indiferencia…

All dark places es una película de bajo presupuesto dirigida por el primerizo director Nicholas Reiner. Al igual que las recientes Lovely Molly o True Nature, entre otras, All dark places entra dentro de la categoría de thriller que juega a dos bandas: una psicológica y otra sobrenatural. Como siempre, generando multitud de interpretaciones y obligando al espectador a tener que elegir. Reconozco que no soy muy aficionado a este tipo de propuestas. Son películas muy difíciles de reseñar dada la importancia que tiene el trasfondo y los hechos que conforman éste… ya no solo para poder interpretarla de la forma más apropiada, sino también para poder disfrutarla. Evidentemente soy consciente de que este tipo de películas son “muy personales”; cada uno le da el sentido y la valoración que cree conveniente y por lo tanto no es recomendable fiarse tan solo de una mera opinión. Yo os animo a que la experimentéis y expongáis vuestras opiniones personales.

Una de las cosas que me echan para atrás de este tipo de películas es que, como espectador, requiero la necesidad de personajes coherentes de los que me pueda encariñar o con los que pueda conectar; además de escenas de terror que sorprendan. Es por eso que nunca soportaré películas como Lovely Molly. Nunca podré valorar y experimentar la trasformación de un personaje incoherente cuya trasformación nunca queda definida del todo.

En el cine español es muy difícil encontrar títulos que sean realmente innovadores. Películas que no se limiten a seguir una corriente y apuesten por hacer algo nuevo, con un nuevo sabor, asumiendo riesgos, decantándose por técnicas y resultados infrecuentes. Sólo por eso O apostolo merece nuestro aplauso y admiración. Porque pese a su resultado un tanto irregular, este título es un rompehielos en nuestro anquilosado panorama fílmico. Una propuesta que ha llegado a puerto gracias al tesón y la insistencia de Fernando Cortizo, su director, que ha sabido poner el talento y esfuerzo necesarios, y que ha confiado plenamente en sus posibilidades e investigado muchísimo para sacar adelante el primer filme europeo en stop-motion estereoscópico.

La animación española está resurgiendo, y además lo está haciendo apostando no solamente por el tradicional género infantil. Otras propuestas se le han sumado y han captado un gran interés en el extranjero - una pena que en nuestras tierras estos esfuerzos sean vistos con indiferencia en el mejor de los casos e ignorados en su mayoría – . Títulos como Chico y Rita que logró una nominación al Oscar, Arrugas que ha cosechado infinidad de premios fuera de nuestras fronteras, y Las aventuras de Tadeo Jones que ha superado todas las expectativas en cuanto a taquilla y aceptación internacional, han sacudido el polvo de una industria en estado crítico.

“La siguiente película está basada en un hecho real”.

¿Cuántas veces hemos leído el dichoso mensajito al inicio de una película de terror? Muchas. Demasiadas quizás. Tantas que su credibilidad ha quedado en entredicho, como la promesa de un político de no subirnos los impuestos una vez se instale en el poder.

Pero a pesar de todo el mensaje de marras nos ayuda a deliberar sobre la verdadera naturaleza de una película como 247 Degrees Farenheit: el terror cotidiano. Un terror que surge del convencimiento de que ninguno de nosotros estará nunca del todo a salvo. Una serie de pequeñas catástrofes, en ocasiones originadas de manera absolutamente casual e involuntaria, pueden dinamitar esa pequeña parcela de seguridad y certeza que nos procuramos día a día (nuestra, en ocasiones repudiada, pero tan necesaria, cotidianidad) y provocar, por las razones más insospechadas, que nuestra vida acabe pendiendo de un hilo. La seguridad y la certeza nunca son conceptos absolutos, y la mala fortuna puede estar confabulando en nuestra contra justo a la vuelta de la esquina.