Ambientada en el 74, nos cuenta la supuesta historia real de una familia que se traslada a la casa equivocada, donde pronto — oh, sorpresa — comienzan a pasar cosas extrañas: lámparas que se balancean, objetos con voluntad propia y repentinos cambios de temperatura. Todo ello se une a que la verdadera víctima de los eventos paranormales es — oh, sorpresa de nuevo — la hija del matrimonio, una preadolescente no muy contenta de los cambios de entorno en su vida. Pero, para poner la guinda en el pastel, el matrimonio lo forman una madre obsesionada con la decoración y el orden bastante egoísta y un padre escéptico — tenía que ser así, claro está — que le da demasiado a la botella.

En esta nueva cinta, el director toma el esquema básico de la película de apariciones y la construye siguiendo los grandes tópicos que siempre vemos en ellas: la nueva casa que parece perfecta, un pasado oscuro cercano a la leyenda, médiums varios y sacerdotes de fondo, alguna que otra alma atormentada, los objetos que vuelan, el protagonismo que debe tener el dormitorio de la joven, etc. Y es que Pat Holden, que “sorprendió” en 2009 con el drama social Awaydays que prometía seguir la estela de This is England (2006), se anima en esta ocasión no sólo detrás de las cámaras, sino también detrás de la pluma, en el que es su primer largo dirigido y escrito por él mismo con un guión que en muchas partes hace aguas. When the lights went out juega aún así una baza a su favor, toma ese recurso tan explotado de la “historia real” — Esperad… No es un recurso, que esto pasó de verdad… ¿o no? — que le da un interés creciente a la película. El problema del guión, en mi opinión, es algo así como la impaciencia del desarrollo de la misma historia: todo ocurre excesivamente rápido y los lapsos que se podrían aprovechar de la película se quedan en nada.

Que la crisis es una oportunidad de negocio es una de esas verdades dolorosas que, sin embargo, esconde un reverso positivo. Cuando todo decae y el público deja de acudir al cine por sus elevados precios, y de comprar novedades en dvd y blu ray a la espera de que pasen un par de meses para que cueste la mitad, hay un hueco para productos que antes, en épocas de bonanza, estaban absolutamente fuera de la circulación porque todo era muchísimo más caro. La película que nos ocupa se vende en dvd vía Amazon por menos de 15 dólares, unos 12 euros, precio inaudito en España para una novedad, lamentablemente. A la vez, se puede ver en streaming desde la web del gigante online por 4 dólares, y misteriosamente, en su ficha de imdb aseguran que se va a estrenar el 29 de noviembre en los cines de Alemania. Sinceramente, no sé si esto es un despropósito o hay un plan maestro detrás.

Al margen de todo esto, creo que es saludable la llegada a nuestras pantallas de un producto como The Ghostmaker. Entendámonos: no es una obra maestra, y tiene más de una carencia, pero está por encima de la media de su clase (serie B baja tirando a Z) y, sobre todo, vuelve a ser un ejemplo más de cómo a las grandes compañías les cuesta adaptarse a los cambios, mientras que las pequeñas son las que acaban por encontrar (ojalá que sí) el camino que luego seguirán las otras.

Tears of Kali es el primer largometraje del director alemán Andreas Marschall. Obviamente nos encontramos ante una producción de bajo presupuesto además de con un director y guionista primerizo, con una falta de experiencia importante. A pesar de ello resultó ser una de las sorpresas del año en 2004, año en el que la película vio la luz, ganando varios premios y reconocimientos tras su paso por diversos festivales. Por suerte veremos una mejora importante y una consolidación como director en su segunda incursión cinematográfica, Masks, película que tuve la oportunidad de ver hace muy poco y que comenté recientemente en Almas Oscuras.

A finales de los setenta, Poona era uno de los principales destinos para aquellos que se buscaban a sí mismos. Allí se establecieron varias comunas y grupos de auto-descubrimiento que combatían lo que ellos consideraban como enfermedades del mundo occidental. Pero entre todos ellos destacaba el grupo Taylor-Eriksson, que existía envuelto en un aura de misterio y no aceptaba ningún límite para sus experimentos. Hubo extraños rumores acerca de este grupo y la desaparición de varios de sus miembros hasta su disolución a finales de 1983.

Excelentes intenciones. Decepcionante resultado.

Dunderland, ópera prima de los noruegos Nils J. Ness y Finn-Erik Rognan, curtidos ambos en las disciplinas del cortometraje y el documental, es una de esas propuestas en las que, tras un primer visionado, acabas convencido, y además de manera rotunda, de que en su interior subyace una prometedora película, una espléndida historia con todo lo necesario para atrapar al espectador y que, sin embargo, aquéllos que tenían la potestad de sacarla a flote, no pudieron o no supieron darle ese empujón final que acabara materializando su evidente potencial.

Dunderland es un impresionante y hermoso valle noruego escenario de terribles historias que van desde la caza de brujas a finales del s.XVII, la ocupación nazi durante la segunda guerra mundial y la reciente desaparición de una niña durante una acampada de boy-scouts.

Laura, una joven directora teatral que se está labrando una prometedora carrera, reúne a un destacado grupo de actores y los traslada hasta Dunderland con el objetivo de ensayar su nueva obra: una recreación de la caza de brujas. Pronto descubrirán que en Dunderland se esconden extrañas fuerzas que escapan a su comprensión.

Cuando se concibe una historia, conviene no perder de vista el hecho de que la ambigüedad es un arma de doble filo.

Reduzcamos por un momento el terror a una división caricaturesca: por un lado, tenemos ese cine que describe amenazas y plantea misterios, trufado de bestias infernales, asesinos que avanzan cuchillo en mano, zombis y chupasangres incontinentes, violadores armados con taladros, fantasmas que lloran por las esquinas porque nadie les hace caso… Esta concepción del género suele poner sobre la mesa un desafío – la citada amenaza – muy concreto, ya sea en forma de monstruo, asesino, maldición, catástrofe, o aquello que más nos seduzca. Por los mimbres con que están hechas, estas historias suelen admitir solamente dos soluciones: o disolvemos el peligro o él nos disuelve a nosotros: final feliz, final triste. Sea como fuere, el espectador sale de la sala con una idea muy clara de lo que le han contado: ha conseguido identificar el origen de aquello que le genera miedo; le ha sido expuesto su modus operandi, y ha descubierto el antídoto de ese mal, en caso de haberlo, ya que de no ser así, es el propio mal el que se sale con la suya.

Este es el tipo de terror que suele complacer al público generalista y a los aficionados al terror clásico – nostálgico, me atrevería a decir -.

Se suele decir que para calificar una obra como buena, tiene que haber cien malas con las que compararla. El problema es que cuando se hace la criba, alguna de las grandes se escapa y se desecha sin querer. Es, creo yo, el caso que nos ocupa.

¿Porqué una película como esta puede haber quedado en el olvido? Sorprende que una ópera prima de este calibre no tenga cierto renombre, pero se puede explicar cuando se tira de filmografía y acudimos al director, Eric Valette. No se puede decir mucho acerca del manejo de la cámara de Valette, teniendo en cuenta que defraudó a la crítica cuando probó suerte en Hollywood con malévolos motores (Hybrid, 2010) y el remake de la japonesa Llamada perdida (2008). Sea como fuere la idea surgió fresca, influenciada sin duda por un sustrato lovecraftiano que se hace patente en toda la cinta y es por lo que se debe juzgar Maléfique.