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Road Kill

Gasolina

Road Kill

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  • Título original: Road Kill
  • Nacionalidad: Australia | Año: 2010
  • Director: Dean Francis
  • Guión: Clive Hopkins
  • Intérpretes: Bob Morley, Xavier Samuel, Georgina Haig y Sophie Lowe
  • Argumento: Cuatro jóvenes son perseguidos por un enorme trailer en cuya naturaleza parece haber algo sobrenatural.

40 |100

Estrellas: 2

Road Kill

“Road Kill” cuenta la historia de dos parejas de jóvenes que están de viaje por el sur de Australia y, en medio de una carretera desierta, se pican en una carrera con un enorme trailer de dos cuerpos. ¿El resultado? El viejo coche de los jóvenes vuelca y uno de ellos, Craig (Bob Morley), se parte un brazo. Sin vehículo, en mitad de ningún sitio, los chicos se angustian hasta que avistan, a lo lejos, el enorme camión que les ha agredido. Detenido, unos metros adelante. Siendo, como es, su única esperanza, se acercan, a ver si consiguen hacer entrar en razón al conductor para que lleve a su amigo a un hospital…

Empezamos regular, ¿verdad? Si un loco con un camión gigantesco se lanza a por ti en una carretera, creo que por mucho que pueda ser tu única esperanza, es difícil encajar que estos chicos se acerquen a por él. Por tanto, en los primeros diez minutos de película, hay que hacer la vista gorda. Se plantea uno, por tanto, la siguiente cuestión: puede que no esté todo perdido. Puedo olvidar esto si lo que sigue es apasionante.

Marcus (Xavier Samuel) y Liz (Georgina Haig), la pareja indemne, van hacia el camión, mientras Nina (Sophie Lowe) se queda con el malherido Craig. Los jóvenes llegan hasta el vehículo. Está vacío. Las puertas delanteras abiertas. Del conductor no hay rastro. Además, las llaves están puestas. Suben, justo cuando a lo lejos, se divisa al conductor, que corre hacia ellos, disparándoles. Los chicos arrancan y recogen a sus amigos. Dejan atrás al conductor. Carretera adelante, ¡bien!, pueden salir de esa…
…pero hay algo raro en el trailer. En vez de la insignia de la marca, en el capó hay una pequeña figurita de un perro con tres cabezas que Marcus, el conductor, ha mirado fascinado durante un buen rato. Así, mientras todos duermen, Marcus intenta mantenerse despierto mientras algo, quizás ese extraño perro, aparece en su cabeza, vence su voluntad y le hace salirse de la carretera y tomar un camino sin salida. En ese punto, cuando los demás descubren que se han desviado de la ruta, comienzan los enfrentamientos entre ellos, las tensiones que hay bajo sus aparentes buenas relaciones, siempre a la sombra amenazante del camión…

“Road Kill” no disimula su inspiración directa, “Christine”, la novela de Stephen King. Pero, eso sí, la “personalidad” del coche del novelista americano es mucho más fascinante que la de este mamotreto. Si el plymouth era una suerte de novia celosa, el camión es un animal egoísta que sólo busca su sustento más básico. Y no tiene ningún reparo en utilizar a los jóvenes a su antojo, siempre “poseyendo” al que pueda saciar su instinto de un modo más inmediato.* Así, uno diría que un pilar básico de “Road Kill” debe ser, por tanto, la personalidad de sus cuatro protagonistas. Así debería ser, pero no lo es, y es una de las grandes carencias de la película. Los personajes apenas se mantienen. Marcus, Liz y Nina no cambian su registro en toda la hora y media. Marcus es guapo y un poco engreído, Liz está enamorada de Craig, y Nina es una chica entregada a su novio y buena (…hasta el extremo de ser tonta). Sólo Craig, sobre el papel, empieza de un modo (sexy, majo, bienintencionado) y acaba de otro (utilizando sus virtudes para manipular a los demás).

Eso sí, sobre el papel. Si hay un problema grande y decisivo en “Road Kill” es la labor de dirección de Dean Francis. Puede que los actores no sean los mejores del mundo, pero su batuta al mando es inexistente. El tono de la película también parece navegar sin rumbo fijo: en los primeros minutos, parece que estemos ante una película de Greg Mclean, también australiano y fascinado por la belleza negra y mórbida del entorno natural del país. Pero en cuanto la trama avanza, nos metemos de lleno en el terreno de la serie B –en el sentido malo del término-, aunque al final intente recuperar el pulso estético. A esto, hemos de sumar la planificación: no se sostienen momentos en los que, por ejemplo, Craig abandona el sitio en el que Nina le había dejado, y vemos a dónde se dirige. Posteriormente, Nina sale a buscarle, y no tiene ningún sentido ver cómo la chica mira en un lugar en el que sabemos, porque lo hemos visto, que Craig no está, y que el director nos ofrezca la réplica a la mirada de Nina mostrando el lugar vacío y enfatizando con música la supuesta sorpresa de que el chico no esté allí.
Por otra parte, en el tramo final de la película, se acumulan los sinsentidos y fallos de racord gordos –el trailer lleva dos contenedores, y el mismo interior se encuentra en uno y otro indistintamente. A esto hay que sumar el guión de Clive Hopkins: en tres ocasiones, un personaje, en un momento de tensión, se queda dormido (!!!) y despierta un tiempo después… tiempo que se necesitaba para colocar los elementos del siguiente tramo de la película. O el clímax, estirado hasta la extenuación para alcanzar los noventa minutos de película.

Puede que esté siendo duro. Pero es que da rabia porque, aunque no era original, la trama daba de sí. Y algunas cosas están la mar de bien resueltas –la presentación del mecanismo del camión, por ejemplo, dibujada en la pared de la que parece la guarida del conductor, o el motor del vehículo, una imagen no por tópica menos perturbadora-, por lo que da que pensar por qué otras no se han pensado del mismo modo. Además, hasta que llega el ya mencionado y estirado clímax, la película, a pesar de sus peros, no se ve mal del todo.

En definitiva, que podía haber estado bien. Y eso duele.

Lo mejor: El motor del camión.

Lo peor: En general, es floja

Burning Bright

Gatito malo

Burning Bright

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  • Título original: Gatito malo
  • Nacionalidad: USA | Año: 2010
  • Director: Carlos Brooks
  • Guión: Christine Coyle Johnson y Julie Prendiville Roux
  • Intérpretes: Briana Evigan, Garret Dillahunt, Charlie Tahan
  • Argumento: Una joven, su hermano autista y un tigre con hambre en una casa cerrada a cal y canto

70 |100

Estrellas: 4

Photobucket

1.-UN TIGRE

Lo primero que tengo que reconocer es que cuando leí el argumento de la película me dije: bufffff, y la guardé en la carpeta de PELIS PARA VER ESNUCAO; y es que me pareció un pelín rebuscado, un tigre de Bengala??, coño, con lo fácil que es contratar a 2 yonkos para que se encarguen de 2 chavales solos en una casa aislada… Pero me equivoqué de pleno, lo que en un principio parecía su peor handicap se convirtió en el verdadero acierto de la película: el uso de la imaginación para generar un nivel impecable de tensión.

Y es que en estos tiempos que corremos es más difícil encontrar un thriller original, sin caer en lo absurdo (White Wall), que un cura honrado. Sin necesidad de abusar de los efectos digitales, solo los justos y necesarios (uno de los pocos puntos flojos de la película: la falta de medios); sin recurrir a la casquería fácil, ni a las tetas gratuitas. Solo un decorado, 3 personajes y la madre naturaleza.

Otro de los grandes aciertos de la película, aparte del caracartón de Garret Dillahunt (menos expresivo que Clive Owen con parálisis facial), es el casting: tanto Briana Evigan, como el niño Charlie Tahan están perfectos como hermana mayor agobiada y superada por las circunstancias, y como niño con autismo severo, que por cierto es uno de los grandes aciertos del guión. A ello vamos.

2.-DOS TIGRES

PhotobucketKelly (Evigan) ya no puede más, toda su vida lleva estando mediatizada por la presencia de su hermano autista, especialmente desde que su madre falleció por un “presunto” suicidio con pastillas. No puede ir a la Universidad, no tiene vida social y el niño no la deja sola ni 10 minutos. Y para colmo va el capullo de su padrastro y se gasta los ahorros que tenía para la educación del niño en un puñetero tigre de Bengala (breve cameo de Meat Loaf) para su estúpida idea de montar un rancho-safari en mitad de la nada. Como cuando las cosas van mal, generalmente suelen empeorar, un huracán de los gordacos está a punto de llegar a la zona y su padrastro anda liado con unos carpinteros para que protejan la casa con madera laminada.

Y justo la noche en la que llega el citado huracán se tiene que quedar sola con su hermano y cuidar de él, ya que el padrastro se ha ido de farra. O eso piensa ella. Para no reventar las sutiles maniobras de las guionistas ( Christine Coyle Johnson y Julie Prendiville Roux) para manejar la trama, me limitaré a decir que pronto descubren que no están solos en la casa: hay un lindo gatito que lleva ayunando forzosamente 2 semanas suelto, y la casa está completamente sellada. No se puede salir ni entrar. Y quedan 75 minutos…

TRES TIGRES

PhotobucketSalvando la falta de expresividad del “malo” y las escasas secuencias en las que recurren a los efectos digitales, esta es una de esas películas que se podría considerar una pequeña joyita dentro del panorama actual de thriller/terror actual. Tanto por la originalidad del planteamiento (a pesar de que pueda paracer un poco forzado al principio), como por la maestría con la que el director, CARLOS BROOKS, maneja sus pocos medios y un guión en apariencia complicado de resolver. Como curisidades os cuento que se emplearon 3 tigres de Bengala en la película (Katia, Schicka y Kismet), y que la canción que suena en los títulos de crédito finales está compuesta por el pivón, digooo, Briana Evigan….

Lo mejor: Lo bien aprovechado que está el guión y la presencia de Briana Evigan

Lo peor: EL "malo" y una evidente falta de medios

A Horrible Way to Die

La venganza del novio despechado

A Horrible Way to Die

A Horrible Way to DieAdam Wingard, director de Pop Skull, presentará en el próximo Festival Internacional de Cine de Toronto – TIFF su nuevo proyecto, A Horrible Way to Dead, un thriller independiente que cuenta la historia Sarah, una joven que decide emprender una nueva vida después de que su última relación amorosa finalizara con su novio Garrik condenado a cadena perpetua por cometer un terrible asesinato. Por lo visto una declaración de la propia Sarah fue decisiva para que su novio diera con sus huesos en prisión.

Sarah se ha trasladado a un nuevo pueblo, tiene una nueva identidad y una nueva oportunidad para ser feliz.

Pero lamentablemente, y como suele ser habitual en estas ocasiones, el pasado le pasará factura. Garrik escapa de prisión y descubre el lugar donde Sarah se oculta, iniciando un viaje por todo el país que dejará un horrible rastro de violencia.

Cheun a.k.a. Slice

Una infancia rota

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  • Título original: Cheun
  • Nacionalidad: Tailandia | Año: 2009
  • Director: Kongkiat Khomsiri
  • Guión: Wisit Sasanatieng y Kongkiat Khomsiri
  • Intérpretes: Arak Amornsupasiri, Jessica Pasaphan, Artthapan Poolsawad
  • Argumento: Un asesino en serie mantiene en jaque a la policía tailandesa, y su única esperanza son los recuerdos de un ex-convicto.

85 |100

Estrellas: 5

Photobucket

1. ESTIGMAS:

Nacer en Tailandia conlleva varios estigmas, siendo uno de ellos el propio hecho de nacer en este determinado país, parque de atracciones de la cara más despreciable de la humanidad. Si naces allí tienes MUCHAS posibilidades de acabar conociendo ese lado tenebroso, si eres de los pocos que tienen pasta la usas para conseguir más, haciendo lo que sea y, si además, disfrutas con la sensación es muy probable que quieras conocer lo que se siente al ejercer ese poder sobre una persona; pero ese no es un estigma, el que sí lo es, es nacer en una familia pobre. Y ser pobre en Tailandia significa vivir hora tras hora haciendo lo posible por huir de la desesperación que obliga a elegir entre comer o no comer, vivir o no vivir.

PhotobucketNo quiero detenerme mucho en esto – me imagino que ninguno de vosotros/as vivirá en el mundo de chupipiruli y , aunque joda acordarse, se le revolverán las tripas – pero hay un tercer estigma, el de la homosexualidad, que es básico para entender la película. Por varias razones, eso sí, y yo destacaría dos: La propia confusión que existe en el país al respecto, ya que mientras las leyes del país nunca lo han tipificado como delito, sí que lo consideraban hasta hace no demasiado, como una enfermedad con la que nacía y se podía curar; y en el propio Tipitaka (la sección canónica del manual budista Theravada) al mismo tiempo lo condena y lo acepta como algo que ha existido siempre. Y , como afecta esa confusión para convertirse en el refugio de los más desalmados y crueles especímenes del género humano. Todo el mundo sabe que tailandia es un país que vive del turismo sexual, pero son los propios tailandeses los que cometen las peores salvajadas, como violar repetidamente a sus hijos (e hijas), venderlos al por mayor y luego repudiarlos por ser mercancia caducada. Así que con estos tres estigmas: tailandés, pobre y gay, podría decirse que lo normal es que tu vida apenas llegue a los 20, y si llegas estás muerto por dentro.

2. EL CASO:

PhotobucketDentro de la novela negra hay varias formas de comenzar una historia, pero las más comunes son: un hecho nimio y aparentemente intrascendente que poco a poco va revelando detalles, o quitando capas, hasta descubrir algo muy gordo que suele implicar a multinacionales y mafiosos (un ejemplo reciente y muy recomendable: Tormentas Cotidianas de William Boyd); o comenzar con un hecho brutal y muy impactante, y contar como alguien ha llegado a un punto de tal brutalidad, o porqué la víctima mereció tal muerte (el amo de estas historias, para un servidor, es el gran John Connolly)

Este es el camino elegido por el guionista Wisit Sasanatieng también de películas tan curiosas como Tears of the Black Tiger o Citizen Dog) junto con el director Kongkiat Khomsiri. El hallazgo por parte de unos niños de una maleta roja de viaje flotando en el mar, y rellena con los restos mutilados y castrados de un extranjero forrado, marca el comienzo de un caso imposible de resolver. En pocos días, se apilan las maletas con los restos de empresarios, conocidos pederastas y como broche final el hijo del Primer Ministro. El caso cae en manos de Papa Chin, un policía corrupto hasta las trancas, que le pasa el caso a Tai, un joven policía que pasa sus días en una cárcel, por culpa de un caso mal resuelto (o eso piensa él…), y ejerciendo de matón para los mafiosos. Bueno, para ser concreto le obliga a resolverlo o resolverlo, y todo porqué lleva 20 años teniendo el mismo sueño en el que aparece una maleta roja…

Lo que le lleva a la aldea en la que se crió, en la que conoció a Nut, su único amigo de verdad y la persona que asocia su mente con la maleta roja, aunque no sabe muy bien porqué. O no se quiere acordar. Por qué?, pues porqué fue un amigo de mierda, a pesar de la completa devoción que sentía Nut por él, Tai hizo todo lo posible por prescindir de él, de humillarle para ser aceptado en la “banda” de crios que mandaban en la aldea, abandonarle cuando más lo necesitó…pero al mismo tiempo, tal vez por principios tal vez por pura solidaridad, le salvó de las violaciones constantes del padre, le defendió cuando a los crios se les fue la mano (escalofriante escena) y le ayudo a fugarse a Pattaya para encontrar a su madre. Esta parte de la película alterna constantes flashbacks con sus esfuerzos por resolver los crímenes y no perder a su novia Noi. No puedo contar más, sería injusto.

3.- REDENCIÓN:

PhotobucketSheun es un thriller muy intenso contado con engañosa lentitud, también es un drama/denuncia sin tapujos de la vida que llevan los niños/as en Tailandia, pero por encima de todo es una desgarradora historia de amor que supera todas las barreras posibles del tiempo y la realidad. Y todo ello camuflado con una engañosa publicidad que parece enfrentarnos ante una historia de violencia descarnada, que la hay (no se corta ni con hacha a la hora de mostrar el estado en el quedan los cadáveres de los malos), pero totalmente supeditada a lo mencionado anteriormente. Los actores están absolutamente perfectos, la fotografía es, como en casi todas las produciones tailandesas, espectacular y forma parte de la propia historia como un personaje más. Tal vez lo único que me sobra es el exceso de edición y la prescindible banda sonora. Pero a pesar de esos dos detalles, Cheun ya forma parte de mis PELÍCULAS, y junto con The Horseman y MEADOWOODS es de lo mejorcito que he visto este año.

Lo mejor: Practicamente todo, pero especialmente la resolución de la historia.

Lo peor: Por poner algo la BSO y un cierto exceso en el montaje.

Rampage

El día de furia de Uwe Boll

Rampage

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  • Título original: Rampage
  • Nacionalidad: Canadá | Año: 2009
  • Director: Uwe Boll
  • Guión: Uwe Boll
  • Intérpretes: Brendan Fletcher, Shaun Sipos, Michael Paré
  • Argumento: Bill está harto del mundo que le rodea. Se enfunda en su armadura de Kevlar, sale a la calle armado hasta los dientes, e inicia un cruenta e injustificada matanza.

70 |100

Estrellas: 4

Rampage

Bill parece un chico normal. Es cierto que la cuerda que le une a sus padres se tensa por momentos (sus progenitores le informan de que ya es hora de ir pensando en abandonar el nido) y que su supervisor en el trabajo le aprieta las tuercas de forma injusta. Pero más allá de una serie de “contratiempos” habituales en un chico de su edad – 23 años -, nada hace prever que Bill vaya a convertirse en el principal protagonista de un inusitado arranque de violencia culminado con la muerte de docenas de personas inocentes.

Ataviado con una potente armadura que adquiere por piezas, armado hasta los dientes y, lo más peligroso, ejecutando un detallado plan que no deja un solo cabo suelto, Bill recorre su pueblo natal disparando a bocajarro a toda persona que tenga la funesta suerte de cruzarse en su camino. ¿El resultado final? Una matanza. Los cuerpos sin vida de decenas de inocentes yacen muertos en mitad de la calle.

Se hace necesario buscar una justificación. Señalar con el dedo los motivos que han llevado a Bill a tomar su decisión. Y Rampage los ofrece – o al menos eso parece en primera instancia -. El rencor hacia sus padres, el descontento por su situación laboral, la superpoblación, las políticas imperialistas de los USA, la falta de alimento, las energías insostenibles, el deterioro del medio ambiente, el odio… cualquier excusa es válida. Bill parece estar harto del mundo que le rodea. No hay vuelta atrás. Tiene que hacer alguna cosa. Actuar.

Su mejor amigo, Evan, no para de escupir tópicos sobre lo mal que anda el mundo y lo poco que nos movemos para poner remedio a una situación que nos aboca, sin remedio, a la autodestrucción. Evan pide a gritos que alguien haga algo. Que alguien tome las riendas de la situación y consiga abrir una vía de escape… Bill cree ser esa vía de escape.

Hablando de Uwe Boll sin ira

Ciertamente uno diría que los primeros 40 minutos de Rampage no son más que un burdo intento por parte de Uwe Boll de justificar todo lo que viene a continuación. Y lo que viene a continuación no es más que uno de los ejercicios de cruda violencia más injustificados, amorales, ofensivos… y fascinante que nos ha ofrecido el cine en los últimos años. Boll nos coloca en la piel de Bill. Oímos su respiración y vemos a través de sus ojos. Somos Bill, y estamos a punto de asistir a un vigoroso espectáculo de violencia rotundamente injustificada, con todas las contradicciones morales y éticas que ello pueda ocasionarnos.

Porque más allá de lecturas políticas o sociales, conjeturas morales o juicios de valor acerca de los actos que contemplamos en pantalla (eso lo dejamos en manos de ese gran oportunista político que es Michael Moore y su, por otro lado excelente, Bowling for Columbine), Rampage sobresale como un magnífico ejercicio de estilo en el que la violencia es la principal protagonista. Contemplar cómo Bill se lanza a la calle y mata indiscriminadamente a hombres, mujeres, ancianos y niños acaba convirtiéndose, gracias en buena parte a la labor de Boll tras las cámaras (quién lo diría…), en un espectáculo que tiene tanto de grotesco e irresponsable (no me imagino el impacto que una película como Rampage puede tener en los USA), como de hipnótico.

Boll rueda con cámara en mano y pulso nervioso, un recurso estético del que no suelo ser muy partidario pero que en el caso de Rampage funciona a las mil maravillas, otorgándole a la película un halo de realismo y un estilo documental que juega a favor de la película.

Los actores (en especial un fantástico Brendan Fletcher, en el papel de Bill) realizan todos una labor magnifica. A modo de curiosidad apuntar que buena parte de los diálogos fueron improvisados por los actores partiendo de unas meras indicaciones por parte de Boll.

Uwe Boll incluso se permite el lujo de destacar en su faceta de guionista con secuencias tan sensacionales como la que tiene lugar en un bingo atestado de ancianos con la nariz pegada a sus cartones y ajenos a la inesperada visita de un desconocido vestido con armadura y portando consigo un arsenal de armas. Gran secuencia no exenta de un delicioso humor negro.

Y si todos estos elementos no fueran suficientes para destacar Rampage como la obra más interesante, personal, eficaz y atractiva del controvertido director alemán, todavía podemos aferrarnos a uno de los giros argumentales, en su tercio final, más sorprendente y políticamente incorrecto que he tenido la oportunidad de disfrutar en los últimos tiempos. Un giro de los acontecimientos que nos obliga a replantearnos todo lo visto hasta el momento y nos lleva a pensar que esos 40 minutos iniciales de Rampage a los que hacía alusión anteriormente, no eran tan burdos, ni tampoco eran una mera excusa para todo lo que venía a continuación, tal y como pudimos pensar en primera instancia. Lástima que justo en la imagen final de la película Boll opte por dar un pasito hacia atrás.

Tan sólo un apunte final. Que rece el bueno de Uwe Boll para que ningún tarado salga a la calle metralleta en mano y acabe citando a Rampage como su principal fuente de inspiración (porque lo cierto es que Rampago puede verse como algo parecido a un “manual para torpes” para todo aquel dispuesto a sembrar el terror en su vecindario).

Lo mejor: su salvaje y radical concepto de la violencia y su giro final, el cual nos lleva a replantearnos buena parte de lo visto hasta entonces.

Lo peor: los 40 minutos iniciales, que parecen justificar de algún modo el comportamiento de Bill, pueden resultar aburridos a más de un espectador.

¿Dónde conseguirla?
Gore Nation: “Rampage” en VOSE.

5150 Elm’s Way

Mis adorables vecinos

5150, Elm's Way

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  • Título original: 5150, Rue des Ormes
  • Nacionalidad: Canadá | Año: 2009
  • Director: Éric Tessier
  • Guión: Patrick Senécal
  • Intérpretes: Marc-André Grondin, Normand D’Amour, Sonia Vachon, Mylène St-Sauveur
  • Argumento: Yannick se convierte en el prisionero de un vecino de su nuevo barrio cuando ve que éste tiene a un hombre moribundo encerrado en su casa.

75 |100

Estrellas: 4

5150, Elm's Way

He visto “5150 Elm’s Way”, de Éric Tessier, justo cuando he terminado de leer “La Chica de Al Lado”, de Jack Ketchum. Y ahora mismo creo que el mundo está lleno de gente enloquecida que se cree que tiene razón. Y, con la excusa de la intimidad y la privacidad que proporciona el hogar, hacen cosas horribles a los que no encajan en su visión.

Yannick Bérubé (Marc-André Grondin) es un joven recién llegado a la ciudad para estudiar un curso de cine en la universidad. Apenas sí se instala en su apartamento cuando coge su videocámara y su bicicleta y se dispone a dar una vuelta por el barrio para conocerlo y grabar las primeras imágenes. Llega hasta el final de una calle, que acaba en una cloaca –curiosamente, David, el narrador protagonista de “La Chica de Al Lado”, también hace mención a que la calle de su barrio donde vive y donde suceden los terribles acontecimientos que cuenta la novela, no tiene salida. Graba el agua putrida y, cuando va a largarse, tiene un pequeño accidente con la bicicleta.

¿Quién no se acercaría a un adosado a pedir ayuda? Realmente, las viviendas unifamiliares tienen una extraña apariencia de seguridad y confort. En su interior, no puede vivir nadie malvado. Y, efectivamente, el señor Jacques Beaulieu (Normand D’Amour) le ofrece llamar por teléfono al instante. Yannick, mientras espera a que el hombre haga la llamada, descubre que tiene una herida en el codo, así que, sin permiso, entra en la vivienda a limpiársela…
…y escucha unos gritos pidiendo ayuda provinientes de la planta superior. Sube, y descubre a un hombre moribundo en una habitación.

Yannick se convierte, a partir de ese momento, en el prisionero de los Beaulieu, custodiado por Jacques, el cabeza de familia; Maude (Sonia Vachon), la madre; Michelle (Mylène St-Sauveur), la hija adolescente; y Anne (Élodie Larivière), la niña pequeña. Encerrado en la habitación de la primera planta, no sabe qué van a hacer con él, aunque ha visto cómo su lugar lo ocupaba antes un hombre malherido…

Los paralelismos, por tanto, con “La Chica de al Lado” son más que evidentes. Y pronto aumentan: la retorcida visión de la realidad de Jacques, el padre de familia, es la que tiene preso y arrastra a todos los demás habitantes de la casa, sean o no de la familia. Sin embargo, si bien la concepción es similar, “5150 Elm’s Way” se desmarca casi desde el primer momento de cualquier cosa que pudiera considerarse torture porn o, siquiera, violencia explícita, centrándose en el reverso psicológico de cualquier proceso de cautiverio. Esta es la espina dorsal de la película y uno de sus puntos fuertes. Realmente, el llamado “síndrome de Estocolmo” es fácil de creer pero difícil de imaginar. Es inevitable, por una cuestión de pura supervivencia, en una situación con un secuestro desarrollar una cierta afinidad con el secuestrador, desde el momento en que se convierte en la única otra persona que uno tiene para relacionarse con el resto de mundo; de hecho, esa otra única persona se convierte en el resto del mundo. Ahora, cómo se lleva a cabo ese proceso, esa identificación, no soy capaz de imaginarlo por mí mismo. En “5150 Elm’s Way” se presenta una manera de que esto suceda, y con bastante buen criterio, creíble. Y proporciona una información potente para entenderla: el prisionero pasa de sentirse una mierda, alguien que es algo así como un muñeco desestresante tamaño XXL, a descubrir que tiene un hueco en esa extraña formación familiar, y eso le da un estímulo para seguir adelante.

Yannick nunca pensará, por ejemplo, que Jacques o Maude son sus amigos; ni siquiera, que son unas personas que se merezcan un mínimo respeto. Sin embargo, entra dentro de la estrategia psicológica que sustenta la manera de actuar de dicha familia, y decide reventarla desde el interior.

Pero, claro, los límites de la cordura en una persona “estándar” frente a una “no estándar” no son los mismos, y otra parte importante de “5150 Elm’s Way” son las cicatrices que pueden quedarse al jugar con esos límites. Entendamos por persona “estandar” alguien no enfermo –o no lo suficientemente enfermo-, y por “no estándar”, un psicópata. En esta película, la diferencia entre ambos es el cuestinamiento de sus motivaciones. Dependiendo del grado del mismo –y, por tanto, de su nivel de autoconsciencia-, los personajes se sitúan en un equipo o en otro. Y es interesante ver cómo nunca está totalmente claro a qué equipo pertenece cada uno hasta que no levanta todas sus cartas.

Perdón por la disquisión, pero más allá de lo puramente cinematográfico, “5150 Elm’s Way” tiene bastante miga. Y este interesante armazón se sostiene gracias a un guión bastante sólido –hay, quizás, un momento en el que el desconcierto se adueña de uno como espectador porque no parece demasiado lógica la reacción de Yannick, aunque se justifique a posteriori-, una labor de dirección muy acertada –la decisión más arriesgada, a este respecto, es desde luego la de representar los duelos entre Yannick y Jacques de una manera un tanto onírica… y ayuda bastante a entender la psique del secuestrado- y, sobre todo, un elenco fantásticamente elegido. Marc-André Grondin interpreta a Yannick con contundencia, teniendo siempre bajo control sus reacciones físicas, algo que debe ser muy difícil porque en la mayoría de pelis donde hay un secuestro, la víctima suele parecer sufrir ataques de furia o similar cuando no se sabe cómo expresar la angustia del cautiverio. Jacques Beaulieu, interpretado por Normand D’Amour, es el perfecto vecino del que te encantaría descubrir que es un hijo de puta para hundirlo por siempre; Sonia Vachon, o Maude Beaulieu, es tal vez el personaje que menos matices tenga. Maude no cambia, sólo que aumenta nuestro conocimiento sobre ella. Y especial atención, desde luego, se merece la hija adolescente, Michelle (Mylène St-Sauveur). Tiene un físico cautivador, y en los escasos momentos de la película en los que deja ver la verdadera naturaleza de su carácter, asusta bastante. O, al menos, a mí me pasó, porque me parece que es de esas personas que puedes cruzarte por la calle, o pueden sentarse a tu lado en el metro, que parecen adorables pero que intuyes que algo guardan en lo más profundo de su ser… y ojalá nunca llegues a verlo.

Puestos a poner pegas a esta película, señalar que hay algo en el tramo final de la misma que no está bien encajado. No sé de qué manera se hubiera podido solventar el asunto, y hay que decir, también, que durante el visionado apenas sí se levantan sospechas sobre el tema, y se deja pasar sin demasiado esfuerzo aunque, ya se sabe, cuando la base no es lo suficientemente sólida, el significado de lo que sucede se divide por dos.

Yo creo que vale la pena darse un paseo por esta calle. Y mirar con lupa todos y cada uno de los chalets que hay a ambos lados. ¿Por qué dan tan mal rollo las cosas que quieren dar buen rollo?

Lo mejor: lo acertado que está casi todo en esta película.

Lo peor: una cierta artificiosidad en la construcción del clímax.

¿Dónde conseguirla?
Gore Nation: “5150, Elm’s Way” en VOSE.

Angst

Un Psicópata demasiado real

Angst

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  • Título original: Angst
  • Nacionalidad: Austria | Año: 1983
  • Director: Gerald Kargl
  • Guión: Gerald Kargl, Zbigniew Rybczynski
  • Intérpretes: Erwin Leder, Silvia Rabenreither, Edith Rosset
  • Argumento: Intensa y escalofriante historia de un psicópata anónimo y sus ansias po acallar los demonios internos.

90 |100

Estrellas: 5

Hoy tengo el inmenso placer de presentaros a un nuevo colaborador de Almas Oscuras. Ya le conocéis. Responde al nombre de Elniniodecristal, y es propitario del blog Perdonen las molestias. Bienvenido tio, y espero que lo disfrutes.

Angst

1.-INTRODUCCIÓN:
Desde mediados de los años 70, cuando, dentro del género de terror se abrió paso a machetazos el sub-género (sin menospreciarlo, más bien todo lo contrario) de los psicópatas, tanto reales como imaginarios, siempre ha habido dos tendencias bastante definidas:

El psicópata refinado: esteta y más preocupado por que reconozcan sus puestas en escena que por la cantidad, o significado, de sus asesinatos. Dentro de esta categoría yo destacaría al John Doe (soberbio Kevin Spacey) de SE7EN, Carl Stargher (Vincent D’Onofrio) en La Celda o el maestro de maestros Hannibal “The cannibal” (1º Brian Cox y luego Sir Anthony Hopkins) en las cuatro películas basadas en las novelas de Thomas Harris. Tal vez aquí se podría incluir a los sub-productos paridos por Kevin Williamson y Wes Craven con sus Scream y demás tontadas, pero tal vez están destinadas a un público poco exigente y muy determinado (adolescentes con las gónadas a tope).

El psicópata irracional: En esencia salvaje y movido por una violencia primitiva, sexual y vengativa. No planea sus crímenes con tanta meticulosidad, más bien se ve impulsado por emociones que no puede, o no quiere, controlar y tiende a esconder sus víctimas o dejarlas irreconocibles. El primero que nos puede venir a la cabeza es el epónimo Henry (Michael Rooker en Henry, retrato de un asesino en serie), tal vez Early Grayce (Brad Pitt en Kalifornia) y los incontrolables Mickey y Mallory Knox (Woody Harrelson y Juliette Lewis en la obra maestra de Oliver Stone Asesinos Natos). Pero mi favorito siempre será Leatherface (Gunnar Hansen en La Matanza de Texas) y su adorable familia de caníbales. Y eso sin contar con los biopics sobre asesinos en serie reales: Ed Gein, Dahmer, Bundy, Chikatilo….

2.-LOS RESPONSABLES:
El anónimo protagonista de “Angst” está levemente basado en la figura de Werner Kniesek, nacido en Salzburgo y responsable de la muerte de tres personas (una mujer y sus dos hijos) y conocido en Austria como el “Ed Gein” austriaco. Hay que tener en cuenta que la imperturbable sociedad austriaca en la que el 95% de los ciudadanos están a favor de la no integración de extranjeros y, prácticamente, nunca pasa nada.
El actor Erwin Leder (visto en “Das Boot” de Wolfang Petersen) hace un papel inolvidable. Se olvida de todos los manierismos propios del psicópata, y en su lugar recrea un personaje nada carismático, creativo o atractivo, es decir, demasiado real para lo que estamos acostumbrados.

El director, Gerald Kargl, sólo había hecho algún corto amateur y esta fue su primera y última película hasta la fecha; debido sobre todo al desastre económico que supuso la película, le costó unos 400.000€, pagados de su bolsillo y con avales bancarios, y debido a la estricta censura que le impusieron (en EEUU la clasificaron XXX) se quedó en la ruina absoluta y tuvo que ponerse a dirigir anuncios. En 2003 anunció otro proyecto del que hasta ahora no se sabe nada.

Zbigniew Rybczynski, el director de fotografía y co-autor del guión, es directamente responsable de la casi insoportable tensión y locura que transmite nuestro psicópata. Basada en tonos opacos y casi grisáceos, primeros planos asfixiantes (Darren Aronofski se aplicó el cuento en “PI”) y la invención de un soporte/plataforma sujeto a la cintura del protagonista que nos proporciona unos planos cenitales que nos sumergen de lleno en la perturbada mente del asesino.

Y la tercera parte responsable de esta joya es Klaus Schulze, el compositor de la BSO, miembro y fundador del grupo de krautrock y a-que-tomo-más-drogas-psicodélicas-que-tu Tangerine Dream que contribuye con su ambiente fantasmal y tétrico para completar el ambiente desasosegante de la película

3.-LA PELÍCULA:
Una voz en off nos cuenta, mientras vemos al protagonista desde un plano imposible, que lleva catorce años en prisión por haber matado a su madre y a una anciana de 70 años; que no sabe porqué lo hizo, ni le importa, sólo sabe que de vez en cuando le surge un impulso, y tiene que dejarlo “salir”. Ese día le dejan en libertad, y sin que nadie nos explique nada sabemos que la estancia en la cárcel no le ha servido para nada, tal vez justo lo contrario y ha estado 14 años acumulando instintos y necesidades.

Su primera parada es en una cafetería. La cámara, fijada en su rostro, nos dice que lo está pasando fatal. Esas adolescentes con la falda tan corta le están provocando (genial la secuencia de la salchicha gorda), y por qué coño le mira todo el mundo. Tiene que salir de allí antes de hacer algo terrible. La cámara le sigue hasta que coge un taxi. Con tanta suerte, para él, que lo conduce una mujer, la cual le recuerda a su ex novia: “Una puta” y la intenta engañar para que le lleve a un sitio alejado. Todo ello mientras juega con un cordón, pensando en cómo matarla, pero sin atreverse debido a sus constantes miradas suspicaces. Al final le acaba echando del coche. Y él, frustrado por su cobardía y angustiado por su impulso homicida, sale huyendo en dirección al bosque. Hasta que se encuentra con una casa.

Primero comprueba que no haya nadie y luego decide esconderse para descansar. Pero cual será su sorpresa cuando se encuentra con un hombre joven con claros síntomas de deficiencia mental y prostrado en una silla de ruedas. Una víctima fácil, al fin. Entonces llega el resto de la familia: una señora de unos 60 años y su hija. Más víctimas, igual de fáciles.

Aquí se me plantea una duda; no sé si contar lo que sucede a continuación o no destriparos el clímax de locura y violencia que se desata en esta segunda parte de la película. Y es que, lo que sucede a continuación os va a proporcionar imágenes y secuencias absolutamente inolvidables, por crueles y al mismo tiempo casi chapuceras, por parte de nuestro protagonista. Y no hablo de tripas y casquería, ni de torture-porn, ni tampoco de virguerías con el montaje. Estamos ante lo más parecido a una masacre perpetrada por un psicópata, distópico e histérico, y desde su descentrado punto de vista sin que sea un asesinato real filmado por el asesino.

Creo que será mejor que la veáis vosotros mismos y me contéis. Me parece lo más justo, teniendo en cuenta que fue así como yo la vi. ¡¡Por cierto, eso se lo tengo que agradecer al amigo Emilio The Psychopath!!

4.-CONCLUSIÓN:
Tengo que reconocer que me pasa con muy pocas películas, pero con las que me pasa no lo olvido. Me refiero a esa sensación de opresión en el pecho, ojos fijos ante la pantalla que, aunque sepas que son mentira, reflejan nerviosismo, el cigarro en la mano sin encender, la cerveza que se queda caliente y cuando acaba sientes casi alivio, pero sabes que volverás a pasar por lo mismo, una y otra vez.
Me acuerdo de Alta Tensión, Funny Games (o cualquiera de Michael Haneke), la primera vez que vi La Matanza de Texas, la versión original japonesa de Dark Water, la versión original tailandesa de The Eye, Frontiere(s) y À l’Interieur… y no muchas más.
Esta desde luego entra en la categoría, y con honores.
Ha sido un placer.

Lo mejor: TODO, pero especialmente la tensión y la "angustia" que crea en el espectador.

Lo peor: Que haya pasado tanto tiempo desapercibida.

The Final

Nos vemos en septiembre

The_Final_Review_Poster

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  • Título original: The Final
  • Nacionalidad: USA | Año: 2010
  • Director: Joey Stewart
  • Guión: Jason Kabolati
  • Intérpretes: Marc Donato, Jascha Washington, Whitney Hoy
  • Argumento: Los guapos y populares del instituto asisten a una fiesta muy especial, donde sus compañeros marginados y maltratados han planeado la más macabra de las venganzas sobre sus torturadores

40 |100

Estrellas: 2

El festival After Dark, del que todos los amigos de Almas sois plenamente conocedores, está plagado de experimentos fallidos. Tras cuatro ediciones nadie puede negar que genera más expectativas de las que cumple. Pese a este comentario lapidario y negativo, no escondo mi atracción por el festival en si. Ocho películas al año, rebuscadas entre las producciones independientes de medio mundo con escasa oportunidad de distribución internacional. Acertado parcialmente en sus adquisiciones, solo la intención del festival justifica su existencia. Sin embargo, dicha intención se convierte, al final y para disgusto del espectador, en paradigma ejemplar de los errores endémicos que sacuden al cine independiente de terror: Buenas ideas y propósitos desperdiciados por autocomplacencia y falta de seriedad, energía ó recursos.

Sí, desgraciadamente, The Final padece los mismos males; una idea interesante a priori, cuya resolución es tan pobre de desarrollo y potencia que se convierte en un visionado agónico. No todo es intragable en esta película de venganzas juveniles tamizada por el filtro Saw tan en boga (me niego a usar el termino Torture-porn, puesto que hasta que no se me demuestre la existencia científica de este subgénero yo no creeré en el), algunos de los momentos vividos a lo largo de la hora y media de metraje hacen sospechar de unas aspiraciones muy altas por parte del equipo que rodó The Final. Parece como si las ganas de contar una historia sobre el polémico acoso escolar (ó bullying), estuviesen allí pero al meterse en harina, el director y el guionista hubiesen reculado por miedo, precisamente, a la polémica. Quedando el resultado final en uno de esos insulsos cafés con leche de máquina que causan más daño físico que beneficio.

Los chicos guapos y deportistas del instituto disfrutan de sus días de vino y rosas. Un polvo con la jefa de animadoras, estrenar el coche que su padre le ha regalado, romperle las gafas al raro de la clase…

Las chicas bonitas y populares del instituto apuran cada segundo de su época de gloria en el recinto escolar: Poner caliente al jugador estrella del equipo de rugby con sus cortitas minifaldas, vomitar cualquier exceso calórico y marginar a la fea que lee comics manga…

Los chicos marginados e impopulares del instituto cuentan las horas que les quedan para que suene la campana y puedan huir del infierno que los matones crean a diario por y para ellos…

Las chicas tímidas y solitarias del instituto contienen las lagrimas de rabia mientras el profesor escupe sus conocimientos sobre la pizarra, solo quiere irse a casa para olvidar que las únicas miradas que recibe de los chicos son de desprecio y asco…

Un día normal en cualquier instituto norteamericano, al menos hasta que un grupo de jóvenes que son constantemente sometidos a las burlas y vejaciones de sus compañeros más fuertes y poderosos, realizan un pacto. Han alcanzado el punto de no retorno, su vida no vale nada y solo hay una cosa que justifique seguir respirando una noche más: Enseñar a esos bastardos que los maltratan y acosan el significado de “infierno personal”, una venganza cuyo resultado no importa mientras por el camino inflingan todo el daño posible a sus torturadores.

¿La trampa? Una falsa fiesta en una cabaña. ¿El cebo? El alcohol, la diversión, el sexo; en definitiva, el ego de los populares del instituto. ¿Los cazadores? Varios chicos disfrazados, fuertemente armados y con el cerebro lleno de escenas de sus películas favoritas de terror que recrear

Los párrafos anteriores podrían ser la sinopsis oficial de la opera prima del director Joel Stewart. Como es habitual en cualquier sinopsis (incluso aquellas en las que me tomo, tal vez, demasiadas licencias líricas), el uso de la realidad y de lo mostrado en la película, es un poco tramposo. Todo lo resumido es expuesto en la primera mitad de The Final, cuarenta minutos donde el guionista Jason Kabolati tiene vía libre para adentrarse en los recovecos mentales de unos chicos a los que, de una forma u otra, les importan muy poco sus compañeros. Personajes que pedían a gritos una exploración profunda y degradada de la amoralidad social que padecen. Sin embargo tanto el director, como el guionista y los muy justitos actores, se dedican a realizar círculos alrededor de la cuestión ética tan atractiva que plantea el argumento, pero sin acercarse un milímetro a ella. Estos círculos se conforman con breves escenas poco coherentes entre sí, que ni demuestran porque están tan hundidos los maltratados, ni porque son tan cretinos los maltratadores. Alguien podría argumentar que, como en la realidad, no siempre es necesario buscar un clima psicológico “razonable” para la tormenta de collejas que sufren algunos muchachos en la escuela. Me parece un buen argumento, pero con este enfoque los responsables de la cinta deberían haberse centrado más en los abusos, en la ira, en el odio, en la irracionalidad de moler a palos a un ser humano tan valido como el que más, y menos en usar media película para darnos ligeras pinceladas sobre unos personajes maltratados que solo parecen almas en pena, por la desgana con la que se pasean por pantalla. Esta claro, los productores (¡El director y guionista!) tienen un miedo atroz a que su película sea censurada y bloqueada en Estados Unidos por lo polémico que resulta el tema del acoso escolar en la “tierra de la libertad”. Este miedo será mucho más patente e hiriente (para ti, sufrido espectador) en la segunda mitad de The Final. Claro que tampoco me extraña dicho temor a la censura cuando resulta que la propia distribuidora, Lionsgate, no va a usar el poster que veís en la reseña por considerarlo demasiado violento. (Gracias a elniniodecristal por este apasionante dato sobre la censura en los montajes del photoshop)

Me resultó muy molesta esta falta de intensidad psicológica, así como la mogijateria demostrada por Joel Stewart en cualquier hecho violento relatado. Creo que una película independiente era el mejor patio de recreo para exponer la desagradable situación que viven en sus clases (ó celdas según prefiraís) muchos jóvenes norteamericanos y, por culpa de la dichosa globalización, otros no tan norteamericanos. Una apuesta por retorcer hasta el límite las ideologías de los personajes y sus reacciones ante la violencia, en lugar de crear sombras de cartón piedra; hubiera generado una atmosfera más terrorífica. Precisamente esa que se nos trata de vender en sus trailers, postres y promociones.

Como ya os comentaba, es en la segunda mitad de The Final cuando toda duda que pudiésemos albergar sobre la película se disipa. “Es un quiero y no puedo”, nos vemos obligados a musitar apenados. El “ojo por ojo” al que se prestaba una fiesta donde los marginados del instituto, libres ya de cadenas morales, tienen encadenados a sus odiados enemigos, daba para una orgía demoledora de violencia psicológica ó física. La dinámica del film la pedía a gritos, chicos cuyas vidas carecen de sentido no pueden ser tan apáticos e inconexos. Aquí luce en todo su esplendor el miedo de los responsables de la cinta. No vais a visualizar nada políticamente incorrecto, nada realmente cruel. Cero tensión en escenas rodadas con la sabia intención de introducirlas en un trailer que atraiga a los fanáticos de Saw. Una patética edición que hace por momentos plantearse cuantos chicos hay en la cabaña intentando vengarse. Una banda sonora boba y adolescente (¿Tan difícil resulta tratar los tópicos desde una perspectiva fresca y diferente?) La transición entre escenas de exterior a interior es digna de un programa de humor y no de una obra de cine de horror. Los actores ocupan su tiempo en primer plano dando discursos repetitivos y de escaso contenido, ó derramando lágrimas sin creerse ni la mitad de lo que dicen; solo rescataría a Lindsay Seidel que interpreta a una pseudogótica, con cara de muñequita, llamada Emily ….y así podría rellenar hojas y hojas, con tontunas como estas, pero dejaré a un lado mi fastidio ante un nuevo paquete de ideas tirado al retrete, por lo que creo, la falta de valor de todo un equipo de rodaje.

Parece increíble la considerable cantidad de experiencia poseida por el director como asistente de dirección en bastantes películas y capítulos de series para televisión, algo malas eso sí, destacando negativamente su participación en… WalKer, Texas Ranger; sobre todo, cuando uno tiene que tragarse el patético uso de cuchillos retractiles, sin una mísera gota de sangre, como arma mortal, en un plano casi cerrado. Y aunque técnicamente el hombre se defiende con algún truco estético, especialmente al principio de la fiesta de la cabaña ó el intento por ocultar los rostros de los padres de los chicos marginados ó el pretencioso uso del blanco y negro en la secuencia inicial; el resultado final de su opera prima resulta frío y tedioso hasta llegar al ansiado final, que por chapucero, corrido e innecesario no merece más comentario.

Una mención especial merecen las apariciones de dos actores secundarios adultos que todavía no alcanzo a entender. ¿Qué sentido tienen para la trama? ¿Qué sensaciones nos trasladan? ¿Son un recurso cómico? ¿El contrapunto a la omnipresente adolescencia del film? Me lo pienso dos segundos, ummm…¡Ah sí! ¡El policía y el veterano de Vietnam son los personajes ideales para rellenar quince minutos de guión! ¡Bien, menos qué pensar! Estad atentos a sus apariciones si decidís darle una oportunidad a este nuevo fallo del After Dark Festival 2010. Desde luego, yo me quedo con obras como Tormented, menos pretenciosas, con un tratamiento más cínico y mucho más entretenidas.

Acercaos solo completistas del After Dark ó personas muy interesadas en el fenómeno del “bullying” (aunque seguramente os resulte más aprovechable el documental sobre la masacre de Columbine de Michael “Progre” Moore). Tal vez porque crecí y aprendí en un instituto donde mis únicas preocupaciones eran aprobar latín y mirarle el culo a la compañera que lucía una camiseta de Poison, pero sea por lo que sea, a servidor no lo veréis tragarse otra producción de este tipo hasta dentro de muchos cursos lectivos.

Lo mejor: La intención de contar una historia polémica desde una perspectiva terrorífica.

Lo peor: Unos secundarios "externos" que protagonizan escenas ridículas, así como la falta de ritmo y violencia en todo el metraje