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Tenemos que hablar de Kevin

El mal innato

Tenemos que hablar de Kevin

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  • Título original: We Need to Talk About Kevin
  • Nacionalidad: Reino Unido, USA | Año: 2011
  • Director: Lynne Ramsay
  • Guión: Lynne Ramsay
  • Intérpretes: Tilda Swinton, Ezra Miller, John C. Reilly
  • Argumento: Eva, cercana a los cuarenta, tiene por fin un hijo, aunque en realidad no lo desea. El niño se comporta de un modo extraño con todos, pero sobre todo con ella…
DIVERSIÓN:
TERROR:
ORIGINALIDAD:
GORE:
  • 4/5

Tenemos que hablar de Kevin

Durante la historia del cine unas cuantas películas nos han avisado de que los niños pueden no ser esos seres angelicales que muchos adoran. Recientemente hemos tenido oportunidad de verlo en las magnificas The Children (2008) y La huérfana (2009), en la fallida Dictado (2012) o la mediocre Los chicos del maíz (2009), remake del pequeño clásico homónimo de 1984. Claro que, pocas de ellas ha pretendido indagar en algo poco común en el cine cuando hablamos de niños: el mal innato. A veces es por un virus, otras por posesiones de toda índole o por ser hijos del señor de las tinieblas, otras simplemente porque al chavalín se le cruza un cable por malas experiencias pasadas, o también porque a unos desesperados padres se les ocurrió enterrarlo en un siniestro cementerio. Y entre todo esto, muy habitual, sobre todo en los últimos años, las películas que con un giro inesperado nos develan que, por diversos motivos, no había maldad en esos niños o que no eran tan niños. Ahora, Tenemos que hablar de Kevin nos anima a entender el subgénero desde una óptica muy diferente y mucho más terrorífica.

No, no hablamos de una película de terror. Al menos no un terror cinematográfico. Tenemos que hablar de Kevin es un radiografía del mal. El ser humano tiende a dar por hecho que si otro ser humano comete un asesinato, debe haber una explicación detrás de sus actos. Puede que esté loco o puede que no. El caso es que debe haber, a lo largo de su vida, acontecimientos que le han llevado a tan cruento destino. Cuando vemos niños que van un poco más allá de la travesura, lo que nos viene a la cabeza es “uf, que malo le ha salido el niño” o “que carilla de malo tiene el chaval”. Pocas veces nos paramos a pensar que esa mirada, esa malévola sonrisa, podría ser el mal innato, la perdida de la inocencia desde el primer minuto de vida. Algo inexplicable, pero no por ello imposible. Presuponiendo la inocencia a tempranas edades, se dejan pasar actitudes que, en el futuro, pueden ser fatales. Las mismas familias acomodadas y con tendencia a evadir los problemas ceden ante dicha raíz, no creando monstruos, sino dejando que estos jueguen a su antojo. Sin olvidarnos de otros temas políticamente incorrectos como las consecuencias del miedo a la maternidad y los embarazos no deseados. Seguir leyendo…

Lo mejor: Las sobresalientes interpretaciones de Tilda Swinton y Ezra Miller, la poderosa puesta en escena de Lyanne Rampsay y el modo directo y sin trampas de encarar la posibilidad del mal innato en cualquier ser humano.

Lo peor: Que se aproveche poco a un gran actor como John C. Reilly y que su tempo pausado e inicio aparentemente confuso puedan echar para atrás a más de uno.

Excision

El camino hacia la madurez nunca fue tan complicado

Excision

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  • Título original: Excision
  • Nacionalidad: USA | Año: 2012
  • Director: Richard Bates
  • Guión: Richard Bates
  • Intérpretes: AnnaLynne McCord, Traci Lords, Ariel Winter
  • Argumento: La vida apesta cuando tienes 17 años. La joven Pauline tiene que luchar contra las presiones que tiene en el instituto, complacer a sus padres y con el ardiente deseo de perder la virginidad.
DIVERSIÓN:
TERROR:
ORIGINALIDAD:
GORE:
  • 4/5

Excision

Eros y Thanatos. Vida y Muerte. Además de un par de conceptos que, desde tiempos inmemorables, han servido a los analistas - y pseudoanalistas – del cine de horror para presumir de eruditos (hoy un servidor se apunta, creo que por primera vez, a tamaña desfachatez), Eros y Thanatos son dos instintos que, en palabras de Freud, dominaban la naturaleza del hombre. Uno, el instinto de la vida, del amor, el sexo. El otro, el instinto de la muerte, la destrucción. Eros y Thanatos.

Pauline busca su lugar en el mundo. Se busca a sí misma. Sumida en extraños, morbosos y sangrientos sueños/pesadillas en los que se debate entre el sexo y la muerte, Pauline afronta el día a día tratando de sobrellevar la difícil relación que le une a su conservadora madre, sobreviviendo en una escuela en la que se siente una completa extraña y cuidando de su hermana, aquejada de fibrosis quísitica. Seguir leyendo…

Lo mejor: Los personajes, los diálogos, el humor negro y el tramo final.

Lo peor: Que alguien espere de Excision, únicamente, un festival gore.

The Naked Lunch

Directo al estómago

The Naked Luch Póster

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  • Título original: The Naked Lunch
  • Nacionalidad: Canadá/UK/Japón | Año: 1991
  • Director: David Cronenberg
  • Guión: David Cronenberg
  • Intérpretes: Peter Weller,Judy Davis, Ian Holm, Julian Sands y Roy Scheider.
  • Argumento: Un escritor vive en un submundo dominado por la experimentación con las drogas
DIVERSIÓN:
TERROR:
ORIGINALIDAD:
GORE:
  • 4/5

TNL ext

Una reseña de Alfonso Bayo

“Timadores del mundo,hay un primo con el que no podéis: el primo que lleváis dentro”. Williams S. Burroughs

William Seward Burroughs (San Luis, Misuri (1914) – Kansas (1997)), novelista, ensayista y crítico social estadounidense, nació en el seno de una familia acomodada. Ya de niño descubrió su homosexualidad latente en sus novelas y una pasión por las armas de fuego hasta el final de sus días. Tras una etapa autodestructiva durante los años 40 y una incursión en la literatura pulp con la novela Yonki, se dedicó en los 60 a escribir con frecuencia. Su obra es intensamente autobiográfica y en ella plasma sus adicciones a la heroína y otras substancias. Entre sus obras más destacadas figura Yonki, Queer (Marica) y The Naked Lunch (editadas por Anagrama en España). La técnica que desarrolló en ésta última fue el cut-up: consiste en colages narrativos o intentos de destruir las reglas sintácticas o semánticas sin perder el sentido de la narración. Dicha técnica ha servido de inspiración a cantantes como David Bowie o Patti Smith admiradores de su obra, para escribir sus letras. Según Burroughs el individuo esta alienado con el lenguaje al que considera un virus que reside en su mente como hábitat y los infectados por él no saben que lo están. Burroughs formó parte del movimiento o generación beat o grupo de intelectuales y artistas americanos que definieron una nueva cultura, tras la II Guerra Mundial. Mantuvo contactos importantes con Allen Ginsberg (del que se cree que fue su amante) y Jack Kerouac precursores de dicho movimiento beat. Seguir leyendo…

Lo mejor: Su imaginería visual con ese tono irreal, de pesadilla que recrea a la perfección el submundo de drogadicción. Además de actores, fotografia, música y por supuesto... Cronenberg

Lo peor: Su extensa duración: 110 min. y la complejidad de sus extraños diálogos que pueden (y llegan a) ralentizar la acción en algunas ocasiones.

Blood Car

Lleno de 98 A+, por favor

Blood Car Póster

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  • Título original: Blood Car
  • Nacionalidad: Estados Unidos | Año: 2007
  • Director: Alex Orr
  • Guión: Alex Orr, m Pinney
  • Intérpretes: Mike Brune, Anna Chlumsky, Katie Rowlett
  • Argumento: En el futuro la gasolina está a precios imposibles. Para suerte o desgracia para la humanidad, un pringado descubre por accidente un motor que funciona con sangre.

70 |100

Estrellas: 3

blood car grande

Archie es un profesor de primaria vegano, algo pelele, muy preocupado por el medioambiente. Tanto que investiga un motor que funcione solo con vegetales. Así va de la escuela al puesto de bebidas vegetales de Lorraine y luego a casa, todos los días, todas las semanas. Hasta que conoce a la dependienta del puesto rival al de Lorraine: Denise, la caliente vendedora de carne. Hundido por sus continuos fracasos con el motor, una noche se emborracha causando un pequeño estropicio. Sin querer, un poco de sangre cae en el motor experimental y ¡voilà! El motor funciona a la perfección añadiendo una perversa dimensión a la búsqueda de Archie. Mientras unos misteriosos hombres de negro siguen cada paso de nuestro protagonista, él se debate entre una horrible disyuntiva: matar para hacer que el coche arranque y llevar a Denise al orgasmo o mantenerse fiel a sus principios y nunca dejar de ser un pringado. Como era de suponer pronto el maletero del coche de Archie se ve convertido en una picadora gigante de carne.

Hace poco caía en mis manos la noticia de que Blood Car, una comedia negra con algo de gore y horror rodada en 2007, iba a tener por fin su inminente estreno en DVD por Europa a través de la edición británica. Algo me sonaba de dicha película, y es que pude verla hace bastante tiempo y lo que mi mala memoria albergaba era un buen sabor de boca.

Ni corto ni perezoso me animé a revisitarla para ver si eran acertadas aquellas sensaciones largo tiempo olvidadas. La verdad es que, viéndola con aún más perspectiva temporal, Blood Car resulta una película muy recomendable a todos los niveles, sobre todo para lo que podemos entender por cine independiente auténtico.

Financiada por su propio director, guionista, editor – bueno ya sabéis como funciona esto del cine “underground” –, con solo 25.000$ muy aprovechados obtiene un producto final bastante satisfactorio. Sobre todo por su lectura como sátira salvaje de la sociedad de consumo, así como la crítica que contiene sobre el banal progresismo que infecta a los países del “primer mundo”. Dicha crítica no es para nada velada, orientada hacía la hipocresía inherente al ser humano, lanza sus dardos contra el ecologismo presentando la contradicción del deseo humano primordial enfrentado a las buenas encarnadas en la defensa del medioambiente. Aunque sea una opinión personal algo polémica, comparto la visión del ser humano que presenta Blood Car: dale a un defensor a ultranza de la Madre Tierra un sin fin de riquezas por quemar varios bosques y veremos que pasa. Entendedme, no creo en el manido “todo el mundo es bueno”, pero veo mi lectura del mundo como algo poético, puesto que la propia Naturaleza nos ha creado así no creo que debamos avergonzarnos de nuestra mezquindad si no canalizarla. Devorar o ser devorado, de eso habla esta película, un pleno desde el punto de vista cínico y sexual. No en vano así comienza el metraje: “Es una historia sobre la sociedad. Es una historia acerca de ti.” Aunque obviamente Blood Car está orientada al entretenimiento puro y duro antes que a la antropología social.

Así todo gira alrededor de un personaje, el algo patético Archie, y su obsesión por crear un motor de gasolina que funciones mediante material vegetal. Una misión especialmente importante en una hipotética realidad – no se trata del futuro, si no más bien un presente alternativo – donde la gasolina es un lujo solo al alcance de los ricos. ¿Pero por qué busca dicho motor? ¿Para salvar al mundo del cambio climático? ¿Para ir al cielo? ¿O por intereses más prosaicos? Como podéis comprobar, dicha premisa se muestra mucho más inquietante ahora que en 2007, lo cual creo que le otorga un valor añadido a esta producción.

Aunque el acabado de Blood Car sea barato, apuntando hacia sus humilde orígenes, Alex Orr se saca de la manga ciertos recursos para hacer su opera prima atractiva de cara al espectador. Lo primero que destaca sería su vertiginoso ritmo, sin ser realmente una película que desarrolle mucho las ideas básicas del guión (y vuelvo a apuntar que la idea básica es el propio Archie) en ningún momento pierde fuelle. Es más, su recta final adquiere todavía más velocidad amenazando con salirnos de la carretera en la pronunciada curva de ironía que supone una merecida y estupenda meta para el espectador. A nivel de producción la mayor pega sería que un presupuesto que limita mucho la puesta en escena. Por ejemplo, y pese a anunciarse como una comedia gore, poca chicha será mostrada en pantalla. Blood Car se cuida mucho de ser explicita, aunque sinceramente no le hace falta alguna.

Otro acierto sería la luminosidad, a pesar de tratar temas escabrosos y presentar escenas bastante malsanas (muy en la línea de la retorcida menta de gente como los hermanos Cohen o Adam Mason), la imagen es brillante y directa, salvando el escollo de la financiación con una aureola de felicidad y despreocupación que suaviza el ácido nihilismo que impregna el guión. La cumbre de la fotografía llega en las escenas que son musicadas mediante piezas clásicas. Al tratarse de obras muy conocidas, juegan un doble papel ambientando la acción y, por otro lado, transmitiendo en paralelo otro discurso, habitualmente el irónico y que simboliza el verdadero estado de ánimo de unos personajes poco honestos.

Personajes que, por otro lado, abundan en número para lo que suelen ser este tipo de producciones. Cierto es que todos son satélites de Archie, pero sus roles ejercen de guías morales para la disyuntiva que persigue siempre a nuestro protagonista, desde que descubre como la sangre es el mejor combustible para su motor. Por ejemplo, los personajes que representan la dualidad cartesiana que aflige a Archie (Mike Brune) son Lorraine (Anna ChlumskyMy Girl –) y Denise. Una es la chica vegetariana apocada y tímida que encarna el lado bueno y altruista, pero bastante soso, de Archie. Mientras que Denise (Katie RowlettPsicosis en mis súper dulces 16 –) es la dependienta de un puesto de venta de carne, todo voluptuosidad, deseo sexual y egoísmo desaforado, incluso la más sincera de todo el metraje.

Y entre medias un coche por el que TODAS pierden las bragas…

Efectivamente, como una exageración de la sociedad de consumo, el coche representa el triunfo y el poder, erigiéndose como el perfecto picadero, siempre que puedas mantenerlo en marcha. Aquí es donde nace la disyuntiva: ¿qué hace el bueno, casi tonto, de Archie cuando descubre que solo la sangre pondrá en marcha el motor de su “máquina sexual? Por supuesto, y si no la película no existiría, dejarse llevar por sus más bajos instintos y dejar que la moralidad la afronte su “soldadito”. Todos hemos dicho alguna vez: “mataría por un buen polvo”, pues Blood Car toma buena cuenta de esa afirmación. No solo en estricto sentido literal, también en la muerte de la ética personal en pro de jugosos beneficios. Y aunque la presencia de pechos y sexo explicito sea bastante cara de ver en sus setenta minutos, he de confesar que Denise merece los devaneos mentales de Archie, toda una mujer que sabe como empujarnos hasta el límite.

Un límite que usualmente roza lo políticamente incorrecto y el mal gusto en cada fotograma de Blood Car, son muchos los ejemplos los que se podrían poner, y aunque creo que lo mejor sería que los descubrieseis vosotros mismos, aquí va uno para que intuyáis que línea sigue la película: Archie se queda tirado con el coche y solo tiene “a mano” un veterano de la guerra de Vietnam. Tras el consabido forcejeo, solo sabemos que Archie maldice por solo haber medio llenado el “deposito” con un tipo al que le faltan varios miembros. No olvidemos que la cinta es norteamericana, y aun a día de hoy está muy mal visto menear mucho el tema de los veteranos de guerra. Si a estas pequeñas pinceladas les añadimos las continuas referencias sexuales y políticas, más el excelso final donde todo toma un cariz muy lógico, tenemos como resultado la sátira social de la que os hablaba. Aquí no se libran ni los animales del cinismo de nuestra raza, el peor animal, por cierto.

En cuanto a los intérpretes no creo que podamos poner muchas pegas. Todos cumplen religiosamente con su papel aunque se note que son poco más que actores amateurs. En concreto su mayor problema es que las escenas de interacción y diálogos se notan algo enquistadas. Como si la química entre ellos no funcionase del todo. No obstante, el trabajado guión ayuda a salir del paso de dicha frialdad. Planteando situaciones de un humor negro como el carbón que se resuelven con brillantez y desparpajo, gracias muchas veces a un sentido del surrealismo muy bien equilibrado (en la vena de lo mejor de Napoleón Dynamite), poco importa que se noten conversaciones mecánicas. Aunque insisto en que los tres protagonistas principales cumplen con su cometido adecuadamente.

Resumiendo, ¿a que esperas? Hazte con una sabrosa copia, porque la película sí que fue distribuida en su día en el mercado USA, y disfruta de una de las raras muestras de cine de guerrilla que supera en mala uva a cualquier otro competidor (y entended que la competidora es la serie B de toda la vida). Solo abstenerse aquellos con alergia hacia la comedia, más si contiene mucha dosis de absurdo, y todos los que renieguen de ese cine que “jo, oshea se ve barato tía, no sale ningún famoso tía”. Todo a basado en un guión único, con mucho peso específico en el mundo en que vivimos y una continúa capacidad para sorprendernos de lo vil que puede ser la humanidad. Además, resulta refrescante que no solo se carguen las tintas contra altas instancias si no también contra la hipócrita vida cotidiana. La frustración sexual, la sangre, los pechos, la “conspiranoia”, la locura, las clases de ética ecológica para primaria, las mentiras y los métodos maquiavélicos son un regalo añadido para un pequeño sacrifico: ver Blood Car

Tráiler

Lo mejor: Su guión, pese a ciertas inconsistencias se muestra muy acertado en la exposición de un humor negro de alto octanaje.

Lo peor: Las deficiencias económicas dejan un regustillo a barato que se acentúa debido a la falta de química entre los actores.

Bellflower

Las apariencias engañan

Bellflower

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  • Título original: Bellflower
  • Nacionalidad: USA | Año: 2011
  • Director: Evan Glodell
  • Guión: Evan Glodell
  • Intérpretes: Evan Glodell, Jessie Wiseman, Tyler Dawson, Rebekah Brandes
  • Argumento: Unos amigos de la infancia deciden completar su sueño e imitando a Mad Max deciden crear un lanzallamas.

98 |100

Estrellas: 5

Bellflower grande

Woodrox y Aiden se conocen desde que eran muy pequeños. Desde entonces adoran las películas de Mad Max y todo los artilugios que aparecen en estas. Por ello deciden hacer un lanzallamas y hacerse con un coche como el que aparece en dichos filmes. Esa será su forma de sobrevivir al “apocalípsis”, aunque sus vidas de por sí ya serán lo suficientemente problemáticas.

Resulta complicado escribir sobre una película como Bellflower y más todavía hacerlo de una forma medianamente profunda. Antes de nada me gustaría recalcar cuales han sido las críticas que ha recibido: “película sencilla y simple que pasa sin pena ni gloria, un 6”. Esto reafirma mi teoría de que voy casi siempre en contra de lo que dicen los periodistas “expertos” en “cine” (comercial). Esta es una película que puede gustar o no, pero yo tuve que sufrir la insistencia del “no te va a gustar” desde el principio. Mi situación fue tal que le dije esto al colega con el que fui al cine a verla “si en 10-15 minutos veo que es una puta mierda me voy”. Ahora es cuando digo que no volví a abrir la boca en los 106 minutos que duró la película y, repito, teniendo solo malas críticas como referencia. Ese hecho puede no querer decir nada o, directamente, decirlo todo. Antes de que venga nadie a crucificarme quiero recalcar que este es mi punto de vista y la nota que lleva está sujeta a lo que pienso ahora mismo.

El Argumento

Woodrow y Aiden deciden terminar por fin su sueño de crear un potente lanzallamas. ¿Pretenden matar a alguien o usarlo con algún fin? No, o por lo menos eso es lo que se da a entender. De pequeños disfrutaron del gran filme Mad Max y ahora quieren imitar esa estética. Luego comentaré la fuerte relación estética de Bellflower con la recién nombrada. Por supuesto los coches de la película también se quedaron grabados en sus jóvenes cerebros y se pondrán como meta tener uno exactamente igual.

Seguramente este será el argumento que leeréis en todos los sitios, una pena, porque esto no es más que la capa más fina, el barniz de Bellflower. La historia real transcurre en la mente de los personajes y en la increíble evolución que estos experimentan. Si estás harto de los personajes vacíos y sin sentido de siempre dale una oportunidad a Evan Glodell & Co. porque lo han hecho genial en ese sentido (y todos los demás). Me parece increíble que alguien pueda hacer tan buen trabajo en la dirección, el guión y las labores interpretativas. Evolución, eso es, Bellflower significa evolución; la evolución de un personaje, la evolución de una historia, la evolución de un sueño y, en definitiva, la evolución de una vida y cómo de un momento a otro puede haber un cambio que ni uno mismo podría planteárselo.

Bordado, de 10. Dicen de sencilla y simple la película, que solo va de lanzallamas y coches, sí, eso dicen, pero Lord Humungous va mucho más allá.

La Imagen

Como ya he dicho antes el filme guarda una relación muy estrecha con la mítica Mad Max y es por ello, o eso he supuesto yo, que la película se basa en los tonos cálidos y amarillentos. [Recordemos que la estética general de Mad Max (1979) es totalmente desértica]. Planos que a veces se pueden hacer un tanto extraños y que nos descolocan del todo, pero no os preocupéis, al final de la cinta se encuentra la respuesta… o no. Efectivamente, en este filme es posible que varias veces tengáis que sacar vuestras propias conclusiones, esta película juega con el espectador y le hace preguntas constantemente; después solo queda saber contestarlas “adecuadamente”. Como decía la fotografía es muy sobresaliente e impactará a más de uno. Seguro que hay también a los que no les hace ninguna gracia y lo calificarán como “el filtro amarillo”. Bueno, desde mi punto de vista veo necesario el uso de dicho “filtro amarillo” y creo que sin él todo perdería bastante sentido, credibilidad y rompería la estética total de la película.

El Final y el Significado

Es posible que en este apartado spoilee un poco, pero lo veo necesario para profundizar en el tema. Si lo creéis conveniente pasad al último apartado, de hecho, para los que no hayáis visto todavía la película lo recomiendo encarecidamente. Merece la pena que cada uno saque sus propias conclusiones.

Como bien llevo diciendo el punto fuerte de esta película no transcurre ni en la imagen ni en su argumento superficial, porque eso es todo lo que vemos, pero no lo que sentimos. Es posible que en el cine yo pasara de tener una sonrisa de oreja a oreja a comerme la cabeza y ni tan siquiera mostrar un atisbo de felicidad. Ahí está la fuerza del filme, ahí está el verdadero objetivo de esos fantásticos 106 minutos. Al principio todo va bien y parece que nada puede estropearse. Pronto todo se estropea. Discusiones. Peleas. Al final: caos. Ya no importa la banda llamada Mother Medusa que querían montar ¿o sí? Ese debate moral que se crea en Woodrow; como bien he dicho, brillantemente interpretado por Evan Glodell, nos hace pensar a nosotros qué es lo que está bien y qué es lo que está mal. ¿Qué ocurre al final entonces? Pues todo se estropea, Woodrow encuentra el camino fácil y acaba con todo y… se acabó. ¿O no? Entonces aparece la solución, esa solución que llevaba alojándose en su cabeza desde que era muy pequeño, desde que disfrutaba con su colega Aiden de Mad Max, desde que supo que había cosas mucho más importantes que todo eso y era la amistad y mantenerse cuerdo y coherente. Grand Finale. Sí, podría profundizar mucho más en este tema, pero no lo creo conveniente, cada uno sacará sus propias conclusiones y eso es lo realmente bonito.

Resumen y Conclusión

Si este es el cine indie que nos espera ahora bienvenido sea, porque hacía mucho tiempo que no veía nada tan bueno y que me transmitiese tanto. La fotografía increíble aunque algo desconcertante, pero siempre con un objetivo y en ningún caso veremos algo hecho al tun-tún o “porque sí”. Actores noveles y a la vez geniales, probablemente los mejores que he visto en una película con un presupuesto tan bajo (solamente 17.000$, los cuales ya ha multiplicado por 10 en ganancias). La historia superficial es entretenida e interesante, pero creedme, merece la pena verla y fijarse mucho más en lo que se encuentro más adentro, sí, mucho más adentro que las pantallas de vuestros monitores/ordenadores/televisores/cine (si tenéis suerte).

No hay que dejarse engañar por las apariencias, ni por el propio argumento de una película, porque lo bonito siempre suele estar mucho más adentro. Esto es como la vida: si solo nos quedásemos con lo más superficial viviríamos en un mundo de mierda, donde solo importa la ropa que llevas, si vas al gimnasio, si vas hacia la izquierda o hacia la derecha y lo abultado que tienes el bolsillo. Esperad un momento… creo que eso ya lo hacemos. ¿Podremos cambiarlo? Que va… ¿para qué?

Recomiendo encarecidamente NO VER EL TRAILER. Está repleto de spoilers y cosas que uno no debería ver hasta darse determinada situación en la película.

Lo mejor: La evolución de los personajes y el interior de la película.

Lo peor: Que a muchos no os vaya a gustar y lo infravalorada que está.

The Oregonian

Tienes que verla

The Oregonian Póster

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  • Título original: The Oregonian
  • Nacionalidad: Estados Unidos | Año: 2011
  • Director: Calvin Reeder
  • Guión: Calvin Reeder
  • Intérpretes: Lindsay Pulsipher, Robert Longstreet, Matt Olsen
  • Argumento: Una mujer abandona su granja y entra en lo desconocido.

80 |100

Estrellas: 4

The Oregonian Grande

Reseña de la película: Ver The Oregonian. Gracias

Lo mejor: The Oregonian

Lo peor: Prejuicios

Red State

Hola me llamo Kevin Smith y soy un cachondo

Red State

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  • Título original: Red State
  • Nacionalidad: USA | Año: 2011
  • Director: Kevin Smith
  • Guión: Kevin Smith
  • Intérpretes: John Goodman, Melissa Leo, Michael Parks y Michael Angarano
  • Argumento: Tres jovenes con ganas de echar un polvo se ven metidos en medio de una batalla campal entre fanáticos religiosos y las Fuerzas del Orden

42 |100

Estrellas: 2

Red State

Kevin Smith y su Red State han logrado el triunfo en la sección a concurso del 44 Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. No sé… tengo la ligera impresión de que el jurado del festival no tuvo en cuenta la opinión de Almas Osucuras a la hora de tomar la decisión (ironía). Os dejo con la reseña que hace un par de semanas publicamos de Red State.

1. Empanada de ideas:

PhotobucketEstas son las películas que más me cabrean, en serio, no los truñacos que te ves sabiendo que te enfrentas a algo muy chungo, no, esas no porqué ya sabes lo que te espera; las que más me joden, disculpen mi francés, son las que te llaman la atención desde un principio, te seducen con trailers e imágenes impactantes, te cuentan que van a ser una de las películas del año, tú mismo piensas que la idea original promete muchísimo y, a pesar de que una vocecilla te dice de fondo “que es Kevin Smith, cuidado…”, acabas esperándolas como agua de mayo. Y el día que al final te dispones a verla estás hasta nervioso ante la expectativa. Bueno, pués cuando todo eso se traduce en un amasijo de ideas muy mal ensambladas remetadas con el que, probablemente, sea el final más estúpido de los últimos años…es cuando te cabreas. Y mucho. No sé si en el fondo no deja de ser unas risas de Kevin Smith y sus colegas, o lo que en un principio fue una buena idea acabó degenerando en lo que es en realidad RED STATE.

Me explico. La iglesia (Westboro Baptist Church) y el personaje de Abin Cooper (basado en un tal Fred Phelps e interpretado con auténtica maestría por Michael Parks) son reales, tan reales que tienen pendientes varios juicios y hasta la extrema derecha más radical huye de ellos. Y si la idea del director era denunciar la presencia de este tipo de Iglesias extremistas, y al mismo tiempo crear una historia de terror y violencia, pués me parece genial, de hecho fue lo que más me llamó la atención desde un principio. Además esa idea tiene muchísimo potencial. Y ese potencial se desarrolla durante la primera parte de la película con bastante eficacia, tanta que durante la primera media hora estaba embobado con la que (o eso creía yo) se me venía encima. Pero, sin venir mucho a cuento y de una manera harto precipitada, todo ese excelente entramado de fanatismo, terror y violencia se convierte en algo completamente diferente, algo mucho peor: una estupidez.

2. Fanáticos religiosos vs. Policias armados hasta los dientes:

PhotobucketLa película arranca con tres chavalucos más salidos que el pico de una plancha buscando plan para el finde, es decir, a quién y cómo trajinarse. Y con esto de las nuevas tecnologías y las redes sociales localizan a una “chica” dispuesta a hacérselo con los 3!!. Acto siguiente: coger el buga de uno de sus padres y salir echando mixtos hacía la noche de sus vidas. Y tan rápido van, que por el camino casi se estrellan con un coche aparcado a oscuras a un lado de la carretera, donde el Sheriff local hace “cositas” con un jovenzuelo, algo que no parece muy relevante, pero que lo será. Cuando llegan a la cita, se encuentran con una caravana cochambrosa al más puro estilo white trash y en vez de una chavala una señora (Melissa Leo) que bien podría ser su madre, la cual les atiborra de cervezas (trucadas) hasta que caen inconscientes.

Cuando se despiertan, esposados, se dan cuenta de que les han separado. Por un lado dos de ellos en los bajos de una iglesia, y el otro en una jaula cubierta con una lona gruesa. Pero los 3 son conscientes de lo que ocurre a su alrededor: un pastor alucinado e histérico (Michael Parks) alecciona a su (escaso) rebaño acerca del lamentable estado del mundo en el que vivimos, pero haciendo especial hincapié en el peligro y la amenaza que supone la lacra de los sodomitas y su corrupción moral. Para demostrar sus ideales que mejor que pegarle un tiro en la cabeza a un pobre hombre atado al púlpito, momento que los chavales deciden escapar (todo sea dicho de una manera bastante poco verosimil…), adentrándose en el pasadizo que hay bajo la iglesia y encontrándose, entre otras cosas, con un arsenal digno de un país pequeño.

Y aquí es donde entra en acción el Sheriff, ya que asustado de que los conductores le hayan reconocido decide mandar a uno de sus ayudantes en busca del coche. ¿Y dónde está el coche?, pués en La Iglesia de los Fanáticos de las Armas y Nuestro Buen Señor Jesucristo. Tiro en la cabeza al poli. ¿Consecuencias?, la película pega un giro de 180º con la llegada del FBI y su legión de “soldados” armados hasta las cachas con órdenes estrictas de acabar con una célula terrorista (ya sabeis, no quieren otro WACO), encabezados por un escéptico agente (John Goodman) no muy de acuerdo con las citadas órdenes.

Y todo se va al carajo…

3. Pero WTF!!!:

PhotobucketAsí qué pasamos de lo que prometía ser un survival en toda regla a una ensalada de tiros pobremente justificada (creo que hay una delgada línea que separa el intentar prevenir otro WACO a matar a todo lo que se mueva, sean inocentes o no). Y eso no es lo peor, lo peor es que, tal vez, esta especie de “OK Corral” podría haber convertido en duelo de tensiones entre esos 2 lados opuestos de la ley armados hasta los dientes, pero ni siquiera eso. Por un lado los fanáticos religiosos que pasan de ser tiradores expertos a suicidas vocacionales, y por el otro unos agentes de la ley que no le dan ni al arcoiris que de repente se convierten en máquinas de matar. Todo ello entremezclado con unos diálogos pretendidamente gracioso e irónicos (ya ni esto Kevin, ya no haces ni gracia…) y los desvarios de los fanáticos que rozan el absurdo. Y cuando ya piensas que no puede empeorar más…llegan esos 10 minutos finales que te dejan con cara de pescao, de hecho los tuve que ver 2 veces para creerme que el tipo tenía tanto morro como para colocarnos semejante desfachatez…

Si no fuera por las magistrales interpretaciones de John Goodman, Melissa Leo y (especialmente) Michael Parks, esto no merecería ni siquiera estrenarse en los cines, por no hablar ya de programarse en Sitges.

Lo mejor: La primera media hora y los actores

Lo peor: La sensación omnipresente de que nos estan tomando el pelo...

Undocumented

Que asco de humanidad...

Photobucket

PhotobucketHace no mucho alguien se quejó en un post de mi tendencia a involucrar mis aficiones e inquietudes personales con las reseñas, bueno, concretamente vino a decir que “a nadie le imortaba una mierda mi vida”. Ok, de acuerdo en que no le importe mi vida a nadie, pero no estoy de acuerdo en que mis inquietudes acaben, de una manera u otra, entrelazadas con las reseñas de las películas que veo, y por tanto me interesan. Esa es una de las razones por las que películas como MEGAN IS MISSING, A SERBIAN FILM, la maravillosamente siniestra CATFISH, la reciente, y muy recomendable, THE WHISTLEBLOWER o LILJA 4 EVER (estas dos últimas relacionadas con el tráfico de adolescentes en Europa del Este), están entre mis favoritas y siempre tengo el radar en posición de alerta cuando salen películas como las que ahora nos ocupa. Mi interés, e implícito horror, por el tema de la inmigración ilegal en los USA y sus terroríficas consecuencias nació a raiz de las denuncias de gente tan brava como Lydia Cacho, libros como Las Hijas de Juárez o artículos como este. Y el hecho de que alguien, tarde o temprano, realizara un “falso documental” para denunciar estas atrocidades, bueno, era cuestión de tiempo…

PhotobucketLa premisa es la habitual: un grupo de reporteros independientes se traslada a la frontera que separa México de “La República de Texas” para realizar un documental sobre las paupérrimas condiciones y los abusos que sufren las familias que intentan cruzar la frontera en busca de un futuro mejor. Una vez que se unen a un grupo de las citadas familias, para buscar el mayor realismo posible, se ven atrapados en una pesadilla con la que no contaban: un grupo de vigilantes de ultraderecha, liderados por un enmascarado de nombre Z (el siempre inquietante Peter Stormare) que retiene a las familias y a los reporteros. Lo que sigue es una pesadilla real como la vida misma.

Pero no esperéis escenas de gore y salvajismo, no, esperar lo que pasa todos los días en la frontera: abusos, humillaciones, vejaciones de todo tipo y la impotencia de que no solo no se puede hacer nada para combatirlo, ya que hay poderes fácticos muy elevados detrás de estas cacerías (alguien se acuerda del comienzo de MACHETE??), sino que van a seguir ocurriendo. Por eso agradezco tanto, yo y millones de perjudicados, la existencia de este tipo de proyectos.