“Starry eyes”, “Cisne negro”, “La perfección” o “Bliss”; han sido varios los títulos que en los últimos años han convertido el arduo camino al éxito en pesadilla. La creación es un proceso de desgaste. Si se quiere llegar al público parece que la obra, como una biopsia, ha de rascar tejido del alma del autor. Dice el refrán que “La letra con sangre entra”; las notas de la canción de la protagonista de esta atípica cinta, llegan con el olor al vómito de su sacrificio en el ascenso de la escalera de la fama. “Birdsong” podría haber sido una película erótica, un musical, una cinta de horror o simplemente un drama, pero el audaz director Hendrik Willemyns ha procurado que ninguna y todas las etiquetas se ajusten a esta experiencia.

Asuka trabaja como limpiadora en una discográfica que busca a sus estrellas en un popular talent show. Su sueño es lograr hacerse un nombre en el mundo de la canción, así que ha decidido presentarse a la nueva edición del programa. Durante el casting inicial, el jurado escucha perplejo el tema que ha compuesto. Se trata de un tema, sin difusión para el público, que se encontró en el lugar del crimen del mayor productor musical de la discográfica. Asuka entonces tendrá que contar la historia oculta tras su canción.

Animado por el inminente estreno de Godzilla: rey de los monstruos, la secuela de la adaptación americana que hizo Gareth Edwards en 2014, por fin he decidido escribir sobre una de las películas más importantes en mi pequeño mundo de aficionado.

Antes de entrar en materia, me gustaría aclarar que la versión sobre la cual se hará referencia será siempre el corte original japonés de Ishirô Honda, previo a los recortes e insertos comerciales por parte de la distribución americana, con los cuales la propia Toho estuvo conforme. Creo importante constatar esto, puesto que la simple existencia de una versión suavizada de una película tan socialmente comprometida habla directamente de lo afilado de su discurso y de lo potente que fue y sigue siendo hoy en día.

Tendemos a considerar el cine de monstruos gigantes, el kaiju eiga, como un subgénero más próximo a la serie B, el explotation o directamente al trash. Y esto es totalmente lícito, puesto que la gran mayoría de producciones de este cariz forman parte directamente de cualquiera de estas subcategorías. De hecho, la evolución de la serie originada a partir de esta ‘Japón bajo el terror del monstruo’ acabaría derivando, y más de una sola vez, en títulos que harían las delicias del público de cualquier doble sesión de medianoche. Y es por eso, justamente, que esta primera (y única en su propio universo) entrega del rey de los monstruos suponía un golpe sobre la mesa. Puesto que no solo la potencia de su núcleo en forma de metáfora era devastadora, sino que suponía una total declaración de intenciones a favor de la narrativa fantástica más extrema como comunicadora de primer nivel. Honda, apoyado por la Toho, que se veía deslumbrada por el reciente éxito de otras producciones monstruosas como ‘King Kong’ o ‘El monstruo de tiempos remotos’, creían en un proyecto que, pese a su carácter más freak, tenía capacidad más que suficiente para hablar sin tapujos de una de los problemáticas más serias y preocupantes del momento.

Estrenada únicamente en un cine de Tokio, este trabajo de escuela se ha convertido, en su país de origen, en todo un fenómeno de masas. El boca-oído llenaba todas las sesiones y pronto la película comenzó a expandirse por otras salas. Aquellos que ya la habían visto guardaban el secreto de “su truco” y regresaban al cine con sus amigos, sin explicarles qué era lo que iban a ver, para disfrutar de sus reacciones. Durante meses se situó en lo alto de las recaudaciones en taquilla de Japón y otros países asiáticos donde ya es casi un film de culto. Tanto crítica como público se han cuidado de revelar su sorpresa. En su paso por los festivales de todo el mundo ha sucedido lo mismo: aquellos que han aguantado su peaje inicial (pues la cinta esconde sus delicias hasta transcurridos casi 40 minutos) la platea se ha venido abajo en ovaciones y carcajadas. Y es que “One cut of the dead” es una comedia sensacional y toda una experiencia de las que no se olvidan si se ve en un cine o con una buena cantidad de amigos. No quiero decir que no se disfrute en casa, pero es como ver “Rocky horror picture show” en tu sofá o verla rodeado de gente… Así que aprovechando su próximo pase en Madrid, en la muestra Syfy, me animo a escribir esta reseña con cuidado de no decir nada de más.

Terminamos nuestro recorrido por casi todo lo visto en la edición del Festival de Sitges de 2015. Una auténtica y desmedida glotonería de celuloide que nos ha tenido saliendo de una película para entrar a otra de forma constante, con mínimas pausas para comer —algo que engordase mucho y alimentase poco—, charlar con espectadores u otros medios, ver alguna rueda de prensa o presentación, y digitalizar y montar lo que ahora os presentamos. Dicen que sarna con gusto no pica, así que, pese al cansancio del que aún 15 días después nos cuesta recuperarnos, lo cierto es que la experiencia ha sido tan edificante como lo es siempre. Una pena no poder apoyar con imágenes de dos de las ganadoras que vimos, pues me quedo con las ganas de pelar ese híbrido imposible entre Los amigos de Peter y cierta peli (que para evitar spoliers diré sólo que dirige Ti West) que es la inteligente The invitation. También me quedo sin material para analizar Southbound, interesante recopilación de historias de terror entrelazadas que era una suerte de cinta de Moebius narrativa, y The Devil’s Candy que merece un aplauso aunque sea únicamente por mostrar a una familia de amantes del heavy metal de una forma natural, alejada de los prejuicios que tanto el cine como la sociedad en general dibujan habitualmente.

Ya tenemos lista —recién salida del horno— la segunda de nuestras video entregas de la pasada edición del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya (Festival de Sitges 2015). En esta ocasión Tito Jesús, Javier Muriel y Alejandro Antón nos brindan una apetitosa selección de algunos de los títulos asiáticos más destacados que pudimos ver en el Festival. Desde las últimas locuras del inefable Takashi Miike, pasando por lo nuevo de otro grande como es Sion Sono, el live-action épico de Attack at Titan, la acción más desenfrenada, el cine de época más suntuoso y el mejor anime. Drama, comedia, acción, gore, monstruos y pura psicodelia… Ya sabemos que estos asiáticos no le hacen ascos absolutamente a nada. Esperamos que la selección sea de vuestro agrado. Y recordad… esto no termina aquí. Esperamos que reservéis un hueco en vuestros estómagos para una tercera —y en esta ocasión sí, definitiva— video entrega con aquellos títulos que se nos han quedado rezagados y que merecen, sin dudarlo, nuestra atención. Por ahora esperamos que disfrutéis de nuestro particular Asia Express.

Edogawa Rampo

Hirai Taro (1894-1965) está considerado el padre de la narrativa japonesa de misterio. Nacido en la Prefectura de Mie, se graduó en la Universidad de Waseda en 1916, y desempeñó trabajos muy dispares, como contable, administrativo, comerciante y vendedor ambulante de fideos soba desde un carro, antes de descubrir su vocación de escritor. Primer narrador moderno de misterio japonés, y durante mucho tiempo presidente del Club de Escritores de Misterio de Japón, Rampo tomó su nombre artístico de la pronunciación japonesa de Edgar Allan Poe, por cuya obra quedó totalmente hechizado desde los inicios de su carrera.

Leticia Vera

Nacida en 1982, es dibujante. Después de cuatro años estudiando Bellas Artes, decide dejarlo y empezar con la tinta como autodidacta. Ha expuesto sus obras en galerías (Idearte, Dionis Bennassar) y otros espacios de Madrid como Tipos Infames o la librería Enclave. También ha ilustrado portadas de varios libros y revistas, para Salamandra, Lunas de Papel, Trece Trenes, El Naufragio, Anémona, etc. Igualmente ha mostrado sus trabajos en diversas ferias de diseño independiente, como Nomada Market.