La cosa estaba complicada. Hasta ahora no había prestado demasiada atención a ninguno de los reboots o reinvenciones (o como demonios queráis llamarlos) entre juveniles, épicos, fantasiosos o crepuesculares de los grandes mitos de la literatura infantil que han invadido las salas de cine en los últimos meses. Blancanieves (Blancanieves y la leyenda del cazador), Caperucita Roja (Red Riding Hood), Alicia (Alicia en el país de las maravillas), el mago de Oz (Oz, un mundo de fantasía)… y muy pronto Jack el caza gigantes, de la mano del mismísimo Bryan Singer. Algunos de estos títulos me decepcionaron – la vacía Alicia de Burton -, otros, una vez vistos, me dejaron cierta sensación de indiferencia – la caperucita crepuscular de Red Riding Hood -, e incluso hubo algunos en los que no fui capaz de reunir la motivación suficiente para hacerles frente (quizás algún día… o no). Ahora le ha tocado el turno a Hansel y Gretel.

Tras ser abandonados por su padre en mitad del bosque, dos hermanos van a parar a una casa con las paredes recubiertas de chocolate y golosinas. En el interior de la casa habita una bruja malvada que pretende comérselos a ambos tras cebarlos debidamente. Los niños logran acabar con la bruja y, de paso, sellar su destino: Hansel y Gretel se convertirán en los más famosos y admirados cazadores de brujas de su época. Seguir leyendo…

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Os recordamos que Los últimos días, de los hermanos Pastor, se estrenará en las salas de cine españolas el próximo 27 de Marzo.

La semilla que plantaron los hermanos Pastor muchos meses atrás con aquel poster promocional de una Barcelona devastada y desolada, humedecía el paladar del ávido degustador de escenarios postapocalípticos. David y Àlex ya habían flirteado con la temática pandémica en su debut de rostro americano con Carriers (Infectados), pero esto era distinto, porque estos últimos días iban a tener lugar en nuestras calles. Tan cercano que se antojaba imposible reprimir la curiosidad y la emoción de comprobar el aspecto final de disaster movie que los directores catalanes tenían previsto imprimir sobre la ciudad condal. Solo con eso ya tenían media carrera ganada. Hay que añadir a la expectativa, además, la encomiable destreza mostrada en la realización de Carriers así como la singularidad narrativa del excelente cortometraje dirigido por Àlex en el palíndromo ciclo vital de La ruta natural. Una expectación, en resumidas cuentas, ante el cultivo del fantástico y terror español, del que tanto hemos hablado ya en este portal, tan laureado y ensalzado más allá de nuestras fronteras, y cuyo registro de nombres no hace más que dilatarse.

Tres años han sido necesarios para completar un proyecto cuya máxima ambición era convertir Barcelona en un páramo de calles desiertas, comercios vacíos, humo y ceniza, vehículos abandonados y mobiliario urbano destrozado. Como una resaca de victoria azulgrana llevada al extremo de la extinción. Es en ese aspecto donde los hermanos Pastor mejor reciclan la espectacularidad del cine americano y logran con excelente resultado convertir la destrucción en algo atractivo a ojos del espectador, fascinado por lo abrumador de su estética y por los lazos que le unen a esos espacios habitualmente transitados. Aún así, quepa avisar que no estamos ante un reportaje de Callejeros Viajeros y la gran parte de su metraje se desarrolla precisamente en lo opuesto a las panorámicas que contemplan el Arc del Triomf, las torres Mapfre o la Diagonal, ya que sus personajes se ven obligados a avanzar a través de una extensa red de túneles de metro potenciando así las sensaciones de agobio, claustrofobia y aislamiento. Seguir leyendo…

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Battle Royale es una de mis películas de cabecera. La primera vez que leí acerca de Los juegos del hambre no conocía la existencia de la serie de libros, al parecer muy famosos, en los que se basa y de los que saldrá una trilogía en cines. Al leer la sinopsis me pudo el enfado:¡Si esto es un plagio de Battle Royale! ¡Y lo quieren suavizar para fans de Justin Bieber! Aparte, por todos los rincones aseguraban que se trataba del nuevo Crepúsculo, con todo lo que eso conlleva: muchos prejuicios. Y eso que no soy un hater de la archipopular saga romántico-vampírica, pero ya que se ponían a hacer un Battle Royale estadounidense sin pagar los derechos a los responsables de aquella, ¡al menos tengan la dignidad de hacerlo bien! El tiempo pasó y se escapó de mi mente el proyecto. No sé muy bien porqué ni dónde, empecé a leer/escuchar que los libros de Los juegos del hambre, escritos por una tal Suzane Collins, estaban mucho mejor de lo que parecía; que todo eso de las comparaciones con Crepúsculo eran estereotipos baratos que no se sostenían una vez leídos; que la adaptación al cine pintaba cada vez mejor, con un reparto de lujo y un tono serio que, pese al inevitable PG-13, no evitaría contar el drama futurista que analiza los libros, sin dar mucha importancia a una historia romántica en ningún momento empalagosa. Bueno, puede que la cosa no esté tan mal, me dije.

Finalmente Los juegos del hambre llegó a los cines de todo el mundo, amasando unos espectaculares 686 millones de dólares de recaudación (408 de ellos en Estados Unidos, donde se ha convertido en todo un fenómeno social) y cosechando críticas muy buenas: en Rottentomatoes se registraron un 85% de valoraciones positivas, mientras que en Metacritic llegaban al 70%. El público también parecía entusiasmado y no faltaban las voces que aseguraban estar ante el mejor inicio de las franquicias juveniles de nuevo cuño. La dejé pasar hasta ahora cuando, tranquilo, en un día poco ocioso, decidí por fin sentarme ante la pantalla y ver por mí mismo que salió de aquella película cuyas noticias, hace más de un año, me creaban tanto prejuicio.Seguir leyendo…

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Si dependiera de los guionistas de cine, nuestro planeta estaría en el finiquitado desde hace unos cuantos años. El fin del mundo, sobre todo el de la especie humana, ha sido una temática tan recurrida en lo que llevamos de siglo XXI que podemos admitir un nuevo género cinematográfico: el neo-apocalipsis. Un revival del interés por el más pesimista de los augurios que está muy presente, entre otras cosas, por la tragedia anunciada y denunciada que nos puede golpear con el cambio climático y por aquellas profecías amenazadoras de los mayas, que como acabamos de comprobar, no se han cumplido. En todo caso, cambios climáticos y profecías aparte, siempre hay elementos a mano para acabar con el mundo, cinematográficamente hablando: virus, zombis, endemoniados, invasiones alienígenas, guerras nucleares. En The Day el motivo de la destrucción es una nueva guerra mundial, y sus protagonistas, un grupo de jóvenes que han decidido sobrevivir sin saltarse algunas normas de la civilización…mientras les sea posible.

Un grupo de cinco supervivientes, armados con escopetas, hachas y machetes, vagan por las carreteras secundarias de un paisaje apocalíptico en busca de un refugio seguro. La guerra ha destruido la humanidad, y los pocos supervivientes se dan cuenta que tienen que hacer lo que sea necesario para mantenerse con vida. Perdidos, hambrientos y exhaustos, buscan refugio en una granja abandonada aparentemente segura. Sin embargo, durante la búsqueda de alimentos y recursos, activan una trampa que avisa de su situación a otro grupo de supervivientes convertido en auténticos depredadores. Sin casi alimentos ni municiones, el grupo debe hacerles frente y lograr sobrevivir…Seguir leyendo…

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En el cine existen franquicias que, aunque no gustan a nadie, siguen contando con éxito en cada entrega. Una de ellas es la de Resident Evil. Hacer la prueba. Ir preguntando a amigos, conocidos, familiares y leer por internet opiniones en diversos foros. Casi nadie dirá que le gustan. Y lo más curioso, muchos dicen que no se dejan el dinero ni el tiempo en ver en eso. Sorprende por tanto que con el paso de los años la saga haya ido creciendo. La taquilla ha ido de los 102 millones de dólares (siempre en todo el mundo) de la primera, hace diez años, a los 221 de la que nos ocupa. Aunque ahora ha dado un pequeño bajón, la entrega previa, la cuarta, cosechó los mejores datos poniendo el pico a superar (cosa ya prácticamente imposible) en los 296 millones. Y eso que a nadie le gusta ni nadie las ve. Curioso.

En lo que a mí respecta, sin que lleguen nunca a entusiasmarme, estas películas me han parecido, con sus altibajos, entretenidas golosinas para ver sin prejuicios y desconectar las neuronas. Dan lo que prometen y si accedes a verlo, aquello tendría que valer. Asunto turbio es que uno sea fan de la mítica serie de videojuegos en la que (muy por encima) se basa. Yo, sin ser un fan radical, sí me considero aficionado al universo desarrollado por Capcom para el arte/ocio electrónico. Y obviamente, considero a la mayoría de esos juegos mejores que las películas que cogen su nombre. Pero con esta saga he conseguido llegar al punto de desconexión respecto al material original. He aprendido a disfrutarlas como lo que son. Y lo que son tiene poco que ver con lo que hace Capcom, aunque sus últimas entregas estén tirando por derroteros relativamente similares. Seguir leyendo…

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Desde hace bastantes años, existe algo que podríamos denominar “La Factoría Tarantino”. Una especie de club de profesores y alumnos, más o menos aventajados, amigos todos, que se lo pasan pipa haciendo películas con presupuestos (casi) siempre ajustados y como principal referencia para la promoción el nombre del amo y señor, es decir, Tarantino. Aunque en casos como este u otros tantos, solo aparezca para eso, para poner el nombre. Sin ir más lejos, a razón de esto ha hecho carrera el discutible Eli Roth con sus dos entregas de Hostel (2005 y 2007) o su fake tráiler (lo mejor que ha dirigido hasta la fecha) Thanksgiving incluido en la versión original de la parcialmente estimulante Grindhouse (2007). Cosas de la vida, Tarantino puso a Roth en un papel secundario de su fragmento, Deathproof, mientras que el otro fragmento se lo dejaba dirigir al alumno más aventajado y exitoso de su factoría: Robert Rodríguez. ¿Alguien sabe algo de un tal RZA? Pues se trata de un rapero, gran aficionado al cine de género y sobre todo a las artes marciales que, cómo no, es amigo de Tarantino y otros del club. Así, RZA, haciendo buena su experiencia en el doblaje y la banda sonora de la notable miniserie anime Afro Samurai (2007) y su secuela en formato de telefilme, Afro Samurai: Resurrection (2009), no ha despreciado los 25 millones de dólares que le han puesto sobre la mesa para intentar hacer realidad su capricho: dirigir y co-escribir, junto a Eli Roth, un espectáculo macarra y sangriento de artes marciales homenajeando/plagiando todo lo que le hace disfrutar. El genio detrás de Pulp Fiction (1994) se encarga de hacer las presentaciones.

El principal problema de El hombre con los puños de hierro es que, por mucho que lo intente, RZA no es Tarantino. Y no, tampoco es Eli Roth ni Robert Rodríguez Es tal su fijación por pretender ser un remedo, en forma y algo de fondo, de la genial Kill Bill (2003-2004), repitiendo incluso (o eso parecía) algunos de sus platós de rodaje y emparentando el estilo de fotografía y edición, que el invento queda como un desdibujado pastel trash de serie B más aburrido que divertido, más ingenuo que gamberro y, lo peor, montado sobre un confuso guión que invita a desconectar más allá de los guantazos. Eso sí, en cuestión de coreografías, chorros de sangre y frases lapidarias, han cumplido su propósito desde un punto de vista funcional, aunque se echa de menos alguna set piece que sorprenda; algún plano que transforme el apartado de acción en algo con verdadera alma. Seguir leyendo…

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Me encanta la ciencia ficción. Si nos vamos hacia atrás, a los comienzos de la historia del cine, la entenderemos, quizás, como el el género por excelencia y el que nos ha ofrecido en cada década un motivo para replantearnos muchas cosas, a nivel cinematográfico y también sobre nuestra propia existencia. Entendemos que el cine moderno, lo que podemos denominar como tal por su evolución y revolución a muchos niveles, empezó en la década de los setenta. Un poco antes, en 1968, encontramos la que posiblemente sea la primera película que se introduce en esta línea. Hablo, por supuesto, de 2001: Odisea en el espacio. Stanley Kubrick dio el pistoletazo de salida a esa nueva ciencia ficción que empezaba a estar en boca de todos: público y la anteriormente, salvo excepciones, crítica rehacía. Igual que lo que significó para el cine de terror La semilla del diablo, también de 1968, ayudada por los empujones de Psicosis en 1960.

¿Por qué os suelto todo ese rollo sobre el género, la existencia y los tiempos pasados? Pues porque, a fin de cuentas y salvando las distancias, Looper ha sido creada, no tengo ni idea si conscientemente o no, para poner una nueva coma en lo referente a sci-fi moderna. Y con esto no pretendo decir que estemos ante una obra maestra del calibre de las anteriormente citadas; pero es que Matrix(1999) tampoco es Blade Runner (1982), y hoy en día ya no es necesario hacer cávalas sobre hasta dónde podría llegar: los alumnos le han salido debajo de las piedras. Tampoco necesitamos discutir sobre si Terminator (1984), Regreso al futuro (1985), Desafío total (1990) o Donnie Darko (2001), cada una dentro de sus respectivos estilos y pretensiones, deben estar al lado de aquellas grandes obras. El tiempo las ha puesto en su lugar: el olimpo de las obras visionarias. Y el que no se lo crea, que pruebe a reflexionar un rato sobre Regreso al futuro y verá como le saca mucha más miga que a Casablanca (1942). Seguir leyendo…

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Ya no saben que inventar. Seguro que la típica frase de marras la habéis oído en la sala de cine cuando proyectaban el tráiler de Abraham Lincoln: Cazador de vampiros. Seguro que vosotros mismos la soltasteis. Sin embargo, cuando aparecía el nombre de Tim Burton como productor y el de Timur Bekmambetov como director, puede que unos cuantos devolvieran la ceja a su posición. Quieras que no, tener dos nombres de peso en los créditos ayuda a la credibilidad de la propuesta. Y eso sucede aunque no te guste el trabajo de dichos pesos pesados. Por mi parte, con Burton siempre he tenido altibajos de interés que van del entusiasmo al hartazgo, pero el cineasta ruso, salvo la entretenida (mejor no comparemos con el imprescindible cómic de Mark Millar en que se basa) Wanted (2008), el resto de su trabajo, o al menos lo que he podido ver, me ha parecido de lo más cruel para la salud del cerebro humano. Por ello, mis esperanzas en que algo de su nueva película saliese bien no eran demasiadas. Estaba en lo cierto.

Lo primero, reconocer que no he leído la novela homónima, escrita por Seth Grahame-Smith, firmante de la exitosa Orgullo, prejuicio y zombis que también tendrá adaptación para la gran pantalla. Así, mi opinión sobre este Cazador de vampiros se centra exclusivamente en la experiencia como película sin entrar a valorar la adaptación. ¿Y qué nos ofrece la película? Seguir leyendo…

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El Wu xia es una de las muchas variantes del cine oriental de artes marciales. Son films atribuidos a China mayoritariamente, aunque originariamente surgieron en Hong Kong y Taiwán. Los protagonistas son caballeros errantes y espadachines que, más que luchar, bailan por la tierra y vuelan por el cielo. Si a una película de terror la tituláramos simplemente como “Terror”, concurriría el hecho de que la película llevaría por título el mismo nombre del género al cual pertenece. Pues lo mismo ocurre con Wu Xia, la película que hoy nos ocupa y que es, precisamente, cine wu xia, un conglomerado de artes marciales, espada y brujería y fantasía.

Me paro un poquito a comentar el término wu xia para que tengamos claros algunos conceptos que nos serán útiles para comprender esta variedad de cine asiático. El término proviene de la unión de dos palabras: Wu 武, que significa artes marciales, pelea, lucha…; y Xia 俠 que denota a un caballero, un código de honor, reputación, etc. De manera que podemos observar en las películas wu xia un cierto componente de artes marciales, pero a la vez comprobar que el género abarca mucho más y que además las películas que pertenecen al mismo suelen contar con unos protagonistas bastante distintos al simple karateka. Seguir leyendo…

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Frank Ng es un asesino profesional que trabaja en el submundo de Chinatown. Un día es contratado para acabar con el jefe de una banda que acaba resultando ser un vampiro chino conocido como ‘El Dios de los Vampiros’. Tras un fallido enfrentamiento, Frank se ve condenado a luchar cara a cara, ayudado por un grupo de amigos, contra ese Dios y sus sequito o ver morir horriblemente a todo aquel con quien siquiera cruce una palabra.

¿Qué pasa si mezclas “El Asesino” de John Woo con “Vampiros” de John Carpenter, le proporcionas al invento una estética propia del ultragore norteamericano y la ruedas con cámaras y rollos salidos de los setenta? Muy sencillo, tendrías entre manos “God of Vampires” o lo que vendría a ser una pequeña cinta de culto allá en Estados Unidos, donde un grupo de cineastas y actores de origen chino, su protagonista Dharma Linesta mezcla desprejuiciada de kung-fu, tiroteos y splatter vampírico.

El resultado final es una película oscurísima salpicada con el humor primitivo y el acabado de cualquier obra del gurú estadounidense del gore, Brian Palin. Una oda a las extremidades cercenadas, amputaciones varias, armas cortantes, destripamientos mano a mano y vómitos carmesí, con el plus añadido de su realización artesanal que hará las delicias de los amantes de los efectos y maquillajes protésicos. Y como comentábamos, con el añadido de que la excusa para la ordalía sangrienta viene desde oriente, tomando la forma de vampiros saltarines chinos que aquí resultan cualquier cosa menos graciosos. Esos maquillajes blanquecinos y purulentos, amén de la agresividad con que se enfoca hasta un miserable disparo, solo son aptos para los fuertes de estómago. A esta desagradable violencia física habría que añadirle un diseño de sonido que a pesar de empobrecer los diálogos, torna más repugnante si cabe la matanza con esos efectos irrealmente húmedos. Seguir leyendo...

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	TÍTULO: God of Vampires DIRECTOR: Rob Fitz NACIONALIDAD: USA | AÑO: 2010 GÉNERO: Vampiros, ultragore ARGUMENTO: Un asesino a sueldo se las ve contra un vampiro chino, El Dios de los Vampiros: la masacre está servida.	VER ONLINE 1,95 € VOSE
	Disponible solo en España

Las películas sobre justicieros y los thrillers surcoreanos son dos de mis debilidades. Si unimos ambas, raro es que, como mínimo, no me lo pase bien. En los últimos años hemos tenido algunos gloriosos ejemplos de dicha combinación. Ahí están Old Boy (2003) o I Saw the Devil (2010) para corroborarlo. En mi opinión, también las mejores películas, no solo de su temática y país, sino del conjunto de sus respectivos años de producción. Pues bien, aunque su fecha de estreno en Corea del Sur fuese en agosto del 2010, en España no tuvo distribución en cines hasta el 14 de Mayo de este 2012. Y eso que tuvimos relativa suerte al conocer estreno en cines de forma tan limitada que parecía un truco de magia. Sea como fuere, El hombre sin pasado, más conocida allende nuestras fronteras con el título en ingles, The Man From Nowhere, es otro de esos bombazos surcoreanos que nos llegan de vez en cuando y construye su particular cumbre del thriller poético-vengativo. En este caso, la cima no es tan alta como la de las citadas Old Boy y I Saw the Devil, pues esas cimas son tan elevadas que da vértigo. Aún así, entendiendo que estamos ante un producto mucho más comercial y abierto a concesiones, se puede decir que, a falta de dos meses para terminar el año, casi seguro ocupará un lugar importante en mi top cinco.

El hombre sin pasado ha batido records de taquilla en su país. Coronada durante cinco semanas como número uno, su estreno llevó a casi ochocientos mil espectadores a las salas, para finalizar su recorrido con más de seis millones de tickets vendidos. Además, ha sido premiada en numerosos festivales asiáticos, incluyendo los Premios del Cine Coreano (los Oscar o los Goya de allí, vaya) en los que se llevó la mayoría de los galardones.

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Pen-Ek Ratanaruang, director tailandés de películas tan interesantes como Invisible Waves y Ploy, nos trae Headshot, una historia sórdida de dolor, sufrimiento, redención y venganza; en un cóctel visualmente apasionante y un desarrollo decididamente vibrante. Ratanaruang es un director que suele conceder pausas muy amplias en sus películas y por ello se suelen calificar sus obras de lentas. Pero mas allá de esa tesitura tenemos a un director de mucho talento y con un excelente pulso narrativo, a pesar de que el desarrollo de sus películas es cierto que en ocasiones pueda ser catalogado,como mínimo, de sosegado.

De todas maneras aquí nos encontramos con la película más accesible del director hasta la fecha. Headshot es una película más directa y más fluida de lo que nos tiene acostumbrado Ratanaruang, con una mayor celeridad y agilidad a la hora de narrar los acontecimientos de la misma. Seguir leyendo…

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En 1995, el hoy resucitado Sylvester Stallone protagonizó la primera aproximación al mítico Juez Dredd en la pantalla grande. La cosa no salió demasiado bien. Incluso la misma estrella comunicó años más tarde que aquella producción puede considerarse una “oportunidad perdida”. Y lo fue, no tanto como película de acción/ciencia ficción entretenida, sino como adaptación del cómic en que se basa.
Con todo, podría haber sido peor, pues se dice que Stallone quería una calificación PG-13 (mayores de 13 años) y no la lógica R (mayores de edad y menores acompañados) que al final se llevó, pese a contener violencia de andar por casa. Han tenido que pasar 17 años para que alguien se propusiera limpiar el nombre de Dredd. ¿Lo habrán conseguido? Como suelo decir, vayamos por partes. Seguir leyendo…

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