Intentando salvar el escollo de un tráiler que no había llamado mi atención ni lo mas mínimo, me dispongo a ver Death and Cremation, suplicando para mis adentros que la película me sorprendiera y que me obligara a decirme a mí misma: ”¿Ves?,no te fies de los trailers,no te fies…”. Una vez vista, me temo que, una vez más, se cumple aquello de que la primera impresión es la que vale (también me temo que volveré a tropezar con la misma piedra una y otra vez…).

La película comienza inquieta, quiere mostrar, quiere seducir… Tenemos a un Brad Dourif con aspecto cabreado. Realmente está muy cabreado y no le va a pasar ni una a nadie; ¡a la mínima, se planta delante de ti con su bate y te liquida!

La presentación me gustó: ”Hola Brad Dourif,¿qué tal está usted?, le veo algo cansado, relájese..” Intento que Brad me invite a tomar algo, pero es un tipo bastante frio y me deja como estaba, no me ofrece nada, se limita a mirarme y yo estaba muerta de sed… Pues Death and cremation es exactamente eso: pasar el rato sin lo que se muestra en pantalla te llegue o te aporte absolutamente nada.

Realmente la historia no es nada del otro mundo. En una sociedad donde se han perdido las buenas formas, de repente alguien explota y decide poner orden. Un orden particular porque solo le afecta a él. Un orden relativo porque en el caos no puede haber orden, porque la noche y el día no deben ponerse de acuerdo… y en ese orden relativo dentro de un caos general, o las cosas se plantean muy bien o todo resulta insípido, insulso, SOSISIMO.

Sigamos con la historia, Death and cremation por una parte nos plantea una historia de venganza en general. Venganza por el sufrimiento de una vida atroz, venganza ante la indiferencia,venganza por la injusticia, venganza, venganza, venganza… venganza porque sí… Y por otra parte se nos muestra la extraña relación de entendimiento entre los dos protagonistas, Stan y Jarod, la cual yo no definiría como paterno-filial porque en realidad no hay disposición por parte de ninguno de ayudarse, hasta que no ven peligrar su destino. Por tanto, el “cariño” que en un momento dado pueda surgir, solo es circunstancial. Yo más bien hablaría de amistad parasitaria, donde cada uno toma del otro lo que le interesa.

La relación de estos dos personajes se basa en la soledad compartida. Stan es un hombre cansado y atormentado que regenta un crematorio y que no es nada hábil socialmente hablando. Se dedica a incinerar a las personas que considera prescindibles.
Mediante unos breves flashbacks conocemos su “historia”; historia que apuesto que podríais adivinar sin haber visto la película. Vamos chicos, pensemos un poco… ¿cómo ha sido su infancia?… ¡¡¡Bien,acertásteis todos!!!

Jarod es el típico rebelde-gótico-sin amigos del típico instituto americano donde están claramente delimitados los cánones de belleza y normalidad: los deportistas son los populares que deben abusar de los que no los son, y los que escuchan rock, estudian o visten de negro, porque el mundo los hizo así ( y ojo,que esto lo dice alguien que prácticamente no tiene otras prendas para vestir que no sean negras, pero nunca me sentí apartada de la sociedad por ello), son las VICTIMAS. Obviamente Jarod, como he comentado, pertenece a la segunda categoría y es vejado por sus compañeros un día sí y el otro también.

Ya tenemos dibujados a los personajes principales; desarrollemos la trama: Jarod, por casualidad, termina pidiendo trabajo al bueno de Stan en el crematorio, quien, pese a no tener nunca “clientes”, decide darle una oportunidad (supongo que porque se ha visto reflejado en él de alguna manera). Stan sigue con su vida, continúa con su lucha personal: como le hagas algo a Stan, ¡prepárate a correr!… aunque ese algo sea estúpido, lo pagas… Jarod no necesita mucho tiempo para atar cabos y utiliza la información y las “enseñanzas” que cree estar recibiendo de Stan para beneficio propio. Ahora, ¿deben quedar testigos?

Ya está, ésta es la historia, muy bien, ¿cómo podría funcionar? En una historia así la sensación de tensión es básica, y aquí no hay nada de tensión, solo hay imágenes, ni siquiera te preguntas. ¿Cómo se resolverá todo? Te da igual (al menos a mi me dio exactamente igual). No empatizas con nadie (hubo momentos en los que sí lo hice con Jarod, pero luego se me atravesó).

En esta propuesta, sobre todas las cosas, se echa en falta un buen guión. Las situaciones no se dan como debieran.
La gente que muere, por muy tontos del culo que sean (que lo son), creo que realmente no hacen nada tan despreciable como para morir (qué lejos está “5150 Rue des Ormes”…).

Nada termina por captar la atención del espectador, ni siquiera el hecho de que haya tantas cajas con cenizas funerarias y ni un solo “cliente” en todo el metraje, por lo que se puede intuir que Stan es un asesino en serie, pero sinceramente a mí me dio igual. En mi opinión Stan anda muy cortito de carisma, a pesar de sus esfuerzos por demostrarnos justamente lo contrario.

Por otra parte, y como manda la tradición del terror, tenemos a tres personajes que llegan a conclusiones determinantes en un abrir y cerrar de ojos (y eso chirría mucho, nunca me acostumbro a tanta inteligencia…), entre ellos Jarod, el personaje que interpreta Daniel Baldwin (sí, de los Baldwin de toda la vida) y el apuesto detective Fairchild. Pero no todo iba a ser tan fácil, el apuesto detective comente un error de manual y ¡voilá!, ¡¡¡ya estamos preparados para un rápido desenlace!!!

En definitiva, creo que Death and cremation es una película sobre el abuso que ni está bien planteada, ni correctamente desarrollada ni concluida de forma acertada (y esos crédito finales con el storyboard… madre del amor hermoso, ¿qué son… pistas para entender lo que hemos visto? ¿para qué? ¿A alguien no lo quedó claro?, aquí se aprovecha todo, todito, todo para ver que tal queda…).

Una película de tensión sin tensión, aburrida y prescindible.

Lo mejor: Ver a Brad Dourif intentando hacer lo que puede.

Lo peor: Una propuesta que te deja totalmente indiferente y encima sin apenas sangre ni muertes.

1.-Dr. Adam and Mr. Mason

Desde tiempos inmemoriales el concepto de la dualidad inherente a todas las personas ha estado presente en nuestra cultura, y con nuestra me refiero a la cultura global, no solo la occidental. Desde los clásicos como el Dr. Jeckyl y Mr. Hyde hasta Jano, pasando por Pangu en la mitología china, Ramgi y Papa de los maoríes, Ometecuhtli en la historia mística de los mayas o Urano y Gea de los clásicos griegos, la idea de la división de un mismo ser para representar dos cualidades distintas, generalmente oponiendo el bien y el mal. Aunque hay veces que no queda tan claro sin son dos entidades diferenciadas del mismo “ser” o un mismo ente/persona con 2 personalidades diferentes, como por ejemplo Sherlock Holmes y el Dr. Moriarty que muchos críticos señalan que es el mismo Homes el que se convierte en Moriarty para encontrar a un rival digno de su intelecto.

Tal vez sea este el caso de la película que nos ocupa. En ciertos momentos nos insinua que el protagonista se ha desdoblado en dos personas completamente diferentes, pero durante el metraje no puedes dejar de pensar que tal vez no sea así, que sea el mismo personaje con dos facetas totalmente diferentes: una benevolente y la otra completamente desquiciada. Pero como estamos ante el genio de ADAM MASON, puede que sea otra cosa completamente diferente…

2.-Desdoblamiento de Personalidad:

Thomas Luster (el inconmensurable Andrew Howard) lleva una vida que, tal vez, vista desde fuera se podría calificar como ideal: un casoplón con unas vistas alucinantes, un curro como diseñador de interiores que le permite vivir más que bien, y una mujer preciosa (Tess Panzer, la churri de Adam Manson). Pero en el fondo no se siente a gusto. El curro es estresante y tiene que soportar los carichos de divas insoportables y sus chorradas infumables, con su mujer la magia desapareció hace tiempo y en su casa lo único que hace es vagar como un alma en velo debido a un agobiante insomnio que le tiene al borde del puro agotamiento. Un día contacta con un pirado que vive en un coche abvandonado, y que de vez en cuando le ha conseguido somníferos sin receta, y le pide algo “más” fuerte. Algo que funciona. Demasiado. Tanto que le permite dormir como un lirón, pero también permite que de su confusa mente se escinda un segundo Thomas con una visión de la vida completamente diferente a la suya. Donde él ve agobio, su doble ve oportunidades; donde él ve falta de pasión, su doble descubre un montón de sexo recompensado y donde él ve estrés su doble ve un “viva la vida” como un templo. Pero la novedad en este caso no es que el doble aparezca de la nada, sino que la ingesta de las pastillas amenaza su, hasta entonces, desconocida existencia y tratará por todos los medios convencer a su alter ego ramplón de que deje de tomarlas. Aunque haya que matar y amenazar para conseguirlo…

3.-Los Angeles no te sienta demasiado bien Mr. Mason…:

Hay directores, como el que hoy nos ocupa, que con el paso de los años han ido incorporando una serie de elementos a sus películas que les hace perfectamente reconocibles. En LUSTER hay matices made in Mason como las “máscaras” que ocultan los aspectos más oscuros de la personalidad del protagonista (tal vez más que nunca), pero también hay detalles que a un servidor le han desconcertado bastante, y no precisamente en el buen sentido: personajes innecesarios, situaciones absurdas y mal resueltas, actores simplones….Ya, ya sé que suena raro, pero tal vez el origen de todo esto sea el (más que loable) intento de Mason de conseguir que alguna de sus películas salga del circuito “underground” en el que se suelen mover y, tal vez, tengan una distribución más rentable. Por eso se ha aliado con Epic Pictures, se ha trasladado a Los Ángeles, ha contado con un actor reconocido y reconocible (Xander Berkeley). El propio Mason me comentó que no estaba demasiado orgulloso de como había manejado ciertos aspectos de la película, uno de los cuales es sin duda todo lo relacionado con la clienta superpija y su trabajo de interiorista, y que el final le hubiera gustado reescribirlo. Yo con el final no estoy en desacuerdo, lo considero lógico y bastante prrevisible; pero en cuanto a haber pulido ciertos aspectos del guión, o haberlos tamizado bajo su habitual rasero, YES I DO!!!

Aún así es una película con escenas y situaciones sublimes (casi todas con Andrew Howard involucrado), una parte central que te mantiene más que pendiente de lo que le está pasando al pobre Thomas y que sobresale por encima de la media con creces. Pero no deja de cabrearme un poquito eso tan típico de: “lo que podría haber sido esta película si….”

A ver si con su próxima peli, Junkie vuelve por sus acostumbrados fueros.

Lo mejor: Andrew Howard

Lo peor: Lo que podía haber sido

1.-El Cine asiático llega al rescate:

Un acto de justicia permite cerrar un capítulo; un acto de venganza escribe un capítulo nuevo. Marilyn vos Savant

De un tiempo a esta parte, no sé, digamos casi 20 años, ha habido una máxima presente para todos los aficionados al terror/thriller: cuando la película llega del extremo oriente hay que prestar atención (estoy generalizando una miaja). Por supuesto que hay decepciones, pero desde luego en un porcentaje muchísimo más bajo que el procedente de cualquier otro país (tal vez Francia y UK sean, hasta ahora, una cierta excepción a la regla). Y es que desde que un señor con pinta de buenazo llamado HIDEO NAKATA nos presentó Ringu (The Ring) nada volvió a ser lo mismo…por lo menos a mí; recuerdo pocas películas que me impactaran tanto y, que tras varios visionados, me siguieran causando los mismos escalofríos. Con Dark Water me pasó tres cuartos de lo mismo, y luego fueron llegando: The Eye (la puta escena del tintero me provocó 7 canas al instante), la surrealista y perversa Uzumaki, Pulse y Cure de Kiyoshi Kurosawa, la no tan conocida Inner Senses, la brutal SUICIDE CLUB, apareció el enfermizo Takashi Miike para darnos en todos los morros con Ichi the Killer y Audition….en fin, unos años maravillosos en los que cine asiático equivalía a calidad + originalidad + boca abierta + unmiedoquetecagas.

Creo que lo que pudo provocar su inmediato éxito, aparte de la saturación de sextas partes de películas ya muertas (Halloween, Pesadilla…) y la invasión de teen-terror (Scream y demás), fue la novedad, la cuidadísima/novedosa estética, la crueldad que transmitían las historias (pero no olvidemos que ya llevaban años demostrando sus extremismos con las sagas de Guinea Pig), el enfoque diferente de las historias de venganza de ultratumba, las exquisitas BSO (Kenji Kawai el maestro) y sobre todo la sensación de que no todo estaba contado en el cine de terror, ni mucho menos.

Podía decirse que, hasta hoy, han sabido seguir manteniendo el listón muy alto para el resto de paises productores de Terror(Slice, A Tale of Two Sisters, Bedevilled …..); incluso han conseguido crear una nueva legión de fans con su “última” aportación al género: el bizarrismo extremo y, a veces, sonrojante de títulos como Machine Girl , Vampire Girl vs. Frankenstein Girl y demás salvajadas que se han convertido en legión (verdad Bob??). Y podría seguir hablando durante líneas y líneas sobre lo que ha aportado el cine oriental a nuestras vidas, amén de que seguro que me he dejado algún título imprescindible, pero lo importante es que CONFESSIONS es… diferente, va más allá de lo que yo he visto hasta ahora. Es única.

2.-Realismo Cruel (y Mágico) como la vida misma

Llevo unos días dudando en como afrontar la reseña de esta genialidad, no sé si omitir lo máximo posible para que la gente que no la ha visto experimente los mismos escalofrios de placer que yo, o tirarme al barro y desmenuzarla en partículas sub-atómicas. Tal vez lo suyo sería un termino medio, pero va a ser difícil contenerse. Para empezar vamos a situarnos en un colegio japonés, con su profesora y sus niños alborotados por las hormonas, los móviles y la falta de respeto que parece ser endémica en todos los paises. La profesora está contando algo importante, pero ellos ni puto caso. Les cuenta que ese es su último día. Y ellos se alegran mogollón. Entonces, les explica porqué, y les deja con la boca abierta, aturdidos. Sabe, la profesora (espectacular Takako Matsu), que el accidente en el que perdió la vida su hija de 4 años no fue un desafortunado accidente. Sabe que dos de sus alumnos, llamemósles A y B, la asesinaron por diversión, con premeditación y alevosía; y ya que las leyes criminales japonesas no permiten juzgar a nadie menos de 14 años, va a ser ella la que se tome la justicia por su mano. Y no lo va a hacer de cualquier manera, lo va a hacer al estilo nipón: cruel, refinada y lentamente.

Lo que más me sorprendió del comienzo de la película, sobre todo viéndolo en retrospectiva, es que no deja de ser una introducción de casi media hora; algo que muy pocos directores tendrían el valor de hacer y, sobre todo, la maestría de convertirlo en una obra de arte en sí misma. Podría ser un mediometraje perfecto, quedarse ahí y mereceria la pena haberlo visto, por no decir que sólo esa media hora vale más que casi todo lo que llevamos de año. Pero no, solo hace que mejorar. La narrativa se disgrega y nos van ofreciendo los puntos de vista de los dos asesinos y de una “inocente” compañera de clase que van añadiendo matices sutiles y demoledores a la historia.

¿Qué lleva a unos crios a matar deliberadamente a una niña de 4 años?, ¿cómo es posible? y, además, habiéndolo planeado como una venganza hacia alguien que su único pecado había sido hacer su trabajo lo mejor que podía…Aquí es donde el director nos introduce sutilemente la pavorosa alienación que sufre el individuo en la sociedad japonesa, ya desde su más temprana infancia, cuando les enseñan a base de repeticiones constantes (esto es verdad) sin saber lo que les están aprendiendo, y que su única misión en la vida es servir al progreso de la sociedad. Y este es una de las virtudes de la película, que no se posiciona, no intenta justificar ni los porqués ni los cómos. Nos cuenta las tristes vidas de dos chavales aislados de sus respectivas familias (abandono de la madre, ausencia del padre) que ven encauzadas sus vidas a un desenlace trágico y, por otra parte, más que previsible. Lo que no es tan previsible es como la profesora tenía calculado todo hasta el más mínimo detalle, sin prisa pero sin pausa; como, una vez perdido todo lo que amaba en esta vida, utiliza todos sus medios (y personas) para hacer que los condenados niños paguen por lo que han hecho.

Hasta aquí voy a hablar de la trama, espero haber despertado la suficiente curiosidad.

3.-El perfecto equilibrio:

Probablemente esa sea una de las tareas más difíciles a las que se tiene que enfrentar un director a la hora de realizar un proyecto tan ambicioso como este, para que no le vaya de las manos y se convierta en un mero ejercicio de estética pretenciosa. Ya que la estética es una pieza clave en esta película: la fotografía de videoclip, las (numerosas) escenas a cámara lenta, los flashbacks, los planos alucinógenos…todo ello, junto con una banda sonora (BORIS, y un recurrente tema de RADIOHEAD) con tintes opiáceos y etéreos, aunque con espinas que duelen, consiguen que el continente se equilibre con el contenido y las dos horas de película pasen como un sueño turbulento y siniestro que se te queda pegado al alma y pide a gritos una segunda y tercera revisión.

El director, Tetsuya Nakashima, más conocido por Kamikaze Girls y Memories of Matsuko ha conseguido con esta película algo no muy habitual: que aficionados al cine de todo el mundo se pongan de acuerdo al calificar de “maravillosa” esta película (ya tiene terminado otro proyecto: Flarella) y, algo que yo no sabía, estar a punto de conseguir entrar en la carrera hacia los Oscar, pero, incomprensiblemente (o no) no pasó el corte. Además de aunar una serie de actores en estado de gracia, ya que no solo la protagonista lo borda, los tres adolescentes transmiten el dolor y la rabia necesarios como para que debamos seguirles la pista en un futuro.

Lo único que me queda por decir es que yo ya tengo mi película del 2011, sin duda alguna, y que va a ser MUY difícil que alguna otra se le acerque. ¿Exagerado?, juzgad vosotros mismos.

Lo mejor: El perfecto e inmejorable equilibrio entre emoción, suspense y tragedia. Y el tratamiento estético.

Lo peor: Que termine....

“Lo que recordamos de la infancia, lo recordamos siempre: fantasmas indelebles, grabados, impresos, estampados, presentes para siempre. CYNTHIA OZICK

1.-Derecho de Pernada:

Comencé a escribir esta reseña el Día de la Mujer Trabajadora, y, sinceramente, no se me ocurre mejor día. Si hay algo que hacen las mujeres protagonistas de esta película es TRABAJAR como mulas (en el peor sentido posible de la palabra), mientras los 3 hombres protagonistas se dedican a rascarse la hueva, ejercer el citado Derecho de Pernada, maltratar física y psíquicamente a las mujeres y ponerse ciegos a comerse, literalmente, unos hierbajos que les dejan en estado semi-catatónico.

Tal vez os pueda resultar un poco exagerado hablar de algo tan salvaje como el Derecho de Pernada a estas alturas de siglo, pero es que tampoco estamos hablando de una sociedad, la Coreana, que esté muy al día en cuanto a los derechos de la mujer se refiere. De hecho, hasta hace no más de 60 años en Corea (y en el resto de Asia) se vivía un sistema mezcla de Feudalismo y Confuncianismo que colocaba a las mujeres en una situación de meras sirvientas a disposición de lo que mandara el señor de la casa y, prácticamente, de todo paisano que pasara por allí. Un par de datos: “En 1998 se promulgó la Ley de Prevención de la Discriminación de Género y en 2001 se instauró el Ministerio de Igualdad de Género”. Toma ya. Y eso que aquí en España no estamos para echar cohetes, que la “Ley de Medidas integral contra la Violencia de Género” se convirtió en Ley Orgánica el 28 de Diciembre del 2004!!!…pero no voy a divagar por este trillado camino porqué tendría para hacer un puñetero blog entero. Además a lo largo de los últimos años hemos podido ver decenas de películas asiáticas en las que se mostraba ese menosprecio por la condición femenina (a mi me impactó mucho, en su momento, el comienzo de la genial ICHI THE KILLER), o leer sobre ello (aquí os recomiendo las novelas de QIU XIAOLONG o las de ANDY OAKES.

Lo que más me sorprende y admira es la valentía del director novel Chul-soo Yan a la hora de afrontar, sin tapujos ni medias tintas, un tema tan espinoso, escandaloso y terrible como este en su ópera prima. Para mí, y creo que para cualquier ser humano con un mínimo de sensibilidad, desde luego supuso una experiencia cuasitraumática el asistir a ciertos pasajes de la película.

2.-El Paraiso huele a podrido:

Hae-Won (la correcta y más bien lacia – palabra genialmente aportada por Ana Daz – Seong-won Ji) es una mujer de mediana edad que vive atrapada en un trabajo que odia (en un banco concediendo o denegando créditos), sola en un apartamento frio e impersonal y asustada por la violencia que le rodea en el día a día. Un día es testigo de como 2 matones canean impunemente a una cría y no tiene el valor necesario para reconocerles en la rueda de reconocimiento. Más adelante iremos sabiendo el porqué. De hecho es tanto el stress que sufre, que, tras un arrebato de cólera injustificado en el trabajo, es “obligada” a cogerse unos días de vacaciones.

Lo primero que hace es encerrarse en casa y ponerse ciega de Guiness en lata, revisar el correo, jugar a ser ociosa…hasta que no puede más y decide hacer un viaje al lugar donde ella cree que más tranquila va a estar: la idílica isla de Moo-Do, donde solía pasar su infancia y donde, inconscientemente, viaja a enfrentarse con ciertos asuntos del pasado que por mucho que le joda reconocerlo le han marcado desde entonces. De ahí la cita del comienzo de la reseña…

Moo-Do es un pequeño trozo del paraiso muy cercano a la costa de Corea del Sur donde solían vivir e ir de vacaciones decenas de personas, pero desde hace muchos años, justo cuando el reloj evolutivo social se paró, ya sólo quedan 9 personas: 3 hombres y 6 mujeres, que sobreviven de la pesca, lo que plantan y la miel que venden a través de una especie de barca-taxi, que es el único medio para ir y volver de la isla.

Hae-Won busca relajarse en la casa de su abuelo y, más bien por obligación y con una cierta desgana, volver a ver a Kim Bok-nam (la escalofriantemente intensa Yeong-hie Seo), su mejor amiga en la infancia, y que lleva tiempo intentando ponerse en contacto con ella. Cuando llega encuentra lo que buscaba: relax, buen tiempo, lucir aspecto urbanita entre los isleños y esa amiga, que más que tal parece su esclava personal. Y ella feliz. Hasta que comienza a darse cuenta de que en esa isla hay algo extraño: en un sistema matriarcal gobernado por 4 ancianas se vive y actua como los 2 hombres dicen (el 3 es un anciano literalmente plantado en una roca que sólo sabe comer hierbas), y si no estás de acuerdo te llevas una paliza o algo peor. Kim Bok-nam, su amiga, está casada con uno de ellos pero folla con su hermano, o más bien es forzada a hacerlo, ya que su marido prefiere pagar a una prostituta joven para desfogarse…o, tal vez, con su hija pequeña (fruto de una violación tan consecutiva que nadie sabe quién es el padre)…lo que le apetezca y cuando le apetezca. Al principio Hae-Won se limita a vivir en su mundo interior de cobardía y culpa, ojos que no ven…, pero ciertos detalles le obligan a plantearse, primero, marcharse de allí cuanto antes, y segundo hacer lo posible para llevarse a su amiga y su hija.

Pero no va a ser fácil.

3.-Hay un remedio para las culpas, reconocerlas.

Una de las razones por las que Hae-Won quiere huir de la isla es por los recuerdos de la infancia que le vienen a la mente, los que menciono en la cita del principio, cuando ella y Kim Bok-nam eran BFF(best friends forever), ella la niña mona de ciudad que sólo iba a descansar y la pobre campesina que no sabía ni leer. A pesar de siempre mantener ese aire de superioridad que tanto le gustaba, y le sigue gustando, era su amiga; y cuando haces amigos a los 10 años creas recuerdos que, tal vez distorsionados o magnificados, duran para siempre. Y el que ella no puede olvidar es el de cuando 3 chicos de la isla las empezaron a acosar y ella huyo dejando sola a su amiga. Y sabe que ese día todo cambio para las 2. Ella se convirtió en una cobarde irascible, y su amiga en un juguete roto en manos de los hombres.

Tal vez penseis que BEDEVILLED no es tanto una película de terror sino más bien un dramón con todas las letras. Pués bien, es un dramón que os dejará marcas indelebles, pero que tras un desarrollo lento y pausado explota en una hecatombe de violencia contenida y brutal que hará que esas marcas se hagan más profundas aún (No creo que volváis a ver una simple flauta de la misma manera…). Una venganza esperada, lógica y sin marcha atrás. Dan igual las consecuencias. Una vez desatada la furia el desenlace lógico es el que tiene.

Tal vez el único pero que yo le pondría es un cierto apresuramiento, algo confuso, en los últimos 10 minutos, pero teniendo en cuenta que es la ópera prima del director se puede comprender. Es un material lo suficientemente intenso para haber sido dirigido por alguien con un poco más de experiencia, pero aún así le auguro un futuro muy brillante.

Lo mejor: La intensidad y su progresión geométrica

Lo peor: Un cierto apresuramiento en la parte final