Decir que probablemente, “The Human centipede II” sea una de las películas mas esperadas de los últimos tiempos, no me parece en absoluto descabellado.
A muchos nos entusiasmó la primera parte, otros la odiaron visceralmente, pero lo que fue un hecho sin discusión, fue que no dejó indiferente a nadie.
Tom Six, gran provocador, con mucha astucia e inteligencia, fue avivando estas ganas de verlas con perlas como “esta segunda parte dejará a la primera como si fuera Mi Pequeño Pony”,y con imágenes convenientemente dosificadas, hasta que presentó a su gran baza: Martin.
Yo fui la primera que consideré que la labor de Dieter Lasser y su alter ego cinematográfico, el Dr. Heiter, sostenía en gran parte el peso de “The human centipede”, y tenía una curiosidad exacerbada por ver cómo se podía resolver su ausencia… y ya os digo, que en el primer momento en que vi a Martin, me olvidé de que existía el Dr. Heiter, y para mi, esto fue tan absolutamente brillante como incomprensible. Martin tenía magnetismo, me provocaba repulsión y eso que aún no sabía nada de él.

Con esta presentación, imaginaréis que mis expectativas eran brutales… y he aquí el resultado:

“The human centipede 2” es una agresión visual en toda regla, es extrema, perversa, sucia, repugnante, cruel… es la otra cara de la moneda.
¿Hasta dónde ha sido capaz de llegar Six para agradar a sus fans y encabronar aun más a sus detractores? ¿Es “The human centipede 2” una buena película? Sin duda, en los matices están las respuestas yo voy a intentar exponer mis matices, al menos los que yo percibí.

El arranque de la película es lento, incluso llegando a ser aburrido, se dibuja demasiado al personaje de Martín, en exceso.
Martin es un ser absolutamente extremo, tanto física como psicológicamente hablando, un personajes demasiado atormentado, herido y reprimido, que esconde a un chiflado psicópata de manual. Martin es la unión de todos los clichés de las películas de asesinos: retraído, solitario, obsesivo, que aún vive con su posesiva y desquiciada madre que le humilla y le odia, víctima de abusos por parte de su padre y totalmente obsesionado con formar su propio human centipede. Mitómano hasta la enfermedad, Martin es excesivo en todo.

Pues en esta primera parte, lo que vemos es el día a día de Martin. Six se recrea en su suciedad mental y en su dejadez física, para convertirlo en el reverso del educado, impoluto, elegante, estudiado y preciso Dr. Heiter.
Martin sueña con sus ciempiés, necesita que se haga realidad, pero no tiene las herramientas para lograrlo, así que se dedica a atacar a todos los que llegan al parking en que trabaja como guarda. Su método de captura es golpe en la cabeza con una barra de hierro y disparo en las piernas si es preciso. Pero al pobre Martin a veces se le va la mano, y tanto golpe termina en muerte, y llega la frustración, porque Martin no es preciso, ni tiene control ni medida y es terriblemente impaciente.
Cuando consigue a un nutrido número de víctimas, de diferentes sexos, razas, edades y corpulencias (curioso cómo un ser tan pequeño pueda arrastrar cuerpos inconscientes él solo a todas partes), los deja en un almacén hasta encontrar el momento catártico en el que tiene que ponerse manos a al obra.

Comienza la segunda parte, a partir de aquí, inevitablemnte tengo que soltar gran cantidad de SPOILERS, así que cuidado.
El festival que se esperaba de Six comienza con el brutal asesinato de la madre de Martin por él mismo, cuando ésta rompe el album de recortes de “The human centipede” en los que, aparte de las explicaciones “médicas”, Martin tiene numerosas fotos de la protagonista en estrenos y fotogramas de la película. Increíblemente perturbadora la imagen de Martin comiendo con sus madre enfrente con la cabeza destrozada, mirándola fijamente, son esos ojos saltones y escalofriantes… Martin es así!!
A partir de este momento empieza la locura de Tom Six, la de Martin y la del espectador, comienza el ciempiés de 12 partes (embarazada incluida) y dirigido por la señorita Yennie, quien es, ni mas ni menos, la parte central del ciempiés en la primera película (es conducida a la sala de “almacenaje” siendo engañada por Martin bajo la promesa de interpretar una nueva secuela. Recordemos que esta actriz se interpreta a sí misma).
Lo primero que hay que tener en cuenta es que Martin no tiene conocimientos médicos, ni materiales quirúrjicos, ni anestesia, ni una sala esterilizada para armar su ciempies, aquí es todo a lo bruto, a lo vivo. Golpe en la cabeza con barra de hierro para adormilar, extracciones dentales con un martillo, incisiones profundas en los glúteos con un cutter y unión boca-ano con grapas de una grapadora normal de oficina, todo es realmente enfermizo y doloroso (impresionante la parte en que corta los tendones de las rodillas con alicates… auuuuuuuuuuuuu)
Pues como puede, la criaturita de Martin, y dejando a “dos” cadáveres por el camino, pone al ciempiés gigante en marcha.

El sueño de Martin comienza a hacerse realidad y el histrionismo que acompañaba al Dr. Heiter y que le hacía tan genial, aquí se torna en una caricatura grotesca, porque chicos, Martin no pronuncia una sola palabra en todo el metraje,algo que me pareció fantástico en la primera parte, porque siginificaba un acto de entendimiento con la retorcida mente de este ser, sólo con sus gestos, miradas y acciones, pues para mí no hacían falta mas explicaciones, ahora,q ue Six haya privado de palabra a Martin en la segunda parte, para mí es un fallo garrafal, porque la exagerada mímica incluso puede llevar a la risa. El ciempiés, pese a lo rudimentario de la “operación” está mejor diseñado que en la primara parte.

Venga que se acerca el momento… Martin es el ser más morboso de la tierra y lo único que quiere es ver ese aparato digestivo de 10 personas en funcionamiento y como la parte principal (la cabeza del ciempiés) se niega a comer, comienza la tortura para el espectador, pues en una de las escenas mas atroces, Martin introduce un largo embudo por la garganta del ya ciempiés y obliga a alimentarse al conjunto. Aun así no hay tiempo para que se haga la digestión, por lo que, en su delirio, Martin inyecta laxante en cada parte del ciempiés y comienza la orgía de mierda, y sí, en esta segunda parte de se ve todo, incluso la mierda salpica a la pantalla y es realmente vomitivo. Todo el morbo servido, Six lo ha hecho, Six se carga la intención de incomodar en la primera parte en la que nos obligaba a imaginárnoslo todo, para mostrarlo TODO, y el exceso es un factor determinante para que la película se quede en un intento fallido de reinvención.
Todo mostrado, todo visto, todo dicho.

Ahora voy con la parte final, que puede tener varias interpretaciones, y seguimos con los SPOILERS:
¿Martin hizo algo? No señores, Martin lo imaginó mientras veía la primera parte, toda la película no es mas que la película que Martin se ha hecho y nosotros lo único que hacemos es verla a través de sus ojos, y nos lo hemos creído y hemos creído que Six se había pasado de la raya, y de repente entendemos que Tom Six se burla de él mismo, de los que le llaman obsceno y provocador barato y de aquellos que querían ver la película mas escatológicamente salvaje que se pudiera rodar (y aquí le doy las gracias a mi compañera Samdra, por la esclarecedora conversación que mantuvimos cuando terminé de ver la película, ya que yo había entendido ésto así, pero en mi shock inicial no lo había asimilado bien, y Samdra me iluminó).
Por otra parte, me hubiera encantado también la idea de Martin devorado por el ciempiés que tanto cuidó. La idea de tener dentro al ciempiés, arrancando trocitos de sus tripas, me hubiera parecido muy metafórica.

La interpretación que yo saco es que la primera parte y la segunda son desquiciadamente complementarias, aunque la segunda sale perdiendo.
Cierto que Martin tiene un carisma especial, totalmente diferente al del Dr. Heiter, pero hipnótico también, pero la sombra del doctor alemán al final es alargada…
Vivimos pues la asepsia de la primera frente a la suciedad de la segunda, el lenguaje vs la mímica, la imaginación contra la imagen… como digo, son las dos caras de la misma moneda.

En ambas, el tratamiento de la imagen está muy conseguido. Consideré un acierto el pulcro color blanco de la primera, ue hacía mas incómodo lo que nos imaginábamos, al igual que considero un acierto, la imagen en blanco y negro de esta segunda parte, que no hace mas que acentuar el oscuro color de la sangre y de la mierda… esta imagen feista te acerca más a la mugre del almacén, al parking y a la casa de este tarado llamado Martin, te acerca a su sudor, a su dejadez, a su nerviosismo, a su obsesión y a su locura.

Obviamente hay muchos elementos que jugaron en su contra: lo primero es que para mí, es mucho mas perturbador en temas tan delicadamente desagradables como éste, que se insinúe a que se muestre, que te obliguen a ti a ser el depravado dentro de tu mente a que te muestren todo tal cual.
Sinceramente, creo que a la primera hora le sobran 15 ó 20 minutos y creo también que hay escenas y personajes que sobran y empobrecen un resultado que lo tenía ya de por sí complicado. Obviamente meter a una mujer en avanzado estado de gestación sobraba y el incidente del coche es totalmente gratuito (y otra vez un recién nacido de por medio…como provocación inútil y barata). El doctor de la barbísima tampoco aporta nada a la trama y debería haber dado mucho mas juego.

En definitiva,“The human centipede 2” es una hipérbole gigantesca, una exageración hecha con toda la consciencia del mundo, para provocar a todos aquellos que esperaban que al bueno de Six se le fuera la olla y poder decir,¿quien está mas enfermo? ¿Quien es aquí Martin? ¿Era esto lo que en realidad queríais, verdad? Pues aunque me odiéis, aquí está, precisamente lo que veníais a buscar. Ésta es mi gran broma.
(pero Six… yo esperaba más y no me refiero a cantidad…).

“The human centipede. Fullsequence” es sentir el dolor que es ver al pequeño gran Martin masturbándose con una lija, y poder entender el placer que le causa, pero definitivamente siendo consciente de que es rizar el rizo.
No os toméis demasiado en serio esta película, simplemente hay que entenderla como la gran bizarrada que Tom Six se vio “obligado” a filmar para tener la cara y la cruz de esta gran moneda que es el ciempiés humano.
Será en la tercera parte de la trilogía, donde se decida si Tom Six es un director muy inteligente o se queda en mero provocador.

Lo mejor: Martin y su auténtica locura

Lo peor: El exceso

Un travestido vuelve de realizar unas excavaciones arqueológicas en México. Como regalo de regreso, trae una verdadera estatua precolombina a su vecina del parking de roulottes donde vive. Sin embargo, el marido de ésta no recibe con buenos ojos el regalo para su mujer. Celoso y algo demente, su machismo empieza a apoderarse de sus actos bajo el influjo de la estatua. Pronto los tres personajes del drama descubrirán lo que esconde la inocente efigie: un dios hambriento por carne donde hundirse, “El Vibro”.

Vibroboy es un corto francés de media hora de duración que hará las delicias del lado perverso y “trash” de aquellos que disfrutasen de Delicatessen y La Ciudad de los Niños Perdidos, dos obras de culto justificadas, a las que se les podría unirse este corto sin vergüenza alguna. Con un apartado técnico excelente, a la par que sucio, Jan Kouen despliega toda su mala uva usando el sexo como una especie de metáfora fálica que, como decía, satisfará a los más perversos de la clase… todo no puede ser el infantilismo mágico de La Ciudad de los Niños Perdidos.

Jan Kouen desarrolló una importante carrera como cortometrista durante la primera mitad de la década de los noventa, pudiendo decirse que Vibroboy es uno de sus mayores logros, junto a Capitaine X (también de 1994). Tras destacar como elaborador de cortometrajes inició una carrera menos significativa en el mundo del largometraje con las fallidas, pero demasiado criticadas, Dobermann y Blueberry. Quizás porque en estos trabajos de envergadura no estaba arropado por uno de los dos genios franceses del séptimo arte moderno: Marc Caro, que junto a Jean-Pierre Jeunet inició una peculiar carrera, marcada por su particular estilo visual, con Delicatessen.

Y es que Caro fue el encargado de diseñar al verdadero protagonista del corto que hoy nos ocupa. Con un ojo puesto en la rompedora Tetsuo de Shinya Tsukamoto (principal referencia de este corto, que se podría interpretar como una relectura de la historia cyberpunk japonesa original de 1989) y otro en el arte precolombino, Caro se saca de la manga a una criatura parte hombre parte estatua y todo sexo, “El Vibro” del que toma título el corto, el cuál aúna el horror y la adoración que provocan el monolito de carne que la mayoría de los hombres lucimos entre las piernas. Siendo su aparición todo el meollo del cortometraje, cuando se desencadena toda la potencia visual y artística, así como la parte de horror que contiene el corto. Porque a pesar de ser un proyecto enfocado a la comedia absurda, ser penetrado repetidamente por una insaciable deidad fálica da bastante miedo; supongo que la presencia mayoritariamente masculina en el equipo de producción explica esta obsesión, puesto que somos los hombres la parte de la humanidad más obcecada con los penes.

Aunque lejos de lecturas enrevesadas, la historia del cortometraje se enfoca en reforzar el potente estilo visual, de nuevo volvemos a ese estilo netamente cyberpunk, con el que es narrada. Y aunque argumentalmente Vibroboy carezca de bastante sentido, más bien lo podemos entender como una experimentación estética, el continuo humor, en ocasiones muy sucio, con el que los personajes son dibujados en pantalla ayuda a darle una coherencia dentro de la cabeza del espectador, que pronto pillará la broma cuando escuche repetidamente el tema central del corto: la encantadora ”Parlez-moi d’Amour” (“Háblame de Amor”).

Los actores están esplendidos dentro de la exageración de sus personajes, que parecen directamente extraídos de las páginas de algún comic “underground” francés: llamativos y bizarros, afrontan una vida miserable con el desparpajo de la inconsciencia. Envueltos en un aura amarilla y anaranjada (enfermizos colores que predominan en la fotografía para reforzar el desagrado visual inyectado en el celuloide) son manipulados por sus propias emociones sin control como si de un video-clip se tratase; y es que Kouen bebe de otras disciplinas, también la publicidad, para hilar su mejor corto.

Solo teniendo en cuenta su manufactura, pocos cortos se realizan ya así en la actualidad, y lo bizarro de su propuesta (no sé que pensaría Julio Cortazar del “Vibroboy” atrapado en la estatua mexicana) ya merecería la pena recomendaros este corto a pesar de que casi ronda los veinte años. Pero no solo eso, el interés estético, la sensación de estar ante una pequeña obra de arte, hacen que esta especie de “revival” – y no me he decidido a etiquetarlo de tal forma puesto que el cortometraje no es muy conocido – cobre su verdadero sentido hoy: Halloween. Muchos de vosotros os plantearéis monstruosas maratones de cine de terror para esta noche, y nada más divertido oiga (bueno, las maratones de sexo); pero que menos que darle un descanso a la mente con algún corto entre proyección y proyección. Así que me gustaría desempolvar esta estatua de alargada forma y ofrecérosla como tributo, sobre este altar manchado de sangre y vísceras que es Almas Oscuras. Disfrutadlo.

Lo mejor: Su estética alocada y sus referencias festivo-sexuales.

Lo peor: La falta de trasfondo argumental, aunque es un corto.

Nuestro amigo Mr. Zombie no se ha hecho de rogar. Si hace poco nos traía una suculenta preview sobre Dead Ball, hoy se destapa con la reseña de Cold Fish. ¡Se nota que Mr. Zombie vibra con el cine oriental!

A Sono Sion le van las trilogías, eso es un hecho claramente contrastado por los que siguen su obra. Se encuentra en lo que seria su segunda trilogía, y seria la segunda, ubicada entre la ya estrenada y maravillosa Love Exposure y la aun por llegar Guilty of Romance. Pero como decía, anteriormente ya realizo otra trilogía imperdible, de las que formaron parte las cintas Suicide Club, Noriko Dinners Table y Strange Circus.
Para entender el cine de Sono Sion se recomienda ver todas las películas citadas, ya que aparte son magnificas y si se es especialmente observador podrá ver guiños entre unas y otras. El resto de su amplia filmografía nos deja otras películas muy recomendables, pero hoy toca centrarse en Cold Fish y a eso vamos.

Cold Fish narra la historia de Shamoto, quien es el dueño de una pequeña tienda de peces tropicales en la que vive con Taeko, su mujer, y Mitsuko, la hija de su ex mujer. Una noche Mitsuko es pillada robando en un supermercado, y al llegar su padre para pedir disculpas se encuentra con Murata, el líder de la franquicia de acuarios más importante de Japón que propone a Shamoto ser socios. Shamoto acepta, pero a cambio su hija trabajará para Murata y este cada vez tendrá una mayor influencia en la familia. A partir de este suceso las cosas se enturbiaran para Shamoto, ya que Murata no es trigo limpio precisamente y sus negocios son la tapadera de algo mas oculto y mas delictivo.

A grandes rasgos, esa seria su sinopsis, para luego en su desarrollo, dar paso a una película de contenido muy plano, con secuencias largas, planos extendidos y mucha narrativa, como así es el cine de Sono Sion.

La película es larga, no llega a las mas de 4 horas que necesitó Love Exposure, quedándose en unas 2 horas y 20 minutos que son algo excesivas para narrar esta historia. Aun así, y recalcando que la película no es la perfección y la grandeza que fue Love Exposure, Cold Fish en también una excelente película, ya que todo ese ritmo algo lento, esas escenas alargadas y esos planos inacabables, nos conducen a una cinta arrebatadoramente potente en cuanto a lo que es meternos en su historia, a simpatizar rápidamente con Shamoto y el peligroso terreno donde se esta metiendo sin saberlo aun.

Llegados a este punto, toca mencionar las interpretaciones, correctas y con la típica sobreactuación forzada que se dio también en Love Exposure y que en Cold Fish, también sienta como anillo al dedo a esa narrativa extendida pero coherente y tremendamente sugerente.

La historia de Cold Fish es tenue en cuanto a grandilocuencia de la narración, pero poderosa en cuanto a su exposición en las secuencias. Dicho mas claramente, lo que puede parecer y de hecho lo es, una película con una historia que no da para mucho y en algunas ocasiones parece cogida con pinzas, Sono Sion trasforma todo ese halo de desinterés y lo transforma en una película sugestiva y te hace participe de esas mas de 2 horas, en las que no te despegas de lo que ocurre en pantalla, y en eso el director es un gran fabulador de historias y alguien que sabe como atraer a ese publico adulto ávido de sensaciones diferentes.

Habrá que estar atentos a las andaduras de Sono Sion en la productora Sushi Typhoon, donde parece que se adaptará bien junto a los mas gamberros directores de cine friki japonés. Y habrá que estar atentos, de igual manera, al cierre de esta enorme trilogía, que se dará con la esperada Guilty of Romance.
Por lo pronto podemos decir que Cold Fish es un largometraje algo menor que la excepcional Love Exposure, pero que no desentona con lo que seria en general el cine de Sono Sion. Dando pues una película interesante, intensa en muchos momentos, con una mezcla de algo de gore, algo de sexo, bastante violencia verbal y algo menos escenificadas, aunque las que hay son explicitas y contundentes.

Una película digna, solvente y con pocos “peros” que ponerle.

Lo mejor: Una historia arrebatadora y potente

Lo peor: Su duración y ritmo pueden ser duros para público no acostumbrado al estilo japonés

NOTICIA: Por primera vez en Almas Oscuras, ¡tenemos una reseña realizada por uno de los actores principales de la película! Nuestro buen amigo Robert, el neumático, tuvo a bien enviarnos un análisis de su puño y letra, es un decir, de lo que el considera los puntos más importantes de la cinta.
He basado la nota en las doctas opiniones de este magnífico intérprete.
Sin más preámbulos os dejo con Robert y su acerada visión del cine fantástico actual.

Quentin Dupieux, el director y guionista de Rubber, y yo, llevábamos bastante tiempo barajando la posibilidad de emprender un proyecto juntos. Quentin es un tipo inquieto y provocador; de todos es conocida su faceta como Mr. Oizo, produciendo y editando discos de música electrónica en Francia. Yo soy un enamorado de su trabajo musical, especialmente de su exitazo “Flat Beat”, utilizado para una campaña de Levi’s, donde ya empezó sus pinitos, como cineasta, dirigiendo el mismo un spot. Pero eso no era suficiente para él y coqueteó con el cine filmando un par de cintas, sin mucha repercusión, llamadas Nofilm (2001) y Steak (2007).
Recuerdo la noche en que empezó todo; en mi apartamento de Marsella, nos encontrábamos charlando de cine, mientras tomábamos absenta, cuando Quentin comenzó a enumerar fallos clamorosos de lógica en películas famosas. Entre bromas, nos dimos cuenta de que el cine está lleno de errores y estupideces; y justo en ese momento, se me ocurrió soltar: – ¡Sí, todas las películas tiene algo absurdo! Pero, nada sería más absurdo que una película protagonizada por un neumático.
Los dos nos reímos como locos, agudizada nuestra euforia por la absenta, pero no tardamos mucho en inventar una loca historia sobre una cubierta de neumático con poderes telequinéticos y problemas de identidad, que fuese asesinando gente por el desierto de Arizona. Imaginamos una road-movie, incluso barajando un imposible romance entre la rueda y una bella jovencita, con una colección de tonterías que no fuesen explicables racionalmente de ningún modo.

Ya en ese momento, vimos que teníamos potencial para realizar al menos un corto que epatase y sorprendiese. Quentin y yo siempre hemos amado los riesgos en nuestras carreras, entendemos que una mirada diferente en el cine, como por ejemplo la inquietante locura de David Lynch, es necesaria para el enriquecimiento de este arte. Es aburrido ver como en el cine de terror cae y cae siempre en los mismos clichés y nosotros quisimos reflejar algo de eso en nuestra idea, denunciándolo. Es lo que quisimos reflejar continuamente en Rubber, y esperamos que haya quedado bien en ese aspecto.

Algo que nos planteamos fue hacer cómplice al espectador de la tremenda broma que es un neumático ejerciendo de papel principal en una historia humanizada. Era difícil introducirlos en un mundo sin reglas de una forma “coherente”, así que retornando al principio de nuestra velada, decidimos empezar la película con un soliloquio sobre las sin razones en las películas que nos habían gustado, y exponiendo Rubber como homenaje a estos absurdos, que son reflejo de la propia vida cotidiana. Ambicioso, ¿no? Pero como ya he dicho, a Quentin y mí nos gustan los riesgos.

Pasados unos días recibí la excitada llamada de Quentin: – ¡Robert, Robert! Lo tengo todo listo, he conseguido financiación. ¡Haremos la película del neumático asesino! He localizado el casting, actores estupendos. ¡Ya verás! Hasta he compuesto los primeros temas de la banda sonora, todo muy desertico y minimalista. Estuve viendo Los caballeros de la Mesa Cuadrada e incluso se me ha ocurrido como hacer que el público no piense que les estamos tomando el pelo…
“Eso no sé si lo conseguiremos”, pensé. – ¿Te acuerdas de la escena de la película de los Monty Python donde eran arrestados los actores…. De eso se trata, metalenguaje. – Espera un momento, ¿metalenguaje? – Le corté. – Sí, solo se trata de… de hablar de cine dentro del cine. ¡Eso es! Pondremos unos espectadores dentro de la propia película… como si fuesen el público omnisciente que participa en el rodaje y…
Así se tiró durante horas. Sin embargo, sus argumentos eran convincentes. Se trataba del tipo de película que llamaba mucho la atención. Aunque reconozco que como largometraje se me antojaba peligroso; supongo que mucha gente considerará pesado mantener una broma durante hora y media. No obstante, Quentin me aportaba confianza; su experiencia y buen hacer con la cámara seguro que quedaban patentes en escenas cuidadosamente planificadas, para que yo pudiese lucirme en pantalla. Y espero, que a pesar de mi dificultad para gesticular, todo mi esfuerzo haya quedado plasmado en la película. Porque obviamente acepté, y al poco tiempo me encontraba en un desierto preparado para el rodaje.

La filmación fue muy divertida aunque dura, mis compañeros de reparto no eran destacables, a excepción de un televisivo Stephen Spinella, que lo hace fenomenal como sheriff sardónico y participa en las escenas más graciosas. Especialmente decepcionante fue el trabajo de Roxana Mesquida, mi “pareja” en la película, que no pasa de mero adorno decorativo. Quizás su trabajo hace que decaiga el film, pero al actuar yo en la gran mayoría de escenas, su presencia no destaca mucho. Desgraciadamente, algunos críticos malintencionados han destacado como principal fallo de Rubber, el exceso de escenas donde una simple cubierta de neumático está quieta haciendo algo aparentemente gracioso. Ya he comentado que la duración podía jugar en contra de nuestro proyecto pero creo que no percibir mis dotes interpretativas es más propio de rinocerontes antes que de seres humanos.

En cuanto al apartado técnico decir que todo fue estupendamente. Efectivamente, Quentin destacó como un excelente planificado,r creando hermosas viñetas visuales que refuerzan la sensación de surrealismo que la historia requería; bueno, llamarlo historia sé que es decir mucho. En fin…
Sinceramente quiero dar mi enhorabuena a todo el equipo por el trabajo realizado, especialmente en el área de la fotografía, donde Quentin ha podido expresarse libremente con cierto lenguaje de video-clip.

Algunos ya han apuntado que Rubber pertenece más al género de la comedia que al del terror. Y efectivamente tienen razón, aunque tratar de entender Rubber como una película de género me parece algo imposible. Llamarlo una broma también me parece injusto, creo que consigue entretener de sobre durante su metraje; en el cual, las escenas sangrientas no sobran si no que ensalzan ese toque gamberro que hemos conseguido. Podríamos decir que es una gamberrada donde incluso tienen cabida reflexiones sobre el mundo del cine y, hasta que punto, los espectadores se lo tragan todo (el porqué de la escena donde los de la propia película devoran un pavo asado con sádica avidez).

¿Qué llegué a divertir a los espectadores? Bueno, todo es cuestión de las ganas de ver absurdos que tengan. Entiendo que ver sin sentidos de forma continuada puede resultar hiriente, sobre todo sin una aparente trama detrás. Pero si uno se quiere divertir e incluso romper con lo que ve habitualmente, tanto si se trata de un aficionado al terror ó no, debería darle una oportunidad a nuestra película.
Al igual que nosotros disfrutamos con nuestro viaje de absenta, queremos que todos ustedes tengan una oportunidad de dudar de lo que ven en pantalla, disfrutar con un apartado visual potente y dejarse llevar por los paisajes musicales de Mr. Oizo.

¿Y los motivos? No existe motivo para la existencia de esta película, porque no hay ninguna jodida razón…

Lo mejor: Aparte de Stephen Spinella, que borda un papel socarrón como pocos, de la excelente fotografía y planificación; la experiencia de ver a un neumático en pantalla actuando como un ser humano, es cuando menos... impactante!

Lo peor: Si no te gustan los discursos absurdos desearás que te reviente a ti la cabeza, además quizás sea una cinta muy larga para lo que pretende. ¡Ah! Y la poca expresividad de Robert :)

A vueltas, nos encontramos una vez más, con otra muestra del splatter japonés de nueva generación: RoboGeisha, de la mano del incansable Noboru Iguchi. Lejos estamos de los pasos balbuceantes que daban los habitantes de las islas, a mediados de los ochenta, con la infame saga Guinea Pig. A estas alturas de la película, y más de veinte años después, las cosas ya no son iguales en el país del sol naciente. Su cultura milenaria, su serena forma de ver la vida está profusamente infectada por occidente. Las fronteras se difuminan en las regiones civilizadas y se agudizan en el tercer mundo; el trafico de cultura trash por fin es “legal” en Japón. Como resultado de ello, y particularizando en el cine gore, las películas orientales se van alejando de sus lastres pasados para convertirse en obras perfectamente internacionales, con el añadido de una envidiable profesionalidad en todas las facetas de estas producciones.

En esta ocasión quiero hacer hincapié en las dos ramas de la evolución de esta cultura gore, nacidas al amparo de la citada saga y de otras obras de culto como Tokio Snuff ó incluso Tetsuo de Shinya Tsukamoto.
Realmente no creo que en el séptimo arte sea fácil clasificar una producción dentro de un marco cerrado, dado que cada cinta contiene su propia idiosincrasia. Más si cabe cuando estamos hablando de algo tan poco definido como el cine gore; “¿películas donde debemos ver mucha sangre?” Una definición patética sabiendo que cada película es de su padre y de su madre. Sin embargo, para entender mejor (si es que hay algo que entender en tamaña comedia) RoboGeisha, veo necesario hablar un poquito de las dos corrientes más visibles del cine “sangriento”, que nos llega desde el borde oriental del mundo. Además, sobre mi consumido organismo empiezo a notar los efectos de la indigestión provocada por tanto pecho ametralladora, shuriken anal y ojos rasgados. Así pues, considerando esta reseña como mi canto del cisne personal dentro del splatter japonés (al menos en lo que a realizar reseñas se refiere), no veo mejor momento para estas y otras divagaciones. Aunque insisto en que se trata de una simplificación para acercarnos a un género incomprensible y, por si fuera poco, proveniente de un país incomprensible para los occidentales.

1) ¿Hasta donde puede llegar el ser humano?

Digamos que esta rama del gore nipón hunde sus raíces en las cintas, prohibidas y mitificadas, de los excesos por antonomasia: Guinea Pig. Todos conocemos la bipolaridad existente en Japón. Su sociedad no alienta la expresión de los sentimientos y deseos; produciéndose, en el interior de la mayoría de sus ciudadanos, una fascinación por todo aquello que resulte extremo, perverso y morboso. De hecho, el tratamiento del dolor y el sexo es tan gélido que, a veces, uno se siente un maldito mirón indecente viendo este tipo de películas. La citada saga es un ejemplo de esta fascinación malsana. Todo un recital de abominaciones perpetradas por humanos sobre el cuerpo humano; rozando el masoquismo intelectual, vamos. Otro ejemplo, algo más light, sería la saga Evil Trap (ó Tokio Snuff); incluso me atrevería a decir que las obras más viscerales de Shinya Tsukamoto (Tetsuo, Bullet Ballet, Haze ó Tokio Fist) son, a la vez, influencia y ejemplo de esta rama.
Sin embargo, sus descendientes espirituales van siendo más difíciles de descubrir hoy en día. Es un estilo de cine, el de la casquería sin sentido, que se ha ido perdiendo en oriente. Entiendo que la influencia cultural externa, en las nuevas generaciones de japoneses, los lleve a interesarse más por otro tipo de visiones. Aunque siempre hay gente para todo y como muestra sirvan las imágenes que encabezaban este párrafo. Pertenecientes respectivamente a esos escasos delicatessen de la atrocidad: Cruel Restaurant (2008), Naked blood (1995) y la infame Grotesque *(2009). *

2) Los efectos de un empacho de wasabi

Citado anteriormente, ese interés que los jóvenes nipones sienten actualmente por la cultura trash y pop proveniente de Europa y E.E.U.U., nos lleva sin remisión a un tipo de cine que pierde parte de su identidad cultural en pro del divertimento naif y rápido. Sobre todo por la relevancia que adquiere, en estas películas, el elemento cómico. ¿Urotsukidoji + Troma? Bueno, desde luego el sexo y la sangre siguen fascinando a un país que aun le cuesta mostrar abiertamente sus pensamientos; pero la fascinación ejercida ya adquiere unos tintes más (y perdonad por el giro) “tarantinianos”. Con un núcleo central muy parecido, estas producciones gustan de mostrarnos a guapas jovencitas luchando empapadas en sangre contra alguna amenaza de interés irrelevante. De hecho, un detalle significativo es el uso de actrices provenientes de las “pinku eiga” (ó cine erótico extremo por simplificar). Otro dato relevante, es la ausencia de un guión de peso; cierto es que el gore nunca ha necesitado de un guión para justificarse, pero esta rama, donde las tonterías, los momentos surrealistas y los personajes histriónicos abundan; parece más propicia para el desarrollo de una historia interesante dentro de sus absurdos. Aunque por lo general, excepto gloriosas excepciones (como Tokio Gore Police), la profundidad argumental es aun menor que en sus hermanas de “frío y sucio gore cuasi-snuff”.
Pero no todo es malo; todo ese batiburrillo de influencias suele dar buenos momentos dentro de estas películas. Y como todas siguen líneas muy parecidas, probablemente debido a que los equipos de producción de todas ellas comparten más de un par de nombres (entre los que destaca el infatigable Yoshihiro Nishimura); una vez vista una, si te gusta, tienes siempre entretenimiento para rato. Muy similar a los muñequitos de los transformers; todos se parecen, pero si te gusta uno no puedes dejar de querer más.
Al contrario que las cintas de la otra rama, este sub-sub-género parece vivir una época dorada, viendo desde hace tres años una media de tres/cuatro producciones anuales de una calidad en crecimiento. Para que os hagáis una idea, ahí va una pequeña lista con alguna de las imprescindibles presentes y futuras:

The Machine Girl (2008)
Mutant Girls Squad (2010)
Tokio Gore Police (2008)
Vampire Girl vs Frankenstein Girl (2009)
Samurai Princess (2009)
Gothic and Lolita Psycho (2010)

En resumen, unas cuantas horas de falditas cortas, erotismo de salón influenciado por Shin-Chan, aberraciones varias inspiradas por la nueva carne de Videodrome y Tetsuo, exagerados chorros de sangre provenientes de las cintas de samuráis y ninjas de toda la vida (esas que presentaba Coral Bistuer en el legendario programa Cinturón Negro), gags de dudosa comicidad y todas las chorradas que queráis añadir. Un estilo, que creo este año, ha llegado a su cenit y quizá se acerque a una prematura decadencia provocada por el exceso de producción, algo también muy típico en Japón, ese hermoso país sin medida.

Pero la pregunta es: ¿y en qué lado se encuentra RoboGeisha? ¿El frío y degenerado gore limitado solo por la imaginación de los torturadores? ¿El festivo y colorista “trash” de las falditas colegialas teñidas de rojo?

Vemos si la sinopsis nos aclara tan trascendentales dudas:

Yoshie y Kikue Kasuga, son dos huerfanitas que aprenden las artes de la Geisha; es decir, como complacer a un hombre a través de la sumisión total a sus deseos; allí, en una perdida academia de una época fciticia.

Yoshie es la hermana menor y más hermosa, pero vive a la sombra de su cruel hermana. Hasta que un día, Hikaru Kageno, el joven propietario de una mega corporación ,se fija en ellas dos y decide acogerlas en su hogar para enseñarles las habilidades definitivas de una geisha: el asesinato mediante la seducción

Supongo que viendo la foto de la actriz que interpreta a Yoshie (Aya Kiguchi), acompañando a estas palabras habréis deducido rápidamente por donde van los tiros y katanazos en RoboGeisha; mejor que una sinopsis, ¿verdad?. Espero que las féminas sepáis disculpar este lúbrico recurso, pero una imagen vale más que mil palabras; además reconoceréis que la chica está de muy buen ver. Efectivamente, esta película no tiene ni pies ni cabeza, no existe guión, los personajes son más planos que un Power Ranger con resaca, los diálogos de una telenovela son Quevedo en comparación…pero esta vez Noboru Iguchi se ha conseguido superar, creando la comedia splatter más compacta de toda esta hornada; y dado el número de títulos habidos no es moco de pavo.

Ya en la previa The Machine Girl, este director/guionista apuntó por donde le gustaba viajar a sus neuronas: una filia nacional con mujeres de cara de muñequita, la alteración de miembros corporales en armas y un sentido del humor entre los momentos menos inteligentes de los Monty Python y los momentos más inteligentes de Cañita Brava.

Lo cual deja a un pobre servidor sin recursos para reseñar tamaño compendio de chistes destinados a encefalogramas planos. Es más, el trailer muestra toda la sustancia que pueda contener el film. No habría mejor reseña que este. Sin embargo, si que se pueden puntualizar un par de aspectos que interesaran tanto a noveles en el sub-sub-género, como a los expertos en la locura amarilla.

Desde luego se dan cita en RoboGeisha toda la suerte de características típicas del splatter nipón. A saber:
a) Actrices pinku repitiendo en películas de otros amigos (en este caso Asami la cual pudisteis disfrutar en The Machine Girl ó Sukeban boy) y un total protagonismo de estas. ¿Los actores masculinos? Siempre secundarios cuando estas hembras aniñadas hacen aparición en pantalla.
b) Exceso a la hora de mostrar la acción ó violencia. Un exceso más cercano a los mangas de Dragon Ball que a los horrores góticos de Junji Ito ó Hideshi Hino.
c) El uso de los detalles más superficiales de la estética cyberpunk, como el reemplazo de partes del cuerpo por piezas robóticas. Vamos, que al final del metraje nuestras protagonistas excitarían incluso al terminator más frígido.
d) El humor y los sentimentalismos están a la orden del día. De esa forma tan japonesa donde los responsables del guión parecen muchachitos de diez años. Al menos ante los ojos del que suscribe.

Sin embargo, más allá de esta suerte de tópicos, Noboru Iguchi ha sabido plantear todo su discurso de una forma más adulta y loca a la par. Si tuviese que destacar algo por encima, diría que el humor funciona en el 90% del metraje. Eso sí, siempre dentro de los cánones del humor absurdo, de la exageración demente. Basten solo unos ejemplos, ¿habéis visto alguna vez edificios sangrar? ¿disparar shurikens con el culo? ¿una geisha-transformer? Pues aquí los veréis y con un ritmo e introducción adecuado para la risa. Incluso los números musicales y de baile, que en otras producciones se me suelen hacen pedantes, aquí consiguieron arrancarme sonrisas de incredulidad y diversión. Por encima de todo, como comedia funciona a la perfección y de ahí su nota, porque arrancará alguna sonrisilla hasta al emo más atormentado.
Creo que la formula de este acierto se basa el uso de un humor más irónico deseoso de burlarse de algunas de las bases culturales de Japón, como sus tradiciones alrededor de las geishas y sus clientes, las películas clásicas de Godzilla y Ultraman (Kaiju Eiga) ó la tradición robótica representada por los mechas de la serie Robotech ó el imperecedero Mazinger Z . Definitvamente estan aprendiendo a reirse de ellos mismos.
Incluso uno no puede evitar acordarse, medio en broma, de algunas escenas de la mítica RoboCop.

Como el ying y el yang, como el alpha y el omega ó cualquier principio de equilibro universal, esta vis cómica tan pronunciada tiene un precio asociado. A diferencia de luminarias como Yoshihiro Nishimura en Tokio Gore Police ó incluso el mismo en su anterior The Machine Girl, Noboru no está a la altura en el splatter, en la sangre, en la aberración. Más bien justito el nivel de hemoglobina, con unos efectos especiales de preponderante CGI (¡tch!, a mi la sangre por ordenador me chirriará toda la vida), cuya misión es siempre provocar la risa. Delirante es el momento en que unos robots tengu (un espíritu tradicional japonés de simbología fálica) se dedican a eyacular leche hirviendo porque…porque…ummm no recuerdo…¡ahh! ¡Sencillamente porque sí!

Sorprendentemente el nivel de ñoñerias, véase la relación entre las dos hermanas cuyas gazmoñerías producen nauseas, es menor que en otros títulos. Esta ahí, pero no se hace tan evidente quizá porque el ritmo de la película es muy alto. Aunque no sirve este ritmo para contar nada, no es una cinta en la que esperase giros de guión apabullantes, pero es que la condenada tiene menos desarrollo argumental que Vampire Girl Vs Frankenstein Girl. Pero ninguno os acercareis a RoboGesiha por las bondades de su guión, ¿verdad? Y puede que tampoco lo hagáis por las dotes interpretativas del elenco de actores, a lo mejor os lleváis una sorpresa viendo que los actores cumplen de sobras con su cometido; por simple que este fuera. En especial, Aya Kiguchi resulta todo un descubrimiento para lo que son los estándares del patrimonio actoral en Japón.

Con respecto a otros detalles técnicos también estamos ligeramente por encima de la media (a excepción de los efectos especiales por ordenador, demasiado llamativos a propósito). La banda sonora, el vestuario y una fotografía, insistente en realzar el amplio despliegue cromático y luminoso de la eficaz cámara de Noburo, consiguen recrear un mundo de fantasía sencillo, donde todo es posible. ¡Incluso la canción protesta! La edición no se queda atrás aportando ese ritmo anteriormente comentado, el cual no deja espacio para el aburrimiento.

Resumiendo, nos encontramos en un momento dulce para el splatter festivo que llega desde ese lejano país de locos, en el buen sentido de la palabra. Sus películas encuentran buena respuesta internacional, son lucrativas dado sus presupuestos relativamente ajustados y se dispara el talento de sus jóvenes realizadores, que están logrando con la experiencia una profesionalidad digna de alabar. Por el lado negativo, decir que esta profesionalidad y productividad dan cierta sensación de saturación. Encontrándonos cintas que están cortadas por el mismo patrón, hasta con los mismos actores; se resta un poco de magia a todas las locuras que sus responsables tienen a bien compartir.
En el caso concreto de RoboGeisha, la recomendación de su visionado resulta obligada puesto que resulta una comedia interesante por si sola; así como un homenaje a todos los asiduos a ese cine lleno de japonesitas ligeras de ropa y psicotronías propias. Aunque es importante destacar la importancia de una predisposición por parte del espectador; acercase hasta RoboGeisha solo con ganas de echar unas risas tontas, es la mejor y única invitación para verla.

Lo mejor: El humor, todo en RoboGeisha está al servicio del mismo. Y sorprendentemente funciona; especialmente por su gamberrísima escatología

Lo peor: Al hacer tanto hincapié en la comedia absurda, para aquel que no sea plato de su gusto, va a encontrar la cinta más odiosa de su vida. Y los clásicos momentos lacrimógenos (buf!)