Kiya es una chica que empieza una curiosa carrera en redes sociales y plataformas de video: grabar las humillaciones a las que somete a otras personas. Esto la llevará a un viaje directo hasta sus propios deseos oscuros de atención polarizada, una travesía guiada en parte por su prisionero, un hombre de vuelta de todo cuya relación con su captora se va complicando entre dosis y dosis de droga.

“A Serbian Film” hablaba sobre los límites de la moral y como romperlos o manipularlos, “Like Me”, un nada sutil juego de palabras con la necesidad de obtener reconocimiento a través de las redes sociales, intenta soltar un discurso anti existencialista sobre la vida en un mundo sin moral. La película de Srdjan Spasojevic se exponía con un lenguaje incisivo y sórdido, elevándola a película de culto, quizás sobredimensionado por el tonto escándalo que llego a arrastrar, mientras que la obra de Robert Mockler supedita cualquier profundidad o acidez contextual a una capa estética igual de epatante que aleatoria, y por lo tanto bastante insatisfactoria. Seguir leyendo…

“Sequence Break” es un mediometraje alargado más de la cuenta, su duración queda en setenta minutos, que intenta rendir homenaje al cine de David Cronenberg sin pasar por la casilla de salida. Últimamente el muestrario de “body horror” abunda sin mucho orden ni concierto: “Replace”, “Let her out” o “Thanatomorphose”, por citar unas pocas. Más en concreto, el plagio/tributo que hoy nos ocupa tiene como principal diana “Videodrome”, inspirándose en la influencia tanto mental como física que las máquinas, antaño eran los VHS y ahora los “arcade” de finales de los setenta, en un ejercicio de vana nostalgia, pudieran ejercer sobre el hombre y sus relaciones sociales. Una versión erógena del “Polybius”, el infame video juego que decían volvía locos a sus jugadores, intenta convertirse en catalizador de una “nueva carne” que no es todo lo suculenta que su tráiler nos hizo pensar. Para los más puristas: me salto “eXistenz” pues a su manera siempre me ha parecido un remake encubierto y sin fuelle de “Videodrome”, pero está claro que comparte ideas con la cinta que hoy nos ocupa. Seguir leyendo…

Entre el Pedro Almodóvar de finales de los ochenta, por femenino y colorista, y el John Waters de los noventa, por ligeramente aberrante y escatológico, se mueve la última película que he podido disfrutar del siempre controvertido Sion Sono, director tras títulos tan creativos y sugerentes como “Suicide Club”, “Love Exposure” o “Cold Fish”. Y digo “disfrutar” aunque la experiencia, como suele ser habitual dentro de los trabajos de este cineasta, deja sensaciones contradictorias en el subconsciente, pues no tiene miedo a dinamitar su propio estilo, no siempre para bien, descolocando hasta al más curtido en su filmografía. Sí, lo primero que sorprenderá al novato es su inclusión en una web como Almas Oscuras; pero amigos… ¿no es acaso este un tipo de cine extremo que nos remueve las entrañas igual que podría hacer una buena película de terror?

Así de inclasificable es Japón, o debería serlo para un occidental medio, y todavía lo es más cuando lo observamos desde el prisma de ese chiflado llamado Sion Sono. Además, no neguemos la mayor, el comienzo del año sigue siendo muy parco en estrenos interesantes y esta es la única película que recientemente me ha hecho elucubrar algo más que odio. Obviando “Tres Anuncios a las Afueras”, pero eso ya es otra historia (muy interesante) que no tiene cabida aquí. Seguir leyendo…

Tras un terremoto, Los Ángeles y sus habitantes se han reconvertido a una nueva forma de vida que incluye pagar por sexo telefónico con alienígenas tentaculados, abortar al bebé engendrado con un visitante del retrete, dar de comer tus heces a la roca–ojete, dejarte preñar por una cucaracha radiactiva o eyacular en la cara de tu amada tras una reconfortante sesión de asfixia. ¿Es el preludio del fin del mundo o de la salvación de la humanidad?

Empezamos el año con la película que se prometía como la más repugnante de 2017. Causó revuelo a su paso por el festival de Sundance, exhibida con todo el entusiasmo de los pedantes que se felicitan por contratar el debut de un importante productor musical de Los Ángeles. Quizás deberían haberse fijado mejor en el currículo del elegido y sus proverbiales ganas de tocar las narices, reconocido por una iconoclasta mirada a los ritmos electrónicos y asociado dese muy joven al canal Adult Swim, donde la serie “Aqua Teen Hunger Force” podría ser un buen reflejo de lo que ofrece “Kuso”. Seguir leyendo…

Del mismo equipo que nos trajo “Lord of Tears”, de la cual regalé la edición limitada, incluyendo las plumas de búho y su agradable banda sonora cuando vi el bajo nivel del producto final. “The Unkindness of Ravens” fue editada el año pasado tras otra exitosa campaña de mecenazgo, obra de bajo presupuesto de nuevo protagonizada por el mismo actor principal de “Lord of Tears”, Jamie Scott Gordon.

¿Estamos ante un nuevo fracaso o merece la pena hincarle los dientes a esta carroña? La verdad es que se nota la evolución de Lawrie Brewster y Sarah Daly como artistas cinematográficos, director y guionista respectivamente, así como miembros fijo del grupo “Metaphorest”. Aunque “The Unkindness of Ravens” padece de la misma visión repetitiva de su predecesora, se han limado algunas aristas y si bien sigue sobrándole la mitad del metraje, se hace un producto más digerible. No esperéis ninguna maravilla, el estilo narrativo es un calco de la anterior producción de Brewster y Daly, de la cual, por cierto, ya tienen incluso preparada una secuela con Macarena Gómez y llamada “The Black Gloves”. Seguir leyendo…

Cuando un servidor andaba clamando casi con desesperación por algo de originalidad dentro del género, o circunscriban mi súplica al cine fantástico, aparece “Dave made a maze” como si Neil Gaiman hubiese unido fuerzas con Charlie Kaufman, guionista de “Cómo ser John Malkovich” entre otras piezas muy inteligentes, para engendrar un hijo bastardo del surrealismo de los Monty Python, putativo por la falta de acidez pero embellecido por los diseñadores de “Puppeteer”, juego de plataformas publicado para la pasada generación de consolas e injustamente sobrepasado. Un canto a la inventiva, con todo el dolor que la misma implica, que también bebe de la obra cumbre de Mark Z. Danielewski: la alucinante y exigente “La casa de Hojas”. Seguir leyendo…