The Woman in Black, como bien saben, fue un libro que se publicó en 1983, escrito por Susan Hill en un estilo tradicional de novela gótica, que trataba sobre un misterioso espectro femenino que acosaba a un pequeño pueblo, anunciando la muerte de los niños del lugar. La novela corta, que no he leído, supongo que tuvo un merecido éxito que le valió una adaptación teatral a cargo de Stephen Mallatratt en 1987, y desde entonces sigue presente en las carteleras. Concretamente en México, la obra se ha mantenido en cartel durante varias décadas, llegando, actualmente, a las cinco mil representaciones, y siendo las más exitosas las protagonizadas por el famoso actor español Germán Robles.

De la misma manera The Woman in Black se llevó a la pequeña pantalla, para la televisión británica, en 1989, de la mano de Herbert Wise. En 2012 tuvimos una adaptación cinematográfica, la más famosa de todas, protagonizada por Daniel Radcliffe y dirigida por James Watkins. Dicha película tuvo un éxito considerable, ya que costó 15 millones de dólares y recaudó, mundialmente, 127.7 millones de dólares. Para los que estén interesados en leer la reseña sobre la película publicada en almas oscuras tras su estreno en salas de cine españolas, pueden encontrarla aquí. Dicho esto, parecía obvio que, aprovechando el éxito de la primera adaptación al cine y de la historia en sí misma, se llevara a cabo una segunda parte, en esta ocasión bajo la batuta de Tom Harper, realizador al frente de varios episodios de la serie británica de culto Misfits y que también participó en la serie Peaky Blinders, sobre la mafia de Birmingham en 1919. Actualmente Harper se encuentra en pleno proceso de producción de la miniserie Guerra y Paz, adaptación de la célebre novela de León Tolstói.

Hollywood, cuna de estrellas; fábrica de sueños para algunos y fuente de pesadillas para otros. El lado oscuro de la meca del cine queda plasmado en esta alegoría del éxito y la fama, centrándose en la vileza del ser humano y la lucha descarnada por el ascenso al estrellato, una lucha que en el caso de Starry eyes es más interior que exterior.

El dueto compuesto por Kevin Kölsch y Dennis Widmyer, compone una historia de la que, además de dirigir, también escriben, en lo que puede considerarse uno de los descubrimientos más atractivos del cine de terror del presente milenio. Debutando en 2003 de forma conjunta con el documental Postcards from the Future: The Chuck Palahniuk Documentary, sobre la figura de uno de los máximos exponentes de los novelistas de la Generación X (y escritor fetiche para quien esto escribe); y con otro largometraje a sus espaldas, Absence (2009), no ha sido hasta este pasado 2014 que el reconocimiento no ha llamado a la puerta de este tándem de realizadores.

Comparados con otro duplo de directores como Julien Maury & Alexandre Bustillo (sin ir más lejos, la dirección de la nueva Leatherface contaba entre sus opciones la de Kölsch/Widmyer o la de Bustillo/Maury, siendo los franceses quienes finalmente se han hecho con el proyecto), queda claro que, tal y como han demostrado con el resultado en Starry eyes, su nombre sonará durante los próximos años en el cine de género, de eso no cabe duda. Mientras que en el cine de los galos pueden verse claremente las referencias al cine de los ochenta y a Carpenter, Argento y Polanski; en Starry eyes se evoca a las películas sobre sectas de los años setenta y a una especie de simbiosis entre Cronenberg y Lynch.

En una remota zona montañosa llevan años sucediendo desapariciones, pero ahora que April y sus amigos se dirigen a la cabaña del padre de esta a recoger sus cosas, es cuando las fuerzas detrás de las supuestas “abducciones” se desvelan en todo su horror para desgracia de los cinco jóvenes.

The Vicious Brothers, directores y guionistas de “Extraterrestrial”, saltaron a la fama por su largometraje debut: “Grave Encounters”, un agradecido mockumentary que ponía un guión simplista al servicio del terror más efectista, plagado de sustos y personajes testimoniales. Digamos que su siguiente trabajo, obviado el libreto de la segunda parte de su ópera prima, extiende el modus operandi de estos dos canadienses que sorprendentemente no comparten lazos familiares. Es decir, terror de fácil consumo que se presenta autoconsciente del papel de entretenimiento que juega, y lo hace mediante herramientas manidas pero con una seriedad estética que asegura la solidez de su propuesta. En otras palabras, hora y media de comida basura, algo que sienta fenomenal de vez en cuando. Olvidad el cine intelectual durante un rato y zambulliros, conscientes de sus defectos inherentes, en un adecuado condimento a la noche de Halloween.

Esta vez The Vicious Brothers abandonan el formato de cámara en mano para abordar un metraje convencional cuyo peor defecto es el desequilibrio entre sus partes; quizás sesgado por el exceso de referencias y homenajes del que hacen gala sus autores. Un arranque prometedor, lleno de angustia y un aspecto técnico que enseguida reclama nuestra atención, se convierte a los pocos minutos en la consabida presentación de un grupo de jóvenes que provocan antipatía se les mire por donde se les mire. Afortunadamente su destino es una cabaña ubicada en el interior de la región donde al inicio de la cinta se nos mostraba una serie de terroríficos sucesos relacionados con abducciones. Así que hasta la persona más lerda y esquiva de los spoilers se puede imaginar como acabará la cosa. Llegado a este punto, cuando los chavales de marras alcanzan a la citada choza, ya han proliferado las referencias, nada veladas, a la película “Fuego en el Cielo”

La robótica ha sido uno de los temas predilectos del cine desde tiempos antediluvianos, sobre todo desde aquel clásico alemán, Metrópolis (1927) – una película nacida por y para el futurismo, todavía hoy plenamente vanguardista –, la cual es objeto de homenaje por la película que hoy nos ocupa, The Machine, con opulencia y reiteración. Con el paso de los años a Metrópolis le sucedieron cientos de clásicos, desde la saga Star Wars, al Blade Runner de Ridley Scott (con el que también encontramos ciertas similitudes con The Machine), la saga Terminator y por último A.I. Inteligencia Artificial, película con la que Steven Spielberg se alejaba del cine de acción para indagar en un concepto mucho más dramático: el del robot que quiere ser humano (además de desarrollar el concepto de “empatía” de una manera excelente). El gran logro de The Machine ha sido aportar su granito de arena dentro de un subgénero abarrotado, aun cuando muy a su pesar no deje de ser casi como un Metrópolis de nueva generación, pero siempre destacando que Caradog W. James juega sus cartas meritoria y minuciosamente.

The Machine es una película muy inteligente. Puede parecer que partimos de un guión alocado, que se mueve sin mesura; cuando en realidad la película gira en sentido rotundamente contrario. La premisa parte de una guerra fría. Una guerra tecnológica, mediada por el hombre, que sitúa a The Machine en el mejor escenario posible: una distopia cuyos avances tecnológicos se ven como la solución al conflicto; pero que finalmente acaban revelándose como la causa principal del mismo. En el fondo The Machine es una crítica tanto al hombre como al uso indebido de la tecnología. Ese hombre déspota y egoísta incapaz de sentir la menor afinidad por nada más allá de su propia y ruin existencia. Ese hombre que opta por luchar con máquinas porque no es capaz de afrontar y solventar los conflictos por sí solo. Y ahí es precisamente donde entra el concepto de “La Máquina”, un artefacto que no es humano pero que acabará ofreciéndole al frívolo mundo en el que ha sido creado una lección de humanidad. Asimismo otro de los ambiciosos objetivos de The Machine es el de redefinir el concepto de “ser humano” por medio de lo que se conoce como “cyborg”, logrando su objetivo y demostrando, nuevamente, poseer un guión inteligente y bien escrito.

Almost Human supone el debut en el largometraje del realizador Joe begos. La película es una monster movie con algunas variantes de género, en la que las abducciones extraterrestres constituyen su auténtico leiv motiv. Almost Human es también una película de muy bajo presupuesto que cuenta con muy pocos personajes y pocos escenarios. Su duración es de apenas 80 minutos, por lo que no se hace pesada. Cuenta, además, con una trama interesante, bastante bien llevada y un discurrir algo plácido y no especialmente emocionante.

Estamos ante una correcta, aunque algo discreta, película de ciencia ficción donde una persona es abducida en su domicilio, desapareciendo del mismo sin dejar rastro. Al regresar, parece dispuesto a someter a un duro castigo a todos los habitantes de la ciudad, incluidos sus mejores amigos.

La trama de Almost Human es facilona y asequible. Tal vez lo más débil de la película sea, precisamente, su argumento en absoluto sofisticado y en el que resulta complicado implicarse. La película nos presenta a una persona abducida que regresa, con el mismo aspecto, al lugar de donde procede. No hay, al menos en apariencia, cambio físico alguno en él. El extraterrestre que ha llevado a cabo la abdución jamás se muestra en pantalla, y ni siquiera se alude a su forma o procedencia. De manera que tan solo nos queda la persona abducida que, tras su regreso, muestra una actitud muy violenta. De hecho es capaz de emitir gritos ultrasónicos con los que aturde a sus víctimas dejándolas expuestas e indefensas ante sus furiosos ataques. Aunque también puede prescindir del mencionado grito ultrasónico y optar por métodos más expeditivos como hachas, cuchillos y motosierras con los que ejecutar a sus víctimas, como si de un slasher al uso se tratase. Por esa razón hay ocasiones en los que Almost Human se acerca a un slasher menor con asesino frio y brutal incluído a la caza de víctimas a las que matar de manera sangrienta.

Seth ve como su mejor amigo, Mark, desaparece en un haz de luz intensa proveniente del cielo. Pasan los años y Seth todavía cree que aquello fue un sueño, hasta que una serie de asesinatos van dejando una especie de mensaje para Seth, parece que Mark ha vuelto, pero algo ha cambiado muy dentro de él.

Sin relación alguna con la sosita película de zombis nazis rodadas en 1977, la película norteamericana independiente, que hoy tenemos entre manos, está despertando mucha expectación. La cual ha llegado a su cenit con el póster que los chicos de The Dudes Design han realizado para la ocasión, con su ya personal estilo, por mucho que se base en una concepción artística bastante retro. Solo apuntar, al respecto de los diseños que realiza dicha empresa, que actualmente pueden considerarse entre los mejores cuando tocan temáticas relativas al terror o al fantástico.