Nada más contemplar los primeros planos de la cinta, con esas fachadas de edificios iluminadas en rojo y violeta, le queda a uno claro que no estamos ante una película de horror convencional. Algo en su fotografía, en la forma de construir los encuadres, en la manera de abordar sus primeros compases, rezuma singularidad y aroma a cine de calidad. Me aventuro a decir que este Boarding school se quedará, al menos para mí, entre una de las propuestas más originales de cine fantástico que nos dejará este 2018… Maneras no le faltan.

Un joven es descubierto por su padrastro vistiendo con las ropas de su difunta abuela. Incapaz de lidiar con sus posibles tendencias sexuales y con sus recurrentes terrores nocturnos, el padrastro, decide ingresar al chico en un internado para jóvenes con problemas de distintas índoles. Un internado donde nada es lo que parece.

Belén Rueda regresa a los páramos del cine de terror nacional con este “pacto”. Lo hace con una producción envidiable en su factura que, como podéis ver en el tráiler que acompaña estas líneas, contiene encuadres cuidadísimos, un tratamiento de color atractivo, efectos especiales solventes y un diseño de sonido brillante. Para colmo supone el debut en el largo de David Victori, cortometrajista ganador de Youtube’s Film Festival con La Culpa y realizador del celebrado corto Zero y al que, desde ya, hay que reconocerle un excelente ojo para la construcción de escenas… Con todas estas cartas en la mano parecería que la partida está ganada… Pues no.

Con el fin de sacar a su hija de un estado vegetativo del que, en apariencia, no hay posibilidades de regreso, Mónica (Belén Rueda) acude a un destartalado almacén en el que se esconde un enigmático personaje que puede salvar a su hija de forma sobrenatural. Pero amigos, todo en este mundo tiene un precio y nuestra protagonista tiene una factura bien cara que pagar si quiere que la niña se recupere.

Auspiciada por Filmax, la coproducción hispano-argentino-uruguaya No dormirás se presenta, en envoltura y en guion, como un producto palomitero de fácil consumo y de más fácil, aún, olvido. Un gazpacho de lugares comunes del terror hilados con trazo grueso para que nadie se pierda en su, solo en apariencia, laberinto; que tiene, en su tramo final, una segunda historia de tapado que podría haber sido mucho más interesante.

En las entrañas de un hospital psiquiátrico abandonado, se está preparando una obra de teatro experimental. Los actores van a tratar de mostrar al espectador nuevos niveles interpretativos sometiéndose al insomnio extremo; dejando así que la consciencia deambule entre el guion de la obra y las alucinaciones producto de la vigilia radical. Bianca (Eva De Dominici), la actriz recién incorporada al proyecto, comienza a tener visiones cada vez más terroríficas, al tiempo que atisba secretas intenciones en la directora de la obra (Belén Rueda).

Me encanta estar escribiendo sobre esta película, pero a la vez reconozco que no va a ser tarea fácil (al igual que no lo es la película). Espero estar a la altura de las circunstancias. Para empezar: sí, soy consciente de que la suma de los cuatro factores del encabezado no dan por resultado la nota, tal vez alarmista, que he terminado poniéndole. Pero es que a veces, hay casos en que el resultado es mucho más que una simple suma de factores que pueden responder o no a los criterios que sigue la obra. En este caso, y haciendo un poco de caso omiso a la campaña publicitaria que lleva dándosele desde hace meses, Hereditary va más allá de dar miedo o no. Pero si estáis aquí buscando la respuesta a esta pregunta antes de ir al cine a verla, os diré que… SI, Hereditary da miedo.

Obviamente los habituales lectores de Almas estarán mucho más curtidos en el género y por tanto más que curados de espantos. Pero es innegable que esta es una película que revuelve la mente del espectador. Sea en mayor o menor medida. Y es que el miedo en el cine, como bien sabemos y pese a que parezca que nos quieran obligar a olvidarlo, va mucho más allá de apretar el reposabrazos de la butaca a la espera del susto de turno. Obviamente hay mucho más que esto, pero creo que este es un caso particular en esta modalidad. Ari Aster consigue que la maldad intrínseca contenida en las acciones de la película se vayan contigo a casa. Se mete bajo la piel, por que te has pasado dos horas respirándola. Intoxicándote de ella.

Una malvada sirena se enamora del novio de Marina, Roman, y pretende mantenerlo alejado de la joven en su reino de muerte bajo el agua. Esta criatura es una joven que se ahogó hace unos siglos, roto su corazón. Marina solo tiene una semana para superar su hidrofobia, ¡qué casualidad!, y ganar la mortal lucha contra ese monstruo, un reflejo quizás de su propio futuro.

“Rusalka: Ozero myortvykh” es una película rusa que viene de la mano de uno de los directores de aquella industria más activo en términos de género: Svyatoslav Podgaevskiy, creador de “The Bride” y “Queen of Spades”, intentos fallidos de alcanzar mercados internacionales mediante historias locales rodadas con miras al público occidental. “The Mermaid: Lake of the Dead”, del alfabeto cirílico al romano, nos ofrece en su tráiler una trama bastante convencional, que tampoco explota en demasía el ya de por sí limitado folclore alrededor de la mítica figura de las sirenas. Desde luego nos hallamos en terrenos mucho menos originales que esa locura llamada “The Lure” o la cómica “The Mermaid”, de Chow.

Patrick Magee es un experto en efectos especiales –“Men in Black 3”, “Spiderman”, “Beyond Re-Animator“– que un buen día tuvo un sueño. Se levantó y decidió invertir dos años de su vida en hacerlo realidad. Hablando del mundo del cine, ese sueño no podía ser otro que realizar un largometraje y debutar con una historia de terror, sus favoritas, que supusiera una excusa para la demostración de su buen hacer con maquillajes, prótesis y trucajes visuales. A este respecto Magee puede estar tranquilo, técnicamente sale airoso de su ópera prima, demostrando que ha sido un hábil observador en todos los platós de rodaje donde ha ido a dar con sus huesos. Stan Winston estaría orgulloso. Sin embargo a nivel argumental hablamos de los mismos problemas de siempre: un argumento simple, previsible y visto tantas veces que su desarrollo no lo pueden arreglar ni los mil oropeles de Babilonia. Además, y este es un error común en muchos debutantes tras las cámaras, “Primal Rage” se extiende hasta la hora y tres cuartos gracias a tramos alargados sin mucha base narrativa, quizás envalentado su autor que no quería ver ninguno de sus fotogramas besando el cubo de basura.