La Home Movie que da nombre al título se centra en la familia Poe. La madre, Clare, psicóloga, compra una videocámara para documentar su trabajo, pero es el padre, David, quien realmente la utiliza, grabando el día a día de la familia. Estas grabaciones revelan cómo el comportamiento de Emily y Jack, los hijos de la pareja, de 10 años, se va volviendo poco a poco más retorcido…

Estamos, obviamente, ante un Found Footage. En su defensa (servidor ha acabado saturado a más no poder del subgénero), creo que es justo reconocerle que no está exenta de interés, y que consigue evitar la fea tendencia de este tipo de películas de mover la cámara para que casi no veamos nada precisamente en los momentos de tensión donde, paradójicamente, más tendríamos que ver (y menos que enseñar la película, que no es lo mismo que volverse loco con la cámara para no enfocar el monstruo o asesino de turno). Además, la excusa para que se trate de un Found Footage no entra nada mal (llega una cámara a una familia en la que no había, así que el padre, fascinado, no para de grabarlo todo). Eso sí, en el tramo final hay un par de momentos en los que cualquier persona en sus cabales hubiera dejado la maldita videocámara en casa….

La película, además, temáticamente, es un ejemplo más de cine de terror con y sobre niños. Para mí, esta es una vertiente complicada: no suele atraerme demasiado pero, cuando una me gusta (léase The Children, por ejemplo), me fascina por encima de la media. Es cierto que son productos arriesgados puesto que a unos niños no les puedes pedir una calidad interpretativa determinada. En este caso, tanto Emily (Amber Joy Williams) como Jack (Austin Williams) salvan el tipo la mar de bien. Su “tipo” de maldad le exige una cierta distancia emocional de todo lo que hacen que facilita bastante la labor del director pero que, no cabe duda, también ha debido conllevar un trabajo “previo” que no se ve pero se destila. Seguir leyendo…

Ocurre con muchas películas que, pese a contar con una buena historia, a veces incluso fascinante, por una serie de motivos no terminan de convencer. Es algo que despierta cierta sensación de rabia, pues entendemos que un guión tan interesante podría haber deparado algo de calidad en otras manos, o quién sabe, en las mismas pero en distintas circunstancias. Por ejemplo, ¿nunca habéis pensado que habría salido de la adaptación de Alone in the Dark sin estar detrás Uwe Boll? Dictado, salvando las distancias, me provocó dichas sensaciones, aunque también alguna más satisfactoria.

La crítica la machacó, el público pasó de ella en su estreno en cines (¿alguien se percató?) y en algunos festivales, como en Cannes, donde inexplicablemente se coló como la única candidata española a concurso, la pusieron verde casi por unanimidad. Claro que, ojo con Cannes, porque los críticos, periolistos y público gafapastoso que se puede llegar a congregar es el mismo que aplaude melodramas iraníes sobre niños y sus camellos y dromedarios. Sea como fuere, las expectativas se situaban bajo mínimos, y he de reconocer que me causaba indiferencia el visionado. Pero, cosas de una tarde aburrida y de puro completismo con el cine de género patrio, decidí verla y, de paso, contar en Almas el tostón que me tragué debido a mi instinto masoquista. Así, me di cuenta que, en parte, los prejuicios, que los carga el diablo, no estaban en lo cierto.

Daniel acepta acoger en su casa a Julia, la hija de un amigo de la infancia que acaba de suicidarse. Mientras que su mujer, Laura, va consiguiendo que Julia recobre las ganas de vivir, Daniel empieza a sentir como amenazas algunas de las acciones de la niña, que despiertan dentro de él miedos y sentimientos de un pasado que había decidido enterrar. Seguir leyendo…

Antes de nada permitidme que me dé una vuelta por el confesionario. Nunca he sido un gran aficionado al subgénero de los fantasmas y las casas embrujadas. No es lo mío, así de fácil. Y, sinceramente, lo de pasar por taquilla para ver el loable intento del joven Daniel Radcliffe por dejar atrás las gafas de pasta y la varita mágica, a priori, no me apetecía en exceso.

De manera que desde un primer instante tuve muy claro que necesitaría de algún estímulo extra que encaminara mis pasos hacia la sala de cine más cercana convencido de poder disfrutar – o al menos intentarlo – de La Mujer de Negro. Y finalmente lo encontré. Encontré dicho estímulo, y en esta ocasión tenía nombre y apellido, el de James Watkins, director británico al que debemos una de las obras más contundentes del siglo XXI en cuanto a cine de terror se refiere: Eden Lake (2008)… por cierto, triste e incomprensiblemente inédita en nuestro país.

Así que lo hice. Sábado, sesión de tarde (18:10h) y rodeado de una caterva de adolescentes gritones (niñas en su mayoría) que auguraban una tarde de cine complicada. Y el panorama no hizo más que empeorar cuando una de ellas, una de las niñas, ante el primer plano de la película en el que aparecía el mencionado Radcliffe mirando, con aire melancólico, a través de una ventana, decidió hacernos partícipes a todos los presentes de sus más profundos pensamientos: “Está más guapo con gafas”. Paciencia… son jóvenes.

Arthur Kipps es un joven abogado, viudo y con un hijo, al que su bufete, como última oportunidad para seguir conservando su puesto, le envía a una remota aldea con la misión de arreglar todo el papeleo de una excéntrica cliente que acaba de fallecer. Muy pronto Kipps descubrirá que no es bien recibido. Los habitantes de la aldea le quieren lejos de la casa de la fallecida, pero su sentido del deber le llevará, irremediablemente, hasta los dominios de la mujer de negro.

Basada en la novela homónima de Susan Hill (que, por cierto, ya tuvo una adaptación televisiva en Gran Bretaña allá por el año 1989, amén de ser el origen de una exitosa obra teatral) y auspiciada por una Hammer que parece dispuesta a vivir su segunda juventud; La Mujer de Negro es un relato de esencias clásicas dispuesto a plasmar, con absoluta abnegación y autoconvencimiento, todos y cada uno de los lugares comunes de lo que vendría a ser una mansión gótica atiborrada de fantasmas malhumorados.

De este modo el cénit de la historia lo conforma una larga secuencia en la que el personaje interpretado - con más contención de la esperada – por Daniel Radcliffe, deambula por el interior de la casa haciendo frente a un completísimo muestrario de sobresaltos la mayoría de los cuáles – en realidad todos ellos – nos resultarán, cuanto menos, familiares; y que arrojan una sensación final de que ya hemos estado antes en esa casa… y no una sola vez, si no varias. Hagamos un brevísimo repaso: susurros, pisadas, caras que se reflejan en un ventanal, una mecedora que se mueve sola, sombras por doquier… No falta absolutamente de nada.

La Mujer de Negro tira de tópico en todo momento y sin embargo, lejos de situarnos ante una propuesta vacía o directamente fallida a causa de su latente falta de originalidad, el resultado final nos habla de un producto sencillo, sincero y terriblemente eficaz. Y en este punto es donde debemos recuperar de nuevo la figura de James Watkins. El director británico logra, a través de la ambientación y la puesta en escena, que lo que pudo haberse convertido en un infumable cúmulo de tópicos acabe siendo un cuento de horror gótico que se disfruta con suma facilidad.

A ello contribuye también una historia que sabe mantener la atención del espectador desde un primer instante y que atesora un componente importante de truculencia (los niños de la aldea son el objetivo principal de la mujer de negro) del que Watkins no huye en ningún momento. Todo lo contrario: Watkins vuelve a demostrar que cuando el terror se vuelve físico, tangible, doloroso (aunque en La Mujer de Negro esto ocurra en momento muy puntuales); su pulso es firme y logra secuencias capaces de estremecernos y obligarnos a contener el aliento.

En definitiva La Mujer de Negro es una propuesta que corría un enorme riesgo de perderse en un mar de trivialidades pero que gracias a la labor de su director logra salir a flote y ofrecernos una típica - eso sí – película de fantasmas y casas encantadas que cumple a la perfección con el objetivo de entretener y asustar al espectador. Quizás quede lejos de la ferocidad y el impacto provocado por Eden Lake, su debut; pero en ningún caso La Mujer de Negro supone un paso atrás en la carrera de un director al que, sin duda alguna, deberemos seguir muy de cerca.

En cuanto a Daniel Radcliffe lo cierto es que tengo muy poco que decir… lo cual, teniendo en cuenta mi reticencia inicial a verlo en pantalla grande, supongo que es un punto a su favor. Se trata de un actor joven que no lo tendrá nada fácil para deshacerse de uno de esos personajes que te marcan de por vida. La Mujer de Negro supone su primer intento, y creo que no lo ha desaprovechado.

¿Y qué ocurrió finalmente con esa pléyade de adolescentes de voz aguda y risa tonta que tomaron posiciones justo en la fila de enfrente? Pues gracias a Dios no se hicieron insoportables. Al margen de algún grito exagerado seguido de alguna risilla histérica, lo cierto es que se quedaron enganchadas a La Mujer de Negro prácticamente desde un principio (lo cual, a priori, no parecía tarea fácil).

1.-El Cine asiático llega al rescate:

Un acto de justicia permite cerrar un capítulo; un acto de venganza escribe un capítulo nuevo. Marilyn vos Savant

De un tiempo a esta parte, no sé, digamos casi 20 años, ha habido una máxima presente para todos los aficionados al terror/thriller: cuando la película llega del extremo oriente hay que prestar atención (estoy generalizando una miaja). Por supuesto que hay decepciones, pero desde luego en un porcentaje muchísimo más bajo que el procedente de cualquier otro país (tal vez Francia y UK sean, hasta ahora, una cierta excepción a la regla). Y es que desde que un señor con pinta de buenazo llamado HIDEO NAKATA nos presentó Ringu (The Ring) nada volvió a ser lo mismo…por lo menos a mí; recuerdo pocas películas que me impactaran tanto y, que tras varios visionados, me siguieran causando los mismos escalofríos. Con Dark Water me pasó tres cuartos de lo mismo, y luego fueron llegando: The Eye (la puta escena del tintero me provocó 7 canas al instante), la surrealista y perversa Uzumaki, Pulse y Cure de Kiyoshi Kurosawa, la no tan conocida Inner Senses, la brutal SUICIDE CLUB, apareció el enfermizo Takashi Miike para darnos en todos los morros con Ichi the Killer y Audition….en fin, unos años maravillosos en los que cine asiático equivalía a calidad + originalidad + boca abierta + unmiedoquetecagas.

Creo que lo que pudo provocar su inmediato éxito, aparte de la saturación de sextas partes de películas ya muertas (Halloween, Pesadilla…) y la invasión de teen-terror (Scream y demás), fue la novedad, la cuidadísima/novedosa estética, la crueldad que transmitían las historias (pero no olvidemos que ya llevaban años demostrando sus extremismos con las sagas de Guinea Pig), el enfoque diferente de las historias de venganza de ultratumba, las exquisitas BSO (Kenji Kawai el maestro) y sobre todo la sensación de que no todo estaba contado en el cine de terror, ni mucho menos.

Podía decirse que, hasta hoy, han sabido seguir manteniendo el listón muy alto para el resto de paises productores de Terror(Slice, A Tale of Two Sisters, Bedevilled …..); incluso han conseguido crear una nueva legión de fans con su “última” aportación al género: el bizarrismo extremo y, a veces, sonrojante de títulos como Machine Girl , Vampire Girl vs. Frankenstein Girl y demás salvajadas que se han convertido en legión (verdad Bob??). Y podría seguir hablando durante líneas y líneas sobre lo que ha aportado el cine oriental a nuestras vidas, amén de que seguro que me he dejado algún título imprescindible, pero lo importante es que CONFESSIONS es… diferente, va más allá de lo que yo he visto hasta ahora. Es única.

2.-Realismo Cruel (y Mágico) como la vida misma

Llevo unos días dudando en como afrontar la reseña de esta genialidad, no sé si omitir lo máximo posible para que la gente que no la ha visto experimente los mismos escalofrios de placer que yo, o tirarme al barro y desmenuzarla en partículas sub-atómicas. Tal vez lo suyo sería un termino medio, pero va a ser difícil contenerse. Para empezar vamos a situarnos en un colegio japonés, con su profesora y sus niños alborotados por las hormonas, los móviles y la falta de respeto que parece ser endémica en todos los paises. La profesora está contando algo importante, pero ellos ni puto caso. Les cuenta que ese es su último día. Y ellos se alegran mogollón. Entonces, les explica porqué, y les deja con la boca abierta, aturdidos. Sabe, la profesora (espectacular Takako Matsu), que el accidente en el que perdió la vida su hija de 4 años no fue un desafortunado accidente. Sabe que dos de sus alumnos, llamemósles A y B, la asesinaron por diversión, con premeditación y alevosía; y ya que las leyes criminales japonesas no permiten juzgar a nadie menos de 14 años, va a ser ella la que se tome la justicia por su mano. Y no lo va a hacer de cualquier manera, lo va a hacer al estilo nipón: cruel, refinada y lentamente.

Lo que más me sorprendió del comienzo de la película, sobre todo viéndolo en retrospectiva, es que no deja de ser una introducción de casi media hora; algo que muy pocos directores tendrían el valor de hacer y, sobre todo, la maestría de convertirlo en una obra de arte en sí misma. Podría ser un mediometraje perfecto, quedarse ahí y mereceria la pena haberlo visto, por no decir que sólo esa media hora vale más que casi todo lo que llevamos de año. Pero no, solo hace que mejorar. La narrativa se disgrega y nos van ofreciendo los puntos de vista de los dos asesinos y de una “inocente” compañera de clase que van añadiendo matices sutiles y demoledores a la historia.

¿Qué lleva a unos crios a matar deliberadamente a una niña de 4 años?, ¿cómo es posible? y, además, habiéndolo planeado como una venganza hacia alguien que su único pecado había sido hacer su trabajo lo mejor que podía…Aquí es donde el director nos introduce sutilemente la pavorosa alienación que sufre el individuo en la sociedad japonesa, ya desde su más temprana infancia, cuando les enseñan a base de repeticiones constantes (esto es verdad) sin saber lo que les están aprendiendo, y que su única misión en la vida es servir al progreso de la sociedad. Y este es una de las virtudes de la película, que no se posiciona, no intenta justificar ni los porqués ni los cómos. Nos cuenta las tristes vidas de dos chavales aislados de sus respectivas familias (abandono de la madre, ausencia del padre) que ven encauzadas sus vidas a un desenlace trágico y, por otra parte, más que previsible. Lo que no es tan previsible es como la profesora tenía calculado todo hasta el más mínimo detalle, sin prisa pero sin pausa; como, una vez perdido todo lo que amaba en esta vida, utiliza todos sus medios (y personas) para hacer que los condenados niños paguen por lo que han hecho.

Hasta aquí voy a hablar de la trama, espero haber despertado la suficiente curiosidad.

3.-El perfecto equilibrio:

Probablemente esa sea una de las tareas más difíciles a las que se tiene que enfrentar un director a la hora de realizar un proyecto tan ambicioso como este, para que no le vaya de las manos y se convierta en un mero ejercicio de estética pretenciosa. Ya que la estética es una pieza clave en esta película: la fotografía de videoclip, las (numerosas) escenas a cámara lenta, los flashbacks, los planos alucinógenos…todo ello, junto con una banda sonora (BORIS, y un recurrente tema de RADIOHEAD) con tintes opiáceos y etéreos, aunque con espinas que duelen, consiguen que el continente se equilibre con el contenido y las dos horas de película pasen como un sueño turbulento y siniestro que se te queda pegado al alma y pide a gritos una segunda y tercera revisión.

El director, Tetsuya Nakashima, más conocido por Kamikaze Girls y Memories of Matsuko ha conseguido con esta película algo no muy habitual: que aficionados al cine de todo el mundo se pongan de acuerdo al calificar de “maravillosa” esta película (ya tiene terminado otro proyecto: Flarella) y, algo que yo no sabía, estar a punto de conseguir entrar en la carrera hacia los Oscar, pero, incomprensiblemente (o no) no pasó el corte. Además de aunar una serie de actores en estado de gracia, ya que no solo la protagonista lo borda, los tres adolescentes transmiten el dolor y la rabia necesarios como para que debamos seguirles la pista en un futuro.

Lo único que me queda por decir es que yo ya tengo mi película del 2011, sin duda alguna, y que va a ser MUY difícil que alguna otra se le acerque. ¿Exagerado?, juzgad vosotros mismos.

Una pareja de turistas ingleses disfruta de sus vacaciones en un pueblo español. Deciden alquilar una barca para alejarse del ruido de las fiestas y descansar en una apartada isla con pocos habitantes Allí, no encuentran a ninguna persona adulta, y las tiendas y bares están sin atención. El extraño comportamiento de los niños de la zona anuncia, poco a poco, la inesperada realidad que respiran sus calles; los niños, de algún modo, se han convertido en crueles homicidas.

Hablar de cine de terror en España, al menos de cine actual, es casi una utopia. Cierto es que, esporádicamente, aparecen cosas interesante, y también aparecen otras tantas que pasan con más pena que gloria. De todos modos, aún contando la morralla, salen al año muy pocas producciones que podamos adjuntar al género. Una sequía que fue incluso más habitual durante los noventa. Años atrás, en los setenta y parte de los ochenta, sí hubo cierta industria de este tipo de cine de producción nacional. Uno de los cineastas imprescindibles, por no decir uno de los pocos destacables, fue Narciso (también conocido como Chicho) Ibáñez Serrador. Este señor, que posteriormente se decantó por televisión rancia variada, estuvo detrás de la mítica serie Historias para no dormir (1964-1982), así como de dos de las películas más exitosas del cine patrio; La residencia (1969) y la que nos ocupa, ¿Quién puede matar a un niño?, adaptación de la novela El juego de los niños, escrita por Juan José Plans.

Nunca he sido defensor de La residencia. Me provocaba antes, y me sigue provocando, la sensación que obtengo al ver películas (eso si, inferiores) como El orfanato (2007); historias de intriga más que de terror, muy bien empaquetadas, clásicas, pero que no me terminan de llenar. Me dejan una molesta sensación de vacío. Eso no ocurrió, ni ocurre, con ¿Quién puede matar a un niño? Es más, la primera vez que me puse delante del televisor para verla tuve las mismas sensaciones que había experimentado recientemente con obras maestras como El Exorcista (The Exorcist, 1973) o Alien: El octavo pasajero (Alien, 1979) y su secuela, Aliens: El regreso (Aliens, 1986). Por aquel entonces, siendo aún adolescente, descubrí la que hoy en día sigue pareciéndome la mejor película de terror española de la historia.

¿Quién puede matar a un niño?, podría definirse como una versión hard de los mejores episodios de Historias para no dormir; por ejemplo, el de El televisor (1974), aquel en el que un espléndido Narciso Ibáñez Menta, padre del propio Chicho y protagonista de muchos de los episodios, interpretaba a un hombre obsesionado con la, por aquel entonces, nueva moda de la televisión. Esas historias tétricas, adictivas y con moraleja social, son también el epicentro tanto de La residencia como, sobretodo, de ¿Quién puede matar a un niño? Ya, durante el largo y malsano prólogo, en el que acontecen imágenes reales de guerras y catástrofes mundiales en la que los niños son los sufridos protagonistas, nos avisan de la intención del relato. Lo que el espectador virgen no espera es el devenir del mismo.

La pareja de ingleses, bien interpretada por los televisivos Lewis Fiander y Prunella Ransome, es el contrapunto perfecto dentro de una tierra que no es la propia, a la hora de enfrentarse a una amenaza totalmente inesperada. La creciente soledad de la sociedad moderna – algo de lo que Chicho también habló en su serie, sobretodo en aquel genial episodio titulado El asfalto (1966) – queda impuesta aquí en el contraste entre el mundanal ruido de las fiestas del pueblo playero y el posterior viaje a la isla en la que los niños silenciosos han tomado el control. No hay adultos con los que hablar, debatir lo que sucede, y un simple capricho como comprar un helado se vuelve un imposible. Gran parte de la película se desarrolla en el pueblo isleño, aumentando la tensión por lo que allí sucede. Solo hay que recordar lo que rezaba la publicidad de Alien; “En el espacio nadie puede oír tus gritos”; algo parecido a lo que sucede en tal lugar, con la mayor impotencia de no estar en el espacio exterior, sino rodeado de gente que, de pronto, ha desaparecido del mapa o se ha quedado varios kilómetros atrás en la costa disfrutando del sol.

El que esta película siga funcionando hoy en día, sin perder contundencia y desafío para el espectador, es debido al inteligente y desprejuiciado empleo de la violencia realista por parte del director; no se corta en mostrar temas tabúes (más en aquella época) como disparos a bocajarro con los niños como destino de la bala, o a los propios niños usando esas y otras armas intentando asesinar a los protagonistas. Por no citar la imborrable escena de la piñata o el tenso clímax final en el que Chicho se guarda alguna que otra referencia a La noche de los muertos vivientes (Night of the Living Dead, 1968). Nada es gratuito ni morboso, sino que sirve para enlazar con el mensaje del citado prólogo. A modo de cuento macabro, los niños, víctimas potenciales de los males del mundo adulto, han decidido llevar hasta el final su venganza. Aquí podemos encontrar, aunque con contexto y motivos diferentes, referencias obvias a El pueblo de los malditos (Village of the Dammed, 1960).

Aclarar que existen dos versiones de la película; una de ellas, la buena, mantiene la versión original subtitulada, con la pareja de ingleses actuando en su propio idioma, mientras que en la otra, algo cutre, el doblaje deja sin coherencia parte del relato en el cual los protagonistas deben charlar con habitantes del pueblo español. O, sin ir más lejos, resta coherencia a las conversaciones entre ellos mismos y sus gestos (los de la mujer, pues él se supone que entiende algo de castellano) quedan fuera de contexto. Tampoco es muy esperanzador que, a fecha de hoy, un clásico del cine español no tenga una edición, ni siquiera en DVD, que valga la pena. La última, que supongo estará descatalogada, data de hace bastantes años y su calidad de formato, imagen y sonido dejaba mucho que desear. Esperemos que a alguien le aparezca el dibujo de la bombilla y la repesquen en una buena edición para el disfrute y/o descubrimiento por parte de muchos aficionados.