En 2005 cargué la mochila a la espalda y, junto a un par de imprudentes universitarios norteamericanos y un joven director llamado Eli Roth – quien se había ganado una nueva oportunidad gracias a su impactante debut en Cavin Fever – , puse rumbo a la vieja Europa del Este. La experiencia resultó peligrosa, dolorosa… y satisfactoria. Dulces ninfas del este actuando como cebo para universitarios salidos, y una oscura organización dándole su merecido a mis incautos compañeros de viaje.

Así es, Hostel fue una agradable sorpresa. Sobre todo porque hacía muchísimo tiempo que un servidor no abonaba la entrada de una sala de cine para asistir al repertorio de salvajadas con el que Hostel nos obsequiaba en su tramo final. Eli Roth hizo un buen trabajo. Pero por alguna extraña razón que no alcanzo a comprender, nunca sentí la necesidad de volver a cargar la mochila a la espalda y acompañar al realizador norteamericano en una segunda aventura repleta de turistas insensatos, europeos tarados e imaginativas torturas. No he visto Hostel 2. Pese a que, repito, me gustó el primer Hostel, jamás sentí la motivación suficiente como para darle una oportunidad a su secuela, estrenada también en salas de cine. Si tuviera que dar una explicación a dicho desinterés por Hostel 2 quizás apuntaría a la retahíla de desvergonzados clones que surgieron a la sombra de Hostel y que arrastraron por el lodo de la mediocridad a la ya de por sí absurda etiqueta del torture porn (Train, Penance…).

Pero entonces… ¿qué demonios me ha empujado a ver Hostel 3?. Eli Roth ya no ejerce de director, y la producción se ha visto relegada al mercado doméstico. Ni una cosa ni la otra eran buenos presagios. No sé… quizás Las Vegas, quizás el buen recuerdo que conservo de la entrega original, o quizás el hecho de que durante los últimos suspiros del 2011 la oferta de cine de género que nos fue llegando, con cuentagotas, no resultó excesivamente atractiva.

Cuatro amigos celebran la despedida de soltero de uno de ellos alojándose en un lujoso hotel de Las Vegas. En su camino se cruzan un par de atractivas muchachas que les convencen – sin demasiado esfuerzo – para asistir a una fiesta clandestina. Todo parece ir bien hasta que al día siguiente caen en la cuenta de que uno de ellos ha desaparecido sin dejar rastro.

No ha funcionado. Scott Spiegel, director de Hostel 3, lo ha intentado todo. Cambio de escenario, un guión que gana en complejidad y se empeña en sorprender constantemente al espectador, mantener - o al menos intentarlo – el nivel de violencia… Todos los esfuerzos han sido en vano.

La nueva ubicación le sienta como una patada en el estómago a Hostel 3. Uno de los grandes “logros” del Hostel de Eli Roth fue el de convencernos a todos de que Eslovaquia no era una opción a tener en cuenta a la hora de escoger destino para nuestras próximas vacaciones. Hostel dibujó una Europa del Este peligrosa, retrasada, lúgubre y plagada de putas, maleantes y sádicos asesinos. Un lugar supeditado a las ansias de sangre y tortura de cuatro zumbados que hicieron fortuna tras la caída del régimen comunista. Y desde luego, por más pueril y sesgada que fuera su visión de Eslovaquia (… y seguro que lo era), Eli Roth supo ser convincente (hasta el punto de que altas instancias del gobierno eslovaco manifestaron su malestar tras el estreno de la película).

En el trayecto que va desde Eslovaquia hasta Las Vegas, Hostel 3 se ha dejado por el camino toda esa atmósfera viciada y enfermiza que supo transmitir de manera tremendamente eficaz el tercio final de Hostel. En Hostel 3 nos ubicamos, impotentes, en una ciudad del juego infensiva, inócua; muy lejana al desasosiego y el malestar que sí supo transmitir el primer Hostel.

A esa sensación de inocuidad contribuye, de manera decisiva, la violencia low cost de la que hace gala Hostel 3 durante todo su metraje. Porque si preocupante resulta el error en el cambio de escenario, mucho más grave se me antoja la falta de agresividad y la flojera de piernas mostrada por cada una de las secuencias de violencia y tortura de Hostel 3. No nos enañemos, la gran seña de identidad que propició el éxito del primer Hostel fue, sin duda alguna, la explicitud y la contundencia de la violencia mostrada en pantalla. Una secuela que flojee precisamente en estos términos de violencia y centre todos sus esfuerzos en ofrecernos un guión que confunde complejidad y elaboración con el hecho de escupir toda una serie de giros, más o menos inesperados, y que escasamente logran mantener nuestra atención; no puede ser considerada de otra forma que no sea una secuela fallida. Sólo recomendada para curiosos y entusiastas de la saga.

Lo mejor: La chica de la ballesta.

Lo peor: El único que transmite mal rollo es el taxista.

662 millones de dólares. Esa es la cantidad recaudada en todo el mundo por las cinco partes de las que, por el momento, consta la franquicia. La suma de sus presupuestos es de 160 millones. Hagan cuentas. Destino final es, junto a las sagas de Saw y Paranormal Activity, una de las series de películas del terror actual más exitosas y rentables. Además, y a excepción de la más bien funesta cuarta entrega, es también la más entretenida y original dentro de su fórmula. Esta quinta entrega, que al igual que la cuarta se estrenó en cines en 3D, una vez más nos cuenta como la muerte, invisible pero al acecho, monta su particular fiesta sangrienta. Las víctimas, un grupo de jovenzuelos que la desafían escapando de sus garras durante un accidente.

Intentando refrescar la fórmula

A estas alturas, todo aficionado al cine de terror sabe de sobra lo que sucede con el éxito en el subgénero slasher. Ha sucedido desde que este comenzó propiamente dicho; películas como La noche de Halloween (1978) o Viernes 13 (1980) han contado, y siguen contando, con innumerables secuelas, precuelas, reboots y remakes. Ahí están Pesadilla en Elm Street, Campamento sangriento, Hellraiser, Phantasma, Scream o la citada Saw. En la mayoría de ellas, sino todas, se utiliza una fórmula (casi) inquebrantable que consiste en ofrecer lo mismo multiplicado por dos en cada entrega. Lo que no quiere decir que sean mejores que su predecesora. Así, una trama generalmente simple y que da justita para un guión de noventa páginas, termina alargándose como si de una temporada televisiva se tratase. Tres, cuatro, seis, ocho y hasta más de diez entregas; la saga dura lo que el cuerpo del fan aguante. Al ser producciones de presupuesto bajo o ajustado, en algunos casos aunque pierdan gas en cines sí pueden seguir sirviendo en formato doméstico.

Destino final supuso hace doce años un agradecido refresco dentro de la horripilante moda del slasher teen que resurgió con el éxito de Scream. Se convirtió en un sleeper a todos los niveles. El asesino de turno adoptaba forma sobrenatural, al igual que sucedía, por ejemplo, con Freddy Krueger, pero con una importante diferencía; ahora se trataba de la mismísima muerte que no mostraba ninguna forma ni rostro, sino que, como si tratase de un todo, actuaba a su antojo modificando situaciones corrientes para que pasasen a ser trampas mortales. Lo inesperado de los ataques, la ingeniosa truculencia de los mismos y la mezcla del terror típico del slasher moderno unido a cierto sentimiento Twilight Zone, jugaba a favor de lo que ya es una pequeña joyita de este todavía corto siglo XXI. Las secuelas siguieron la fórmula a pies juntillas; prólogo catastrofista espectacular; se descubre que era la visión de uno de los protagonistas; él y varios más salen del lugar; la muerte acude en su búsqueda uno por uno. Como ya dije, salvo la cuarta, la calidad fue bastante homogénea, salvando, obviamente, la eliminación del factor sorpresa.

Para esta nueva entrega la fórmula ha conocido una pequeña e interesante novedad; todo aquel perseguido por la muerte puede librarse de ella siempre y cuando se cargue a otra persona. De este modo, la muerte le dejaría en paz durante el periodo de vida que le quedase a la persona sacrificada. Idea realmente interesante que, lástima, no se llega a desarrollar en profundidad, pues al final, lo que prima e interesa realmente a sus responsables es salpicar la pantalla con mucha sangre de las formas más macabras posibles. En este sentido, al menos os puedo asegurar que Destino final 5 cumple de sobra (dentro de los límites de un producto mainstream, claro). Es más, algunas de sus muertes están entre lo mejor de la saga, y la famosa y siempre esperada escena de introducción resulta impactante. No desvelaré nada pero, los últimos quince minutos (incluyendo los créditos) deparan varias sorpresas que redondean un conjunto que devuelve el brío a la marca.

Muertes notables

Obviamente, aquí hay SPOILERS.

A estas alturas, y en una página como Almas Oscuras, no nos vamos a poner a explicar los motivos por los que al ser humano, al menos a muchos (entre los que me incluyo, claro) nos gusta, disfrutamos, nos divertimos incluso, viendo la muerte y la destrucción en una sala de cine. Sagas como Destino final proponen la violencia como un porno audiovisual hilarante y objeto de evasión. Y cuanto más retorcido, en este caso dentro de los limites R-teen permitidos, pues mejor. De ahí que en Destino final 5 nos regalen algunos momentos realmente efectivos en estos menesteres: una gimnasta que pierde el equilibrio y acaba con los píes más cerca de la boca que la nariz; una especie de “tonto de la clase” que, por su tontería, acaba en un club de masajes de ojos rasgados al más puro estilo Audition; la tía buena concienciada con su cuerpo que, en una operación de ojos, terminará con ellos dando brincos; o ese final ya citado, que, tranquilos, no revelaré ni avisando de SPOILERS, porque resulta inesperado/sorprendente, épico y digno de ser visionado virgen. Los efectos 3D, para quien guste de ellos, hacen el resto.

Lo mejor: Posiblemente la mejor y más completa (dentro de sus límites) entrega de la saga, con permiso de la primera: escena de introducción impactante y muy bien resuelta, buen gore, guión algo más sólido de lo esperado y un final inesperado y épico.

Lo peor: Una lástima que la intención de refrescar la saga mediante un nueva subtrama, la de “matar para vivir”, no se desarrolle de forma más profunda, pues podría haber quedado un thriller de lo más interesante.

El primer Wrong Turn, conocido en España como Km. 666, era una especie de hijo bastardo de Las colinas tienen ojos del gran Wes Craven. A pesar de estar muy lejos de su padre putativo y de que tres años más tarde, en 2006, el francés Alexandre Aja firmaría su particular obra maestra con el remake de “Las Colinas”; lo cierto es que Wrong Turn no dejaba de tener su gracia.

El segundo Wrong Turn, que en España se tituló Camino Sangriento, era una gamberrada de bajísimo presupuesto que destacaba por unas altas dosis de gore, unas chicas poco dadas a conservar la ropa, y un guión tan estúpido como divertido. Era algo así como la versión trash y desvergonzada de la primera entrega (mi favorita sin ningún lugar a dudas).

El tercer Wrong Turn (Wrong Turn 3: Left for Dead) era una pérdida de tiempo. Daba la impresión de que su director, Declan O’Brien, cavó un profundo agujero en el que enterrar la saga para siempre. Craso error. Hay un cuarto Wrong Turn… y de nuevo escoje el camino equivocado.

Una pandilla de universitarios sube a sus motos de nieve y se dirige a una cabaña con la intención de pasar el fin de semana holganazeando, drogándose y follando los unos con los otros.
Por desgracia (para ellos) se pierden en mitad de una tormenta. Encuentran refugio en un viejo hospital psiquiátrico ¿abandonado? en el que se aposentan, se ponen cómodos, y se disponen a pasar la noche holgazaneando, drogándose y follando (que la vida es corta…). Pero nuestro querido clan de mutantes tarados tienen reservados otros planes para los intrusos.

Wrong Turn 4: Bloody Beginnings tiene 5 solitarios minutos de gloria. Y la suerte es que no tendréis que esperar mucho, ya que se trata de los 5 minutos iniciales. Un trio de mutantes adolescentes (se supone que esto es un viaje a los inicios de la saga) logran escapar de su celda y siembran el caos en el hospital psiquiátrico en el que se encuentran recluidos. Desmembramientos, caos, violencia, gore chusco… en definitiva, sana diversión para unos prometedores 5 minutos iniciales que recuperan el tono brusco y desvergonzado de la segunda entrega de la saga. A partir de aquí lo habitual: un escenario lúgubre, un grupito de víctimas estúpidas que se merecen todo lo malo que les llegue a ocurrir (tan solo salvaría a esa parejita de lesbianas ninfómanas…), teléfonos móviles sin cobertura, la radio que no funciona, y una caterba de mutantes caníbales dispuestos a merendarse a todo hijo de vecino que se cruce por su camino sin distinción de género, raza o sexo.

Así que todo está listo… sí, es lo mismo de siempre, pero que más da. ¡Que empiece el espectáculo!
Nahhh… lo siento mucho gente, el espectáculo acabó a los 5 minutos de comenzar la película. Wrong Turn 4: Bloody Beginnings es una antología de muertes cutres, diálogos de vergüenza ajena, situaciones mil veces vistas… Una oda al aburrimiento. Una constante invitación al bostezo.

Lejos de la pulcritud del primer Wrong Turn. Todavía más lejana al espíritu macarra de la segunda entrega y, por desgracia, emparentada muy directamente con el pequeño desastre que supuso la tercera. Quizás sea el momento - ahora sí – de olvidar la saga para siempre.

Lo mejor: Los primeros 5 .

Lo peor: El resto.

No es la máscara lo que asusta, es el rostro detrás de la máscara.

Chromeskull es el enésimo asesino enmascarado que ha rondado en los últimos años por las pantallas de nuestras teles. Sus andanzas, en “Laid To Rest”, del mismo director que ésta, su secuela, Robert Hall, constituyeron un ejemplo de algo que podría llamarse el Slasher Minimalista: poca historia, pocas motivaciones, sin apenas un asidero narrativo más allá de un asesino con una máscara cojonuda capaz de aparecer en cualquier lado y montar una orgía de cuerpos desmembrados en un abrir y cerrar de ojos. “Laid To Rest” apenas sí tenía una localización geográfica, lo que acentuaba su sensación de pesadilla, con un acertado retrato de los lugares en los que tenían lugar los crímenes: descontextualizados, aparentemente estancias vacías alejadas de cualquier lugar civilizado, pero siempre con un componente claro: la frialdad, la deshumanización, el metal grisáceo y cromado.

“Laid To Rest 2” sigue con esta estela. Comienza exactamente donde acababa la primera, en el lugar de los últimos crímenes, y tomando el punto de vista de Preston (Brian Austin Green, sí, el David de “Sensación de Vivir”), mano derecha del asesino cuyo rostro descubríamos al final de la uno. Eso sí, ahora, como en toda buena secuela de manual, el equipo ha aumentado: a sus filas se unen Spann (la scream queen Danielle Harris) y, a modo de guiño macabro, pues moría asesinado en la anterior, Jonathon Schaech, en el papel de Sells. Y, por supuesto, retoma al sufrido Tommy (Thomas Dekker, “Pesadilla en Elm Street 2010”), que se hace cargo de la chica desmemoriada de la anterior. Eso sí, introduce una nueva víctima, Jess (Mimi Michaels) y da alguna información más sobre quién es Chromeskull y por qué tiene un séquito a su servicio.

La primera hora de película es apasionante. Al igual que su predecesora, tiene una energía terrorífica arrolladora. Va directa al grano, sin entretenerse en momentos muertos, algo que parecen haber aprendido los mejores slashers de esta primera década del siglo XXI (con “The Orphan Killer” a la cabeza). Me refiero a que este tipo de slasher, en el que lo mejor es que la excusa narrativa sea mínima para centrarse desde el primer momento en lo que interesa, ha existido desde los ochenta; la diferencia es que, en los de hace treinta años (treinta años, señores, viendo a asesinos de rostro cubierto matando a adolescentes!!!!) parecía que el miedo a romper la fórmula les obligaba a dedicar cuarenta minutos de metraje a retratar unos personajes (generalmente mal escritos) mientras que, ahora, asistimos impávidos a una sabiduría narrativa muy superior: en dos escenas, están descritos los rasgos principales de un chico o una chica que, por otro lado, lo que quieres es ver en acción, no descubrir su pasado y sus inquietudes, a no ser que jueguen un papel importante. Vale, es cierto, todo esto tiene una parte muy negativa: la práctica inexistencia de una historia reduce considerablemente el alcance que pueda tener la peli fuera de las fronteras del género y sus más fieles seguidores. Pero, oigan, con la comedia romántica sucede lo mismo y se estrenan todos los años en mil cines de medio mundo. Así que, complejos fuera.

Como decía, Robert Hall sabe lo que se hace. Busca una víctima nueva, Jess, que vive en una casa aislada en una montaña; Tommy vive en un bajo de una calle aparentemente suburbial: de nuevo, todo está tan descontextualizado, y con una narrativa extrañamente fragmentada, sin solución de continuidad espacial que, lo que en otras películas serían problemas de casualidades, o incoherencias temporales, aquí se vuelven pesadillescos rasgos de una obra donde el único fin es el que es: la sensación de inseguridad y asedio constante. El vídeo digital, que tanto perjudica al look de otras películas de presupuesto limitado, aquí está jugado siempre a favor: iluminaciones saturadas, noches, hiperabundancia de primeros planos y planos detalles… las claves del terror más clásico resultan ser la manera más elegante y razonable para grabar una película de serie B. Porque el grueso del presupuesto se lo han llevado, sin ningún género de dudas, los efectos de maquillaje. Puede que las escenas de crímenes no sean muy espeluznantes –de hecho, van bastante a saco, probablemente a sabiendas de que tienen clima general durante todo el metraje, y no lo necesitan para los momentos puntuales-, pero sí son impactantes y gráficas, y con un nivel más que aceptable de hemoglobina y carne. Y algunas de las armas del asesino son flipantes.

En el tramo final, la cosa pierde un poco de intensidad, volviéndose algo más convencional. El número potencial de víctimas aumenta, convirtiendo los últimos veinte minutos más en un tiro al pato que en un ejercicio de tensión. Surge una rivalidad entre dos personajes que tampoco sirve para mucho más que todo lo anterior; o sea, se trata de ofrecer una víctima más. Y despacha a un personaje principal de un modo un tanto pobre. Esto último es coherente con el afán desmitificador de la película, pero no acaba de encajar bien. Además, se producen un exceso de explicaciones sobre la situación que rodea a la figura del asesino que empobrece unos apuntes que, hasta ese momento, eran bastante inquietantes. Y, sobre todo, Robert Hall comete pecado capital, el mismo que cometieron en su momento sagas como “Viernes 13” o “Pesadilla en Elm Street”: intenta convertir a su asesino en estrella, sacándolo a la luz pública. Sinceramente, y esto es una apreciación personal, prefieron que lo oscuro se mantenga en las sombras.

Aún así, Robert Hall y su legado terrorífico consiguen los suficientes méritos como para ser tenidos en cuenta. Como se dice en la película, “no es la máscara lo que asusta, es el rostro detrás de la máscara”. Y Robert Hall lo enseña. ¿Osadía o chulería? Rara vez la cara de un psicópata está a la altura de sus actos, y “Laid To Rest 2” no es una excepción. Por el contrario, en los mejores momentos de la película, nos trasladamos a una especie de lugar de pesadilla, a pesar de estar localizado en Miami, en el que se puede disfrutar, y mucho (en este sentido, pocas pelis consiguen un nivel de abstracción tan bizarro como su predecesora o la clásica “Phantasma”, de Don Coscarelli, donde la lógica es, una vez más, la de la pesadilla, no la de la historia narrativa). Por tanto, sí, claro que recomiendo esta película. Es entretenida, tiene buen clima y no hay que desconectar el cerebro para verla.

Lo mejor: Gran parte del trayecto es divertidísimo e inquietante.

Lo peor: El exceso de explicaciones sobre la organización y sus fines... sin que eso signifique que se explica algo.

“Los Chicos del Maiz” (Fritz Kiersch, 1984) era una peli pequeñita, sin demasiada ambición y, tampoco, desde mi punto de vista, demasiada calidad. Eso sí, suplía con creces sus carencias con un argumento potente –basada, es sabido por todos, en un relato de Stephen King- y un prólogo de una intensidad que luego nunca recuperaba la cinta, donde se presentaba a un villano de la talla de Isaac. La peli se instaló en el imaginario colectivo y, hasta hoy, las nuevas generaciones la conocen, más por lo que se dice de ella que por sí misma.

“Los Chicos del Maiz” es, probablemente, la saga más maltratada junto con “Viernes 13”. Vale, no han llegado al extremo de llevarse a los niños malditos en una nave espacial al espacio, pero sí ha padecido el resto de atrocidades –como llevárselos a la ciudad o intentar cambiar de asesino. Ahora, pasa por una suerte de precuela o nuevo origen. Y, viendo el resultado, quizás hubiera valido la pena plantearse hacer un remake… y ya es triste hacer esta afirmación.

Tim (Tim Rock) y Allie (Kelen Coleman) son una pareja que, en pleno viaje, sufren una avería en su coche y se quedan tirados en la carretera. Como, además, ella está embarazada, no es una buena idea quedarse en mitad del asfalto, así que se acercan a una granja en busca de ayuda, lugar en el que viven El Predicador (Billy Drago) y su esposa Helen (Barbara Nedeljakova). No tendrán posibilidad de irse de allí hasta el día siguiente, así que aceptan la invitación que, de mala gana, les hacen sus anfitriones de pasar la noche. La pareja ya de por sí da mala espina: él es un predicador un tanto rígido –les pide que no hagan ruido por la noche, que no merodeen por afuera y tal- y su esposa, más joven y mucho más sexy que él, es descrita en la película por la pareja protagonista como la típica mujer del este que ha convencido a un americano para que se case con ella y se vayan a vivir juntos. Esa noche, Allí, que tiene que usar un cuarto de baño exterior, escucha un llanto lejano… y descubre que hay un niño encerrado en el granero de la casa. Poco después, comienzan a suceder unos extraños fenómenos, puertas que se cierran solas, golpes…, y a partir de este momento, el hilo argumental de la peli es: ¿quién es responsable de lo que está pasando: el predicador, su mujer, o el extraño niño encerrado en el granero?

¡¡¡POR DIOS!!! ¡¡¡QUE ESTAMOS VIENDO UNA PELÍCULA LLAMADA “LOS CHICOS DEL MAIZ” Y ES LA NOVENA DE LA SAGA!!! ¿Hay alguna duda sobre quién es el culpable de los fenómenos de la casa? Es como si hicieran un nuevo “Viernes 13” y pretendieran mantenernos intrigado con la identidad de quién se esconde tras la máscara de hockey.

Pero, seamos justos: este es sólo el mayor despropósito de una película plagada de ellos. Prácticamente todo en ella es un caos forzado y artificioso: ¿por qué la pareja protagonista se queda en casa del predicador, si ni ellos ni el predicador quiere? ¿por qué el niño diabólico espera tanto para cumplir sus objetivos? ¿por qué la mujer del predicador no habla abiertamente de lo que sucede? ¿el niño es tan poderoso y, sin embargo, son capaces de mantenerlo controlado dentro de un granero? Además, realmente, si no fuera por el prólogo de la peli y por un sueño metido con calzador a un personaje, no sabríamos decir si esto es “Los Chicos del Maiz” o cualquier otro título que se desarrolle en una granja aislada en mitad de ningún sitio.

Sólo hay dos cosas buenas en “Children of the Corn Genesis”: una que, cuando comienzan los fenómenos paranormales, los responsables de la peli tienen un poco de autoconsciencia y hacen que Allie le diga a Tim: “a lo mejor, tuvimos un accidente en la carretera y estamos muertos”. Y dos: la escena del camión que, además, me juego el cuello a que ha sido con la que han vendido este proyecto. Tras él, por cierto, se encuentra todo un veterano del terror de serie B, Joel Soisson. Si bien como director no tiene demasiados títulos, su trayectoria como productor ejecutivo es larga e incluye una pequeña joya como “Los Chicos de Al Lado” (1985, Penelope Spheeris), aparte de estar también detrás de “Dracula 2000” y su secuela, películas que no me apasionan pero que se adelantaron a la tendencia actual de vampiros guapos y sexo que ha llevado a su paroxismo la serie “True Blood”. ¿A qué viene este recorrido por la filmografía de un señor que ha hecho una peli tan mala? Pues, una vez más, a una lamentación: ¿por qué alguien tan relacionado con el terror, género con el que a priori se diría que disfruta, se pone tras las cámaras y hace un producto pálido y desganado? Un despropósito más de esta película, supongo.

Lo mejor: La escena del camión.

Lo peor: La sensación de que, otra vez, te han vuelto a tomar el pelo.

En 2008, el aclamado director galo Alexandre Aja dirigía Mirrors (en España, “Reflejos”), remake de la coreana Into the Mirror, un thriller sobrenatural que contaba con la participación, como productor y protagonista, de un Kiefer Sutherland rozando la cumbre de su popularidad gracias al catódico Jack Bauer de la serie 24 (me declaro fan incondicional de la serie).

El Mirrors de Aja nos hizo partícipes de una historia de traviesos espejos y fantasmas vengativos ocasionalmente intensa (tan solo “ocasionalmente”), con un par de muertes memorables (cortesía del tándem Nicotero-Berger), y con uno de esos finales capaces de dividir al respetable entre aguerridos defensores y contundentes detractores. El público en general, y los seguidores de Alexandre Aja en particular (entre los que también me cuento), recibieron Mirrors con cierta tibieza. Muy probablemente el hecho de que Mirrors salga derrotada por knock out si la comparamos con la potencia y la agresividad de las obras inmediatamente anteriores de Aja (la seminal Alta Tensión, piedra angular de la Nouvelle Horreur Vague; y su gran obra maestra hasta el momento, el remake de Las Colinas Tienen Ojos, un auténtico bofetón en la cara a todos aquellos que, por regla general, renegamos de los remakes), le hiciera un muy flojo favor a la recepción de la película.

Pese a todo, Mirrors cuenta con su secuela. Una secuela de segunda categoría, pero una secuela al fin y al cabo. Intento imaginar el proceso mental que deben seguir los productores de Hollywood en el preciso instante de plantearse o no la secuela de una película de terror: “Si la película ha sido un éxito rotundo (por ejemplo Paranormal Activity) ponemos toda la carne al asador en su secuela (Paranormal Activity 2) y la estrenamos en todo el mundo a bombo y platillo. Si el éxito de la original ha sido ‘moderado’, nos conformamos con una secuela mediocre destinada al mercado doméstico (por ejemplo 30 días de oscuridad, Lost Boys 3: The Thirst o Mirrors 2)”.

Y con un poquito de suerte algún país extranjero (léase España), en el que existen graves problemas de distribución a la hora de dar salida a títulos fundamentales del actual panorama del cine de horror, se apresurará en distribuir dichas secuelas – mediocres y prescindibles – por el simple hecho de ser eso mismo… secuelas. Lost Boys 3: The Thirst y Mirrors 2 han sido distribuidas en el mercado DVD español al poco tiempo de ser editadas en los USA.

Pero dejémonos de morsergas y vayamos a lo que realmente interesa, que no es otra cosa que Mirrors 2. Para los que tuvisteis la oportunidad de disfrutar, o no, del original de Aja, lo cierto es que Mirrors 2 no os deparará demasiadas sorpresas. Supongo que su argumento os resultará familiar: En su primera noche como vigilante nocturno en los grandes almacenes Mayflower, Max Matheson, un tipo atormentado por una trágica experiencia ocurrida pocos años atrás, es acosado por una serie de macabras visiones procedentes de los espejos.

El escenario es el mismo (el Mayflower ha sido trasladado, piedra por piedra, a Lousiana), el protagonista principal es idéntico al personaje interpretado con anterioridad por Shuterland (lo único que no comparten es el nombre), y el asunto de los espejos no difiere en exceso de lo ofrecido por el Mirrors de Aja.

En definitiva, las similitudes a nivel argumental (y recalco, solamente a nivel argumental) son más que evidentes. La historia que nos cuenta Víctor García, director de Mirrors 2, no esconde prácticamente un solo elemento novedoso u original en su desarrollo que difiera de lo visto en el Mirrors de Aja. Y cuando al director barcelonés se le ocurre, ni que sea levemente, apartarse de los esquemas establecidos por su precedesora, Mirrors 2 acaba ofreciéndonos su peor cara y hundida en el fango de un thriller sobrenatural triste, ramplón, predecible y muy poco estimulante.

¿Cosas buenas a decir de Mirrors 2? Pues tan solo se me ocurren un par de cosas, y tienen nombre y apellidos: Greg Nicotero y Howard Berger repiten como responsables de los efectos de maquillaje, lo cual viene a traducirse en un par de muertes realmente espectaculares y dignas de todo elogio. Curiosamente el punto álgido de Mirrors 2, tal y como ocurrió con el Mirrors original, es una magnífica secuencia que se desarrolla en el interior de un cuarto de baño.

Pero el hecho de que un par de muertes sean susceptibles de dejarnos con la boca abierta no esconde la verdadera naturaleza de Mirrors 2. Se trata de una secuela menor, muy por debajo del original de Aja, ya de por sí bastante irregular, y cuyo tercio final delata su condición de thriller sobrenatural de bajo perfil (y muy mal resuelto) capaz de alcanzar, únicamente, la categoría de telefilme de sobremesa.

En realidad no soy capaz de imaginar un público objetivo al que pueda gustar una película como Mirrors 2. A aquellos a quiénes gustó el Mirrors de Aja se sentirán decepcionados por una secuela que, en definitiva, ofrece algo muy parecido a su antecesora… pero peor, mucho peor. Y a todos aquellos a quiénes disgustó profundamente el primer Mirrors, mejor que os mantengais muy alejados de esta secuela.

Lo mejor: Un par de muertes espectaculares.

Lo peor: Al final descubre su verdadera naturaleza: un thriller sobrenatural ramplón y muy inferior a su antecesora.

Hoy mismo he visto en las estanterias de unos conocidos grandes almacenes el DVD, en venta directa, de Lost Boys 3 The Thirst. Al igual que ocurrió con la terrible segunda entrega de la saga, Lost Boys 3 The Thirst no ha tenido ningún problema a la hora de ser distribuida, con cierta premura, en nuestro país. Se trata de una buena noticia; sin embargo sigo sin entender, por más que me hablen de cifras, negocio o márgenes de beneficio, cómo es posible que películas con una calidad infinitamente superior a Lost Boys 3 (supongo que todos vosotros podríais mencionar unas cuantas) siguen inéditas incluso en el mercado doméstico. Disculpa la intromisión Blanch. Joan Lafulla

Los que pasamos la treintena de edad (año más o año menos) y somos amantes del cine de terror, tenemos por lo menos, una cosa en común: la nostalgia, un sentimiento bonito que a veces se vuelve macabro.

Y es que hay películas que con el paso del tiempo han perdido intensidad, y otras que a base de remakes nos las han hecho aburrir. Películas que utilizan el título de antaño para hacer auténticas barbaridades y otras que aprovechan algún personaje para intentar repetir éxito. Y pocas, muy pocas, logran contentar a un servidor.

Eso no le pasa a The Lost Boys (Jóvenes Ocultos, 1987), ya que veintitrés años después sigue siendo una de las películas de vampiros que más me gustan y cuando leí que iban a hacer una tercera parte me eché las manos a la cabeza (la segunda parte ya ni recuerdo que hice, aunque tampoco logro acordarme de nada sobre la película, tan solo del título español que le pusieron, Lost Boys 2: Los vampiros del surf, y del cameo de Tom Savini).

Lost Boys 3: The Thirst coge el título de su(s) predecesora(s), vuelve a recuperar dos de los personajes más carismáticos de la saga e incluso su argumento nos puede resultar visto con anterioridad. ¿El resultado? no cabía esperar otra cosa: un bodrio.

En esta ocasión la acción vampírica se traslada a San Cazador, California. En este pequeño paraíso de surferos y moderniquis, una tribu de chupasangres liderados por DJ X, pretende convertir a todos los asistentes de su raves en vampiros, suministrándoles una nueva droga, sangre de vampiro jefe (¡uy! que original…). Paralelamente, Gwen Lieber, una escritora de éxito, se pone en contacto con Edgar Frog para que encuentre a su hermano Peter, del cual se cree que ha sido raptado por los vampiros.

Para tal misión, Edgar no estará solo. De esta manera se agregan más personajes a cada cual más detestable: la estrella televisiva del momento junto a su cámara (un sucedáneo del Último Superviviente y Gastón, el fanfarrón de La Bella y la Bestia), la dependienta de la tienda de cómics del pueblo, un ex senador reconvertido en fabricante de armas y el hermano de Edgar, Alan (aunque repite Jamison Newlander no aporta absolutamente nada a la historia).

Como película poco original que es, toma sus referencias de otros films que en su día fueron o siguen siendo número uno. La referencia más clara es la saga Crepúsculo. Al final de la cinta no sabes si era un crítica cómica hacia este fenómeno neo vampírico o un homenaje en toda regla. Desde la escritora famosa emulando a Stephenie Meyer, a los/as vampiros/as guaperas y hasta el secretito que esconde la bibliotecaria, aunque aquí también podríamos nombrar a True Blood, una serie que ha perdido fuelle desde su primera y excelente temporada.

Otras películas que se me vienen a la cabeza serían Blade, con sus escenitas de sangre, música electrónica y el arsenal anti-vampiros que se muestra, y como no a Matrix, ¿hasta cuando tendremos que tragarnos las mismas escenas de acción?

Dirigida por Dario Piana, que os sonará por haber dirigido una película que creo que pudo dar más de sí como fue The Deaths of Ian Stone (la cual también poseía tintes de Matrix), nos trae un film que se puede visionar hasta el final pero que resulta totalmente prescindible. Con actuaciones para salir del paso, destacaría a Corey Feldman y sus gruñidos. ¿Por qué no le cogieron para hacer de Batman con la voz que tiene?

Lo mejor: El pequeño homenaje a Corey Haim utilizando flashbacks y el arma pincho.

Lo peor: Si no os atrevisteis a ver la segunda, a esta ni os acerquéis.