Cinco chicas se disponen a pasar unos días en la montaña. El motivo real es arropar a Kate (Zara Pythian), que acaba de volver de Afganistán tras ver cómo su novio moría en combate. Sin embargo, no es la única que parece necesitar apoyo: Torri (Barbara Nedeljakova) ha vuelto con su novio Dean (Tamer Hassan), un tipo bastante deleznable que no la trata precisamente bien.

Sea como fuere, el grupo de amigas, una vez que están en el campo, se mueve bastante cómodo. Se llevan bien, se conocen de años y pueden comportarse con una naturalidad que no parecen encontrar en sus hábitats cotidianos.

En su camino, se encontrarán con otros excursionistas: un hombre y dos mujeres bastante siniestros; y una panda de treintañeros atractivos que están practicando escalada y con quienes tontearán y se encargarán de decirse, los unos a los otros, por dónde van a acampar esa noche.

A estas alturas del resumen, y a pesar de los más que evidentes parecidos con otras películas, quien no haya visto “The Hike” puede preguntarse: ¿dónde está aquí la intriga y la tensión? Bien, antes de todo esto, como buena serie B, hay un prólogo en el que una presencia omnipresente a la que nunca vemos asedia a un par de chicas en ese mismo bosque (sí, debe ser el bosque más poblado de Inglaterra). Y, por tanto, durante todo este primer tramo de película, la cuestión es: ¿los malos son los chicos atractivos? ¿El trío de excursionistas siniestro? ¿Quizás Dean, que ha seguido a Torri? ¿O hay alguien más en ese bosque? Y, desde mi punto de vista, está bien jugado y es el mejor tramo de la película. Por cierto que he leído varios resúmenes en los que se desvela, sin pudor, por dónde viene la amenaza; así que, si estás interesado en ver “The Hike”, intenta evitar algunas sinopsis que hay rondando por la red.

Obviamente, estamos ante un survival, y de bajo presupuesto. Aunque el punto de partida es exacto al de “The Descent” (Neil Marshall, 2005), las chicas protagonistas no son escaladoras sino meras excursionistas y no tiene los espectaculares entornos naturales que ofrecía aquel (aunque los extras del dvd revelaban que se trataba de plató y chroma). Tampoco hay monstruos, ni demasiados efectos especiales o maquillaje, pero esto no es un problema, al menos en esta primera mitad que nos ocupa. Rupert Bryan, el director, debutante que proviene del mundo del sonido, se sabe las reglas del juego y las aplica con sabiduría: alterna los momentos de descripción de personajes con la siembra de pistas en torno a por dónde van a ser atacadas las protagonistas, haciendo que el trayecto sea placentero e interesante sin ofrecer nada realmente innovador o espectacular.

El mayor “pero” de “The Hike” proviene, por tanto, de su segunda mitad. Una vez que se descubre el origen de la amenaza y comienza el terror, la película adolece de una terrible falta de contundencia. Hay asesinatos, violaciones, incluso necrofilia, pero nada de ello es realmente impactante o aterrador. ¿Por qué? Realmente, me cuesta averiguar el motivo. Quizás, sea un problema de gradación: todo está a la misma altura, sin escalar la intensidad en ningún momento. Pero, si soy sincero, no estoy seguro de que ésta sea la razón. Tampoco están especialmente bien definidos los distintos caracteres de las cinco chicas protagonistas, más allá del tópico, algo que lastra la película. Por el contrario, los excursionistas que se van encontrando por su camino si tienen personalidades marcadas. Lo único que creo haber sacado en claro es que gran parte del problema proviene de la dirección. Durante la primera mitad, la labor de Rupert Bryan es transparente y acertada, apoyada por un guión coescrito por él y Ben Loyd-Holmes, que además interpreta a uno de los chicos que están practicando escalada, y se basa más en la sugerencia y las hipótesis sobre qué está pasando que en la acción directa. En la segunda mitad, se pasa a la acción, y aquí adquiere importancia la representación de la violencia. Ésta es bastante pobre. No es necesario ser explícito, y hemos visto mil ejemplos de ello a estas alturas, para impactar, pero probablemente sí que haga falta una cierta dosis de imaginación y sorpresa que “The Hike” no posee. Además, y aunque las comparaciones sean odiosas, se reservan un pequeño as en la manga para el final, pero es prácticamente el mismo que ofrecía “Eden Lake” (James Watkins, 2008), para mí muy superior a ésta en casi todos los aspectos.

Aún así, esto no implica que “The Hike” esté exenta de interés. Creo que toda esta palabrería que estoy soltando es sólo una queja por lo que la película podía haber sido y no es. Desde el comienzo, las bases están bien sentadas: en un mundo de hombres, las mujeres son las víctimas. Dean, el novio de Torri, es un machista redomado y un ser primitivo, pero ella ha asumido su rol de “mujer de” y se ve incapaz de abandonarle. La situación de las dos mujeres del macabro trío de excursionistas con el que el grupo de chicas se cruza parece similar: él las trata mal pero ellas son incapaces de revelarse. Y, en esencia, estamos ante una denuncia del mundo visto a través de los ojos de los hombres, donde las mujeres son sólo carne para el sexo caprichoso del macho. El rol femenino, en el final de la cinta, es muy esclarecedor, y quien la ha visto sabe de qué hablo. Incluso, ofrece una variación bastante divertida a la fórmula habitual: aunque el grupo protagonista son unas cuantas mujeres en pantalón corto y camisetas ajustadas, en la escena del lago ellas son retratadas con deseo, sexys y femeninas, pero no se quitan la ropa interior; ellos, sin embargo, están desnudos aunque mostrados sin ningún tipo de recreación erótica (incluso hay frontales, por incidir en el tema), algo que, una vez que se ha pasado el ecuador de la película, tiene su gracia: en este universo que se ha creado, si los hombres quieren sexo, lo consiguen, sea consentido o no. Desde este punto de vista, intentar hacer una película feminista con cinco chicas protagonistas que son estereotipos en el peor sentido de la palabra, no parece, sin embargo, la opción más acertada.

Por tanto, y a modo de conclusión, señalar que “The Hike” es discreta pero entretenida incluso en sus peores momentos. Su gran virtud es su gran defecto: tiene ambiciones, y éstas son legítimas. Sin embargo, casi nunca llega a la altura que se propone y eso provoca en el espectador la misma frustración que estar viendo un bodrio.

Lo mejor: Los primeros cuarenta minutos.

Lo peor: La falta de contundencia de los cuarenta minutos finales.

Permitidme que empiece con una frase de Clive Barker a propósito de esta nueva entrega de la Saga Hellraiser.

Barker:
“Hola amigos. ¡Quiero que conste en acta que esa película en la que están usando el nombre de Hellraiser no es un jodido hijo mio! No tengo NADA que ver con esta puta cosa. No es ni siquiera de mi ano”.

Missterror:
“Hola amigo Barker. Ojalá algo de este engendro hubiera salido de ti, aunque fuera de tu ano… pero me temo que no da ni para eso”.

Había pensado en terminar aquí la reseña, porque Barker, sabio como ninguno, lo ha dicho todo con sus palabras. Pero finalmente he creido conveniente destriparosla un poquito para que veáis lo que tenemos entre manos.

Lo primero que quiero decir es que yo soy una sufridora profesional de la saga Hellraiser, me gustan taaanto los cenobitas que ya había visto las 8 partes anteriores, ¿podría soportar una más? Hombre, poder, he podido, pero estuve al borde del aguante medio con el que todos contamos.
Dicho esto, agradezco que la duración de Hellraiser Revelations fuera de 1 hora y 10 minutos, eso sí, 1 hora y 10 minutos de aberraciones (y esta vez el sentido de la palabra no es muy positivo…).

La trama presenta a dos amigos (Nico y Steve) que viajan a México para emborracharse y follar, sin más. No buscan el último paso del placer o las respuestas que solo el dolor puede ofrecer; buscan fiesta y en esa fiesta se toparán con un vagabundo que les regala la caja de los lamentos, supuestamente porque la caja ha escogido a Nico (quien en un arranque de pasión en el baño mata accidentalmente a su amante, y os aseguro que en la posición que estaban haciendo sus cositas, morir así era complicado, a no ser que cuando la cámara dejara de enfocar ella se pusiera a hacer el pino puente…) porque es perverso y lleva el mal dentro.

Pues una vez que los jóvenes ya tienen el cubo, en un periquete, están en una habitación sospechosamente reconocible, rodeados de velas y abriendo el portal que une la tierra con el Infierno, llamando a los cenobitas (que no saben ni quienes son ni qué buscan, ni falta que les hace, porque eso es lo de menos en esta película).Cuando los cenobitas acuden a la llamada, os aseguro que en mi casa también se abrió la brecha que la comunicaba con el infierno, porque aparece “Pinhead” (cada vez que me refiera a él lo haré entrecomillado porque no quiero llamar Pinhead al ser que sale en la novena parte, que en realidad es el primo paleto de Pinhead y acaba de llegar al Infierno con una maleta de almas atada con una cuerda) y otro cenobita, que es también primo bastardo del que trae el dolor y busca la carne. ¡Oh señor!, “Pinhead” no atemoriza, no impresiona, no corta la respiración, no te deja en silencio con el único propósito de escuchar las campanas con las que se anuncia su llegada. Este “Pinhead” te hace frotarte los ojos para intentar conseguir que lo que estás viendo en pantalla no sea procesado por tu cerebro.
Vale, echo de menos a Dough Bradley, le echo muchísimo de menos, y sabía que nada sería igual sin él, pero es que ver a este “Pinhead” con ese careto, con esa estructura ósea… fue demasiado para mis ojitos.

Otra de las cosas que me llamó la atención negativamente fue el hecho de que parece que la Configuración del Lamento (la caja) en estas “revelaciones”, es como si contuviera dentro a los cenobitas, quienes están alerta de las conversaciones de los humanos mirando hacia arriba cuando alguien agarra la caja.
Vamos a ver, la caja de Lemarchand es sólo la herramienta que abre la puerta a otra dimensión, es un portal, no un contenedor de cenobitas; y lo digo, porque hubo momentos en que me los imaginaba como seres diminutos que viven en el cubo, como si fueran los “curris” que viven en las plantas de los Fraggles.

Y seguimos… Los actores: espeluznantes, increíblemente malos, sobreactuados en algunas ocasiones y sosísimos en general.
Tened en cuenta que la historia no se queda en México, sino que se traslada a la casa de los padres de los chavales, quiénes por arte de magia (se habla de un investigador pero no queda nada claro), tienen las grabaciones de los niños jugando con la caja y la caja físicamente, por lo tanto hay más almas que llevarse, más dolor que infligir, más opciones para dar rienda suelta a una orgía de sangre y terror, pero no… aquí el sopor es lo que manda y es que ¡con tantos actores, no hay uno que se salve!
Y ésto enlaza con el guión, que para estar en consonancia con el resto de la propuesta, no se sostiene por ningún lado, aunque lo intenta, pero como nada se desarrolla todo queda vacío.

¿Hay algo bueno? Pues sí, los efectos y el maquillaje están bastante bien (aunque son escasos los momentos sangrientos). También hay algún intento de ser algo perversos con alguna escenilla incestuosa, que rápidamente se subsana, no vaya a ser que pequemos de inmorales.

En resumen, “Hellraiser Revelations” intenta ser una copia de la original, la del 87, utilizando una fórmula maestra, pero sin los componentes necesarios para darle la forma adecuada.
Destacadamente penosa es la escena de regeneración de Nico a partir de una mancha de sangre en el colchón (Oh Frankie, yo te invoco, ¿por qué nos has abandonado? ¡Han mancillado tu mítica escena!).
Aquí, ¡tatatachan!, en un segundo está casi todo hecho y hay una cabeza asomando en el centro del colchón que quiere más sangre…
En este punto me levanté del sofá y di la vuelta a todos los cenobitas que tengo por casa, para que no vieran más, para que no siguieran sufriendo… y de repente me encontré con la mirada penetrante de la persona con la que vi esta película (más fan aún que yo del mundo cenobita), y solo pude poner cara de buena y decir “no sabía que iba a ser así, así de mala…” (aunque en realidad sí lo sabía… todos lo sabíamos).

Si como se comenta ésta fue la película de bajo presupuesto que hubo que hacer para mantener los derechos de la franquicia y no perder financiación para el remake, apañados vamos.

Pues nada más mis queridos amigos y amigas (lo diré también en inglés,que a veces suena muy bien la palabra friends: That´s all my dear friends), si la veis ya es bajo vuestra responsabilidad. Yo ya he avisado, solo espero que este “Pinhead” nunca venga a por mi.

Lo mejor: Los efectos, la duración y la cenobita femenina (que es Chatterer en mujer), que está muy currada.

Lo peor: "Pinhead" y todo lo demás.

Johanna Ravn sale de casa para su “footing” mañanero, encontrándose en las afueras de Oslo con un hombre embutido en su mono naranja que solo desea saludarle el cráneo con un taladro eléctrico. Una vez saludada y enfundada en su nuevo traje modelo “bolsa para cadáveres”, decide abandonar la morgue que el estado noruego le ha concedido para saludar a su padre.

”Ring, ring”. “Sí, diga”. “Su hija, Johanna está muerta”… “¿Cómo? Pero si acaba de llegar a casa y ahora está chateando en el “feisbuk” ese”. Vaya día lleva el señor Ravn, por si fuera poco duro ser padre viudo, ahora le dicen que su hija está muerta. ¡Con el buen aspecto que luce! Miradla que maja, vomitando petróleo y con el encefalograma plano.

Parece que Oslo se llena de casos similares a los de Johanna. Alguien, o un grupo de dementes, están atacando con taladros a la población y llenando su cabeza de un espeso líquido negro. Las autoridades están tan desbordadas que el señor Ravn decide buscar sus propias respuestas al estado de su hija. La verdad lo llevará hasta algo peor que el fin del mundo.

Experimentos sí, pero con Coca-Cola.

Dark Souls supone un experimento arriesgado: desayunar varios litros de petróleo, por supuesto no refinado, y salir a la calle para reinterpretar la realidad con semejante viaje de crudo en el estómago. El resultado no podría ser otro que acabar en el hospital con la enfermera pechugona de turno regañándote por semejante estupidez. Este sería un buen resumen de la película si nuestras vidas fuese una “sitcom”, pero desgraciadamente el día a día es más banal y simplemente estamos ante una película con un planteamiento diferente, surrealista, original e intrigante, resuelto de la peor manera posible: sin desarrollarlo y a través de un melodrama algo apagado por la ausencia de acción y de explicaciones lógicas. Bueno, no todo es tan surrealista como nos propone su loca sinopsis. El final, donde se resuelve el meollo del asunto y descubrimos que hay detrás del hipnótico petróleo y sus distribuidores de naranja, nos da una pincelada bastante común como respuesta a todas las dudas que nos vamos planteando a la par que el metraje se desliza parsimonioso, justo como una sustancia negra aceitosa, hasta su repentino y desabrido final. Y creedme, las dudas serán constantes y molestas, no siendo recompensada la atención del espectador, que probablemente se sienta estafado con el rumbo que va tomando la película y su fría forma de mostrarlo en pantalla.

¿Pero de que nos extrañamos? No en vano estamos ante una producción noruega con dos expatriados galos, los desconocidos César Duchase y Mathieu Peteul detrás de las cámaras y el guión. De nuevo entramos en el terreno del experimento, porque el estilo cinematográfico del norte de Europa siempre ha estado marcado por unos tiempos más reflexivos, en esta ocasión olvidaos de pequeñas joyas como Dead Snow o la saga Cold Prey, y el cine galo por la búsqueda de un “sello de autor” que diferencia su cine de cualquier otro, chauvinismo cinematográfico, que dirían algunos. Si a todo ello le añadimos un presupuesto escaso, para nada enfocado hacia la representación gráfica de lo “extraño”, lo “morboso”, lo “macabro”, no podemos sorprendernos de que el resultado final sea un batiburrillo con dejes de originalidad que empalidece debido a una falta de dirección aplastante: un plato de cine fusión preparado con cariño pero sin el más mínimo criterio a la hora de mezclar ingredientes tan dispares, y, además, servido sobre un mantel de papel… ¡hombre, a este restaurante yo no vuelvo!

Cine Fusión: Añádale 50 gr. de salsa Fulci

Se publicitaba, tras su premiado – mediante sobornos pagados con barriles de petróleo – paso por distintos festivales especializados, que Dark Souls intentaba recorrer el camino abierto previamente por cineastas del (anti)prestigio de Lucio Fulci. Bueno, algo de explotation italiana se esconde entre líneas; tal vez por la mezcla de subgéneros a la que asistimos (“slasher”,”revenge”,”zombies”), pero sobre todo por la falta de presupuesto y la falta de estilo (otros dirán “vergüenza”) que muestras sus directores a la hora de lanzarnos cabos sueltos a la cara, como si fuesen cacahuetes y nosotros, el público, monos de feria. También refuerza este aroma a peperoni el profuso uso de sintetizadores en la banda sonora, siendo, probablemente, uno de sus mejores apartados. Sin embargo no os llevéis a engaño, la película se balancea sobre la cuerda del tedio y la sombra de un divertimento casposo se esfuma tras un prometedor arranque, dando paso a un lento melodrama que intenta repuntar al final pero sin las herramientas necesarias para despertar al espectador adormiladito en su sofá.
Esos interesantes quince primeros minutos plantean de manera minimalista, sin datos adicionales, un misterio tan atractivo como insólito: unos señores vestidos con un mono naranja entretienen sus ratos libres repartiendo por todo Oslo trepanaciones gratuitas que realizan con un taladro eléctrico; luego los trepanados, en lugar de quedarse tranquilitos en su bolsa para cadáveres, se alzan como peleles viviendo idiotizados y sin otra afición que vomitar oro líquido. “¡Ah! Que la película no es de zombies entonces.”, pensaréis algunos. Pues ya os digo que si es de zombies, aunque los primeros compases de la cinta no apunten exactamente en esa dirección. Como ya os digo, tras el impacto inicial de una hiperrealista fotografía, clara deudora de la citada italoexplotation y por ello bastante onírica, así como de lo raro de la historia inicial, nos encontramos un melodrama cargado sobre los hombros de un padre, el de Johanna que se toma la justicia por su mano y comienza a investigar por su cuenta, así como a cuidar a la chiquilla, las razones para que su hija se encuentre en ese estado semivegetativo incapaz más que de escupir petróleo. Y eso que mucho hablar de las bondades de la sanidad del norte de Europa, y son incapaces de tratar a una mujer que vomita crudo, ¡sí eso se cura con un miserable Gelocatil!

La cuestión es que el lento nudo de la película, está integrado de forma casi exclusiva por este drama – reconozco que con algún momento emotivo y con cierto aire simpático a una película cutre (ejem) de Charles Bronson – y más ataques por parte del ejercito de butaneros, convirtiéndose en un peñazo gracias a la falta de pulso, y de medios, para rodar con gracia ni siquiera una escena. Ya se empieza a revelar el percal, estamos ante una tomadura de pelo que no podrá ni resolver su conclusión. ¿Seguro? Mira que igual metiendo zombies de golpe, todo se torna más interesante… ¿los metemos? ¡Venga, sí! ¡Los metemos!

Así que al final era una película de zombies.

Está claro que César Duchase y Mathieu Peteul querían contar algo. No obstante no me preguntéis porque no me ha quedado claro del todo. Estaba luchando contra el insidioso sopor que me provocaban el drama de Padre Coraje, los asesinatos de “los butanitos” – a cada cual peor rodado – y los repetitivos vómitos de sus victimas, cuando algo sucede en pantalla. ¡Una explicación! Y no una cualquiera, ¡la madre de todas las explicaciones! ¡Ah! ¿Era eso? ¿Y era necesario empaquetar todo el metraje con tanto misterio y añadirle un toque humano merced a los desvelos del papi de Johanna? ¿Y ese señor mayor coleccionando líquido cefalorraquídeo? ¿Y de repente en Oslo…? Vale, vale. Ya vemos que nuestros queridos franceses, siempre tan cachondos, nos han dejado unos detallitos superfluos pensando que son las perlitas de todo trabajo de autor que se precie. ¡Pues sepan ustedes que a mi me parece que no tienen ni idea de explicar sus argumentos!

Todo lo comentado anteriormente, y como ha sido expresado, ralla la broma porque francamente esas son las sensaciones que transmite Dark Souls. No acaba de casar ese estilo de filmación tan norteuropeo, lento y frío, con la bizarra historia que se nos quiere vender, volviéndose hasta paródica. Ciertas decisiones que, obviamente, se tomaban en un principio en pro de dotar de más tensión y humanidad a la narración se convierten en elementos cómicos a causa del poco estilo para tratarlos. Así, el protagonismo del padre de Johanna en vez de convertirse en una fuerza (resulta potente alejarse de los clichés de otras cintas protagonizadas por actores más jóvenes y guapos) se transforma en un gag cuando asistimos a sus desventuras por la fabrica donde se revela todo el percal. A su vez, la traca final donde el elemento zombie por fin se airea, también resulta cómica por lo escueta, lenta y contenidamente que se retrata otro Apocalipsis de los muertos vivientes, y van…

Un proyecto fracasado, que merece la pena ver por lo curioso de su propuesta inicial, la forma de romper algunos clichés del cine de terror y la desvergüenza con que se trata el último tercio de una película independiente que tiene como gran enemigo el presupuesto, resultando sus efectos especiales escasos para lo que se quiere transmitir. El resto de factores, actuaciones principalmente, simplemente son funcionales, no aportando nada de valor a la ecuación. El mensaje ecológico me lo he dejado para el final, porque… ¿existe cierta metáfora pro-ecológica dentro del guión de Dark Souls? Me atrevería a decir que sí, pero tan mal acotada que todo queda en un mero “quiero y no puedo” que solo podrán degustar aquellos que agonicen por ver algo diferente que no mejor. Sí, mucha referencia cinéfila por aquí (The Driller Killer 1979 y por allí (The Stuff 1985), mucho tributo al estilo visual setentero de Brian De Palma pero poquito que rascar una vez desvirgada la insólita propuesta de sus quince primeros minutos…

Lo mejor: Una surrealista idea de base y sus sugerentes quince primeros minutos.

Lo peor: Una narración sin fuerza y un desarrollo inexistente de la idea base.