Almas Oscuras. Cine de terror, slasher, gore, serie B, etcétera

No es una novedad. Colocar a los protagonistas en una situación extrema, seguir a rajatabla la norma implícita de que, tras cada nueva decisión tomada por los mismos, las cosas se complicarán un poquito más, y apostar por quién será el afortunado que logrará salir con vida para contarlo (si es que alguno lo consigue).

Sin ir más lejos es algo que pudimos ver recientemente en The Canyon (Frozen me pareció muy superior a The Canyon). Aunque Frozen, la nueva propuesta terrorífica de Adam Green (director de la triunfadora Hatchet), ha sido comparada en numerosísimas ocasiones con Open Water, película revelación del 2003 en la que una pareja de submarinistas era abandonada en mitad del oceano, quedando a merced de un nutrido grupo de tiburones hambrientos.

Pero al margen de comparaciones o parecidos razonables, lo que está claro es que Adam Green asume en Frozen un reto difícil de superar: levantar toda una película a partir de un premisa minimalista.

Tres amigos que disfrutan de un divertido fin de semana de esquí, quedan atrapados, durante la noche, en lo alto de un telesilla.

Pintan bastos. Las cosas están de la siguiente forma:
1. Es viernes, la estación cierra sus puertas y no volverá a abrirlas hasta el lunes. Tres días en lo alto de un telesilla no es una opción viable.
2. Por supuesto la noche se verá “amenizada” por una tormenta de nieve de tres pares de narices.
3. La altura hasta el suelo es más que considerable. El salto al vacío tan sólo puede ser tenido en cuenta como una medida desesperada.
4. Y por si todo esto fuera poco, en tierra firme les espera una desagradable sorpresa que quizás les haga platearse nuevamente si la opción de bajar del telesilla es una idea acertada.

Lo tienen crudo. La cosa está muy mal. Dispondrán de unos 70 minutos para tomar las decisiones que crean más acertadas. Y sabemos que tomar la decisión equivocada probablemente les provoque un dolor insoportable y les lleve a una muerte inevitable.

Serán 70 minutos duros, agotadores. Y no sólo para los protagonistas de Frozen; también para Green, guionista y director de la película, que se verá en la difícil tesitura de tener que “rellenar” esos 70 minutos, en un espacio minúsculo (el telesilla), y con tan sólo tres protagonistas. Sus objetivos serán mantener la tensión en unos niveles óptimos, lograr que la angustia experimentada por los protagonistas traspase la pantalla y atrape al espectador y, ante todo, evitar a toda costa dejar un solo resquicio para el aburrimiento. En el mismo instante en que el espectador siento algo parecido al aburrimiento o al cansancio, deseará que los tres chicos caigan del telesilla y se rompan la crisma.

Por suerte Green demuestra en Frozen que la campanada de Hatchet no fue una simple casualidad, y confirma que el suyo es, sin duda alguna, un nombre a tener muy en cuenta para el aficionado al horror contemporáneo (… y todo esto a la espera de Hatchet 2).

En primer lugar Adam Green logra lo que parecía ciertamente imposible: que tres jovencitos norteamericanos, simpáticos y apuestos, que dedican su tiempo libre a esquiar y a soltar ocurrencias, una tras otra, no acaben siendo tan molestos como un forúnculo situado en el más delicado de nuestros orificios corporales. Los protagonistas de Frozen no caen especialmente mal. Incluso cabría destacar la labor de la protagonista feminina – Emma Bell -, magnífica en su “sufrido” y esforzado papel de superviviente.

¿Y cómo lo consigue Green? ¿Cómo consigue que tres jovencitos atrapados en un telesilla no resulten odiosos? Pues gracias, fundamentalmente, a los diálogos (algunos de ellos tan acertados cómo aquel en que cada uno de los protagonistas expone la forma más cruel de morir –atención a los seguidores de Star Wars-), y al hecho de que todos ellos –los protagonistas- suelen hacer buen uso de su materia gris a la hora de tomar decisiones.

Hay diálogos. Hay muchos diálogos. De la misma manera en que, personalmente, la mayoría de esos diálogos me han parecido válidos, acertados y correctamente dosificados a los largo del metraje de la película (pese a algunas excepciones puntuales); también estoy convencido de que habrá muchos espectadores a los que les pareceran excesivos e incluso agotadores, provocando que Frozen no acaben siendo la experiencia positiva que hubieran deseado.

Pero en cualquier caso, cuando las cosas se ponen realmente feas y ya no queda lugar para el diálogo, Green demuestra tener las ideas muy claras. La intensidad va en aumento. Cuando parece que nada puede ponerse peor de lo que ya está… todo empeora. Nos angustiamos. Logramos identificarnos con los protagonistas y sufrimos junto a ellos (en especial con la chica). Sentimos su dolor y torcemos el gesto cuando una nueva desgracia se cierne sobre cada uno de ellos. Intentamos averiguar cuál es la mejor salida. Nos lamentamos de la mala suerte que pueden llegar a acumular en tan corto espacio de tiempo… Y sin apenas darnos cuenta, hemos disfrutado de 70 minutos de un survival vivo, tenso, potente; y todo ello partiendo de una premisa a priori tan sencilla e intrascendente como la que presenta Frozen.

No es una obra maestra. No es la quintaesencia del survival. Tiene defectos. Hay momentos en los que a Green se le nota que está “rellenando” metraje. Son instantes en los que la calidad de los diálgos decae. Son apenas un par de conservaciones que se alargan en exceso y a las que asistimos con cierta indiferencia (ver la secuencia posterior al primer amanecer) Son pocos momentos… pero existen.

Pese a todo, Frozen es un admirable ejemplo de película de terror capaz de atrapar al espectador, y que sabe jugar perfectamente con las pocos elementos que tiene a su alcance para lograr un entretenimiento sencillo, pero digno, eficaz y muy recomendable. Reto superado.

Lo mejor: Un survival sencillo a la par que intenso y efectivo.

Lo peor: Algunos diálogos ponen a prueba nuestra paciencia.

Con fuertes influencias francesas os traigo una producción indonesia que seguro satisfará a los adictos a las paletadas de hemoglobina en pantalla. Sin tener que envidiar, en este aspecto, a clásicos del splatter como Brain Dead ó Baby Blood, la opera prima de los hermanos Mo (Kimo Stamboel, Timo Tjahjanto) no propone una historia novedosa, de hecho esta basada en un corto del 2007 de los propios directores, pero despacha en hora y media algunas escenas inolvidables por su exageración y crueldad. Eso sí, todas ellas basadas en películas occidentales. Además, y esto honra a los hermanos Mo, el hecho de dejarse llevar durante el metraje por su afición al slasher americano y el splatter europeo, no es ningún momento ocultado. Es más, podríamos considerar que puntualmente es potenciado. De forma destacada, en el tributo realizado continuamente a la obra de culto La Matanza de Texas. Especialmente a la segunda parte, co-protagonizada por el recientemente fallecido Dennis Hoper. No solo por la fuerte personalidad de la protagonista femenina, sino por el grado de locura que alcanzan los personajes al ser sometidos a una ultra-violencia harto realista.

La conexión francesa, se establece con las decenas de paralelismos, tanto a nivel gráfico como argumental, con la tan cacareada Nouvelle Horror Vague. Esta nueva hornada de cine francés caracterizado por expresar la violencia de forma explicita y usar una impresionante técnica en pro de potenciar la frialdad de lo mostrado. Hablo de cintas como Martyrs, Frontiere y A L’Interiour. Quizá esta última, sea la primera que viene a la cabeza por la fuerte tensión generada entre una protagonista de armas tomar y su antagonista, tan cruel como despiadada. Incluso algunos planos nos costará disociarlos como pertenecientes a dos películas distintas. La inclusión de un bebe en la trama también os puede resultar familiar; y con lo que respecta a la caterva de psicópatas mostrados en pantalla, ninguno nos parecerá original en demasía. Esto no deja a Macabre como un mero remedo exótico del actual cine de terror francés, puesto que tanto su filmación como su desarrollo, resultan igual de atractivos que los de sus primas-hermanas francesas. Pero no queda menos que admitir, una falta de estilo propio, acabando por emanar un ligero tufillo a “esto ya lo he visto”. Estos son los efectos de la globalización, los jóvenes artistas de cualquier parte del mundo, han crecido bajo el influjo de la misma cultura basura mundial y entiéndase esta definición en un sentido positivo. ¡Una buena hamburguesa completa es igual de sabrosa que un pollo al curry! Y estos pollos van a sufrir más torturas que las victimas de Jigsaw, os lo aseguro.

Ladya (Julie Estelle) acompaña a su hermano Adjie y a su mujer embarazada, en un viaje hasta Yakarta. Allí, Adjie va a incorporarse a su nuevo puesto de trabajo en Australia. Acompañados por un grupo de buenos amigos, y aunque la tormentosa noche invita a la reflexión, ellos intentan pasar el viaje en furgoneta con el mejor humor posible

Entre bromas y tonterías, apunto están de atropellar a una joven que vagaba por la solitaria carretera. Apiadados por el desamparado aspecto de la joven bajo la torrencial lluvia se deciden a llevarla. Ella es Maya, la casa de su familia no está muy lejos y aunque no es muy habladora, parece inofensiva. El grupo de amigos llega a la casa y aceptan el agradecimiento de Maya, pasando a conocer a su familia al interior del caserón

Dara (Shareefa Daanish), la matriarca, es una mujer de campo seria, extrañamente joven pero amable. Quiere obsequiar a los salvadores de Maya, con una cena que el cansado grupo se ve incapaz de rechazar. Sentados a la mesa, junto a los otros dos misteriosos hijos de Dara, los invitados disfrutan de unos platos caseros preparados con la mejor carne de la región. El vino es fuerte y aromático, la compañía callada pero atenta. El cansancio de los comensales se va apoderando de ellos, después del largo viaje por carretera y uno a uno van cayendo en un profundo sueño. Por fin, ahora la cena está realmente servida

Otra de las características destacadas de Macabre, aparte de representar el híbrido perfecto entre La matanza de Texas y À l’interiour, es la dosificación de la tensión así como de la casquería. Porque es en la última media hora de metraje, cuando toda la tensión explota y nos sumerge en un baño de sangre, homenaje al teatro exagerado del Grand Guignol. No es que la primera hora inicial carezca de elementos inquietantes ó desagradables. Sencillamente, la profusión final de sangre y vísceras empalidece al resto. Quizá descompensando y restándole seriedad a una primera parte donde se hace hincapié en el suspense y la intuida depravación de la familia. Aquellos que se acerquen a Macabre con la única intención de empacharse de sangre, deberán de ser pacientes puesto que finalmente tendrán lo que buscan. Tampoco hay que hacer a esta producción una mera portadora del clásico estandarte gore de “sacrifiquemos todo en pro de las atrocidades”; sin embargo, los hermanos Mo han buscado epatar más que indagar en el misterio que rodea a Dara y a su familia.

Es en la actriz que encarna a la matriarca fría y resolutiva, donde encontramos uno de los atractivos de este film. Shareefa Daanish, artista de la que no sabía ni sé apenas, recrea con parquedad de gestos, a una mujer inhumana que incomoda solo con una mirada ó la presencia de su menudo cuerpo siempre rígido. Es una actuación que sigue los pasos de en À l’interiour (¡otra vez!), pero es efectiva y consigue poner los pelos de punta. Un personaje igual de jugoso a la hora de interpretar es el encarnado por Julie Estelle. Esta toma el rol de una mujer de carácter, que no duda en defender su vida con el mayor aplomo posible. Desafiante en todo momento, se convierte en la heroína por meritos propios, desprendiendo convicción en cada escena. Tal vez, el despliegue de estas dos mujeres afee el trabajo de sus compañeros de reparto. No son muy expresivos, además sus papeles son bastante secundarios en comparación. Cada actor cumple su cometido con profesionalidad, pero se ven incapaces de generar empatia.

En la película también se destacan unas pinceladas sobrenaturales que los directores reparten estratégicamente y, muchas veces, en segundo plano de la acción. Lo parco de estos destellos “macabros” y místicos, incita la imaginación ayudada por ese ambiente anticuado que se respira en la mansión. Es como si el tiempo se hubiera detenido en torno a Darma y su oculto pasado, creando una atmósfera que invita a la pesadilla. La opresión de la vieja casa y la selva que la rodea, ahogan casi tanto como los chorros de sangre impactando sobre sus paredes blancas y ausentes. Sin embargo, no os llevéis a engaño; los elementos sobrenaturales representan solo un adorno y tampoco causaran mucha sorpresa en cuanto a sus implicaciones dentro del marco principal de la trama. Aunque a un servidor le parecieron soberbias las veladas referencias al uroboros (imagen mostrando una serpiente que se come a si misma, símbolo de la vida eterna) junto a estanterías repletas de fetos. Evocador, ¿verdad?

Un detalle gracioso y bienvenido, por ser el detonante del sangriento final que es la última media hora, es la inclusión de unos policías dentro del guión. Estos ejercen de cómico contrapunto a la hora previa a su aparición. Que unos policías armados parezcan niños con pistolas de juguete frente a Darma y sus hijos, es un momento cumbre, a pesar de estar tratado algo desorganizadamente, aquí por fin se libera la tensión sin cortapisas. No me entendáis mal, Macabre no es la típica cinta que aburre soberanamente hasta el final, donde detonan todos los fuegos artificiales. El suspense va creciendo progresivamente hasta la irrupción de los citados policías, pero cuando ellos aparecen es como si los directores hubieran decidido empezar a pasárselo bien y se hubieran olvidado de dirigir.

Empapados de la cabeza a los pies, contemplamos una serie de espadazos, amputaciones y degollamientos que nos dejarán pegados a la pantalla por su crudeza. Poseedoras de una rara vis cómica, estas escenas de brutalidad consiguen su objetivo: incomodan a la par que entretienen. ¡Y eso que estamos hablando de crímenes horrendos! Puede que yo no la tomase demasiado en serio en ese último tramo, pero creo que la película se puede hacer más disfrutable buscándole el lado irónico. Independientemente de como la analicemos, la orgía de sangre está diseñada magníficamente; con unos efectos especiales y un uso de prótesis realista, dignos de alabar. La fotografía que previamente se encargaba de aportar sequedad a la historia, aquí destaca el rojo convirtiendo cada despedazamiento en una viñeta perfecta. Y es que nada se le puede reprochar técnicamente a Macabre. A lo sumo, una banda sonora inexistente que potencia los efectos de sonido por encima de todas las cosas. Tal vez demasiado, puede acabar molestando el griterío montado por los actores en determinadas escenas donde se requiere más angustia que histerismo.

No conozco mucho el cine tailandés, de hecho, solo puedo acordarme de Kuntilanak beranak, otra cinta occidentalizada que tiene mucho en común con la opera prima de los hermanos Mo (aunque estas es superior gracias a su visceralidad y acabado). Sin embargo, no creo que la nacionalidad de Macabre sea un impedimento para su disfrute. Bien te guste el cine oriental, el gore, las propuestas gamberras ó, incluso, el thriller; esta cinta es un entretenimiento de alto voltaje que satisfará a los aficionados más selectos como a esas nuevas generaciones que han crecido a la sombra de Saw pero estén dispuestas a probar algo más fuerte y auténtico.

Lo mejor: La actriz que encarna a Dara, la ambientación deshumanizada y el gore grand guignolesco

Lo peor: Las referencias a otras películas son demasiado evidentes aportando poca novedad de una forma muy obvia. En ocasiones, la cantidad y volumen de los gritos llega a distraer

Un joven matrimonio recorre Estados Unidos en coche para visitar a los padres de ella y darles la noticia de su reciente embarazo. En mitad de la nada una de las ruedas del coche revienta y no disponen de recambio (él está convencido de que puso la rueda de recambio en el maletero). Las posibilidades de que pase algún otro automóvil por aquella carretera secundaria que recorre el desierto son muy escasas. Su única posibilidad de supervivencia pasa por llegar al pueblo más cercano: Blood River.

En Blood River contarán con la ayuda de un misterioso hombre ataviado con sombrero de cowboy.

Lo tenemos todo.
El escenario: una amenazadora carretera secundaria sometida al abrasador castigo del desierto y un pueblo fantasma que esconde algunos secretos.

Los supervivientes: una pareja que proviene de la ciudad y que, tan sólo verlos en pantalla, sabemos perfectamente lo mucho que llegarán a sufrir abandonados en mitad del desierto.

El malo: tenemos incluso a un tipo vestido de cowboy con todos los números para ser un psicópata asesino.

Son algunos de los ingredientes básicos de todo buen survival. Resulta sencillo imaginar lo que viene a continuación: la pareja en cuestión deberá hacer frente y sobrevivir a un territorio hostil y mantener a raya a un asesino despiadado que no hace otra cosa que complicar aún más las cosas. Esta línea argumental permitiría a Mason cubrir el expediente y añadir a su corta pero intensa filmografía, un survival de calidad.

Pues bien, nada de esto es Blood River. Olvidaos del típico survival. Adam Mason, realizador británico independiente que firmó en su día la sensacional Broken, disfraza de survival caluroso y polvoriento (con aires de western), una película que sobrepasa, en todo momento, los límites del subgénero.

Blood River No es un survival al uso. Que nadie espere una revisitación de Las Colinas tienen Ojos (aunque el escenario se parezca bastante). Blood River se acerca más al thriller psicológico con ciertos elementos sobrenaturales. No cuenta, estrictamente, una historia de supervivencia. La de Blood River es una brutal historia de culpabilidad, redención y castigo; en la que la complejidad y recovecos morales de cada uno de los tres personajes principales tiene muchísimo que decir. El enemigo a batir no será el desierto, ni la sed, ni el hambre… ni nada que se le parezca. Ni siquiera debemos buscar el enemigo en la figura del tipo con sombrero de cowboy. El verdadero enemigo está en la propia culpa y en las consecuencias de los actos pasados de cada uno de los protagonistas.

¿Problemas? Blood River no es una película fácil. Me temo que ninguna de las obras de Mason lo sea. El director británico suele rozar un género en concreto (en este caso el survival) para rápidamente desligarse del mismo, de sus mecanismos más básicos, y acabar ofreciéndonos algo totalmente distinto a lo esperado. Y esto, que para mí no es más que un enorme punto a favor de Mason, creo que puede reportarle problemas con muchos aficionados, que pueden incluso llegar a sentirse engañados.

Es lógico que las expectativas ante un título cómo Blood River, incluso después de ver sus primeros 15 minutos de metraje, sean las de una película con altas dosis de acción y generosa en instantes de violencia salpicada de sangre, sudor y lágrimas.
Pues bien, os aseguro que Blood River es intensa, muy intensa; pero dicha intensidad proviene, al igual que ya ocurriera en Broken, de la tremenda lucha psicológica y la concatenación de dilemas morales en las que se ven envueltos los tres protagonistas. También hay momentos para la violencia más física (en la que Mason vuelve a demostrar que se desenvuelve a las mil maravillas), pero son momentos muy puntuales y poco decisivos en la trama de Blood River.

La palabra tiene el poder en Blood River. Se impone, por encima de efectismos baratos y mil veces vistos en el género, la fabulosa descripción de unos personajes que mutan, que cambian, que van asumiendo algunos de sus pecados, algunas de sus culpas, y que son incapaces de aceptar otros. Y todo ello en un proceso de redención doloroso y vibrante capaz de engullir al espectador, de atraparlo y no soltarlo hasta el final. Un final que sorprende tan sólo a medias, que deja preguntas sin responder (algo que, personalmente, me encanta), y que por una vez, y sin que sirva de precedente, está a la altura de lo visto hasta el momento.

Si a todo ello le sumamos la excelente labor de todos los actores implicados y el hecho de que Blood River parezca cualquier cosa menos una producción de bajo presupuesto, la conclusión final es que Adam Mason ha vuelto a dar en el clavo.

Personalmente creo que Blood River confirma al director británico (y a su colaborador habitual en materia de guión, Simon Boyes) como una de las voces más personales e interesantes del actual panorama cinematográfico. Su próximo film: Luster (y todavía queda pendiente Pig).

Lo mejor: Un thriller inteligente, intenso y capaz de atraparte de principio a fin.

Lo peor: Quizás no sea lo que muchos pueden esperar de ella y también puede ser catalogada de excesivamente densa.

Sarah ha sobrevivido. Confusa y agotada es requerida por el sheriff local para regresar a la cueva acompañando a un equipo de rescate que intenta averiguar qué demonios ocurrió allí abajo.

Sarah sale de la cueva y es trasladada a un hospital. Su estado físico y mental es, como poco, deplorable. En unas 48 horas (un poquito menos incluso) vuelve a estar en el interior de la cueva. Fuerzas renovadas, espíritu peleón, y muchas ganas de darle su merecido a los monstruos que se esconden tras las sombras (aunque en esta ocasión parece ser que han dejado las persianas subidas, ya que The Descent 2 es mucho menos sombría que su antecesora).

El espectador que se dispone a ver The Descent 2, todavía con el excelente sabor de boca que le dejó el original de Neil Marshall (para un servidor, The Descent es una de las mejores películas de terror en lo que llevamos de siglo… ya está dicho), tiene un primer obstáculo que sortear, una montaña: la excusa argumental urdida por Jon Harris para que Sarah dé con sus huesos en la cueva por segunda vez, transcurridas apenas unas horas desde su horrible experiencia en el interior de la misma, es muy pobre… algo que, en realidad, ya intuíamos (y no quiero extenderme en el hecho de que Sarah esté viva, algo que no quedaba nada claro en el primer Descent a causa de los finales alternativos de la película de Marshall. Descent 2 parte del hecho de que Sarah sobrevive… nada que objetar por mi parte).

Por supuesto los seguidores del cine de terror solemos ser gente esforzada e infatigable, y éramos muchos los que ardíamos en deseos de echarle un tiento a la secuela de The Descent. Así que de un salto superamos la montaña y nos disponemos a regresar al interior de la cueva con nuestros nuevos acompañantes (todos ellos con un tufillo a cadáver que tira de espaldas). Y es que, en realidad, lo único que hay de nuevo en The Descent 2 son las caras de los renovados protagonistas, al margen de la propia Sarah. El desarrollo de The Descent 2 es prácticamente idéntico al de The Descent: un grupo de incautos en una cueva, el grupo que se rompe y se dispersa por causas variadas (algunos toman la estúpida decisión de ir por libre, mientras otros se ven obligados a ello), y por supuesto el enfrentamiento con los subhumanoides (mis disculpas si el término no es exacto) de la cueva, en el que los humanos siempre tendrán las de perder.

De este modo, si al alguien se le ocurre preguntarse qué demonios aporta The Descent 2 a la historia que nos explicó Marshal en el primer Descent, la respuesta es rotunda: absolutamente nada.

Pero entonces, ¿cuál es la verdadera razón de ser de una secuela cómo The Descent 2? Olvidaos de los personajes poco atractivos (cuyo destino final nos importa mucho menos que el de las chicas del primer Descent), de lo cogida por los pelos que está la premisa argumental, de alguna aparición sorpresa todavía más pillada por los pelos que la premisa argumental y de lo poquito (o nada) que avanza la historia en referencia al primer Descent. Estas son las únicas razones por las que se justifica la existencia de una película como The Descent 2: más monstruos, más enfrentamientos, más sangre, más gore y más acción.

Y desde este punto de vista tan sólo me queda aplaudir la magnífica labor del debutante Jon Harris. The Descent 2 es una colección de set pieces adrenalíticas y sangrientas que, en ocasiones rozan con la punta de los dedos los niveles de horror logrados por Marshall en la primera entrega. The Descent 2 disfruta de algunas secuencias realmente fantásticas, cómo la lucha que culmina en el interior de una fosa séptica o el enfrentamiento final.

Es mucho más directa y mucho más explicita que su predecesora (lo que no significa, necesariamente, que sea mejor) y dispone del potencial suficiente para convertirse en una auténtica fiesta para el aficionado, siempre que se tenga muy en cuenta que The Descent 2 no es The Descent. Se le parece, el desarrollo es muy similar… pero el tono es muy distinto.

Hay que saber (al menos intentarlo) disfrutar de The Descent 2 cómo lo que realmente es, un espectáculo sangriento, cargado de diversión, pero alejado del universo sombrío y aterrador que nos presentó Marshall en la entrega original.

The Descent 2 es una secuela dignísima de un clásico moderno del cine de terror. Parecida en el fondo, pero distinta en las formas. Pero por supuesto aquí estamos para mojarnos. ¿Es Descent 2 superior a su predecesora? Un servidor lo tiene clarísimo y se queda con la obra maestra de Neil Marshall, más claustrofóbica y aterradora que su secuela.
En cualquier caso os invito a echarle un vistazo a Descent 2. La sangre, la acción y la diversión están aseguradas. Vale la pena.

Lo mejor: La acción, la sangre, la adrenalina...

Lo peor: Es menos terrorífica que su predecesora.