Se nos había escapado en Sitges y hemos podido verla en la edición online del Festival de Huelva. La verdad es que estos certámenes vía plataforma son de lo poco positivo que rescato de este año que por fin parece terminarse. Marea alta había logrado el premio blood window en Catalunya como mejor película latinoamericana del certamen y ya antes, en Sundance, había recibido una muy buena acogida por parte de la prensa especializada. Se trata de un peculiar home invasion sin apenas violencia explícita, que logra subir la presión sobre su protagonista de tal forma que a mitad de película te tiene totalmente acongojado.

Laura (Gloria Carrá) es una mujer madura y privilegiada económicamente. Ha decidido supervisar las obras de ampliación de su casa familiar y de paso tomar cierta distancia de su marido e hijos. Días antes de terminar la reforma, y en vista de que el resultado es muy bueno, invita al jefe de obra Weisman (Jorge Sesán) a tomar con ella una copa de vino, promesa de solución posterior a la tensión sexual que se masca entre ambos. Tras varios tiras y aflojas donde queda palpable que aparte del deseo son caracteres bien distintos, terminan la noche en la cama dando rienda suelta a sus fantasías. A la mañana siguiente el capataz se marcha de forma precipitada, dejando a Laura sola con sus dos peones que, conscientes del encuentro sexual, cambian su actitud servil por una desafiante confianza.

Todo un personaje mítico de la crónica negra catalana, también sobradamente conocido en el resto de España, Enriqueta Martí, alias “La vampira del rabat”, murió en prisión, desangrada por un cancer de útero antes de que la justicia pudiera dar buena cuenta de ella. La historia oficial la dibujaba como a un monstruo, una asesina de decenas de niños que desangraba hasta la muerte y después empleaba su carne y órganos para elaborar elixires y pociones. No era extraño que su historia años después de su fallecimiento, fuera un recurso excelente para amedrentar a niños e indicarles los peligros de confiar en extraños.

Este año “La vampira de Barcelona”, película inspirada en ella, se llevó en Sitges el premio del público. Un galardón discutido, algunas voces lo tildaron de regalado, para una cinta peculiar, singular en su puesta en escena, que opta por desmontar el mito tras tan rotundo apodo y presentar a un ser frágil, mucho menos letal de lo que en principio se intuye. El monstruo se transforma en drama. Si esperáis terror esta no será vuestra reseña.

Un periodista investiga la desaparición de varios menores, entre ellos uno de la alta sociedad, en la Barcelona de principios del siglo XX. Aunque la justicia parece haber encontrado a la causante de estos secuestros, sus pesquisas le llevan a descubrir un misterioso burdel donde se puede tener todo lo que uno desee si lo puede pagar. Mientras la versión oficial se impone, las dudas del protagonista crecen y empieza a intuir que, tras la figura de Enriqueta Martí, lo mismo se esconde una élite corrupta que campa a sus anchas.

Curiosamente hablaba el otro día con el compañero Titus Belles de el movimiento “Mumblecore” para un reportaje que finalmente no pude realizar. Estuvimos haciendo un recorrido por las señas de este grupo de directores norteamericanos de cine independiente. Para los que no lo conozcan el “Mumblecore” se caracteriza por ser un cine en apariencia pequeño, con una apuesta firme por crear personajes sólidos generalmente jóvenes y con un punto sofisticado (músicos, aspirantes a actores, pintores, escritores, gafapastas y johnny Deeps de aliexpress). Con una apuesta clara por el diálogo por encima de la acción, son una suerte de mestizaje de autores como Éric Rohmer, Gus Van Sant y John Cassavetes. Aunque no necesariamente son cintas de terror, es cierto que sus directores, entre los que destacan Mark y Jay Duplass, Lynn Shelton, Greta Gerwig o Joe Swanberg, gustan de introducir elementos fantásticos en sus filmes, llegando a existir un movimiento de horror llamado “Mumblegore”. Recientemente se ha vuelto a hablar de estos cineastas por el éxito de “She dies tomorrow”, último latido hasta la fecha del terror “Mumblecore”.

No tengo muy claro si Ryan Glover, director de The strings, forma parte realmente de este grupo, pero desde luego su cinta se ajusta a los estándares del movimiento, asi que la meto en el saco.

Una cantante de música electrónica sufre un bloqueo creativo. Para cumplir con los plazos de entrega de su nuevo trabajo discográfico se aisla en una casa de playa de su tía. Un paisaje desolado en invierno, donde carecerá de distracciones. A la casa le persigue un turbio pasado y un misterioso presente, pues todas las noches nuestra cantante despierta por culpa de inquietantes ruidos y sucesos extraños que van en aumento al tiempo que las canciones empiezan al tomar forma.

El actor Robert Forster falleció antes de poder ver terminado este trabajo. Incansable interprete, no dejó de ponerse frente a la cámara hasta sus últimos días. Jackie Brown dio una segunda vida a su carrera y se transformó en un rostro indispensable en thriller policiales, donde encarnaba con igual pericia a un agente o a un delincuente. Debutó con John Huston en uno de los personajes más homoeróticos del septimo arte en “Reflejos en un ojo dorado”, y en cine de corte fantástico nos ha dejado películas como “La bestia bajo el asfalto”, “El abismo negro”, el remake de “Psicósis“, “Mulholland Dr.”, o “Autómata”. Como siempre he sido un gran seguidor del trabajo de Forster, su nombre ha sido el principal aliciente para que me asomase a este título. Pese a no ser un gran fan del género de hombres lobo, o tal vez precisamente por eso, disfruté de lo lindo con este el penúltimo trabajo del actor.

La ciudad de Snow Hollow ha amanecido con la aparición de un cadáver de mujer terriblemente despedazado. La policía local trata de seguir la pista del asesino y de hacer oídos sordos a los que apuntan que pueda ser obra de un hombre lobo. Lidera la investigación John Marshall (Jim Cummings) un agente al que los problemas le asedian: la relación con su hija y su exmujer es cada vez más tensa, su padre que es el Sheriff local (Robert Forster) no quiere retirarse pese a su frágil salud, y el deseo de volver a consumir alcohol se hace más imperioso. Demasiados frentes abiertos como para pensar en hombres lobo y no en asesinos normales, aunque la siguiente luna llena va a complicar incluso un poco más su situación.

He dudado mucho si escribía esta reseña, porque no me gusta poner mala nota y mucho menos cuando un proyecto es tan pequeño como este. Pero luego me recuerdo sentado en el Festival de Málaga perdiendo tiempo frente a “Fuel”, intentando ver si la historia despegaba en algún momento, y lo único que despegaba, de forma constante, es un dron para arriba y para abajo alargando innecesariamente la agonía de los espectadores asistentes. Y es que los interminables vuelos de una máquina sobre el coche que es el centro de la historia ocupan más del la mitad de metraje, sin que aporten absolutamente nada de valor al mismo. Algo que hace de sus 72 minutos una experiencia que parece durar horas.

Uno presupone que las cintas que concurren a un festival han sido seleccionadas siguiendo unos mínimos criterios de calidad, pero siempre te cuelan un gol. “Fuel” sin duda fue uno de esos tiros a puerta y sin portero que entran hasta el fondo de la red, dejando a los aficionados con cara de idiotas y deseando que rueden cabezas. Ya lo auguraba su endeble tráiler, pero su director defendió con la maestría de un buen tahúr la calidad de lo que íbamos ha ver. Incluso habló de la posibilidad de rodar el remake estadounidense de “Fuel”; algo que, inocentemente, nos hizo pensar que lo mismo bajo su simplona apariencia se escondía un prometedor filón… luego empezó la película y el castillo de naipes se vino abajo. Incluso los invitados del director que se sentaban a derecha e izquierda de él, rápidamente perdieron el interés y dedicaron media sesión a gestionar sus redes sociales desde su móvil.

La mítica Ruta 66 (simulada en el paisaje desértico de Almería) es recorrida por el protagonista Raúl: un sofisticado influencer que regresa a casa tras unos días en México. Prestando nula atención a las insistentes llamadas de teléfono de su novia, más interesado en que su ego luzca siempre con luz propia, hace una parada en un bar de carretera (el típico bar de la Ruta 66 con pegatina de ”Securitas direct”) tras la cual comienza a sentirse mareado hasta perder el conocimiento. Cuando despierte se encontrará atado a un coche destartalado a merced de la sed, el hambre y la desesperación… aunque lo más inquietante es el aire sobrenatural que parece tomar cada vez más peso.

Pocas películas he visto este año que hayan causado tanta congoja en el público como lo hizo el pase de “Nuevo orden” entre los espectadores que la vimos en el Festival de San Sebastián. Imagino que el golpe fue igual de impactante en el festival de Venecia, donde recibió el Gran Premio del Jurado. No es para menos, “Nuevo orde*n” supone *una experiencia aterradora de esas que se quedan, como los olores desagradables, presentes en la memoria. Un miedo que surge porque, a pesar de ser una ficción, visualmente se antoja aterradoramente factible; es más, puede que en algun lugar del mundo esté pasando algo muy parecido mientras estás leyendo estas líneas.

La alta sociedad mejicana se da cita en la boda de dos de sus miembros. Los jóvenes festejan entre alcohol y cocaína, mientras los más mayores posturean y aprovechan para afianzar sus contactos. Todos felices y ajenos a que, a pocas calles, el pueblo se ha movilizado reclamando, de una vez por todas, una justicia social e igualdad de condiciones. En plena fiesta, un antiguo trabajador reclama la ayuda de sus señores, pues no tiene dinero para llevar a su mujer al médico y su vida pende de un hilo. La única que se apiadará de su historia será la futura novia (Samantha Yazareth Anaya) que dejará el festejo para visitar a su antigua cuidadora. Minutos después, la boda se ve interrumpida por unos violentos asaltantes… Ha nacido el nuevo orden.