Hay películas que, al margen de poder discutir acerca de su calidad o incluso sobre su idoneidad, han pasado a la historia del cine por, prácticamente, definir todo un subgénero.

Este sería el caso de Day of the Woman, conocida posteriormente como I Spit on your grave, producción de 1978 que, junto a Last House on the Left, Thriller y, en menor medida, Straw Dogs (Perros de Paja… la durísima película del gran Sam Pekinpah siempre se ha identificado más con el drama que con el cine de horror), pusieron los cimientos de un subgénero exploit tan controvertido y, efectivamente, tan discutible como es el del Rape&Revenge (violación y venganza).

Siguiendo la estela marcada recientemente por Dennis Iliadis en el remake de Last House on the Left, la nueva versión de I Spit on your grave, dirigida por Steven R. Monroe se define por una máxima inequívoca: adaptar todo un clásico del exploit de los 70 a las demandas estéticas y de contenido del aficionado de principios del siglo XXI.

Una joven y hermosa escritora busca la tranquilidad de una solitaria cabaña a orillas de un lago para dar forma a su nueva novela. Por desgracia la mencionada cabaña resulta ser excesivamente solitaria, y la vida de la joven queda a expensas de un grupito de paletos salidos con instintos homicidas que se creen con el derecho de violar repetidamente a la chica y dejarla finalmente abandonada en mitad del bosque, dándola por muerta… craso error. La joven regresa, y su sed de venganza es infinita.

El nuevo “escupitajo sobre tu tumba” sigue fielmente el esquema de su antecesora (y por extensión de todo buen rape&revenge que se precie de serlo): una primera mitad de violación, en la que la protagonista femenina sufre todo tipo de abusos y vejaciones de carácter sexual; y una segunda mitad en la que la víctima, tras un breve periodo en el que cura sus heridas y toma consciencia del daño recibido, decide trasladar todo ese dolor, multiplicado por diez, hacia sus agresores. En definitiva: violación y venganza.

Pero partiendo de la premisa de que el esquema del original y el remake es muy similar, lo cierto es que el nuevo I Spit on your grave nos ofrece una drástica alteración en cuanto al tono; sobre todo de la segunda mitad, la venganza.

La parte de la violación ofrece pocos cambios. Únicamente destacar la participación de unos agresores con un perfil más criminal del que hacían gala en la película original. Si en el film original de Meir Zarchi podíamos hablar de unos auténticos paletos sureños con el cerebro abotargado a causa de la fiebre del heno y hartos de pasarse por la piedra a todas las ovejas del lugar; en el remake de Steven R. Monroe nos sitúamos ante un grupito de paletos sureños (hasta aquí las coincidencias) que deciden grabar sus fechorías con un cámara digital de vídeo y que buscan el amparo de un personaje clave, del que prefiero no arrojar más datos, para asegurar la total impunidad de su crimen. Parte de la “ingenuidad” (mal entendida… que nadie vaya a pensar que los defiendo o justifico en modo alguno) de los agresores del primer I Spit on your grave se pierde en el remake.

Pero al margen de la naturaleza de los agresores y de esos matices en cuanto a su personalidad y sus motivaciones, el desarrollo de la secuencia de violación no varía excesivametne entre la película original y su remake. Y, pese a ello, en dicho campo de batalla, el remake de Steven R. Monroe sale claramente perdedor. En otras palabras: al día de hoy, más de 30 años después de estrenarse el primer I Spit on your grave, la secuencia de violación (o violaciones, para ser más exacto) de la película original sigue causando un mayor estupor y rechazo por parte del espectador que su remake de 2010. ¿Las razones? Pues similares a las ya apuntadas en la reseña de la nueva versión de Last House on the Left: la violación del I Spit in your grave original es más real, más cruda, más auténtica, menos moldeada por el tamiz “cinematográfico” y, como consecuencia de todo ello, mucho más difícil de digerir. A favor de la secuencia de violación del remake señalar un par de características que en realidad no deberían sorpender a nadie: su evidente mejora en el apartado visual (la larga secuencia está mejor rodada, mejor montada y mejor fotografiada), y quizás el hecho de que el remake sea incluso más explícito que su predecesora. Pero ninguna de estas caracterísiticas (ni siquiera el ser más explicita en el plano sexual y violento) implica que dicha secuencia sea más sobrecogedora que en la pieza original. En este sentido la “naturalidad” del I Spit on your grave original juega decididamente a favor de su mayor impacto.

Sin embargo, donde las distancias se alargan de manera considerable entre original y remake, es en todo el apartado de la venganza. En el I Spit on your grave original, tras recuperarse de sus heridas, la protagonista usaba sus dotes de seducción para engañar a quiénes fueron sus agresores, haciéndoles víctimas de sus instintos animales, de su fragilidad ante el erróneamente llamado “sexo débil”, y de su infinita estupidez. El sexo vuelve al hombre vulnerable, nubla su inteligencia y buen juicio, y le convierte en una víctima potencial. La mujer (antes vícitima) conoce perfectamente las debilidades de su oponente y las aprovecha para consumar su venganza. Todo un proceso que se resume perfectamente en el título con el que el I Spit on your grave se conoció en España: La Violencia del Sexo.

Un proceso, el de consumar la venganza utilizando el sexo como arma arrojadiza que se vuelve en contra de los agresores, que se pierde por completo en esta moderna relectura de I Spit on your Grave. Y es que es en el apartado de la venganza donde se hace más evidente la necesidad de Monroe de adaptar el clásico de los setenta a la mentalidad y a los gustos del publico de principios del siglo XXI. La protagonista femenina del nuevo I Spit on your grave olvida su papel de mantis religiosa que se acerca a sus víctimas con la promesa de sexo fácil para acabar deborando sus cabezas, y se convierte en una simple, pero muy efectiva, alumna aventajada del Jigsaw de la saga Saw. Se sustituye el papel del sexo como detonante de la violencia, por la violecia pura y dura adornada con fuegos artificiales. Cada acto de violencia, cada muerte, cada peldaño en la escalada de violencia, se convierte en una sádica y rocambolesca muestra de tortura y agonía en la que la credibilidad o la “naturalidad”, aspectos presentes en la obra original, desaparecen por completo. Violencia como espectáculo. Mutilación como dogma de fe. Regreso al grand guiñol en su versión más estética y contemporánea… rozando la escatología del torture porn.

Es más que evidente que se traiciona el espíritu e incluso el mensaje (la debilidad del hombre frente al poder sexual de la mujer) del I Spit on your grave original; lo cuál podría llevaros a pensar que un servidor estaría plenamente dispuesto a mandar al infierno el remake que hoy nos ocupa. Pero en este caso hay un factor que juega en contra de la lógica (o al menos de mi propia lógica). Una razón que me lleva a salvar el remake de I Spit on your grave de la quema a pesar de atreverse a equiparar un clásico del rape&revenge con la más vulgar de las secuelas de Saw: la venganza perpretada por la protagonista me acabó resultando terriblemente divertida. Cada uno de los asesinatos de la segunda mitad de la película, sádicos, retorcidos, sangrientos, exagerados, afines al torture-porn… fueron una auténtica gozada. Sin el poso ni las dobles lecturas que pueda proporcionar un exploit del calibre del I Spit on your grave original, pero absolutamente eficaz a la hora de alcanzar sus objetivos: un poderoso espectáculo de sadismo y violencia que conviene disfrutar intentando olvidar cuáles son sus orígenes (pese a lo que acabáis de leer en la presente reseña, os recomiendo no establecer demasiadas comparaciones entre la película original y su remake).

Os recomiendo gozar sin complejos del nuevo I Spit on your grave. Y para todos aquellos que todavía no hayais visto la original de 1978… os la recomiendo con mayor vehemencia si cabe.

Lo mejor: La venganza. Pese a traicionar el espíritu de la película original, resulta tremendamente divertida.

Lo peor: Sigue estando por debajo de la pieza original.

864 millones de dólares. Esto es lo que han recaudado, a nivel mundial, las siete películas de las que consta la saga Saw. Los presupuestos de estos siete títulos suman 68 millones. Si a los 864 millones antes citados añadimos las ganancias en concepto de ventas en DVD y Blu-Ray, así como merchandising variado y ventas a televisiones, se antoja evidente una conclusión: estamos ante la franquicia más rentable que ha proporcionado el cine de terror. De hecho, de no ser por otro fenómeno del género, Paranormal Activity, que durante Halloween del 2009 arrebató el trono a la saga de Puzzle, que por aquel entonces contaba con la sexta (y menos taquillera) entrega, podríamos seguir hablando de éxitos masivos año tras año. Sin embargo, el relevo se ha pasado definitivamente a la saga rival, pues con Paranormal Activity 2 (2010) volvió a repetir éxito y reinado sobre la matanza tridimensional que nos ocupa.

Tal como comentaba, la sexta entrega comenzó el declive comercial de una franquicia que no tenía intención de desgastarse. En los resultados artísticos, el tema es muy diferente. Desde que la interesante primera entrega diese la sorpresa, fue perdiendo puntos a marchas forzadas. Así, pese a que la segunda y la tercera todavía eran capaces de ofrecer tramas medianamente atrayentes, quedaba claro que la violencia y el más difícil todavía en las trampas eran el modus operandi. El problema vino cuando, tanto la cuarta como, sobre todo, la quinta, no sorprendían ni siquiera en este aspecto (la tercera sigue siendo la más gore y mejor ejecutada en este aspecto), y sus tramas, incluso siendo mínimas, resultaban cargantes y absurdas por igual. La llegada de la sexta, con toda la surrealista polémica que despertó entre algunos “políticos” españoles (calificada X y más tarde estrenada con unos cuantos cortes), dejó mejor sabor de boca. Sin ser gran cosa, al menos resultaba más entretenida e intentaba volver a los tiempos del inicio de la saga: calibrar el gore con un guión más aceptable y llevadero. Sin embargo, para el (dicen) capitulo final, han tirado por el camino de la cuarta y la quinta. Pero…

Y digo pero, porque, pese a seguir esa dinámica, es la primera que entiende, por fin, como debe hacerse un espectáculo sanguinolento sin mayor pretensión que ser un festival para aficionados al Torture Porn. Apología de la tortura, lo llaman. Pero, no olvidemos, apología de una tortura ficticia, cinematográfica. No la que nos practican nuestros políticos cada mes estrujando nuestros sueldos, prohibiendo las pocas libertades que nos quedan y subiéndonos los precios de todo lo básico para vivir. Respiro hondo y seguimos con Saw VII… o Saw 3d.

El 3d siempre se ha usado como antídoto contra la destrucción o pérdida de interés de una saga en lo comercial. O simplemente, para reactivar unas ganancias que se preveían menores a los anteriores capítulos. Ahí tenemos ejemplos, dentro de otras archiconocidas (y rentables) sagas terroríficas, como Viernes 13 Parte 3 (Friday the 13th: Part 3, 1982) o Pesadilla final: La muerte de Freddy (Freddy´s Dead: The Final Nightmare, 1991). Claro que, las tres dimensiones de aquellas no eran las mismas que las actuales. La experiencia, aparte de ser mucho más envolvente, no deja con dolor de cabeza. Al menos, no a tanta gente como antaño. Esto no quiere decir que la experiencia 3d del nuevo Saw sea asombrosa o impactante. En realidad, podría ser vista por el modo convencional y no se notaría cambio relevante. Y es que las nuevas tecnologías han sido aplicadas en Saw 3d con la dichosa excusa de lanzar cosas (órganos varios, sangre, armas matarifes) a la pantalla. Algo parecido a lo visto en San Valentín sangriento (My Bloody Valentine 3d, 2009). ¿Cuál es la diferencia con aquella? Pues que la que nos ocupa es, con gafas o sin ellas, un divertimento realmente eficaz y honesto. Incluso en su guión, de resumido trazado, encontramos los suficientes alicientes para dar por cerrada la serie sin que ningún fanático de la misma se corte las venas. Aunque ya sabemos que dentro del mundillo “fan” hay puristas y meticulosos hasta para un Torture Porn tan superficial.

Las trampas, principal plato de la función, son degustadas sin pausa. No son las mejores de la saga, aunque hay alguna bastante curiosa (la que da arranque a la película, o la que atañe a un grupo de skins), pero el nivel general se encuentra en la media de las más decentes. Varias de ellas son repeticiones (homenajes, dirán), y otras seudo variaciones. No obstante, todo funciona dentro de lo que uno pretende ver a estás alturas. Un mix, con algunas caras conocidas que retornan, un cameo de Puzzle (nada de protagonismos desde el mundo del flash back, como hasta ahora), nuevos agentes involucrados en la trama policial y buenas dosis de gore (a veces demasiado digital, supongo que por aquello del 3d), en la que puede considerarse, sin entrar en avatares quisquillosos, la entrega más divertida (que no interesante) de las siete.

Lo mejor: Que, como Torture Porn sin complejos, cumple sin problemas y a un mayor nivel que algunas aburridas entregas (la cuarta y la quinta).

Lo peor: Que no hay más que eso y algún guiño cómplice para con los fans de la saga. Aunque a estás alturas del “juego” quién espere ser sorprendido…

Esta es una de esas ocasiones en las que uno se ve obligado a ejercitar duramente su capacidad de imaginación y creatividad para justificar, de la manera más digna posible, porqué demonios le ha podido gustar – o al menos entretener – una película como Neighbor.

Una joven misteriosa dedica todo su tiempo libre a invadir casas ajenas y someter a sus ocupantes a todo tipo de sádicas y dolorosas torturas.

Dos líneas para resumir el argumento de Neighbor. Creo que de habérmelo propuesto lo podría haber dejado en cuatro palabras (palabra arriba, palabra abajo). Lo cierto es que cuando tocamos el ya cansino género del torture-porn, lo más habitual es que sobren las palabras.

Así es, Neighbor, segunda película del director Robert A. Masciantoni tras All Along, se enmarca dentro del género de torturas y ofrece, como plato principal (casi único), a la sana y dicharachera (eufemismos varios y poco afortunados para acabar constatando que está de buena que cruje) America Olivo, haciendo nuevamente gala de su vena gamberra, su militancia al género terrorífico y sus escasas, pero muy bien aprovechadas, cualidades interpretativas.

Debo reconocerlo, me encanta la Olivo.
Sé perfectamente que hasta el momento, su minuto de gloria se lo debe al esplendor de sus pechos turgentes y siliconados en el prólogo del remake de Viernes 13. Que su presencia en Iron Man y en Transformers era poco menos que testimonial (en esta última aparece acreditada como “la chica del frisbee”), y que sus presuntas aptitudes como actriz son tan sólo eso: presuntas.

Pero su desparpajo y su falta de estúpidos escrúpulos a la hora de afrontar papeles tan disparatados como el de Camaro en mi adorada Bitch Slap, o secuencias tan comprometidas como aquella en la que juega, de manera traviesa, con el pene del protagonista de Neighbor, la película que hoy nos ocupa, despierta en mí todas las simpatías habidas y por haber hacia una actriz que bien podría considerarse al equivalente actual a las añoradas scream-queens de los 80.
Es exactamente la misma admiración que siento por otra actriz acostumbrada a sumergirse en el barrizal (sin pretender ser despectivo… todo lo contrario) de la serie B y la serie Z norteamericanas: Tiffany Shapes.

Está bien… se me ve el plumero. ¿Por qué demonios sigo hablando de la Shapes, la Olivo o de Amber Heard (ummm… de ésta todavía no había dicho nada, pero sólo por ver lo que se oculta tras el enlace creo que ha valido la pena mencionarla) cuando el verdadero motivo de esta reseña es Neighbor? En realidad creo que ya lo dije al principio, con Neighbor sobran las palabras.

El guión de la película es un auténtico desastre. Pude llegar a intuir que Robert A. Masciantoni pretendió construir algo similar a una historia de realidades paralelas, o de segundas oportunidades, o de vete a saber qué. Pero lejos de armar una trama interesante que arropara a las inevitables secuencias de violencia y tortura, lo que finalmente obtuvo fue un auténtico galimatías que un servidor fue incapaz de descifrar. Saltamos adelante y atrás en el tiempo sin saber muy bien cómo ni porqué. Y me temo que el mismísimo Robert A. Masciantoni tampoco lo debió tener muy claro cuando, en un momento dado, decide otorgarle algo de coherencia a toda la historia (o al menos intentarlo) con una excusa que suena a desesperación: setas alucinógenas.

Ni siquiera se molesta en darnos una pequeña pista, un leve indicio sobre cuáles son los motivos que empujan al personaje que interpreta America Olivo a cometer el abanico de barbaridades mostrado en Neighbor.

Quién sabe, quizás con una buena ración de dichas setas mi cerebro hubiera espabilado y le hubiera encontrado algún sentido a la trama de Neighbor.

Y pese a todo esto que acabo de contaros, Neighbor me gustó. Me pareció entretenida… mala, pero entretenida. Cierto que Robert A. Masciantoni fracasa a la hora de construir una historia mínimamente decente que dé sentido al posterior desfile de momentos gore que atesora Neighbor; pero es que precisamente esos instantes gore (al fin y al cabo principal sustento de todo buen torture-porn que se precie) me resultaron inusualmente amenos y divertidos. No estamos ante uno de esos típicos torture-porn que hacen del sufrimiento extremo y la vejación de sus protagonistas su principal argumento. Hay sangre, hay gore (sin exageraciones), hay humillación y sufrimiento, pero también existe en Neighbor una continua sensación de que nunca acaba de tomarse en serio a sí misma. Todas las secuencias de violencia desprenden una sana socarronería, una cierta ironía a la que no es ajena, en absoluto, la interpretación de America Olivo: las medias sonrisas, las miradas juguetonas a la cámara (me queda la duda de si dichas miradas furtivas a la cámara están en el guión o son un desliz de la Olivo), los chistes malos…

Neighbor no es una gran película, y quizás America Olivo no sea una gran actriz; pero en esta ocasión su presencia y su trabajo provocan que las secuencias de violencia sean más llevaderas y entretenidas de lo que suele ser habitual en este tipo de producciones. ¿Todo aquello que no sea ver a la Olivo maltratando con ensañamiento a sus compañeros de reparto? Pues puro desperdicio… quedáis avisados.
Así que, parafraseando a un estimado seguidor de este blog, tan sólo me queda añadir: God Bless “America”.

Lo mejor: America Olivo en un torture porn llevadero y entretenido.

Lo peor: Atención!!! No es una buena película. El guión es un desastre y si no se toma con algo de humor la experiencia puede ser desastrosa.

1.-LA CRUELDAD DEL SER HUMANO NO TIENE LÍMITES:

“Acusar a la maldad de los tiempos es excusarnos a nosotros mismos. (THOMAS FULLER)“

Antes de comenzar con la crítica/reseña de esta maravillosa salvajada tengo que hacer una pequeña aclaración: desde que tengo uso de memoria la curiosidad ha sido una enfermedad en mí, tanto para lo bueno como para lo malo, tanto para saberme hasta los directores de fotografía de mis películas favoritas o conocer más de 20 tipos de hongos comestibles, hasta llegar lo más lejos posible para intentar comprender el porqué de las grandes calamidades que ha provocado el ser humano a lo largo de la historia. Eso hace, no solo que sea ateo hasta la médula, sino que haya visto por voluntad propia películas y documentales – por no hablar de libros y ensayos – que dejan esta película tan “controvertida” a la altura de un episodio de Farmacia de Guardia. Y no quiero ir de plan lo-he-visto-todo, sencillamente me atrae mucho el lado oscuro de las noticias y me gusta saber todo lo posible. Ejemplo: que leo en una esquina pequeñita de la página 42 de cualquier periódico algo como: “Crece el número de víctimas en Ciudad Juárez, 25 mujeres muertas en lo que llevamos de mes”, y yo me digo, qué??, como es posible…pués me acabo comprando Las Hijas de Juárez y acabo casi llorando de la crueldad y el desprecio que se tiene en este “estado del bienestar” por las mujeres, especialmente las más indefensas. Leo en un libro (“El Primer Ciudadano” de ANDY OAKES)referencias escabrosas y ambiguas sobre la infame UNIT 731, pués me busco la cuasi-insoportablemente realista documental/película PHILOSOPHY OF A KNIFE me la trago enterita, que son 4 horas de delirio en busca de los límites de la crueldad, y del espectador.

2.-LA VIOLENCIA GRATUITA Y LA CENSURA:

“If you suck on a tit the movie gets an R rating. If you hack the tit off with an axe it will be PG”. Jack Nicholson.

Todos estamos de acuerdo en lo que significa el concepto de violencia gratuita, no? La violencia por la violencia, sin justificación alguna. Algo innecesario, que solo sirve para darle carnaza a la prensa, o darle publicidad a películas mediocres. Pero más difícil es matizar quién lo determina, si unos censores meapilas, o el propio espectador?? Si en cualquier película de Marines de los EEUU se cargan a cienes de cualquier minoría, a ser posible religiosa, todos aplaudimos (bueno, ellos aplauden) y esa película se estrena en cines de todo el mundo, con lo cual eso no sería considerado como “violencia gratuita” y no sufre ningún tipo de censura. Lo de siempre buenos contra malos. Pero si muestran como una mujer se automutila el sexo (La Pianista, del gran Michael Haneke, según muchos: “un experto en mostrar al espectador aquello que sabe que existe pero que ni suele ni gusta de ver”) se estrena en cines de autor y cierto tipo de críticos se ensañan con lo innecesario de la escena (que no estoy de acuerdo), pero además, con un cinismo apabullante, ya que esa película luego se hincha a recibir premios de los críticos más prestigiosos…Y así podría poner mil ejemplos, pero solo servirían para clarificar un poco más mi punto de vista sobre la subjetividad aplicable a la dicotomía de violencia gratuita-censura: Cada uno tiene derecho a decidir lo que es extremo y no, lo que es gratuito o hay que mostrar, lo que te molesta ver y lo que quieres ver. No como cuando estás comiendo, o haciendo lo que sea, y te plasman en pantalla la secuencia de un crío de 5 años abatido a tiros en brazos de su padre. Hoy no eliges, te lo imponen. Y deciden por ti si debes o no ver una escena en concreto en una película, luego que libros debes leer, y si te descuidas comes lo que te digan. Así que yo creo que la escena en concreto le da un punto de desquicie muy apropiado para una historia tan escalofriantemente real y creible. Creible porqué lo hemos visto en la tele y ciertos “trabajadores” en guarderías, o palabras como Toddlerkon (buscadlo en el google y asustarse) o recientemente leído en una de las novelas de la Hexología de Berlin Noir de Phillip Kerr, como en ciertos campos de concentración nazis se usaba a los bebes para hacer pruebas de tiro. Según una entrevista que dio en Fangoria, el director justificaba esa escena como un simbolo de la violación sistemática de la libertad de expresión en el mundo, y en su país en particular. ¿Excusa?, puede, pero haber nacido en los 80 en la antigua Yugoslavia te marca de por vida, seas quien seas, y si no hacerme caso y haceros con Savior, tremebunda.

3.-BELGRADO UNDERGROUND

Milosh (un creible e intenso Srdjan Todorovic) era elputoamo, era el rey del porno serbio, era una leyenda inhiesta como un pedestal de marmol, habían caido las mejores, una de las cuales se acabó convirtiendo en su mujer, y madre de un crio muy salao. Pero las cosas no pintan muy bien. Todo lo ganado en sus años de gloria se ha desvanecido entre botellas de bourbon, la educación del niño y el intento de adaptarse a la vida de clase media tan dificil de conseguir en Serbia. De vez en cuando tiene que partcipar en alguna cutrez de serie b (porno, claro) para sacarse una pelillas. Uno de estos contactos, Lejla, le pone en contacto con un tal Vukmir (espeluznante Sergej Trifunovic) que le hace una oferta irrechazable, por dos razones: 1º Por la inmensa cantidad de pasta, y 2º por que es tan sencillo como hacer lo que mejor se le daba, pero esta vez con un “supuesto” nuevo enfoque de realismo con ínfulas de creatividad, o eso piensa él. Milosh se lo toma en serio, sale a hacer footing, deja la priva, come sano…Y llega el día en que va a estrenarse en su nuevo trabajo. Así, en principio, parece fácil; sólo tiene que ir siguiendo las instrucciones del “Director” Vukmir, que tras su fachada megalomaniaca esconde un desprecio por la raza humana en todos sus niveles que solo es posible en personas nacidas para hacer el mal, a otros, y disfrutar con ello. Pero de eso se da cuenta demasiado tarde Milosh, casi según entra en el casoplón de Vukmir y comienza a sentir que algo no va bien. No es normal ver a una niña de 12 años sentada en una escalera, ni ver como zurran a su supuesta madre delante de ella, a la cual no tarda mucho en follarse , no precisamente con amor y delante de una grabación de su hija lamiendo un polo.

Mientras, en su casa, su hermano hace todo lo posible por robarle a la mujer, además de informar a Milosh de que el tal Vukmir ha trabajado siempre en relación con niños maltratados y asociaciones de caridad infantiles. Milosh tiene dudas después de la primera sesión, pero necesita el dinero, se encuentra en una especie de encrujicada vital que le obliga a elegir entre sus sospechas de que en casa de Vukmir pasa algo muy feo, y la necesidad de recuperar su status de leyenda del porno. Pero realmente no tiene muchas opciones, sin que el lo sepa le están drogando con “cachondina” para toros diluida en en los numerosos whiskies que se toma para soportar la tensión. La espiral comienza a cobrar vida y antes de que sepa lo que realmente está pasando, está sumergido hasta lo más profundo en la mente enferma de Vukmir y se convierte en testigo y partícipe de sus depravaciones. Ayudado de la perfecta fotografía (ayudada de un nuevo tipo de cámara digital) y la espectacular banda sonora de SKY WIKLUH (que no es techno coño, que es un dubstep muyyy sucio) conforma un conjunto cuasi-perfecto en el que yo si leo entre líneas las penurias que han pasado y las cicatrices que nunca se borraran.

En cuanto al Movimiento Underground de cine en Belgrado (SUBVERSIVE SERBIA), ahora mismo se compone de tres títulos: el que nos ocupa, THE LIFE AND DEATH OF A PORNO GANG (de esta hay un teaser por ahí bastante impactante)de Mladen Djordjevic, y una llamada TECHNOTISE de la que no se sabe nada y TEARS FOR SALE de Uros Stojanovic, así que habrá que andar al lio.

Lo mejor: La tensión angustiosa, el climax final, la valentía, el nivel técnico, los actores...casi todo vamos.

Lo peor: Que la promocionen y la critiquen como la película de la "escena".

“De los escritores de Saw 4, 5 y 6 nos llega la nueva sensación: The collector” Uyuyuyuyuy! La premisa a la hora de enfrentarse a esta película no era buena. Ya estamos escarmentados de bodrios avalados por “de los guionistas de…”,“De los productores de …” y “De los chicos que aparecen en un segundo en una sola toma de…”, aun así dejé mis prejuicios a un lado (también porque sigo viendo todas las partes de Saw…) y comencé a ver The Collector tranquilamente… y la cosa no pudo ir mejor.

Comenzamos con los créditos iniciales, me empiezan a recordar a Seven, la música me resulta familiar (claro, claro, corre a cargo de Jerome Dillon, ex Nine Inch nails). Las imágenes son interesantes, chicos, chicas, ésto promete.
La accción comienza rápidamente: una caja sospechosa, un grito y lo que está por venir.
Nos ponemos en situación y encontramos a Arkin, ex convicto y amante de su familia, por la que lo daría todo. La situación parece perfecta, la familia adinerada no está. Arkin tiene toda la casa para él solo, es un experto cerrajero y tiene una caja de seguridad a su merced, pero en realidad no está solo…
Primera escena salvaje, el marido apaleado frente a Arkin, imagen del coleccionista, ahora la trama cambia, se trata de no ser cazado.

La película es una perfecta mezcla de suspense máximo y torture-porn, aderezado con trampas.
La diferencia entre The collector y la saga Saw es que en Saw las trampas estaban diseñadas para probar la voluntad de los “jugadores”, mientras que en The collector, las trampas están diseñadas para cazar. Las trampas están preparadas para matar, que es para lo que, en definitiva, están hechas las trampas en la realidad.
La casa entera es una sucesión de trampas construidas con elementos cotidianos y pensadas desde el punto de vista del humano que quiere cazar al animal.

El gore es notable y preciso, es real y es feo, muy feo. The collector es lo que yo llamo “película limón” (cada vez que se producía una muerte, yo arrugaba la cara y apretaba los dientes, como lo hago cuando como un limón).
La principal baza de The collector es la tensión. La película respira y suda tensión, el suspense no da tregua. Los movimientos de la cámara ayudan a acrecentar esa sensación de desasosiego y la experiencia es frenética.

El coleccionista tiene carisma y su atuendo responde perfectamente a las normas del slasher, pero en este caso, la película se acerca más al torure-pon que al mero slasher.
Las víctimas están estereotipadas, pero es lo lógico en este tipo de propuestas.

A simple vista, la película, dentro de su género debería haber obtenido una puntación más alta, pero la realidad es que la trama queda coja, y esa cojera te arrastra, lentamente, a hacerte una serie de preguntas sin respuesta.
Sólo se sabe que el coleccionista colecciona personas porque una de sus víctimas, ”la carnaza”, lo menciona.
¿Por qué esta víctima se autoproclama carnaza? Sin respuesta.
¿Cuáles son las características de selección del coleccionista? Sin respuesta.
¿Pudo el coleccionista armar él solo todas las trampas en unas pocas horas? Sin respuesta.
¿Cuál es el significado real de la caja? Sin respuesta.
Demasiadas preguntas sin respuesta para una película que podría haber sido más que notable si la hubieran meditado un poco más.
Está claro que el Sr. Dusntan y el Sr. Melton destacaron (y destacan) en la elaboración de trampas y torturas crueles, pero se olvidan un poco de explicar el porqué y el cómo.

Aún así, The collector es altamente recomendable, una experiencia angustiosa que no aburre ni un solo segundo.
El inicio de una nueva saga basada en The collector, para mí, es un hecho (aunque creo que será mucho menos existosa que Saw). Al menos, yo espero una segunda parte que revele la realidad de los temas pendientes de este film.

Lo mejor: La sensación continua de suspense y lo bien tratado que está el gore.

Lo peor: Deja demasiadas dudas.

Tras la desaparición de sus padres, y la ausencia de su hermano mayor (por el que sentía algo más que un simple amor fraternal), la joven Izzy Shea se ve obligada a sacar adelante a la única familia que le queda: su hermano menor. Para ello tan sólo contará con la ayuda de un robusto y bonachón motorista amigo de su padre.

Semejante argumento podría dar tanto para una comedia sentimental protagonizada por una joven actriz emergente, especializada en este tipo de productos (no me obliguéis a dar nombres… me estanqué con Meg Ryan como reina absoluta de la comedia romántica); como para un melodrama “indie”, aderezado con un par de canciones pop resultonas y no muy comerciales, y dando la campanada en la próxima ceremonia de los Oscars, alzándose con la estatuilla al mejor guión original.

Pero nada de esto ocurre en la película que hoy nos ocupa. Si en lugar del romanticismo o el melodrama rural nos situamos en el terreno de la violencia, la escatología, las torturas, humillaciones, mutilaciones, violaciones y los asesinatos a sangre fría, el resultado final será algo parecido a Sick Girl, una de las películas independientes más extrañas e interesantes de los últimos años.

El gran acierto de Eben McGarr (director y guionista) consiste en no reducir Sick Girl a una simple sucesión o compendio de secuencias escabrosas y violentas (que las hay… y harán las delicias del aficionado), y tomar, en su lugar, la sabia decisión de presentarnos a un personaje complejo – la “chica enferma” a la que hace referencia el título de la película – cuya vida, lejos de la normalidad aparente, se encuentra decisivamente marcada por una serie de traumas familiares que, SUPUESTAMENTE, acaban definiendo una personalidad trastornada y con una insana tendencia a provocar el dolor y el sufrimiento ajeno.

Y ese “supuestamente” que establezco hace referencia a otro de los factores importantes que definen Sick Girl: su total ambigüedad en el mensaje que transmite.
Por un lado McGarr se esfuerza en hacernos creer que los actos violentos de Izzy responden a una serie de traumas sufridos por la protagonista en el pasado (la pérdida de sus padres y de su hermano mayor – del cual se desprende una presunta relación incestuosa –) y a la necesidad de sobreproteger a su hermano menor. Sin embargo, los brutales y exageradísimos estallidos de violencia a los que asistimos por parte de Izzy nos hacen pensar en una auténtica “Natural Born Killer” (una “asesina nata” a imagen y semejanza de la película de Oliver Stone), que disfruta y se relame con cada nueva tortura, cada nueva humillación, cada nuevo asesinato; y en los que muy poco tienen que ver, a modo de posible factor detonante, los problemas que haya tenido la protagonista siendo niña o los estrechos lazos que la unen a su hermano menor.

Como consecuencia de ello resultaría sencillo acusar a McGarr de manipulador, de impostor. De intentar camuflar la obscenidad y la violencia que desprenden algunas de las imágenes de Sick Girl bajo un irreal traje de denuncia social y drama familiar hecho a medida. De intentar hacernos creer que Sick Girl esconde algo más profundo cuando, en realidad, lo único que realmente tiene fuerza en la película son las secuencias de violencia. De intentar justificar el brutal comportamiento de Izzy mediante una inexistente e innecesaria coartada moral.
Sin embargo no seré yo quien vierta este tipo de acusaciones sobre Mr. McGarr, ¿por qué razón? Pues, sencillamente, porque esa contraposición entre los momentos familiares de Izzy (la relación con su hermano y con el fornido motorista) y los instantes de extrema violencia, me pareció fascinante. Acepto el presunto engaño de McGarr. Y lo acepto porque Sick Girl me atrae, me convence. Porque su ambigüedad moral me cautiva.

De ese contraste entre la vida familiar de Izzy y su apetito por consumir dolor ajeno, nace una de las películas más inclasificables que recuerdo. Por momentos un drama familiar y humano situado en un entorno rural, y por momentos un torture porn sangriento, escatológico, sexual y pasado de vueltas.

Todo ello provoca en Sick Girl la “extrañeza” a la que me refería al principio. Una extrañeza que viene resaltada por una espléndida fotografía, luminosa y gastada (deudora del cine de horror norteamericano de los setenta), una magnífica utilización del sonido (y también de la “carencia” de sonido: ver la secuencia de inicio), y la efectiva labor de todos los actores implicados, desde el niño, cuya presencia no se hace insoportable (lo cual ya de por sí es todo un logro), hasta el papel protagonista de la joven Leslie Andrews, una sick girl sobreactuada en muchos momentos, pero poseedora de un físico, y en especial un rostro, que nos empuja a plantearnos aquello de ¿ángel o demonio?

Incluso para todos aquellos a los que la historia personal y familiar de Izzy os traiga sin cuidado, apuntaros que Sick Girl tiene a su favor una secuencia final realmente perturbadora y radical en la que McGarr echa el resto.

Sick Girl es una excelente propuesta independiente. Una película atrevida y diferente. Que no pase desapercibida…

Lo mejor: esa convivencia entre drama familiar y humano y torture porn pasado de vueltas.

Lo peor: a quiénes tan sólo les interese la violencia les puede resultar aburrida. Que pase desapercibida…