El teniente Bart es un soldado norteamericano cualquiera destinado a Iraq, por supuesto alberga sus dudas sobre el sentido de su misión en tierras árabes, pero ante todo es un patriota convencido. Al menos siempre lo sintió así en vida, quizás tras caer en una emboscada y resultar muerto haya cambiado de opinión.

¿Podríamos preguntárselo a un muerto? Desde luego que no, y aun más difícil si no disponemos de una guija bien configurada. Afortunadamente el cuerpo del teniente es repatriado a casa, para ser enterrado con unos honores y recuerdos que tal vez no se correspondan con lo que fue en vida: un tipo sencillo. Su novia derrama amargas lágrimas por él, Joey – el mejor amigo de Bart – es algo más pragmático y prefiere enrollarse con ella en “memoria” de su “brother”.

¿Qué pensaría nuestro protagonista de esos cuernos post-mortem? Alcancemos su tumba para intentar sondear al cadáver. ¡Demonios! Es una idea de locos hacerle preguntas a un muerto como plañideras, pero… espera, ¿un rumor? Algo se mueve bajo tierra, ¡no puede ser! Sí, sí, un muerto que camina, Bart surge costosamente de la tumba. Podremos hacerle esas dichosas preguntas que nos rondan, a no ser que sea un zombie y prefiera devorarnos el cerebro antes que contestarnos. O tal vez sea un vampiro, parece lo suficientemente lúcido como para descoser el hilo quirúrgico que sella sus labios putrefactos. No, imposible, no hay glamour, solo una peste de mil diablos. ¿Entonces? Podría ser un “revenant”, un espíritu corpóreo que duerme por el día y ha de beber sangre para mantener la corrupción a raya.

Bueno, tal vez no deberíamos preocuparnos por Bart, fijaos bien; se dirige derecho hacia casa de su “mejor” amigo. Esperemos que Joey no reciba un susto capaz de sacarle el corazón del pecho. ¡Seguro que no! Además, con lo grandes colegas que siempre han sido, seguramente resolverán el problema de la resurrección de Bart con tacto e inteligencia. No creo que el gusto de Joey por la coca, las armas y la vida fácil se convierta en un problema. ¿Verdad?

The Revenant vendría a ser un nuevo intento de vuelca de tuerca (y van) dentro de la comedia de muertos vivientes (y van). Así, a pelo y solo rascando la superficie – es decir, trailer, imágenes, póster y sinopsis reducida –, no me extraña que esta producción Californiana haya pasado desapercibido tanto para el aficionado como para los medios especializados. No soñéis con verla estrenada en cine (afortunados aquellos que pudistéis verla en Sitges), no dudéis de que su distribución española o latinoamericana es una utopía y si la descargáis – os deseo suerte buscándola –, además de condenar vuestras almas para toda la eternidad, podréis comprobar que no existe subtítulo al castellano decente.

De nuevo, la forma de condenar al ostracismo otra cinta independiente, muestra lo inteligentes que nos consideran las “todopoderosas” distribuidoras españolas (y ahora hablo estrictamente de mi país porque es aquel cuya “idiocracia” conozco bien), porque para ser sincero: The Revenant no es la reinvención de la rueda, no es la película del año ni es la comedia que va a provocaros flatos en los riñones, pero sin lugar a dudas considero un deber del aficionado de corazón al fantástico – y una obligación de los “amantes” de los zombies – experimentar los aciertos y errores que atesora esta cinta dentro de su compleja estructura y atrevidas intenciones. Unas virtudes y defectos que se van compensando a lo largo de diferentes picos durante el extenso metraje (casi dos horas que a tenor de la verdad creo que no se terminan justificando), para terminar decantando la balanza hacia el lado positivo gracias a un final de esos que odias o amas. Bien, como a un servidor le ha sorprendido (os aseguro que por nada del mundo podéis esperar como finiquita la historia de Joey y Bart) y agradado ese giro melancólico, oscuro, espectacular, tierno, modernista, crítico y hasta surrealista; no puede por menos que sonreír y pensar: “¡Joder! Películas como ésta son las que hacen que merezca la pena buscar y rebuscar por los cajones olvidados del horror”. Insisto: no se trata de una gran película a nivel técnico – posee sus carencias y las muestra por mucho que, en momentos dados, se obstine en intentar maquillarlas – y mantiene unos constantes altibajos que requieren paciencia y voluntad por parte del espectador; no obstante, resistir, merece la pena. Ya conocéis nuestro género, los finales pocos están a la altura de las expectativas, y muchos menos las superan.

Hasta llegar a ese mentado final, transcurre una hora y tres cuartos que se nos ha intentado vender como una “buddy movie” (para el que no lo sepa lo resumiré como comedias de colegas donde la acción es el envoltorio de la relación, habitualmente chocante, de los dos “colegas” protagonistas, a poder ser policías). Nada más lejos de la realidad, el “colegeo” entre Joey y Bart sería solo la punta del iceberg, un componente más de los muchos que componen The Revenant. Vale, aquí los “zombies” (si disponéis del placer de verla veréis que no es tan sencillo asignar dicho adjetivo a la condición de Bart) también poseen una buena dosis de inteligencia, pero al contrario que la flojita comedia Deadheads, también el enfoque sobre todo lo que rodea a la historia es inteligente. ¿Fallos arguméntales? Como los agujeros de mis bolsillos, grandes fosas sépticas donde la coherencia se pierde para entrar en juego la comedia. Humor que unas veces funciona, provocándote carcajadas, y otras en absoluto, causando arcadas. Además, por mucho que la perspectiva sea la del muerte viviente, estamos lejos del estilo humanista de Wasting Away. Los protagonistas de la que hoy nos ocupa tienen más oscuros que claros, es difícil sentir empatía por ellos, siendo Joey un “capullo” en toda regla y Bart un poquito pánfilo para haber sido teniente del sacrosanto ejercito de los Estados Unidos (¡se me cuadren coño!). En definitiva, personajes bastante humanos pero se atisba una sima empática entre la pantalla y nuestro cómodo sofá, lo cuál adultera tanto el terror, como el humor; por mucho que la carrera final hacía el drama (cínico, muy cínico) nos acerque más a los protagonistas.

A esta falta de humanismo también contribuye la desmedida obsesión por las armas y los tacos mostrada a lo largo del metraje, tan de barrio marginal estadounidense y más propia de comedias descerebradas. Una dosis de acción y de escenografía marginal cuyo mayor beneficio en el protagonismo cedido a la ambientación nocturna de la ciudad de Los Ángeles, parte importante del propio argumento y excusa para ofrecer un puñado de panorámicas que no suelen incluirse en los menús del cine independiente. Para terminar de contribuir a esta ambientación suburbana, contamos con uno de mis grandes, y escasos, temas para propiciar el coma etílico lejos del rollo “rockero”: Tengo un trato de La Mala Rodríguez. No está mal el guiño latino, ¿verdad?

Pero de nuevo juega una mala pasada el factor “marketing”: habiendo visto el trailer uno puede llegar a pensar que está ante una ensalada continua de tiros, muertos vivientes y chistes constantes… y de nuevo se equivocaría. Puntualmente, hay varias escenas cargadas de estética, acción y humor que, a la par que han servido para montar el dichoso trailer, regalan nuestros ojos aunque a sabiendas de su ausencia de contenido, puesto que ese “contenido”, ese peso intelectual se ha intentado volcar en otros elementos (¡vaya mejunje amigos!) como el drama personal de Bart con su novia (donde entran en juego unas gotitas de romance que transitan entre lo patético y lo sensual; de nuevo más extremos), la moralidad que la nueva condición de Bart provoca – materializada en voz de un personaje que me ha resultado muy entrañable: Mathilda “la lesbiana esotérica” – y, como no, la relación entre los dos amigos, el autentico meollo de la película.

Desgraciadamente, el intento de dotar a la trama de un fuerte componente emocional se ve diluido por una dirección artística errática y unas actuaciones que en caso concretos rozan los amateur. Afortunadamente, uno de los actores que recibe mayor peso (Chris “Joey” Wylde) resulta no solo eficaz si no lo siguiente. Se nota su larga experiencia como secundario en cintas como Evolution o Space Cowboys. Un aplauso por su trabajo porque en realidad es quien se lleva el gato al agua, quedando el televisivo David Anders (Bart) varios peldaños por debajo. Aunque, siendo honestos, quizás se deba al uso constante de unas incomodas lentillas que apenas transmiten el estado mental por el que transita el interesante personaje del “revenant”. Lo que me lleva a la gran labor realizada en el apartado de efectos especiales. Se nota que su director y guionista, D. Ferry Prior, ha trabajado codo con codo para crear, profusamente junto al siempre interesante Coscarelli, geniales efectos especiales prácticos pero bien resueltos (Jóvenes Ocultos, Abyss, Bubba Ho – Tep). Grandes efectos de maquillaje para la segunda incursión, dentro del largometraje, de un cineasta con ideas atrevidas y claras (por favor, más ocurrencias con vibradores y cabezas cortadas), todavía con mucho que aprender y por decir detrás de una cámara.

Por parte de otros actores no entraré en detalles, si ya de por sí sus personajes están metidos con calzador sin aportar mucho a la trama principal, sus interpretes se notan como perdidos en una ambientación (la del horror/comedia/drama/acción) no al alcance de cualquier actorcillo de Hollywood. No todos lo hacen mal, pero se repite la tónica común: no existe un nivel constante que acomode la historia sobre los hombros de cada uno de sus personajes.

En conclusión, ya veis que The Revenant posee elementos de valor, y grandes pifias, como para estar hablando un buen rato de ella, pero tampoco sería justo. Primero porque ya destripo demasiado las películas que os comento y, segundo, porque la relativa complejidad de las dos horas que dura la cinta (de nuevo os recomiendo paciencia) merece que cada cual haga su análisis personal sin más vueltas. Por supuesto que a muchos les parecerá una perdida de tiempo, su profundo desequilibrio distraerá bastante al público poco exigente consigo mismo; también le cuesta arrancar (los momentos más espectaculares y directos nos esperan en la segunda mitad) pero no es óbice para degustar la recreación de un estado, el de la no-muerte, y su influencia en las relaciones personales de dos personas que, exageraciones a parte, son igual de descerebrados que cualquiera de nosotros. A falta de una mayor profundidad en las ideas morales y un pulido en las reacciones de los personajes, puedo decir que The Revenant es una película única, olvidaos de cualquier influencia por parte del clásico ochentero ¿Estamos muertos o qué? (Dead Heat), la dosis de ideas propias y situaciones chocantes es la suficiente para recomendaros su visionado sin rencillas.

Como cualquier buffet cinéfago, tenemos un poquito para cada paladar, a pesar de no satisfacer los gustos más profundos dentro de una “especialidad” concreta. Y esta frase más propia de Miyagi San os dejo; Bart y Joey me esperan, vamos a echarnos unos tiritos y matar unos cuantos polis corruptos para beberles la sangre. ¡Qué aproveche!

Lo mejor: El final, inesperado en su planteamiento. Profundo y crítico como pocos dentro del subgénero. Mención especial para el departamento de maquillaje.

Lo peor: Demasiados conceptos juntos que acaban tratándose muy superficialmente. Las actuaciones de bastantes actores no acompañan a la buena historia que tenían detrás, quedando su narración a medias.

Un equipo de investigación se pone en contacto con la comunidad vampírica de una pequeña zona de habla francesa en Bélgica para rodar un reportaje. Una vez establecidos en la casa de una familia, más o menos normal, van descubriendo los secretos de la raza vampírica, unos más prosaicos que otros: como duermen, como se alimentan, que les preocupa, sus tendencias sexuales, como entretienen la eternidad, las relaciones entre ellos y como el gobierno les da no solo amparo si no también cobijo, en la agradable y reblandecida Bélgica.

Desgraciadamente, un pequeño desliz embarca a la familia hacía Canadá donde descubrirán que la vida reciclada y automatizada del nuevo continente es menos interesante para un chupasangres, ¿o no? Porque Canadá es la tierra de los sueños cumplidos, si acaso un vampiro puede soñar…

Vampires se erige, por derecho propio, como uno de los mejores documentales falsos jamás rodados, recogiendo el testigo directo de su compatriota belga Ocurrió cerca de su casa. De hecho podríamos decir que son primas hermanas, no porque compartan responsables o miembros del equipo técnico/artístico, en absoluto. Ambas son parientes cercanas al nacer del mismo tratamiento de cara al cine de terror, un género que abordan de forma inteligente: ni más ni menos, sus responsables se dedican a reescribir una (relativa) ficción horrible desde el humor, usando como excusa el rodaje de un reportaje, añadiendo a la mezcla esa falsa perspectiva de una realidad trucada, pero cercana, que la presencia de un equipo documental genera cuando rueda eventos terribles desde el documentalismo. En resumidas cuentas, la humanización amoral del frío ojo de una cámara, que tratando historias de las criaturas de la noche, provoca a la par desasosiego y sonrisas mediante esa proximidad imposible que consigue. Así las situaciones más rocambolescas son tratadas con la mayor naturalidad imaginable, rompiendo la barrera entre cineasta y público, permitiendo un discurso que se introduce en nuestro sistema de forma intravenosa.

Es decir, siguiendo la estela de su compatriota belga, y la no menos interesante Troll Hunter (efectivamente, no salimos de Europa, y es que además de una crisis de pelotas, también poseemos una visión única del séptimo arte), Vampires comparte con nosotros, y de primera mano, las vivencias grotescas de unos personajes, una familia más esquizofrénica que su propia condición vampírica, pero con una naturalidad y desparpajo que logran suprimir temporalmente la incredulidad, dando pie a una de las experiencias más frescas y divertidas de la temporada. Un servidor, integrante de la escuela luciferina del escepticismo, jamás ha creído en seres de las tinieblas ávidos de sangre joven, pero si estuviesen entre nosotros, no podría ser de otra forma que la que nos proponen Vincent Lanoo, director y guionista, y Frédérique Broos. Esto es Europa, y el retrato del vampiro se vuelve más íntimo, cínico y decadente que cualquier visión pedante proveniente del otro lado del charco; una perspectiva eminentemente social que sirve como pretexto para burlarse de la idiosincrasia Belga que, para bien o para mal, es compartida por gran parte del viejo continente. No son alimañas de sed insaciable, no son “dandies” portando camisas con chorreras, no son góticos de pelo cardado, solo son… ¡una familia de vampiros! – inmigrantes rumanos, para más inri –.

¿Y como han sido retratados los chupasangres? De una forma cercana, familiar, ácida y oscura, pero con un respeto hacía los mitos clásicos aplastante – y cuyas muestras de respeto iréis disfrutando a medida que se sucedan las referencias folclóricas y literarias -. Lo que viene a ser lo mismo: el retrato de los problemas internos y sociales de una familia vampírica de clase media, salta del terreno de la fantasía a lo cotidiano mediante una maestría aplastante, que viene a demostrar, una vez, lo innecesarios que resultan los fuegos artificiales cuando se depura el discurso, y es que en Vampires la técnica del falso documental está tan bien depurada, que se convierte en elegante parte de las bromas que se van sucediendo en pantalla – como demuestra ya desde su insuperable inicio, donde conocemos de los infructuosos primeros intentos de acercarse a la comunidad vampírica por parte de distintos equipos de rodaje –.

Y el espectáculo de sombras y luces, la magia de la linterna mágica no cristalizaría de no ser por dos elementos muy destacados:

Por una parte diría que el trabajo de los actores. Pese a ser unos completos desconocidos fuera de las fronteras belgas – al menos para este inculto escribano –, el plantel de actores ha realizado una tarea digna de elogio interpretando a unos seres, los vampiros, que en esta cinta yo destacaría por su psicosis, un reflejo oscuro de la que sufre la sociedad occidental. Así que ya imaginaréis que ante las personalidades extremas desfilando por delante de nuestras narices, los actores han decidido enfrentarlas con realismo y, a la vez, con un fino humor negro soterrado que se desvela en esas muecas animales de afilados colmillos que nos regalan constantemente. Una manada de hienas que se regodean en su propia crapulencia, seres amorales adaptados a la vida moderna a base de martillazos. Una delicia contemplar el trabajo de Carlo Ferrante como patriarca de la familia que acoge al equipo de documentalistas – de hecho, el actor fue justamente premiado en el festival de cine fantástico de Málaga celebrado el año pasado –. Carlo, o Georges, se convierte a lo largo de todo el metraje en una figura amenazante pero a la vez seductora, sin dejar de ser un padre-alimaña preocupado por todo lo que afecte al núcleo familiar. También destaca, no solo por su actuación – más bien por otras razones más carnales – la presencia de la exuberante Alexandra Kamp, actriz alemana para unos, MILF para otros y ambas cosas para el que suscribe, cuyas fotos solo pueden inducir a las taquicardias masculinas. ¡Buen casting! Un placer, repito, el ver a todo el elenco en acción, porque no hay ninguna interpretación más floja que otra, y no es decir poco teniendo en cuenta que estamos ante una película eminentemente de personajes, algo que os confesaré echaba de menos. Últimamente me doy cuenta de que los guionistas controlan mucho el número de caracteres en sus libretos, al menos los personajes con más de dos frases interesantes – fenomenal a la hora de no complicarse, pero un aburrimiento para el aficionado al cine –, aquí sin embargo encontramos una multitud secundarios que añaden un tono de calidad adicional al, por otro lado, cuidado guión. Desde el amigo medio subnormal de la familia hasta el vendedor de ataúdes sin escrúpulos, pasando por los geniales “vecinos” aristocráticos, que guardan una de las mejores escenas de todo el metraje (¿jugamos a “luna”?) o el príncipe de Quebec, un auténtico socialista progre “buenrollista”. Todos tienen algo que contar, algo interesante, macabro y divertido a la par. Un triunfo del esfuerzo redactor de los guionistas.

Sí, en segunda instancia tenemos un guión de lujo. A pesar de existir flecos argumentales – estamos ante un supuesto documental, pero hay incongruencias o absurdos con respecto a la inserción social de los vampiros, claro que se justifican por el enfoque cómico –, el tratamiento de las reglas vampíricas, de los problemas psicológicos que provoca la inmortalidad, de la amoralidad de considerarse la cima de la evolución, la iteración con otros congéneres… todo es coherente e inquietantemente creíble. Y digo inquietante porque hay algo que nunca olvida el guión, siendo su mayor acierto, Vincent Lannoo y Frédérique Broos hacen hincapié real en el factor más importante de la ecuación: los vampiros son monstruos, para ellos los seres humanos no son más que ganado, su inmortalidad los ha llevado a cánones morales que sonrojarían a Lestat. Así que no estamos ante una comedia basada en el cine de terror (Deadheads, Tucker and Dale Vs. Evil) si no ante una verdadera comedia de horror; conceptos parecidos pero no iguales. Puede parecer una diferenciación injusta, incluso innecesaria, sin embargo me parece que esta pequeña diferencia separa, y convierte, en algo más auténtico a Vampires del resto. A pesar de venderse solo como una comedia, se suceden ciertas escenas bastante macabras y siniestras – la fiesta del principie de la zona donde viven nuestros protagonistas, los juegos con inválidos de Sansón –, incluso los momentos más banales – como el despertar y desayuno de nuestra familia –, provocan un desasosiego soterrado que se olvida mediante el humor negro, pero va haciendo mella en el ánimo del espectador.

Otra faceta interesante sería la crítica social, embebida tanto en la cómoda vida en Bélgica como en la transformación que sufre la familia cuando se ve trasladada a Canadá por causas de fuerza mayor. Aquí ya entrarían las lecturas personales de cada uno, pero las referencias a inmigrantes, la integración de comunidades, la absorción y reciclaje del espíritu hedonista de un vampiro en un simple pedigüeño callejero, la rebeldía adolescente vuelta del revés – mediante la presencia de la bella vampira, interpretada por Fleur Lise Heuet, obsesionada con ser humana y el color rosa –, las leyes impuestas por simples “niños”, etcétera, suponen toda una película por sí misma. Es cierto, que algunos detalles pueden parecer ininteligibles o repetitivos, bien, no es más que parte del estilo belga, asumible dado que el ritmo es lo suficientemente bueno como para ignorar estos detalles y cuando algo no ha “encajado” en nuestra percepción de las cosas, ya estamos ante una nueva escena con mucho por rascar. Una profundidad apoyada sin dudas por la excelente manufactura, no será la película perfecta pero está rodada con cuidado y chispa.

También es cierto que el humor, esa chispa, destaca por su finura – sin rechazar los grotesco pero tratado con elegancia –, no se trata de una comedia de carcajadas, más bien de sonrisa sempiterna: la sensación de hilaridad es suave pero constante y, lo mejor, aderezada con el peligro que irradian constantemente los impredecibles vampiros. Esto se puede ver como un hándicap, pero solo en caso de acercarse a Vampires buscando histrionismo exacerbado, no se trata de un Scary Movie más, si no de una comedia de horror inteligente que no trata al espectador como quinceañeros salidos y mongoloides, por mucho que a alguno le resulte pedante semejante estamento.

Una vez superado el entusiasmo inicial, solo me resta recomendar de forma sincera Vampires, justa merecedora del premio a mejor película concedido en el festival de Málaga, en su pasada edición. Una obra que si hubiese nacido en una época menos mediatizada por el éxito (y exceso) de otros falsos documentales, se hubiese convertido en obra de culto (como su prima Ocurrió cerca de su casa, ¿recordáis?). Se agradece una cinta de vampiros que hunda sus colmillos, de forma respetuosa y sin perder fuerza, en los mitos clásicos frente al reciclaje moderno “hipervitaminado” (o “zombificado” si preferís). Por fin los vampiros recuperan parte de su glamur, irónicamente, a través de ser proletarizados y deglutidos por la maquinaria del bienestar social, algo tan falso como risible. Sarcástica, cruel e imprescindible a todos los niveles.

Lo mejor: Fresca y original, con un sólido guión.

Lo peor: Partes de humor belga, demasiado nacionales como para ser entendidas desde fuera. Lo que se suele llamar cruelmente "humor afrancesado".

En 2007 Alexandre Bustillo y Julien Maury alcanzaban el beneplácito de crítica y público en diversos festivales especializados gracias a su ópera prima A l’Interieur. Seguidamente experimentaron una larga e improductiva travesía por el desierto de Hollywood, donde perdieron la ocasión de ponerse al frente de proyectos tan, a priori, apetitosos como H2, la secuela del Halloween de Rob Zombie (que finalmente dirigiría el propio Zombie), y el remake de Hellraiser. En cuanto a la revisión del universo cenobita, por lo visto ya existía el borrador de un primer guión que fue rechazado por los productores del proyecto, quienes solicitaron a los directores galos que redujeran el contenido de violencia y adecuran su propuesta a un publico objetivo más joven (aughhhh…).

Todo este ir i venir por despachos de Hollywood derivó en un nuevo proyecto filmado en casa - Francia – y sobre el que volvían a tener control absoluto. Su título: Livide (Livid).

En su primer día como cuidadora, Lucie visita la mansión de la Sra. Jessel, una célebre bailarina de ballet clásico que agoniza, en sus últimos días de vida, postrada en una cama y conectada a una máquina de ventilación asistida. Sobre la mansión existe la leyenda de un tesoro escondido. Lucie, en compañía de su novio y el hermano de éste, deciden irrumpir en el edificio en mitad de la noche para apoderarse de dicho tesoro.

Bustillo y Maury abandonan el realismo sucio e hiperviolento de A l’Interieur (y por extensión de los principales títulos de la denominada Nouvelle Horreur Vague: Frontiere(s), Martyrs…) y se adentran de lleno en el terreno puramente fantástico con una película que ellos mismos se han cansado de repetir, sirve de homenaje a referentes míticos del género como son el giallo italiano (especialmente el cine de Dario Argento) o la escuela de la Hammer británica (soberbia la ambientación gótica de Livide, sobre todo en el tercio final de la película).

Y para llevar a cabo este particular homenaje los directores franceses han construido una película susceptible de llegar a ser una experiencia fascinante para los sentidos. Un poema visual y sonoro con capacidad hipnótica. Livide vuelve a poner de manifiesto que sus creadores son un par de superdotados a la hora crear una atmósfera de tensión y mal rollo absoluto con capacidad (sobrada) para colocar al espectador en una situación incómoda.

Secuencias sublimes como la de la joven bailarina abandonando la soledad de la mansión para dar un paseo por el jardín a plena luz del sol, o cada una de las apariciones - escalofriantes – de la bailarina sobre una caja de música; corroboran el inmenso poderío visual de este par de genios franceses.

Además no olvidan la que se ha convertido en su seña de identidad, en su imágen de marca a raiz de la que, hasta la llegada de Livide, era su única película: la violencia. Omnipresente en A l’Interieur, la violencia sigue siendo un factor importante en Livide. A pesar de no tener el peso específico que tuvo en A l’Interieur, la nueva película de Bustillo y Maury sabe explotar a la perfección los calculadísimos estallidos de violencia que adornan la trama de Livide. Una violencia nuevamente descarnada, cruel, implacable. Incluso, en ocasiones, poco acorde con el tono general de la película.

Pero (arrrghhh… un pero), desgraciadamente no todo en Livide me pareció digno de elogio. La película tiene un problema. Y en esta ocasión es un problema grave… susceptible de poner en tela de jucio el resultado final.

El guión de Livide es complicado, impreciso. Vampiros, casas encantadas, fantasmas, transmutación de almas ¿¿??… Livide es un poco de todo esto, y un mucho de nada. Cierto que resulta obvio que estamos ante una historia ligada al vampirismo (aunque nunca se mencione expresamente en la película), pero todo está contado de una forma tan vaga, tan repleta de piruetas narrativas de difícil comprensión (sobre todo en su tramo final… hubo una imagen de la casa que provocó la carcajada general del público congregado en Sitges) que, inevitablemente, el espectador (o al menos quien suscribe esta reseña) se siente, por momentos, perdido y desorientado.
No quiero engañaros. Como ya dije antes creo que es un defecto grave. El guión es la base de una buena película. Si el guión tiembla, presenta defectos, toda la estructura se tambalea y corre peligro de desmorarse. Por esa razón Livide exige al espectador un esfuerzo extra que éste no tiene porqué verse obligado a realizar. Yo lo hice… hice ese esfuerzo extra. Pude, supe o, sencillamente quise dejarme llevar por una película que, visualmente, me fascinó. Me dejé llevar por una película que, en determinados momentos, me asustó, me suscitó malestar. Me dejé llevar por una película que, en definitiva, me provocó sensaciones y me llevó a lugares a los que pocas películas logran llevarme. Me dejé llevar… y finalmente la película me encantó.

Estoy convencido de que no todos sereis tan indulgentes con Livide. Muchos, de manera comprensible, no pasareis por alto sus errores. Pero para quiénes todavía no la hayais visto os animo a que le deis una oportunidad… creo, sinceramente, que vale la pena correr el riesgo.

No es una película fácil. Livide no es A l’Interieur; no tiene nada que ver. Livide es más compleja, menos directa, más exigente con el espectador, y más arriesgada. Pero la recompensa puede ser enorme…

Lo mejor: Su capacidad para sugestionar al espectador a través de sus imágenes.

Lo peor: Lagunas en el guión

Ya dejé claro en su momento que no era la persona más adecuada para reseñar la adaptación cinematográfica de Dylan Dog. Hoy me reafirmo en aquella primera impresión. ¿La razón? Sencilla. A pesar de haber oído hablar de Dylan Dog en multitud de ocasiones y de creer, erróneamente, que Mi novia es un zombi (“Dellamorte, Dellamore”, 1994) era una primera adaptación de las aventuras del pesonaje de Tiziano Sclavi; la triste realidad de todo este asunto es que un servidor jamás ha leido un solo cómic de Dylan Dog. Por lo tanto mi desconocimiento del personaje, antes de ver la película, era prácticamente absoluto.

Dylan Dog es un investigador privado venido a menos que malvive en las calles de Nueva Orleans con casos de poca entidad. Sin embargo esconde un pasado reciente muchísimo más interesante. Tiempo atrás fue un detective paranormal que mediaba entre los asuntos de los no-muertos (cajón desastre que incluye vampiros, licántropos, zombis y demonios); hasta que la trágica muerte de su amada le llevó a renunciar al cargo. En la actualidad, un nuevo caso con chica guapa de por medio, le empujará de nuevo a la senda de lo sobrenatural en compañia de su ayudante Marcus.

Pastiche con apariencia de serie B (aunque por lo visto con presupuesto de serie A) a medio camino entre la aventura sobrenatural, la comedia negra y el film noir o cine negro; Dylan Dog: Dead of Night destaca tanto por su variedad de monstruos, maquillajes, prótesis y efectos artesanales (se agradece que no huela todo a renderizado de píxeles) como por la simplicidad casi infantil de la historia que nos cuenta.

La voz en off del propio protagonista nos conduce a través de una trama completamente plana, sin sorpresas, sin giros, sin prácticamente ningún elemento que no resulte absolutamente predecible. No hay nada que resulte mínimamente innovador o que se aparte, ni que sea un poquito, de ese enorme lugar común que es la película en sí misma.

A una historia “justita” que en ningún momento es capaz de despertar el entusiasmo (ni el interes) del espectador, debemos sumarle la presencia de un sosainas de categoría como es Brandon Routh, desempeñando el rol protagonista de Dylan Dog. Como ya dije al inicio de la reseña, desconozco casi por completo al personaje de Sclavi, pero me niego rotundamente a creer que el Dylan Dog de los comics adolezca de una falta de personalidad y carisma tan acusada como la mostrada por Brandon Routh en su actuación. Y si algún fan de Dylan Dog me corrige haciéndome ver que Routh ha sabido captar, a la perfección, el espíritu del personaje… por supuesto no tendré ningún inconveniente en tragarme mis palabras y hacerme socio del club de fans del fornido acotr norteamericano a modo de penitencia.

Por lo tanto, y llegados a este punto, contamos con una trama pésima y un protagonista que no da la talla. Y sin embargo Dylan Dog: Dead of Night logra un aprobado… raspado, pero aprobado al fin y al cabo. ¿El secreto de Dylan Dog: Dead of Night? Pues que entre tanto vampiro, hombre lobo, demonios y zombis deseando triunfar en el Club de la Comedia, resulta complicado aburrirse.

Kevin Muroe, director de la película, sacrifica la coherencia y el atractivo de una buena historia en favor de la acumulación de monstruos y el humor negro (y, en muchas ocasiones, algo chusco); y eso acaba provocando que el espectador, a menudo, esté esperando la próxima bufonada del zombi de turno sin importarle un pimiento el desarrollo de una trama que no da más de si. Pero, sin embargo, también hay que reconocer que ese humo negro al que hacía referencia, en ocasiones, tiene su gracia. Algunos chistes a costa de los siempre maltratados zombis confieso que me hicieron reir. Y así, sin demasiados esfuerzos, llegué al final de una película que, sin lugar a dudas es de las de “usar y tirar”, pero que en ningún caso es susceptible de provocar efectos dañinos permanentes en la mente del espectador. En otras palabras: Dylan Dog: Dead of Night no pasará a la historia del género; pero en una calurosa noche de verano en la que no tienes otra cosa más interesante que hacer… la película entretiene.

Otra cosa distinta es que dicho espectador sea un fan acérrimo del Dylan Dog de los cómics. En ese caso habría que preguntarle si una retahíla de monstruos y chistes con mayor o menor gracia, son suficientes para otorgarle un aprobado justo a la adaptación cinematográfico de tan ilustre personaje… mucho me temo que no (por ahí leí una descripción de la película a cargo de un presunto fan de los cómics que me hizo gracia y que decía algo así como… “Dylan Dog para los fans de Buffy Cazavampiros… ¡jódete Hollywood!”):

Lo mejor: A pesar de todos los pesares... logra entretener.

Lo peor: Lo absurdo, pueril e infantil de la historia que nos cuenta y el poco carisma de su protagonista.