La reseña se centra, en gran medida, en la comparación con la obra original. Por ello, los SPOILERS hacen acto de presencia. Si aún no has visto la original, por favor, no leas esto pero tampoco veas el remake. Simplemente, ¡¿qué haces aquí en lugar de buscar la película y echarla un vistazo?! …luego puedes volver y leer. Gracias.

Perros de paja. Cuanto ha llovido desde entonces. Para ser exactos, nada menos que treinta años. Junto a otra película grande, obra maestra de los añorados setenta, como es Deliverance (1972), estamos ante la obra de cabecera para todo adicto al, llamémoslo así, subgénero de “paletos contra gente de ciudad”. Obviamente, tanto en Deliverance como en aquel Perros de paja, el tratamiento, la lectura entre líneas (o explicita) y el mensaje final, van más allá, mucho más, del simple enfrentamiento entre dos formas de vivir diferentes. Y tal vez esa sea la principal diferencia del original con el remake que hoy tratamos.

¿Para qué?

Ante un remake de estas características hay que tener claro una cosa: la película a “revisar” es prácticamente insuperable. ¿Para qué hacer una nueva versión de algo que ya de por sí es cuasi perfecto? Supongo que dinero, aunque el resultado comercial haya sido más bien catastrófico (alrededor de 12 millones de dólares en Estados Unidos). Pero, aunque la excusa más probable sea el dinero, ya puestos, ¿en lo artístico que se puede hacer? ¿Una actualización para los jóvenes de hoy? ¿Para el público en general de hoy? Quizás en esto ultimo reside lo que apuntaba en la introducción. Al público de hoy, a la mayoría del mismo que se amontona en las multisalas, le importa un comino las divagaciones profundas acerca de la violencia o la oscura psicología del ser humano. No obstante, error, esta nueva película tampoco termina de tirar hacia el producto duro de género, con las dosis de brutalidad bordeando el cine de terror. El torture porn, vaya. A fin de cuentas, el trailer se las arregla para, en dos minutos, destripar la película y al mismo tiempo venderla como un nuevo remake tipo La ultima casa a la izquierda (2008) o similar. Viajando en esa tierra de nadie, el Perros de paja 2011 se termina por configurar en un semi-thriller con dosis dramáticas y unos cuantos copia y pega del original, pero estilizados.

Perros contra perros

Un matrimonio, formado por David, guionista de cine, y Amy, de la que no se conoce ocupación, viajan al pueblo natal de ésta en el sureste de Estados Unidos, después de la muerte de su padre. Su plan es reformar la casa familiar mientras David aprovecha la tranquilidad del pueblo para escribir. Una vez allí contratan un grupo de rudos campesinos para la obra. Uno de ellos, Charlie, es el ex novio de Amy. Las tensiones empiezan a aflorar en pequeñas dosis debido a las diferencias de los pueblerinos con la prepotencia millonetis de David. Pero la actitud provocativa de Amy, en plan vengativo hacia su marido por justificar éste que los paletos quedasen bizcos viéndola hacer footing con poca ropa, será el principio del fin de la tranquilidad.

En 1971 Sam Peckinpah y David Zelag Goodman adaptaban los imprescindibles textos de The Siege of Trencher´s Farm, de Gordon M. Williams. En aquella, el personaje del marido, interpretado por un sensacional Dustin Hoffman, era un astrofísico tímido y callado que evitaba cualquier discusión o pelea. El guionista de Hollywood listillo, sin embargo, aunque no busque broncas, es un personaje más locuaz y atrevido. Aparte, el aspecto del actor, James Marsden, por mucho que lleve gafas de empollón, no es el del típico “pardillo” al que le ha tocado la guapa. Ella, antes Susan George y ahora una bella aunque anoréxica Kate Bosworth, pierde la tensión provocativa y la sensación de atontamiento sexual que, se supone, desata en los machos mega-salidos del pueblo. Vamos, que nos proponen la misma situación pero no se palpa el mismo ambiente.

Como mandan los tiempos, y pese a que el nuevo Perros de paja no es precisamente una película de Michael Bay, la pausa con la que sucedían los acontecimientos en 1971, el clima enrarecido, en gran parte gracias a la estimulante puesta en escena de Peckinpah (planos largos e incómodos, miradas sostenidas…) pierden terreno ante un estilo más plano y poco sutil del director Rod Lurie. El guión mantiene bastantes situaciones, sin olvidarse de la violación. En su día se formó una buena polémica en torno a dicha escena, pues el personaje de Amy era acosado y finalmente abierto de piernas contra su voluntad a manos de su ex novio. El caso es que, tras quejas y tirones, su gesto cambiaba y parecía disfrutar de su compañía. Y no solo eso, la actitud de una de las chavalitas del pueblo con un maduro discapacitado mental es el otro punto climático que desata la tragedia. De ahí que se tildara al film de misógino (¿?). Afortunadamente, el remake no escapa de dichas tácticas de crear un perverso morbo en el espectador, pero aunque el fin sea parecido, los métodos son más blandengues.

¡Los mataré a todos!

El clímax final, conocido petardazo como consecuencia del in crescendo de tensión sexual y enfrentamientos psicológicos y físicos a lo largo del metraje, también está ahí. Lurie no se ha olvidado de la violencia cruda en esos minutos; se resuelve con eficacia de montaje además de interpretaciones convincentes (ayuda tener como secundarios a unos entonados Alexander Skarsgard o Dominic Purcell y un James Woods pasándoselo pipa mientras espera cobrar el cheque). No es lo mismo porque, como ya he explicado, ni la hora y pico anterior al desenlace es tan intensa ni está tan bien contada, ni el personaje de David resulta tan creíble y radical en su paso de la calma a lo extremo. El nuevo David es un “chaval” justiciero de hoy en día, y el de Hoffman simplemente era un tipo superado por las circunstancias.

Hablar de Perros de paja 2011, como podéis comprobar, es difícil sin hacer comparaciones de esas que llaman odiosas. Pero en este tipo de remakes en los que, en lugar de crear algo nuevo o, al menos, con ciertas novedades a partir de la base argumental, lo que se intenta es rejuvenecer casi paso a paso lo que ya conocemos, no queda otra que comparar. Y en esa comparación están jodidos. Con todo, si algún espectador actual, de esos que vomitan solo de pensar en ver algo que se haya estrenado hace más de un año, quiere conocer más o menos la historia, la obra de Lurie resulta algo más respetuosa y visible que un verdadero remake-cagada.

Lo mejor: Algunos secundarios, como James Woods o Alexander Skarsgard y la excelente banda sonora de Larry Groupé.

Lo peor: Te cuenta lo mismo que la original, pero perdiendo intensidad dramática y efectividad, por tanto, en el in crescendo que da lugar al violento final. Y claro, James Mardsen no es Dustin Hoffman.

Una enorme casa con jardín situada en un barrio residencial de las afueras. Papá, mamá y tres vástagos: la mayor una chica llamada Peggy, el mediano un chico llamado Brian y la pequeña una preciosa niña de apenas tres años de edad de la que, sintiéndolo mucho, no logré quedarme con su nombre. Un rutilante coche familiar de color negro. Una posición económica privilegiada. Barbacoas con los vecinos… Al novelista Jack Ketchum, con la complicidad en esta ocasión del cineasta Lucky Mckee, le basta un leve arañazo sobre la superfície para cargarse el sueño americano y mostrarnos toda la podredumbre que es capaz de albergar en su interior el ser humano. En eso consiste The Woman…

Chris, un tipo bien posicionado, sale de caza y encuentra a una mujer salvaje, gravemente herida, en mitad del bosque. La decisión que toma escapa a la lógica de lo que supongo que todos nosotros haríamos: en lugar de dar parte a la policia, Chris captura a la mujer, la ata con cadenas en el cobertizo y hace partícipe a toda su familia de su voluntad de domesticarla, de civilizarla, de reinsertarla en la sociedad.

Concebida como una especie de secuela o spin-off de Offspring, The Woman, contrariamente a lo que se desprende de su título, orbita alrededor del personaje de Chris, un padre de familia aparentemente responsable, aparentemente amable con su mujer, aparentemente cariñoso con sus hijos, y en definitiva un tipo al que aparentemente la vida le sonríe. Pero todo es pura apariencia. La realidad es muy distinta. Chris es un grandísimo hijo de puta ávido de poder que tiene atemorizadas a su mujer y su hija mayor, y que está convirtiendo a su único hijo varón en un calco de sí mismo… es decir, un cabroncete bastardo sin nigún respeto por la vida del prójimo (fantástica la manera de resolver su disputa con una compañera de clase).

La família de Chris, aparentemente idílica, es en realidad una família enferma, corrompida, descompuesta. Chris ha logrado levantar su particular reinado del terror en el que tiene libertad para hacer lo que le venga en gana. Nadie se atreve a llevarle la contraria, nadie pondrá jamás en duda sus decisiones, nadie censurará sus acciones… De manera que la mujer salvaje, cuya violencia y rabia son inherentes a su propia naturaleza, es la verdadera víctima de un tipo sin escrúpulos que, bajo la cohartada de la civilización y la reinserción social (y ante la total pasividad de su familia… paralizada por el miedo), no duda en cometer sobre su presa todo tipo de atrocidades, vejaciones, maltratos y agresiones sexuales.

Pero en realidad todos son culpables. Todos deben asumir su parte de responsabilidad. Chris por ser un auténtico demente que tiene amedrentada a toda su família y que mantiene encadenado a un ser humano en el cobertizo de su casa. La mujer y la hija por no hacerle frente en el momento oportuno y reaccionar cuando ya es demasiado tarde. Y el único hijo de la família por ser portador de los infectos genes de su padre (un maltratador y un asesino en potencia). Y bajo este panorama al espectador tan solo le queda una única opción: esperar a que llegue el momento de la venganza, en el que cada cual recibará aquello que se merece.

McKee y Ketchum saben perfectamente que la mujer salvaje tendrá su momento. Su minuto de gloria. Saben que el espectador lo espera, lo desea… desea que ocurra. Y en uno de los giros más demenciales que se han visto en la reciente historia del género (me trajo a la memoria otra joyita titulada The Loved Ones), McKee y Ketchum ponen toda la carne en el asador y, lo que hasta entonces estaba siendo algo parecido a un drama familiar dotado de un macabro sentido del humor, acaba convirtiéndose, en su tramo final, en un frenético espectáculo gore de violencia desatada cercana al paroxismo. ¿Un tramo final que tiende a la exageración e incluso al absurdo? Seguro… ¿Disfrutable? Por mi parte uno de los finales más arrolladores y terriblente divertidos de los últimos tiempos.

The Woman es una delicia. Puro placer. Una abigarrada mezcla de drama, sadismo, humor y gore que gracias a la impresionante labor de todos los actores implicados (increíble Angela Bettis y Sean Bridges. A este último le odias con todas tus fuerzas desde prácticamente su primera aparición), y a la extrema inteligencia y habilidad del propio McKee a la hora de ir dosificando cada una de las sorpresas que nos depara la trama (“dosificación” que, sencillamente, revienta en el tramo final de la película, donde todo acaba desbordándose hasta límites insospechados); logra sobreponerse sin excesivas dificultades a un guión que fácilmente podría calificarse, y por muchas y vairadas razones, de tramposo.

A destacar la poderosísima presencia física (y carnal) de una prometedora Polyanna McIntosh en el papel de la mujer salvaje. La muchacha logra merendarse la pantalla en cada una de sus apariciones.
Y también una extrañísima y en ocasiones perturbadora banda sonora que en la mayoría de ocasiones da la sensación de estar en total discordancía con la acción pero que, precisamente por esa razón, acabó cautivándome.

Un último inciso: me queda pendiente profundizar en el universo literario de Jack Ketchum… le tengo muchísimas ganas.

Lo mejor: Una historia salvaje con un humor macabro y soterrado tremendamente disfrutable.

Lo peor: Para muchos espectadores puede resultar complicado congeniar con el guión.

Buscar a la víctima más frágil, a la más vulnerable, y someterla a un via crucis de tortura, dolor y muerte que suponga, para el espectador, una de las experiencias cinematográficas más intensas, desasosegantes y difíciles de soportar que haya tenido en su vida.

Si no fuera porque siento auténtica fascinación y devoción por el la ópera prima de Alexandre Bustillo y Julien Maury, me atrevería a tildar a este par de locos franceses como unos auténticos cabrones (con todo el cariño del mundo…) que lograron culminar en A l’Interieur todos sus perversos propósitos.

Sara, todavía recuperándose de las secuelas psicológicas derivadas del accidente de tráfico que le costó la vida a su marido, se dispone a pasar la nochebuena sola en casa y en un avanzadísimo estado de gestación. Una mujer irrumpe en la casa en mitad de la noche…

La historia que se esconde tras A l’Interieur no invita a grandes reflexiones. Al margen de un giro final en el que se nos descubre la verdadera intención de la psicópata, Bustillo y Maury, también guionistas de A l’Interieur, se limitan a dibujar un escenario mínimo, necesario, en el que poner en marcha, con cierto margen de garantía, su calculadísima maquinaria de crueldad y violencia infinitas.
En este sentido el arranque de A l’Interieur es sintomático del propósito de Bustillo y Maury. Asistimos, entre impotentes y sorprendidos, a las consecuencias de un accidente de tráfico desde la perspectiva de un feto nonato. ¿Qué efecto directo tiene dicha secuencia en el espectador? Todo en A l’Interieur está concebido para potenciar el sufrimiento del espectador. Empatizamos no solamente con la madre, si no también con el feto mismo, lo cual no hace otra cosa que aumentar nuestro nivel de involucración en la historia (y por lo tanto también de sufrimiento) y acrecentar la sensación de crueldad ante todo lo que se nos viene encima. Y lo que se nos viene encima no es poco…

Una mujer vestida de negro irrumpe en casa de Sara dispuesta a arrebatarle el hijo que lleva en su vientre. A partir de ese instante una sucesión de imágenes truculentas (dotadas de un elevadísimo nivel de sadismo), secuencias de violencia extrema y sobreabundancia de efectos gore; se adueñan por completo de la función. El castigo, el dolor, la violencia y la sangre son las razones de ser de una película que más allá del disfrute (o el sufrimiento) de dichos elementos, encuentra difícil justificación.

Bustillo y Maury sitúan, desde un principio, el listón de la violencia y el gore muy alto. Y a partir de entonces A l’Interieur se convierte en una especie de carrera contrareloj cuya meta es la de irse superando a sí misma. Resultar, a cada nueva secuencia, más gráfica, más explícita, más repulsiva… Abogar por el exceso, por la necesidad de transgredir los límites de la violencia y el sufrimiento; y todo ello sin renunciar a una cierta dosis, milimetrada, de humor negro y mala baba que arrancará en el espectador más de una risilla nerviosa (ver al respecto la intervención de la madre de Sara).

A l’Interieur es una oda al dolor. Una película capaz de someter al espectador a un estado de intranquilidad, de nerviosismo y de malestar que está incluso por encima de la simple explicitud de sus estallidos gore. Y esa capacidad perturbadora se debe en parte a la brutal puesta en escena por parte de Bustillo y Maury (genial su labor a la hora de crear una atmósfera irrespirable durante buena parte del film y también al plasmar, con virtuoso detalle, las secuencias de violencia gráfica), al hecho de que la víctima sea una mujer a punto de dar a luz (¿existe una víctima con la que podamos experimentar mayor empatía?), y a un tercer elemento del que todavía no he tenido la oportunidad de hablar: la pavorosa presencia de la actriz Béatrice Dalle en el papel de la misteriosa mujer vestida de negro. Su rostro, sus gestos, sus movimientos, su sola presencia ha logrado siempre, en las cuatro ocasiones que he visto A l’Interieur, ponerme el vello de punta. Magnífica, oscura, arrebatadora…

A l’Interieur no es una película que soporte las medias tintas: o se odia o se ama. Más allá de ser un ejercicio de extrema violencia y de su solvencia a la hora de infundir en el espectador una acusada sensación de angustía e intranquilidad; la realidad es que A l’Interieur tiene poco más que ofrecer. Quienes no comulguen con su capacidad de sugestión y no se sientan atrapados por esa red de desasosiego y malestar que teje a lo largo de todo su metraje; probablemente la vean como una película vacía, carente de contenido o interés, y posiblemente recurran, como prueba irrefutable de sus limitaciones, a esa banda de estúpidos e ineptos policias empeñados en desbaratar el clímax final de la película.

Pero, si por contra, el espectador consigue entrar de lleno en el juego planteado por Bustillo y Maury, posiblemente acabe sintiéndose partícipe de una de las experiencias cinematográficas más brutal, feroz y, en definitiva, extraordinaria que nos brindó el género en la pasada década. Genial.

Lo mejor: El mal rato que te hace pasar y una increible Béatrice Dalle.

Lo peor: Esos estúpidos policias...

“Hola, soy Ameba-del-terror y leo esta página desde que Blanch me la mostró hace unos dos años más o menos… escribir ya suelo escribir menos y desde hace relativamete poco que he adoptado un nick formal para mi presentación, el caso es que me ha dicho que habeís estrenado una nueva sección de recomendaciones de películas en las que cualquiera puede escribir una reseña, y me he dicho, voy a hacer la de Black Death, que como solo teníais la noticia… y a mi modo de ver ha sido una buena película, pensé que podrá aportar mi granito de arena. Mi crítica no es convenciona, en cuanto a que comento muy poco lo que pasa en la pelicula, ya que cuando leo las sinopsis de otras pelis, ya sea aqui o en otras páginas, no me gusta que me cuenten lo que pasa, aunque a veces si que lo busco asi, por si es una peli que no me interesa…”

No sabía muy bien cómo empezar esta reseña, ya que aunque podemos intuir de qué va por el título, Black Death, me gustaría hacer la crítica desde un punto de vista diferente al habitual. La película habla sobre la peste negra, pero es una de esas pelis que tras verla siempre se quiere comentar y si en ese momento estas a solas, te deja un buen rato dándole vueltas al coco. Así que no quiero desvelar nada para que podaís disfrutarla en todos los niveles.

Supongo que todos sabemos que esta enfermedad asoló Europa durante la edad media, pero informándome para no cometer errores durante la narración, he descubierto cosas muy curiosas además de similitudes con las pelis del género zombie, gore, post-apocalíptico, etc.

Empecemos por una pequeña introducción: La peste negra apareció en algún momento del s. XIV; en ese momento los pobladores del planeta no sabían de donde había salido aquella terrible y mortal plaga, y al contrario de lo que se pueda pensar, no solo fueron las ratas las culpables de extenderla, si no que de la mano del hombre se fue propagando por toda Europa. Tras el primer indicio de epidemia, los supervivientes huían a otros lugares para refugiarse del contagio, llevándose consigo la infección, ya fuese a caballo, a pie o en barco. Algunos de estos llegaban a puerto sin ningún superviviente, pero si transportando la cepa ¿No os suena? Y así empezando, según se cree, por el norte de la India, fue aniquilando las ¾ partes de la población. Resulta curioso que de los pocos lugares que se quedaron a salvo de la peste, uno de ellos tenga el nombre de “Brujas”, si queréis ver un mapa clic aquí. Pero nosotros, gente de hoy y hombres de ciencia, estamos completamente seguros de que no era un castigo divino; no como los habitantes de aquella época, que escasos de información e higiene tenían que recurrir a la superchería. ¿Y sí hay un Apocalipsis tipo al de Carriers y 300 años después la gente que lo narra piensa de la ciencia lo que nosotros pensamos hoy de la religión? Nunca se sabe…

Por otro lado me ha recordado mucho al género Gore en el sentido de que en aquella y en muchas otras épocas, al no haber formas de expresarse como puede ser este género cinematográfico, la población no tenía medios de canalizar su ira y acababa montando grupos de inquisición para experimentar, en vivo, las muchas escenas que se pueden ver en este tipo de cine.

Genial película la mires por donde la mires Haré un pequeño resumen sin descubrir nada de la subtrama que a mi tanto me ha gustado: Como digo más arriba en la sinopsis este pobrecillo monje termina por conocer lo que causa el miedo, o como diría Yoda “Miedo, Ira, Agresividad… El lado oscuro ellos son. Si algún día rigen tu vida, para siempre tu destino dominarán.” Parece que ninguno de los dogmas que la película nos muestra han tenido un maestro como Yoda, pero eso no quiere decir que todos sean malos.

SPOILER Pero sí que ninguna verdad es absoluta si es ajena a nosotros mismos. FIN SPOILER O esa es mi interpretación.

Razones por las que ver esta película

Destaco a los actores: Sean Bean, que a pesar de haber reciclado el vestuario de El señor de los Anillos, no lo hace nada mal; Eddie Redmayne, poco conocido, pero no por ello menos válido, además de ser una delicatessen visual, ya que el chico posee unos rasgos exóticos muy estimulantes; Kimberley Nixon, con pelis como Megapetarda, pero que eso no os desanime, que la chica lo hace muy bien; Carice van Houten, que a pesar de tener el mismo apellido de Milhouse (el de los Simpsons), seguro que no son familia, o por lo menos no se parecen en nada en el carácter; David Warner, también conocido por pelis como Las Tortugas Ninja II: El secreto de los mocos mutantes, El señor de las bestias, Star Trek V: La última frontera, *Los pasajeros del tiempo*… y no sigo porque tiene un montón de pelis recomendables.

Otro de los motivos por los que disfrutar de esta película es el tratamiento de la imagen en general, la ambientación está muy bien lograda, manteniéndonos en todo momento en un contexto gris, oscuro y desmoralizador, acompañado por una espesa niebla que nos hace recordar a posteriores episodios de la historia como la espesa bruma que acompañaba a Jack el destripador por las estrechas calles de Londres… La música en cuya presencia nos adentra en lo más oscuro de la época, agregando un toque piadoso con las voces de los monjes entonando un canto gregoriano.

Otra curiosidad antes de terminar. El Decamerón es un libro constituido por 100 cuentos escrito en 1351. También existe una peli, pero de corte erótico y humor, por lo que no hace referencia a lo que ahora voy a citar. El caso, es que el libro comienza con una descripción de la expansión de la peste bubónica lo que da lugar a que 10 jóvenes huyan del lugar para refugiarse y evitar el contagio en una pequeña población a las afueras. ¿Será este el comienzo del género de infectados?

Lo mejor: Película buena en general: entretiene, te hace pensar y llena de belleza y curiosidad visual.

Lo peor: No poder preguntarle a Dios cuál es su punto de vista.