Tal y como me ha recordado mi buen amigo Manu Tóxico, nadie ha comentado por aquí el fallecimiento del bueno de Umberto Lenzi. Pues bien, el director de “Caníbal feroz”, “La invasión de los zombies atómicos”, “Siete orquídeas manchadas de rojo” o “¡Comidos vivos!” nos ha dejado a los 86 años para realizar explotaciones a la diestra de Satán. Sirva recuperar esta vieja reseña como sentido homenaje.

En el año 1962 los cineastas Paolo Cavara, Gualtiero Jacopetti y Franco Prosperi parieron un documental titulado Mondo Cane. En el film podían contemplarse extrañas culturas humanas, donde el folklore y las tradiciones se mezclaban con la excentricidad, el sadismo y el salvajismo expuestos en toda su crudeza y autenticidad. Había nacido lo que conocemos hoy en día como “cine mondo”, documentales donde la ficción y la realidad parecen converger en un mismo espacio, aportando temas e imágenes de marcado tono sensacionalista. Hubo varios films de este tipo a lo largo de los sesenta, entre los más destacados la segunda entrega de Mondo Cane y especialmente el film de este tipo más logrado, África Addio. Vale la pena mencionar un par de interesantes aportaciones al mondo durante los 70 como fueron Savana Violenta y Dolce e selvaggio, de Antonio Climati y Mario Morra respectivamente. Por supuesto hay muchos más títulos pertenecientes al subgénero, algunos mejores y otros peores, pero la intención es mostrar a grandes rasgos el origen del cine mondo y quiénes lo iniciaron.

En los ochenta tuvimos las célebres irrupciones de películas como Holocausto Caníbal, Canníbal Ferox o Comidos Vivos - entre otras - que, aprovechando el fenómeno del mondo, utilizaron sus bases e insertaron un nuevo componente: el exploitation. La combinación de ambos géneros en estos films causó una enorme controversia en la época, llegando al extremo de procesos judiciales que intentaban dirimir lo que era real y lo que era ficción. Conocemos el caso de Holocausto Caníbal por ser el más representativo de todo este tipo de films, y también por ser la mejor muestra de cómo hacer una buena película sin rehusar a la polémica. Por otro lado Umberto Lenzi, un director que venía de hacer giallos y thrillers semieróticos, supo también ver el filón y se metió en la aventura del mondo con una película llamada Il Paese del sesso selvaggio, rodada en el 1972. Su célebre incursión en el mondo-exploitation data del año 1981 y se tituló Canníbal Ferox. A ella le dedicamos este review.

Lo primero, antes de empezar, es deciros que tenía muchas ganas de reseñar alguna película de animación de corte fantástico, porque hasta ahora no había tenido la oportunidad de hacerlo. Y desde luego con Seoul Station he tenido un buen estreno… Y espero que no sea la última vez que haga algo de animación en Almas Oscuras. Dicho esto toca contar bastantes cosas de la película y, como era de esperar, también hablaremos de su emparejamiento a la ya célebre —al menos en lo que al 2016 se refiere— Train To Busan.

Un aspecto muy importante de Seoul Station es la relación entre la película animada —la que hoy nos ocupa— y la película de acción real Train to Busan. Se apuntó en su día (de hecho creo que fui yo mismo quien lo dijo), que muchos de los que habían visto el díptico recomendaban ver primero Seoul Station y posteriormente Train To Busan. Un servidor, habiendo visto ya ambas, puedo reafirmar que, efectivamente, es una buena opción hacerlo de esta manera, ya que el comienzo del desastre lo tenemos en esta película animada, mientras que Train To Busan es un episodio o una historia paralela que sucede durante la pandemia, con esta ya iniciada. ¡Pero cuidado! Si véis Train To Busan y no véis Seoul Station (algo que no os recomiendo que hagáis), no pasa absolutamente nada; y si es al revés… tampoco.

Esta va a ser una reseña más larga de lo normal. Hay bastantes cosas que contar acerca de Headshot y muchas referencias importantes que mencionar y que apuntan hacia The Raid: Redemption y The Raid 2: Berandal. Y no porque sean películas que tengan nada que ver entre sí —Headshot no pertenece a la saga creada por Gareth Evans—, pero sí comparten, sin duda alguna, un mismo estilo. Además, inicio la reseña con una pequeña sorpresa que ni yo mismo hubiera imaginado el día que dije lo que dije acerca de The Raid 2: Berendal, por lo que toca refrescar la memoria y recuperar un comentario que data del día 6 de agosto de 2014, cuando aún no se conocía la existencia de un proyecto como Headshot:

“Gareth Evans debe abarcar otros proyectos para seguir una trayectoria que empiece a alejarle del continuismo. Es lo que quiso hacer Peter Jackson para con El Hobbit y de esa manera no acabar quemado con tantas pelis acerca de una misma historia…, aunque al final tuvo que encargarse él del proyecto. No estaría mal que para una hipotética The Raid 3 sonase el nombre de Timo Tjhanto como director; creo que lo haría muy bien.”

Tres amigos viajan a Australia con la intención de grabar un vídeo buceando entre tiburones que les sirva como audición para un concurso de actividades extremas. Pero algo sale terriblemente mal y la grabación se convierte en un estremecedor diario de supervivencia.

Hace muy poco tiempo estábamos de nuevo a vueltas con las películas de tiburones tras el estreno de Infierno Azul y la distribución en el mercado doméstico de In The Deep. Y recuerdo que fue entonces cuando mencionamos que no se veía, en el futuro más cercano, una nueva película en este género más allá de la esperada Meg, propuesta de aventuras que, con algo de suerte, llegará en 2017. Pues resulta que nos equivocamos… aquí tenemos Cage Dive, debut en la dirección de Gerald Rascionato y que, por lo visto, está más cerca de un título como Open Water que de la mencionada The Shallows (Infierno Azul), ya que de nuevo volvemos a aguas profundas y la inmensidad del océano para ver como un grupo de turistas acaba siendo atacado por tiburones.

Seguro que muchos de vosotros recordareis Ouija, una producción de 2014 dirigida por Stiles White y producida por Blumhouse que acabó siendo un gran fiasco. Una película muy olvidable, sin nada a destacar y mucho para olvidar. Y durante los dos últimos años han sido varias las producciones con tablas ouijas de por medio, aunque no tengan nada que ver con el díptico que conforman la mencionada Ouija y la presente Ouija: El origen del mal. Me estoy refiriendo a títulos tan nefastos como Ouija Experiment o Ouija Exorcism, propuestas malas a rabiar que vendrían a confirmar el hecho de que nadie sabe muy bien cómo llevar estos peligrosos objetos al cine de manera interesante y traduciéndose en una recomendable película de terror.

Personalemente nunca me he sentido atraído ni interesado por toda la mitología que envuelve a estas tablas llamadas “Ouija”, pero supongo que, a modo introductorio, estaría bien repasar qué son y porqué existen estos utensilios supuestamente conectados con el más allá y aparentemente malévolos.

Para desgracia de todos, Owen e Isabel esperan un hijo. Aún peor: ella quiere conocer a la familia de él. Así que los dos se plantan en el pequeño pueblo donde viven la abuela y la hermana de Owen, herida tanto física como emocionalmente por un incendio, con la intención de enterrar el hacha de guerra. Sin embargo, hay cosas que deberían permanecer bajo tierra.

A Richard Bates Jr. le conocemos por Excision, una película “distinta” que a mí, personalmente, me gustó mucho. Una comedia negra y freak que se pudo ver en el Festival de Sitges de 2012 en la sección panorama, siendo una de las nominadas a mejor película. A continuación llegó Suburban Gothic, en el año 2014, una propuesta que no pude o supe disfrutar como lo hice con su debut. Por lo tanto tenemos un empate en el marcador, y le toca a la presente Trash Fire romper la igualdad y ver si regresamos a la excelencia de Excision o nos quedamos en el terreno más vulgar de Suburban Gothic.