Películas Clave del Cine de Terror Moderno

Ensayo y cine de la mano de MASP

DESIRÉE DE FEZ: UNA MUJER ATERRADORA

Nacida en Barcelona en 1977 no es ni mucho menos una recién llegada al Séptimo Arte. Es crítica de El Periódico De Catalunya y de la Guía Del Ocio de Barcelona y además colabora con las conocidas publicaciones especializadas Fotogramas y Rockdelux. Como no podía ser menos, es licenciada en periodismo y ha formado parte del comité de selección del festival Fotogramas En Corto.

Y Además ha participado en numerosos libros colectivos dedicados a la cinefilia más recalcitrante como Jim Jarmusch: Itinerarios Al Vacío o Teen Spirit: De Viaje Por El Pop Independiente. Por no mencionar las innumerables aportaciones a estudios dedicados a conocidas figuras emblemáticas como Sam Raimi y Abel Ferrara. De formación polifacética y sobrado talento narrativo este volumen está dedicado por entero a nuestro género favorito.

NO ESTÁN TODAS LAS QUE SON, PERO SÍ SON TODAS LAS QUE ESTÁN

Incluido dentro de la serie Películas Clave De… este volumen se dedica en particular al Cine De Terror Moderno, con una encuadernación en rústica con solapas de generoso tamaño y profusa documentación fotográfica en un aséptico blanco y negro que le dota de un irresistible aire documental.

El libro se inicia con un Prólogo obra de Jaume Balagueró que sirve de carta de presentación para la obra y su autora y a continuación consta de de diferentes partes, incluida una Introducción en la que se nos alecciona sobre la particular idiosincrasia de la obra, que analizaremos más adelante, y un Prefacio en el que se desglosa el significado de algunos de los términos clave del género como exploit o serial killer con el que los más profanos deberán aprender a relacionarse durante el resto de su lectura.

Finalmente llegamos a la parte que más nos interesa titulada de forma homónima al volumen, Películas Clave en el que se procede a analizar cien películas emblemáticas en cercanos y amenos análisis hemoglobínicos. Lo más destacado del volumen es la particular y escogida selección de los éxitos cinéfagos reflejados, combinados con unos deliciosos toques de depurada cinefilia. De manera que no sólo vamos a encontrarnos con las películas esenciales mundialmente reconocidas del horror cinema, como El Exorcista del artesano William Friedkin sino que además hallaremos obras muy particulares que ahondan en el terror más primigenio y menos superficial como la sublime The Addiction, del iconoclasta Abel Ferrara. Eso sí, tened en cuenta que el punto de partida, haciendo honor al título de la obra, es la inconmensurable La Noche De Los Muertos Vivientes de George A. Romero de 1968.

Cada película analizada consta de su ficha completa, su sesuda crítica en la que se revelan aspectos que normalmente se escapan en su primer visionado, como las segundas lecturas de tono crítico y social y vienen acompañadas de impagables imágenes cada cual más impactante. Además se incluyen resumidas sinopsis de los argumentos con las frases más destacables en una mayor tipografía para tener una primera impresión (y seguro que te la llevas en toda su extensión) del film en particular. Y cuando se tercia, se incluye un cuadro aparte con una extensa reflexión y evolución del subgénero particular al que pertenece la película que en ese momento está siendo objeto de literaria vivisección.

Se agradecen en particular esos pequeños detalles de maquetación que hacen grande a ediciones como ésta, como son la numeración de las páginas con mini claquetas de cine o cuadros de análisis insertos en pequeños rollos de celuloide que contribuyen a ambientar la obra y dan al lector la sensación genuina de tener un incunable en sus manos, escrito por alguien que no sólo conoce el género sino que además lo idolatra y eso se nota, y mucho, en la manera que la autora tiene de analizar los films incluidos, entre los que debemos decir que se ha tratado de incluir las más heterogéneas aportaciones, siguiendo las pautas antes indicadas y así hallamos tanto filmografía asiática pasando por obras maestras del giallo hasta llegar a los imprescindibles del gore moderno.

Por si esto os parece poco, se añade a modo de esplendoroso colofón una magnífica e impagable sección titulada Grandes Iconos en la que no sólo se presta atención a la carrera de los precursores del género en lo que directores se refiere, sino a esas otras grandes figuras injustamente menospreciadas pero sin las que no sería posible disfrutar de nuestro hobby favorito y gracias a las cuales se ha gestado la historia del cine en general y del terror en particular como actores icónicos de la talla de Bruce Campbell, escritores como el sobreadaptado Stephen King, directores polifacéticos como Wes Craven o genios absolutos de los FX como Tom Savini o Rick Baker y claro está, guionistas multiusos como Larry Cohen.

¿Queréis más? Pues lo tenéis, con un último apartado de Apéndices en los que se incluye (agarraos los machos): una extensa Bibliografía con la que completar vuestra particular biblioteca sobre el género, una completa recopilación de Páginas Web dedicadas al arte pesadillesco (a la que debéis sumar la presente que estáis leyendo) y un completo Índice Onomástico en el que localizar al instante a los personajes más representativos de la obra en su correspondiente página.

VALORACIÓN GLOBAL: 85/100

LO MEJOR: Magnífica antología introductoria para los profanos en el género y aleccionadora para los más avezados en el mismo.

LO PEOR: Las espectaculares imágenes e impactantes planos capturados pedían a gritos de scream queen una edición en color y pasta dura, pero lógicamente esto hubiera encarecido en exceso el producto final.

FICHA TÉCNICA

Autora: Desirée De Fez.
Editorial: Ma Non Troppo.
Páginas: 271.
Encuadernación: Rústica Con Solapas.
Precio: 19,90 €.

Una reseña literaria de MASP

Texturas del Miedo

Ignacio Cid nos acerca a la esencia del miedo

El día en que Ignacio Cid me envío un email contándome que era fan de Almas Oscuras (“ … por tantas rarezas de género que me ha descubierto…”) y que le haría ilusión ver reseñado en el blog su primer libro publicado, no tenía ni idea de lo que se me venía encima.

El libro en cuestión se titulaba Texturas del miedo, y reunía un total de 13 relatos cortos que su joven autor había escrito en un espacio de tiempo indeterminado.

Abro el libro, me salto la introducción (volvería a ella más tarde), y me dispongo a indagar, con las dudas propias de un tipo escéptico por naturaleza, en el primero de los relatos de la antología, El placer de comer. Se trata de una revisión (perversión) del cuento clásico Hansel y Gretel. Atrapado. Todas mis reticencias previas se van al garete en un primer relato fascinante, intenso y en el que me sorprendo a mí mismo, como lector, experimentando esa sensación tan buscada, tan anhelada: el miedo.

Cada uno de los 13 relatos de Texturas del miedo orbitan, en mayor o menor medida, con mayor o menor intensidad y acierto, alrededor del concepto “miedo”. Miedo a lo desconocido, miedos infantiles, miedo a la violencia injustificada, miedo a la locura, a la soledad, a la incomunicación, a la muerte…
Pero por encima de un leitmotiv argumental que pretenda cohesionar de algún modo la totalidad de los relatos que conforman la antología, lo que realmente sorprende y cautiva en Texturas del miedo es la capacidad de Ignacio Cid - autor joven y presumiblemente falto de experiencia – para dotar a cada uno de estos relatos (todos ellos) de una personalidad propia y una fuerza descomunal, inusitada.

Y todo ello gracias, repito, al buen hacer de un autor que se está enfrentando a su primera publicación. Tres rasgos me gustaría destacar en la labor de Cid: su valentía, su técnica y su capacidad para la ambientación.

Valiente al afrontar, de una manera siempre sincera y muy personal, cualquier género que se proponga: fantasmas, casas encantadas, rape&revenge, muertos vivientes e incluso el western con texturas – y nunca mejor dicho – lovecraftnianas. Ninguno de estos subgéneros se le resiste a Ignacio Cid y de todos ellos… de todos… sale perfectamente airoso.

Cada uno de los relatos de Texturas del miedo nos introduce en un nuevo mundo de terrores y pesadillas que, desde un punto de vista conceptual o argumental (más allá de indagar en la sensación misma del miedo), poco o nada tiene que ver con el anterior. Pero a pesar de que la materia, el contenido de cada una de las pequeñas joyas que conforman Texturas del Miedo es distinto y acusa una fuerte personalidad; sí existe un armazón común, una característica que les identifica y les hace fuertes: Ignacio Cid escribe muy bien. Parece una obviedad (y seguramente lo es…), pero una de las cualidades que sobresalen en una antología de relatos cortos como es Texturas del Miedo es lo tremendamente sencillo y accesible que resulta introducirse… entrar a formar parte de cada una de sus narraciones, gracias a la valía de un escritor, un “contador de historias”, que demuestra un talento innato para crear atomósferas, construir personajes, hilar tramas y sumergir al lector de lleno en un mundo de fantasía oscura y horror.

A pesar de que todos y cada uno de los relatos publicados en Texturas del Miedo tienen muchísimo que ofrecernos, no me resisto a señalar uno de ellos como mi favorito, y este no es otro que “De repente mi casa se convirtió en un árbol de llagas”, el quinto relato de la antología.

Os recomiendo, encarecidamente, la lectura y el disfrute de Texturas del Miedo.

Podéis adquirir Texturas del Miedo en su versión digital (por tan solo 4 euros) o encuadernada a través de la editorial Saco de Huesos.

Historias Fantásticas

Una recopilación de cuentos de Stephen King

Nuestro buen amigo MASP, al que todos conocéis por sus bastos conocimientos arcanos en terror y fantasía, nos trae otro de sus pormenorizados análisis literarios que desgrana con precisión quirúrgica una de las antologías, Historias Fantásticas, que aportó su granito de arena a que Stephen King sea considerado hoy en día como el maestro del horror impreso, cuentos que acompañaron la adolescencia de muchos treintañeros aficionados a lo macabro.

Una reseña honesta, profunda y respetuosa que acerca de forma entusiasta la obrita a los que desgraciadamente no la conozcan, y animará a su relectura a todos aquellos seguidores de Stephen King, entre los que se encuentran la gran mayoría de Almas que pululan por esta vuestra web… ¡no os la perdáis!

Cuando Susanah llora

La difícil travesía del superviviente

He empezado a escuchar las primeras voces críticas con la línea Zombi de la editorial Dolmen. Son críticas dirigidas a la discutible calidad de algunos de los títulos publicados. Es cierto que han sido más de una veintena de obras dedicadas al género en un espacio de tiempo relativamente corto y que, a estas alturas, da la sensación de que Dolmen está jugueteando peligrosamente con la posibilidad de saturar incluso al aficionado más acérrimo a los muertos vivientes. Pero sinceramente creo que la iniciativa de Dolmen, en términos generales, nos ha ofrecido (y sigue haciéndolo) títulos en su gran mayoría interesantes, algunos ciertamente extraordinarios, y unos pocos - muy pocos – que quizás no estén a la altura.

A título más personal, la línea Z de Dolmen me ha servido para descubrir a algunos autores a los que sin duda valdrá la pena seguirles la pista. Algunos de ellos se han adentrado por primera vez en el territorio zombi, como J.A. Álamo. Otros han logrado el reconocimiento popular, como Carlos Sisi y su exitosa saga de Los Caminantes. Otros, gracias a la iniciativa de Dolmen, han tenido la oportunidad de publicar su primera obra con resultados más que recomendables (Alberto Bermúdez, Sergi Llauger…).

Y todos ellos, en mayor o menor medida, han proporcionado una mirada fresca, audaz, valiente y, en ocasiones, autóctona, a nuestro idolatrado género zombi. Cuando Susanah llora no es una excepción.

J.J. Castillo, autor de la novela, erige una portentosa obra coral en la que el superviviente, y no el monstruo, deviene protagonista casi absoluto de una trama en la que se entremezcla el drama, el amor, la esperanza, la resignación y el horror.

Cuando Susanah llora cuenta la historia de Rotten, una pequeña población que ha sobrevivido al enésimo holocausto zombi gracias a la fuerza y la colaboración de sus vecinos, a un muro de contención que cumple su cometido a la perfección; y sobre todo gracias a Susana, una niña cuyo llanto previene a los habitantes de Rotten de la amenaza de los muertos vivientes.

La novela se estructura en capítulos que, en su gran mayoría, responden al nombre de uno de los personajes. Son supervivientes. Y gracias al buen hacer de J.J. Castillo, a su narrativa ágil y directa, resulta tremendamente sencillo empatizar con cada uno de estos personajes. Sentir de cerca sus inquietudes, sus miedos, sus esperanzas… Comprender la forma en que reaccionan, su modo de comportarse y las decisiones que toman bajo circunstancias desesperadas. Algunos lucharán hasta el final para salvar sus vidas, o para reunirse con sus familiares, o incluso para mantener viva la esperanza de un nuevo mundo, un nuevo comienzo. Otros se quedarán en el camino. Sucumbirán.
J.J. Castillo nos empuja a meternos en la piel de cada uno de ellos, y eso en algunas ocasiones tiene su recompensa; pero en muchas otras resulta doloroso. En Cuando Susanah llora nadie está a salvo. Nadie tiene garantizada la supervivencia, nadie tiene asegurado el final feliz, y por esta razón puede acabar siendo una novela dura, áspera.

Al principio de esta reseña señalé que el hombre, el supervivinte, era el auténtico protagonista de Cuando Susanah llora; pero J.J. Castillo demuestra ser también un autor hábil y, en última instancia, pragmático. A pesar de ser una novela coral, J.J. Castillo no pierde de vista que Cuando Susanah llora es también una historia de zombis. Quizás ellos no tengan en esta ocasión el protagonismo principal, pero cuando su presencia se deja notar en la novela, J.J. Castillo vuelve a acertar de pleno. Ese estilo ágil y directo que os comentaba funciona a la perfección también en los pasajes de acción y horror, que si bien no son numerosos sí resultan tremendamente efectivos y, en muchas ocasiones, impactantes.

Tan solo un par de reproches de una importancia muy relativa. Por un lado algún defectillo de forma que supongo se hubiera evitado con una segunda corrección del texto (un ligero tirón de orejas para los chicos de Dolmen). Y en segundo lugar la inevitable sensación de que, al tratarse de una novela coral con un elevado número de personajes, algunos de estos quedan algo huérfanos. Nos quedamos con las ganas de saber alguna cosa más sobre alguno de los personajes, mientras que quizás otros no acaban de captar nuestra atención como desearíamos.
Pero como digo se tratan de reproches que tampoco debéis tener demasiado en cuenta. Dolmen a vuelto a acertar. Cuandoh Susana llora es una gran novela. Intensa, entretenida y con calado emocional. Y desde luego J.J. Castillo se une a la generosa lista de escritores surigdos de la línea Z de Dolmen a los que habrá que seguir la pista muy de cerca.

El Arte de Alejandro Colucci

Insuflando vida a la fantasía

El libro, que hoy tengo el privilegio de acunar entre mis manos, posee algo especial. ¿Quizás sea porque se trata de un tomo de maravillosas ilustraciones frente a las habituales novelas o compilaciones de relatos que pasan por aquí? Puede, pero no sería honesto con su autor si así lo resumiese. No, El Arte de Alejandro Colucci, “Arte” conscientemente en mayúsculas, posee una cualidad encantada que nace de las delicadas manos de su creador. Pura magia: un deleite para los sentidos.

Por fin se hace justicia al trabajo de un ilustrador (aunque para mí su obra presenta más nexos de unión con el trabajo de un “pintor”, en su sentido más clásico, antes que con el de un simple “currante” de la imagen) que lleva muchos años en el negocio, desde 1990, invitándonos a entrar en este o aquel libro a través la una puerta visual, que suponen sus portadas, y a la que resulta imposible resistirse, incluso superando, ocasionalmente, el continente al contenido. Estamos ante la primera recopilación de distintas ilustraciones y portadas del errante Alejandro Colucci, artista internacional y global.

Internacional porque sus láminas han honrado a, y también han sido honradas por, literatos de todo el mundo y de sobrado prestigio, como Anne Rice, Sapkowski o William Gibson. Una carrera cuyo cenit, al menos para el público español aficionado al horror, se ha producido merced a su extensa brega dentro de una colección que tiene como protagonistas a los zombis; entre cuyos trabajos destacan viejos conocidos de Almas Oscuras como el inimitable Zoombi. Sin embargo, no solo de zombis ha inundado nuestras retinas: si Colucci se puede considerar un artista global es por la variedad de sus trabajos, así como de sus técnicas.

¿Y qué podemos encontrarnos en éste su “debut frente a las cámaras”? Pues precisamente una síntesis de las señas de identidad que he punteado someramente. Dibujos que abarcan un amplio rango, desde espada y brujería hasta la ciencia ficción oscura, pasando por ilustraciones netamente históricas hasta auténticas extrañezas que desafían clasificación alguna. Además de varios trabajos inéditos – para un servidor, las joyas ocultas que convierten directamente este libro en un tomo de culto a ubicar entre cualquier recopilatorio de Alberto Breccia y los grabados de Virgil Finlay -. Sí, y por supuesto zombis, todo un muestrario macabro que revela el conocimiento de Colucci sobre el medio en que se desenvuelve, como así lo demuestran las quijadas deshechas, las sonrisas teñidas de bermellón y las extremidades purulentas que se erigen, por derecho propio, como núcleo central de este libro de Arte (de nuevo con mayúsculas). Una variedad de géneros que sorprende aun más, habida cuenta que el libro recoge, en mayor medida, la producción reciente de su autor.

Pero no solo es amplio el abanico de temáticas, así mismo las técnicas se suceden – carboncillo, óleo, témpera… – casi siempre fusionadas con el arte digital, del que nuestro artista se muestra un auténtico maestro. Sin miedo a la experimentación, alejado de interpretaciones maniqueas del dibujo, juega con atmósferas de tal forma que las entrañas, el meollo de aquello que es ilustrado, penetra en el espectador de una forma directa y casi osmótica. Vampiros, gladiadores, templarios, princesas, etcétera: obsesión por los seres humanos (o sus restos) que, al fin y al cabo, denota el espíritu humanista de Colucci, donde la posición de las manos juega una importancia vital, como si de un mensaje oculto, o pesadilla recurrente, se tratase. Ominosa infección que seguramente viene heredada de la pleitesía que rinde Alejandro hacia las mugrientas páginas de Los Cantos de Maldoror.

Una lujosa edición para un artista que no lo es menos: tapa dura, 200 páginas de alta calidad (un gramaje que no he podido disfrutar en otros libros de arte más cacareados), maquetación poderosa que facilita el disfrute natural de las láminas, así como algún que otro pequeño detalle – fotos del autor, bocetos, promociónales, etcétera – que representan esos guiños de complicidad hacia el lector, que buscamos con tanto ahínco los coleccionistas. No caben excusas, “El Arte de Alejandro Colucci” se presenta como una obligación para cualquiera que se precie de ser un “conoisseur” del género fantástico.

Y aquí, uno que siempre ha creído saber manipular bien las palabras, se queda sin voz para expresar las sensaciones transmitidas por el hechizo visual del nigromante Colucci. Suena a tópico, y lo es, pero este libro solo puede ser disfrutado e interpretado por cada aficionado en la soledad de su mundo mental, un desfile de imágenes hipnóticas que extrapoladas de su contexto, del libro que realzan, cobran vida propia y narran una historia propia.

Solo me resta invitaros, si queréis conocer más de un artista tan independiente como auténtico, a que os paséis por la web de su propio estudio, Epica Prima, donde podréis haceros una idea más clara del trabajo que realiza, su fecundidad y su amor por la Ilustración (también en mayúsculas, claro).

Zothique

El último continente

C.A. Smith fue junto a Lovecraft y Howard (creador de Conan y de otra docena de personajes no menos memorables) uno de los buques insignia de la famosa revista Weird Tales. Los “tres mosqueteros” los llegaron a llamar bienintencionadamente. Sin embargo,Smith es de los tres el más desconocido para el lector hispano, situación que las dos últimas décadas han venido a paliar un poco. Y eso que podríamos decir sin temor a equivocarnos que el californiano Smith gozaba de la pluma más acerada y de mayor dominio del lenguaje entre sus compañeros. Autodidacta – rechazo acudir a la escuela secundaria formándose el mismo de manera loable -, aprendió varios idiomas y cultivo con mimo no solo la literatura si no también la poesía y la escultura. Siendo siempre capaz de trasmitir a sus obras un aire de decadencia cósmica que ni siquiera el maestro de Providence pudo alcanzar. Tal vez el desconocimiento de su obra, cada vez menor afortunadamente, se debe a que dentro de su obra nunca pergeñó una comosgonía propia o desarrolló personajes que le diesen pie a una saga identificativa. Él se centró en recoger pasajes y cuentos de continentes y regiones (Hyperborea, Xiccarph, Averoigne…) imaginarios como si de un historiador, o mejor un bardo, se tratase. Así sus cuentos disfrutan de la patina del narrador experto que nos lleva, sin mucho esfuerzo por representar el marco de la ficción, por terrenos imposibles usando una vaga forma de añoranza que permite al oyente imaginar con más fuerza que si de obras explicitas se tratase. No hay concierto temporal claro en sus historias, solo una fuerza sobrenatural para describir lo decadente y lo exótico, superior incluso a la de Poe.

Permitidme reproducir el poema que abre esta antología y que sintetiza lo que encontraréis en los mejores relatos de uno de los mejores fantasistas “pulp” que alumbró la Norteamérica de principios del siglo XX, solo comparable en importancia a Lovecraft y Howard, y superior en cuanto a manufactura técnica:

ZOTHIQUE

Aquel que haya hollado las sombras de Zothique
y contemplado el oblicuo sol del color de la brasa,
no volverá de aquí a un país anterior,
sino que rondará una última cosa
donde las ciudades se deshacen en la negra arena
y muertos dioses beben el salitre.

Aquel que haya conocido los jardines de Zothique
donde sangran los frutos desgarrados por el pico del simorgh
no saboreará la fruta de hemisferios más verdes;
bajo las postreras enramadas,
en la sucesión de ocasos de los años sombríos,
sorberá un vino de aramanta.

Aquel que haya amado a las salvajes muchachas de Zothique
no volverá a buscar un amor más tierno,
ni distinguirá el beso de una amante del vampiro;
el espíritu escarlata de Lilith
se levanta para él, amoroso y maligno,
de la última necrópolis en el tiempo.

Aquel que haya navegado en las galeras de Zothique
y haya visto el espejismo de altas torres y cumbres,
tendrá que enfrentarse de nuevo al tifón
enviado por un brujo
y ocupar el puesto del timonel
sobre océanos alborotados por la cambiante luna
o por la señal remodelada.

Como habréis podido sentir, nos encontramos ante un recetario de emociones fuertes, decadencia netamente “pulp” y una combinación de horror y fantasía única. En opinión de un servidor, estamos ante uno de los libros más importante del siglo pasado, dieciséis relatos (más el poema que he trascrito) que aúnan la prosa más lírica con el temario más sugerente y necrótico escrito hasta la fecha: La sensualidad comercial de Anne Rice empalidece ante los deseos inhumanos de las decadentes lamías que pueblan los cementerios de Zothique, la perversidad de Hannibal Lecter es solo un juego de niños frente al hambre feroz de muerte que caracteriza a los nigromantes de Naat y los horrores modernos de Stephen King se esconden prestos cuando los moradores de las criptas, llenas de milenarias momias de emperadores, surgen de las grietas abismales para tejer sus redes sobre los incautos.

El horror se da cita en los cuentos de Clark Ashton Smith con la fantasía épica e incluso unas gotas de ciencia-ficción, merced al protagonismo absoluto del último continente de un mundo, deseando creer que es la tierra, sometido al inminente fin que dicta un sol moribundo y decadente, cuyos sanguíneos rayos de luz infectan la vida de los hombres. Disfrazado con una pesada chilaba anaranjada, que nos retrotrae a las pesadillas que cada una de las mil y una noches esperaban al rey Shahriar tras los cuentos de la siempre inalcanzable Sherezade, el terror se despliega inmisericorde ante el lector, con una normalidad que resulta peligrosa y se pega a las capas de nuestro cerebro con pecaminosa insistencia. Como si de un seductor Crowley se tratase, C.A. Smith nos dibuja unas viñetas desgastadas por los siglos, probablemente dictadas por un memoria racial futura antes que pasada. Y es que estos brillantes destellos del fin de la historia conocida, son tan realistas – dentro de la desbordante imaginación que muestra su autor – que resulta difícil no dejarse engañar momentáneamente por alguno de sus extraordinarios cuentos, narrados a través de una boca llena de fragantes humos y delicados licores.

El libro que edita Valdemar, recoge lo que podría ser el mejor ciclo de su autor. Y es que en Zothique la imagen de un continente moribundo al borde de la degeneración de sus habitantes y la vuelta a la magia negra como método de poder, ejerce una atracción especial no solo por sus islas repletas de nigromantes o palacios hundidos en eternas orgías, sino también por una prosa tan recargada y precisa como un bisturí de diamantes. Previamente editado por EDAF en 1977 (conociendo sucesivas reediciones), por fin contamos con una edición moderna a la altura que un clásico como Smith merecía. Tapa dura, espectacular ilustración de portada exclusiva para la ocasión, y una calidad de papel solo superada por el de la letra sobre él impresa; solo podríamos achacarle el pecadillo de prescindir de una introducción, o breve ensayo, que siempre ayuda al lector a ponerse en situación frente a cuentos de casi un siglo de antigüedad. Ni siquiera se recoge el epilogo que redactó Lin Carter (otro fantasista que se dedicó a organizar sistemáticamente la obra de Howard y Smith así como a terminar algunos trabajos inconclusos de los mismos) explicando el porque del orden de edición de los relatos, que no refleja el original. Pues Smith no concebía sus narraciones como un ciclo si no como, precisamente indicado anteriormente, una continuación de las perezosas narraciones de una cortesana de apabullantes curvas, tal y como le pudiesen venir a la cabeza: desordenadamente. Es decir, esta edición ordena los relatos según la ordenación cronológica inherente a la coherencia argumental de los mismos, no sigue el orden en que en realidad fueron publicados o escritos; y sin embargo no se nos explica el porque de dicha ordenación.

Pero lo importante son los cuentos, y en este caso ninguno de los dieciséis es malo, incluso podríamos decir que dos o tres son memorables, todos ellos atemporales. Destaca la fuerte presencia de la nigromancia, de una forma tan natural y abierta que casi podríamos hablar de necrofilia encubierta, y de los horrores apenas controlados por los hechiceros que practican blasfemos rituales en honor a sus perversos reyes y reinas. Si tuviese que destacar alguno por encima de otros seguramente me quedaría con Nigromancia en Naat, la historia más triste y siniestra que jamás haya leído sobre muertos vivientes. Todo no pueden ser Walking Deads o Mila Jovovich llenando de plomo a no-muertos. Existe otra visión más poética, más intensa, más satisfactoria que podréis conocer de la mano de un genio, imprescindible para cualquier que se vanaglorie de llamarse “aficionado a la fantasía”. Aunque elegir un solo cuento me parece casi un desprecio para con la colección. Desde el jardín de miembros amputados de Adompha, hasta el ajado monasterio del vicioso abad negro de Puthuum, pasando por las luchas entre hechiceros de “el amo de los cangrejos”; casi cualquier pasaje de este libro único hiede a fruta podrida y posee el blando tacto de la pálida carne de una emperatriz momificada hace siglos.

Resulta patente mi amor por esta obra, un cariño que nunca negaré y que reconozco, como ya lo hizo Ray Bradbury en sus inicios, me empujó a ponerme delante de una hoja de papel en blanco con la intención de mancharla de tinta, decadencia y exceso. De todo corazón recomendaría este libro a cualquier amante de la buena literatura; de tratarse de un aficionado a la literatura “pulp”, le diría que duerme en pecado cada noche que no posee una copia de esta joya. Claro que también soy consciente de que la prosa tan personal y retorcida de un autor no es apta para todos los paladares, pero hasta el gusto más deteriorado es capaz de entrenarse, tomando sorbos de esta especial absenta preparada por Smith. No obstante, para que no penséis que se trata de una obsesión meramente personal y subjetiva, os dejo en palabras del propio editor de Valdemar, el cual resume muy acertadamente la magia que oculta la pluma de C.A. Smith:

”Se trata de una de las obras más emblemáticas del terror sobrenatural en su vertiente más bizarra y demente, escrita para cerebros desahuciados y exquisitamente mórbidos. Se trata de Zothique, de Clark Ashton Smith. Me complace también poder afirmar que hemos conseguido, gracias a la labor de Marta Lila Murillo, una traducción a la altura de Clark Ashton Smith, un autor sumamente retorcido, complicado, decadente y exuberante“

Las brujerías de Aphlar

Y otras fantasías lovecraftianas

Las brujerías de Aphlar (y otras fantasías lovecraftianas) – La Biblioteca del Laberinto, marzo de 2011 –, es toda una gema, un tesoro rescatado de un pecio hundido, destinado al aficionado a la literatura pulp que, además, está condenada a convertirse en un incunable y objeto de deseo entre futuros coleccionistas. Vaya por adelantado que la razón de tanta pleitesía, hacia la colección de cuentos de un desconocido, para el lector hispano, el estadounidense Duane W. Rimel (curtido fantasista y poeta pulp, así como corresponsal de Lovecraft), se debe más que a la calidad inherente de los cuentos compilados – casi la totalidad de su obra fantástica y buena parte de su poesía macabra –, al significado de una obra de estas características. Reconozco que parte de estas consideraciones, pelín entusiastas, están teñidas de una subjetividad sonrojante; sin embargo, no es solo la importancia de la edición lo que me lleva a recomendar encarecidamente esta antología; no en vano contiene cinco o seis cuentos muy intensos, gratificantes y directos, así como una selección de poesías tristes, lúgubres y escalofriantes que harán las delicias de las escasas almas sensibles, que ha respetado el siglo XXI, apegadas al horror sobrenatural y “algo más”.

El “fandom” post “Weird Tales”

Como todos los admiradores de su trabajo, sabemos que el “universo” creado por el solitario de Providence no se quedó estancado a su muerte; muchos coetáneos y seguidores, incluso influenciados de forma epistolar por el generoso maestro, continuaron escribiendo sobre los horrores cósmicos que relegaban a la humanidad a un plano muy secundario, y peligroso, de la creación. Como pasajeros ocasionales de los vuelos fletados por Weird Tales,Argosy o Unknow Worlds (entre otras), encontramos a escritores no profesionales, o casi profesionales que vinieron a continuar las líneas marcadas, dentro de la literatura fantástica, por autores más consagrados (aunque despreciados en su época) de la talla de Lovecraft, Howard, Merritt o Kuttner.

Esta continuidad tiene su marco temporal tras la segunda guerra mundial, cuando las revistas pulp ya vivían una época de madurez previa a la decadencia, y el papel donde fueron plasmadas, las historias de jóvenes fascinados por el terror y la ciencia ficción de consumo, son los “fanzines” de la época que dieron lugar a los primeros pasos del fenómeno fandom: desde el primerizo The Acolyte hasta el bien asentado The Crypt of Cthulhu. Lo que viene a ser el trabajo y dedicación de simples aficionados a una disciplina artística cuya progresión se basa en la obsesión para con el trabajo de otros artistas previos o más reconocidos. Al menos, dentro de una atmósfera “underground” el lector siempre es el mayor beneficiado: si las revistas “matriz” ya destacaban por la falta de prejuicios a la hora de enfocar cualquier temática, los fanzines fueron la plataforma definitiva para la creatividad. Quizás sus autores nunca se caracterizaron por una habilidad literaria deslumbrante, pero la manida frase de “el límite es tu imaginación” se hace realidad en las baratas fotocopias que componían estas publicaciones de diletantes.

Algunas plumas, cámaras, pinceles o paletas logran romper la crisálida, comúnmente destripada por la crítica e ignorada por el gran público, y convertirse en autores de renombre, pero otros quedaron relegados a un puesto marginal y a una exigua obra que desvela la escasez de tiempo para dedicarte a tu pasión, cuando la mesa se encuentra vacía. Dentro de esta segunda categoría, que podríamos decir que acoge a autores tan validos como desconocidos, hallamos a Duane W. Rimel (1915-1996). Un entusiasta de la nueva ficción que se cocía en los años treinta, como lo podríais ser cualquiera de vosotros; un tipo con ganas de pasarlo bien, escribir por el puro placer de hacerlo y con toda la buena voluntad de sacar algo de dinero si se podía, mientras compatibilizaba la escritura amateur con su trabajo de camarero en un club de jazz y otros muchos despues.

Los otoñales anocheceres de Hampdon

Pues bien, y aquí es donde radica su importancia literaria, la obra que hoy os recomiendo encarecidamente es la única edición oficial (en Estados Unidos existen alguna ediciones limitadas realizadas por la prensa independiente) de su literatura fantástica y, además, completa (a este respecto comentar que La brujerías de Aphlar sufre la ausencia de una hermosa poesía “desarrollada” a seis manos junto a Lovecraft y C. A. Smith , Sueños de Yith – publicada también por La Biblioteca del Laberinto en el volumen homónimo –). Esperando no equivocarme, creo que es la primera edición en nuestro país de un tomo de estas características. Es decir, la publicación exhaustiva de los trabajos de un escritor del fandom norteamericano. Esta bien, sabemos que la excusa subyacente no es más que la relación que la mayoría de los cuentos mantienen con las ideas de Lovecraft. En la extensa, adecuada y fascinante introducción que no ofrece Óscar “el sabio” Mariscal, se nos desgrana la relación epistolar de Rimel con maestros de la era pulp, su influencia dentro de los fanzines de la época, su simpática vida y aficiones varias; y es de este incesante carteo “pulp” del que beben los relatos y poesías impresos, incluso un pequeño ensayo sobre la música que demuestra la afición del autor por la música y sus derivaciones fantásticas.

Todo un muestrario a lo largo de casi ciento noventa páginas que refleja principalmente el gusto de Rimel por el horror cósmico en su faceta más rural. Precisamente esa cuyo mejor ejemplo lo tenemos en El horror de Dunwich, ahí es nada. No en vano, el maestro superviso alguna de las narraciones y Mariscal incluso especula con que uno de los cuentos fuese la última colaboración en vida del mismo. Aunque tampoco renuncian los relatos a picotear de otros estilos, otros enfoques, como la novela de aventuras y razas perdidas (donde el maestro, para un servidor, siempre será Abraham Merritt) o incluso el tufillo a ciencia ficción especulativa. Sin embargo, donde la fuerza y el saber hacer de su autor estallan, es cuando las poesías que dan cierre al libro se despliegan ante nosotros como corruptas flores de ultratumba; en su idioma original o traducidas (nunca agradeceré lo suficiente a un editor el que nos ofrezca poemas escritos en lenguas foráneas junto a su precisa traducción) suponen un empellón melancólico desde las sombrías esferas cósmicas, y cuya única equivalencia la encuentro en los mismos Hongos de Yuggoth.

Así que no solo merece la pena zambullirse en Las brujerías de Aphlar por su importancia como muestra única, bajo perfecto español merced a una trabajada traducción, del fandom post Weird Tales (y pido disculpas de antemano por centrar el artículo en esta cuestión, habida cuenta de que la bibliografía de Rimel es mucho más compleja de lo aquí expuesto, como su resurgimiento a mediados de los ochenta o sus trabajos de Weird Menace demuestran), también recaba nuestra atención por la calidad de sus poesías y unos cuantos de los diecinueve cuentos breves contenidos; destacando Las brujerías de Aphlar, El Desenterrado, La música de las esferas o Las colinas más allá de Hampdon (localidad ficticia que podríamos definir como el Arkham de Lovecraft). Cuando pienso en estos relatos no puedo evitar imaginarlos como pequeños rubíes tallados en forma de lágrima y encendidos a causa del fuego de una pasión más propia de súcubos que de humanos.

Todo ello empaquetado con el tradicional buen hacer de la editorial de incombustible Paco Arellano (uno de esos personajes que han ayudado a definir la evolución de la fantasía escrita en España y, sin embargo, siempre permanece en las sombras), haciendo uso de traducciones propias, ilustraciones de la época, grabados imposibles de localizar, una papel ahuesado que da gusto pasar, una portada con solapas ilustrada por Scott Templar, que resume con una preciosista imagen todo el sentido y sentir de lo que nos espera tras pasar la primera hoja: un mundo de horror único cuya magia trae aromas de picadura de pipa, Vat 69, sauce y decenas de personas hacinadas en un garito mientras bailan jazz. Ni os fijéis en el precio, solamente comprarlo si amais las obras de Bradbury, Bloch, Matheson o, por descontado, Lovecraft.

¿La única pega? Se hace corto, insuficiente, solo una pequeña dosis para el adicto… necesitamos más!!

Neonomicon

Los mitos de Lovecraft se despelotan

Un agente del FBI, Aldo Sax, investiga una serie de asesinatos rituales sin esclarecer. Sangrientos desmembramientos perpetrados con el mismo “modus operandi”, pero sin aparente relación entre ellos. Las pesquisas llevarán a Sax a un depravado submundo compuesto de música extraña, drogas y sexo; subcultura que es solo la antesala a nuevos descubrimientos, capaces de cambiar su vida y sumergirlo en los antiguos mitos de Cthulhu revividos, para la ocasión, con un simple chute de Aklo. Los trapicheos en el patio marcan el inicio de una desagradable historia donde lo explicito reina en el trono de R’lyeh junto al ominoso fin de la humanidad. Los ritos blasfemos cobran vida entre el olor metálico de la sangre y el acre sabor del semen, los adoradores de los primigenios lustran sus juguetes sexuales para la ocasión, mientras Los Gatos de Ulthar siguen sonando a todo trapo en el tocadiscos…

Neonomicon, comic recién editado este agosto por Panini, del inasequible al desaliento Alan Moore recopila dos series limitadas de narraciones lovecraftianas ilustradas por un detallista Jacen Burronws. Como sabréis, Moore es el principal culpable de obras imperecederas como From Hell, Watchmen, V de Vendetta, La liga de los Hombres Extraordinarios o la mejor etapa de La Cosa del Pantano; mientras que Burrows es un dibujante bastante desconocido por estos lares; y, sin embargo, su trabajo en los seis números regulares, que componen esta serie, no podría ser más sobresaliente: con un dominio del lenguaje gráfico envidiable y un detalle realista que no desentona con el tono oscurantista de la historia, equilibra un argumento bizarro y decadente que en manos de otros artistas podría haber caído en el chiste chusco o la sal gorda. Amén de lucir las viñetas entre lo moderno y el tono pulp tan propio de Lovecraft y su círculo, aun sabiendo que la acción transcurre en la época moderna (con destellos cuasi cyberpunks) es imposible no tener los años cuarenta en mente cuando Burrows y Moore nos llevan de la mano por las peores zonas del peor barrio de la peor ciudad: Red Hook.

El origen de esta obra tan peculiar es bastante prosaico: pagar una deudas, al más puro estilo de “La Faraona”, que_Moore_ tenía con la hacienda pública. Otra cosa es el núcleo argumental; ¿de dónde viene eso de meter en la turmix farlopa, consoladores, sectas, profundos, rock gótico y metalenguaje? Muy sencillo. Cualquiera minimamente próximo a los relatos y novelas cortas de Lovecraft habrá observado que existe una negación sexual evidente. Apenas leemos sobre mujeres en cualquiera de sus cuentos, y a pesar de que los híbridos entre seres humanos y “otras cosas” plaguen sus páginas, nunca conocemos el origen carnal de estas aberraciones. Rituales blasfemos que incluso cuesta intuir en su prosa. Entonces, ¿los profundos y los humanos no tienen sexo? Pues claro que sí, y quien mejor para explicarnos estos apareamientos, con todo lujo de detalles, que Alan Moore. Y la verdad que lo hace estupendamente, hiendo siempre al grano sin olvidarse de que tiene que existir una historia detrás, unos personajes principales bien perfilados en sus debilidades y fuerzas, así como abundante cultura “lovecraftiana”, siempre exhibida de una forma distinta – justamente esa que refiera a las gónadas y las endorfinas -, pero completista como pocas. Incluso Moore se permite el lujo de añadir al panteón “lovecraftiano” uno de sus mejores personajes que, al más puro estilo mefistofélico, ejerce de propagador del caos de forma divertida y cruenta. Os hablo del “dealer”, el “farmaceutico”, el “camello” Johnny Carcosa; genial aportación.

Resumiendo, podemos decir que el guionista británico decide llenar, con la mayor de las inquinas, los espacios descriptivos que Lovecraft evitó en su obra; bien por algún trauma sexual o por el deseo explicito de sugerir antes que mostrar como medio para horrorizar. Ya aviso a los más timoratos de que los autores de este “comic-book” están dispuestos a llegar hasta las últimas consecuencias… os harán fruncir el ceña de asco en más de una ocasión. De hecho, no creo que se trate de una lectura agradable para muchas mujeres, puesto que la exposición de ciertos “abusillos” es bastante extrema, dentro de la más pura ficción, eso sí.

Bajo estas premisas, ¿funciona la historia? Rotundamente sí. El Neonomicon se divide en dos partes bien diferenciadas: los dos números que componen el primer acercamiento de Moore a la depravación de la “cultura lovecraftiana” (”The Courtyard”, 2003) y los cuatro que forman parte del Neonomicon en sí (2010-2011). Estando el primer segmento más centrado en la adicción al Aklo y sus efectos en un barrio marginal; y el segundo segmento, continuando la historia anterior, ya completamente centrado en violaciones, juguetes imposibles, orgías explicitas – muy explicitas – y gore del bueno. Obviamente el final, el desenlace, no presenta un verdadero clímax, pero os aseguro que contiene un giro de tuerca con respecto a los tópicos de la existencia de los Primigenios capaz de demostrar de forma definitiva la genialidad del chiflado Moore.

En cuanto a la edición en sí solo podemos alabarla. Quizás un poco cara para lo que sería el estado de los bolsillos medios en la actualidad: 18 euros. Pero 160 páginas de valor seguro dada la gran calidad de este tebeo solo apto para adultos. Papel de alto gramaje, impresión perfecta (sin desagradables “desenfoques” o “pixelizados”) y una portada satinada en tapa dura que hará las delicias de los seguidores de la mitología “cthulhuidea”. Tan solo recriminarle que se haga corto, un mal endémico de los comics, especialmente de las series limitadas, y es que dado el dinamismo con que desgranan las miserias de los protagonistas todo sucede ante el lector como si viajásemos en un vuelo a propulsión, que no da ni un segundo de respiro entre asesinatos bestiales y perversiones sexuales presentadas sin tapujos y con una naturalidad escalofriante.

Sinceramente recomendable tanto para los seguidores de Lovecraft como a los de Moore, incluso creo que trasciende la idiosincrasia de ambos autores, la literatura o por lo menos el mundillo del comic. Se trata de una obra que cualquiera, con gusto por el terror más depravado e intenso, sabrá sacar provecho, siempre que deje los prejuicios temporalmente en un cajón. Eso sí, dadas las evidentes referencias mitológicas a la cosmogonía creada alrededor de Cthulhu, se disfrutará muchísimo más, de este Neonomicon, si uno ha leído buena parte de los trabajos de Lovecraft y amigos (C.A. Smith, Long, Howard, Bloch, Campbell…).

Una creación única en su especie, e ilustrada para su puesta de largo al castellano (en una traducción mejorable, eso sí), que aúna el terror más directo con el sexo más degradado mediante las apocalípticas enseñanzas de los Dioses Exteriores y sus mensajeros; algo solo al alcance de escritores como Moore.

MALDITAS PELICULAS!

Una reseña literaria de MASP

Nuestro querido amigo y colaborador MASP nos vuelve a sorprender, gratamente, con la reseña de un libro, que esta vez resulta ser un ensayo sobre películas con una oscura leyenda detrás. Sin más, os dejo con la sabiduria de MASP…

SINOPSIS

¿Qué tienen en común “El Exorcista”, “La Semilla Del Diablo”, “La Profecía” y “Poltergeist”? Efectivamente, las cuatro son clásicos del cine de terror. Pero existe otro nexo de unión entre ellas: todas están envueltas en una leyenda negra que incluye muertes, accidentes misteriosos, cultos diabólicos y otros hechos difíciles de explicar, como si alguna oscura y desconocida fuerza sobrenatural no hubiese querido que esas películas se hicieran. ¿Estaba “El Exorcista” basada en una historia real? ¿Era Roman Polanski, director de “La Semilla Del Diablo”, adorador de Satán? ¿Es cierto que la banda sonora de “La Profecía” estaba tomada de una auténtica misa negra? ¿Por qué la saga de “Poltergeist” es conocida como “las películas que matan”?.

Pero “¡Malditas películas!” no es sólo la crónica escandalosa de un puñado de films supuestamente funestos. Es, más genéricamente, un recorrido alternativo por el lado oscuro de Hollywood – fábrica de sueños, reino de magia, pero también escenario de pesadillas, tragedias y supercherías de toda índole – desde la era muda hasta la actualidad. Un cocktail en el que se mezclan celebridades tan diversas como Rodolfo Valentino, Charles Manson, Vampira, Jayne Mansfield, Mick Jagger, Anton LaVey, Steven Spielberg y un largo etcétera. ¿Fue el accidente fatal de James Dean consecuencia del hechizo de una bruja celosa y vengativa? ¿Existe una maldición que afecta a todos los actores que se calzan el traje de Superman? ¿Qué extraña conexión une las misteriosas muertes de Bruce Lee y su hijo Brandon? ¿Es verdad que el fantasma de un niño aparece en la comedia “Tres Hombres y Un Bebé”?.

“¡Malditas películas!” es una obra rigurosa y amena que pretende mostrar la estrecha relación que siempre ha existido entre el cine y lo oculto, y que nos lleva en último término a plantearnos esta pregunta fundamental: ¿Hay realmente una serie de maldiciones diabólicas que pesan sobre Hollywood y sus estrellas, o es simplemente la fascinación que ejerce sobre nosotros ese deslumbrante mundo lo que nos induce a querer creer en ello?

EL AUTOR

Miguel Ángel Prieto nació en Madrid en 1971. Licenciado en periodismo trabajó como redactor en varias publicaciones especializadas en el mundo del cine. También ha colaborado en numerosas revistas, fanzines y páginas web dedicadas a la música rock y ha co-dirigido y presentado programas de radio en diversas emisoras de la capital. Además de su labor como traductor ha escrito los libros, “Vivir y Morir En Los Ángeles” (2003), “Desaparecidos En Combate” (2004), “Blade Runner” (2005), “James Dean, El Ángel Oscuro” (2005) y “La Música Del Diablo” (2006), su primera incursión en la literatura rockera (del que habrá reseña en su momento), todos ellos publicados por T&B Editores cuyo extenso catálogo podéis consultar en su página web oficial: T&B Editores

LA ENCUADERNACIÓN

El volumen está editado en rústica avinilada de generosas solapas con una portada tan impactante como familiar para los seguidores del género y una contraportada no menos genuina. Las 270 páginas de su interior gozan de un excelente papel satinado cuyo tacto produce sensaciones erótico festivas para cualquier lector avezado que se precie y además están dotadas de una profusa y magnífica documentación gráfica compuesta por fotos inéditas de rodaje y carátulas en un sobrio blanco y negro que le otorgan si cabe, un mayor aire documental y realista. La tipografía escogida es agradable a la vista, lo que termina por conformar un volumen de tamaño generoso pero cómodo de manejar.

INTRODUCCIÓN: EL CELULOIDE OCULTO

En este breve Prefacio, el autor revela su pasión por el séptimo arte y confiesa los motivos que le llevaron a escribir la obra que es objeto de esta reseña.

PARTE PRIMERA: RODAJES DIABÓLICOS

Capítulo I: El Diablo Habla Esperanto: Se analiza la supuesta maldición que acompañó a la película “Incubus” (1965) de Leslie Stevens, una de las escasas producciones rodada en idioma esperanto y que cuenta entre sus protagonistas a un jovencísimo William Shatner antes de convertirse en el afamado Capitán Kirk de la mítica astronave Star Trek.

Capítulo II: La Mano Que Mece La Cuna: Nos ocupamos ahora del embarazo más famoso y complicado de la historia del cine, “La Semilla Del Diablo” (1968) de Roman Polanski, donde se relatan no sólo las dificultades del rodaje sino las atrocidades de “La Familia Manson” en el 10050 de Cielo Drive.

Capítulo III: El Hombre Olvidado Por El Tiempo: Extraños suicidios, sexo, brujería, drogas y mucho rock and roll acompañaron el infernal rodaje de “Performance” (1968) de Donald Cammell protagonizada por un tal Mick Jagger, líder de sus “Satánicas Majestades Del Rock”, los Rolling Stones, con escenas memorables que sirvieron de inspiración al mismísimo Tarantino para su rodaje de “Reservoir Dogs” (1992).

Capítulo IV: Satanismo Para Las Masas: “Es imposible reducir todas estas cosas a una mera coincidencia. Si alguien quería pruebas de que las fuerzas del Mal existen, creo que los extraños e inexplicables acontecimientos que tuvieron lugar durante la filmación de “El Exorcista” (1973), serían suficientes para convencerle”. William Peter Blatty dixit.

Capítulo V: El Número De La Bestia: EL compositor Jerry Goldsmith fue galardonado con el primer y único Oscar de su carrera por su banda sonora para “La Profecía” (1976) de Richard Donner cuyo archifamoso tema “Ave Satani” es probablemente una de las canciones más terroríficas de toda la Historia.

Capítulo VI: La Venganza De Los Espíritus Malignos: Dominique Dunne, la hija mayor de la familia, fue estrangulada por su ex-novio. Julian Beck, el malvado reverendo Kane, sucumbió al cáncer. Will Sampson, el bondadoso chamán indio, murió tras un trasplante. Y la pequeña Heather O’Rourke falleció de una extraña dolencia. Demasiadas “coincidencias” las que siguieron al estreno de “Poltergeist: Fenómenos Extraños” (1982) de Tobe Hooper.

SEGUNDA PARTE: EXPEDIENTES X DE HOLLYWOOD

Capítulo VII: El Seductor De Ultratumba: Varios de sus fans, incapaces de soportar el dolor por la muerte de su ídolo, se suicidaron en 1926, cuando Rodolfo Valentino fallecía repentinamente dejando tras de sí mito y leyenda.

Capítulo VIII: La Cuadrilla De La Muerte: El asesinato del simpático perro Pete, envenenado en 1930 a manos de un desconocido, fue sólo la primera señal del funesto futuro que les estaba reservado a los miembros del serial televisivo “La Pandilla” (1922).

Capítulo IX: La Bruja Que Mató A Jimmy Dean: Sólo contaba con 24 años cuando falleció en un accidente automovilístico al volante del a partir de entonces “maldito” descapotable al que James Dean apodaba cariñosamente “Pequeño Bastardo”, según algunos, obra del maleficio de “Vampira” una “bruja” despechada.

Capítulo X: El Príncipe De Las Tinieblas Y La Corista Decapitada: Figura clave de la contracultura underground del Hollywood sesentero, Anton LaVey contaba entre sus amantes a las dos grandes “bombas rubias” del momento, Marilyn Monroe y Jayne Mansfield cuyas trágicas y prematuras muertes se achacaron a la influencia del Sumo Sacerdote De La Iglesia De Satán, autor de “La Biblia Satánica”.

Capítulo XI: El Cuervo Y El Dragón: Algunos afirman que fue una desgraciada reacción alérgica, otros, los más conspiranoicos, aseguran que fue obra de los “Tong” la mafia china por haber osado enseñar las milenarias artes marciales a los demonios occidentales. Lo cierto es que en 1973, Bruce Lee fallecía repentinamente y su hijo Brandon Lee, lo haría en iguales extrañas circunstancias veinte años después.

Capítulo XII: La Maldición De La Kryptonita: ¡Mira! ¡Allá arriba! ¡Es un pájaro! ¡Es un avión!… ¡No! ¡Es Superman! Al héroe comiquero más famoso del siglo XX le acompaña una terrible leyenda negra para todo aquél que desee portar su capa, hasta ahora sólo rota por Brandon Routh. Crucemos los dedos.

TERCERA PARTE: FANTASMAS, VUDÚ Y OTRAS HIERBAS

Capítulo XIII: Un Guión Para Morirse: Hay guiones cinematográficos “malditos”, como ocurre en el caso de “Atuk”, una comedia esquimal que parece acarrear la muerte a todo actor que ose poner las manos sobre ella y entre cuyas presuntas víctimas se cuentan míticos humoristas de la talla de John Belushi o John Candy.

Capítulo XIV: El Espectro Que Nunca Estuvo Allí: En 1987 se lanzaba directamente en vídeo doméstico “Tres Hombres y Un Bebé” de Leonard Nimoy, lo que permitía a los espectadores pasar la película a cámara lenta y fijarse en truculentos detalles antes desapercibidos…

Capítulo XV: Este Muerto Está Muy Vivo: De todas las películas habidas hasta la fecha sobre el género zombie, una de las más fidedignas acerca del fenómeno haitiano es sin duda “La Serpiente y El Arco Iris” (1988) y así lo atestiguan las extrañas “dificultades” que durante su rodaje debió afrontar su director Wes Craven.

Capítulo XVI: ¡Agárrame Esos Fantasmas!: Nuestros ídolos hollywoodienses se resisten a abandonar la fama y popularidad de la que gozaron en vida y han decidido continuarla en su existencia ultra terrena como así atestiguan las visiones de sus fantasmas en diversos platós y conocidos hoteles.

CUARTA PARTE: BIBLIOGRAFÍA E ÍNDICE ONOMÁSTICO Y DE PELÍCULAS

Para que quien lo desee, pueda consultar rápidamente los datos y anécdotas relatadas y complementarlo con otras lecturas igual de sugerentes.

PUNTUACIÓN: 90/100

LO MEJOR: La ingente cantidad de aporte documental y fotográfico y su tratamiento serio y riguroso.

LO PEOR: Que te consideres un escéptico irredento… y como tal deberías observar tu escepticismo con escepticismo y disfrutar de esta soberbia lección escrita de cine.

Renaissance

La caída de los hombres

En el año 2023 un terrible virus conocido como “Verónica” pone en serio peligro la supervivencia de la raza humana. El virus actúa con una rapidez inusitada, convirtiendo a los afectados en bestias salvajes dotadas de una fuerza y agilidad sobrehumanas… y, por supuesto, con un hambre voraz de carne humana.

Un reducido destacamento militar, bajo el mando del coronel Newseth, son los impulsores de Reinassance, una fortaleza situada en las inmediaciones de New York que alberga a un grupo de supervivientes, entre los cuáles se encuentra la doctora Phoebe, especialista en el campo de la microbiología y última esperanza de encontrar un antiviral que resulte efectivo; y también un reducido grupo de niños que se postula como el único futuro posible de una diezmada raza humana.

Un panorama literario devorado, literalmente, por una horda inacabable de zombis y un ejército de vampiros con inquietudes adolescentes, se prevé como el escenario idóneo para que un arriesgado debut literario como el de J.J. Lucas, con más de 400 páginas a sus espaldas, una historia de apocalipsis zombi de corte clásico y una portada terrible (en el peor y en el mejor de los sentidos); haya logrado hacerse un hueco en las librerías especializadas a través de Ediciones Atlantis (el libro se publicó el pasado septiembre de 2010).

La originalidad no sería la cualidad más destacable de “Renaissance, La caída de los hombres”. La mera lectura de la sinopsis de la novela nos revela – inevitablemente – una serie de referencias de corte cinematográfico que irían desde las primeras obras de Romero (en especial Day of the Dead), hasta llegar a piezas mucho más contemporáneas como pueden ser 28 días después, la saga de Resident Evil, o la adaptación/transgresión que Francis Lawrence realizó en 2007 de la mítica novela de Richard Matheson, “Soy Leyenda” (la concepción de unos infectados con capacidades sobrehumanas y fotosensibles –no soportan la luz solar- me recordó a los monstruos que se dan cita en la mencionada película de Lawrence).

Pero que nadie saque conclusiones precipitadas. Una vez asumimos que pisamos terreno conocido, el debut de J.J. Lucas irrumpe con toda su fuerza para acabar ofreciéndonos unos de las novelas de zombis/infectados más intensas y recomendables de los últimos tiempos.

El principal valor o fuerza de “Renaissance, La caída de los hombres” reside en sus personajes. J.J. Lucas se esfuerza lo indecible para ofrecernos un completo perfil de cada uno de los protagonistas a través de una serie de flashbacks que explican sus historias, sus orígenes, y que aportan rasgos decisivos de su personalidad que influirán en la toma de posteriores decisiones a lo largo de la novela. Y si bien es cierto que, en momentos muy puntuales, ese esfuerzo de J.J. Lucas por aportarle al lector la máxima información acerca de los protagonistas de la novela puede entorpecer el desarrollo de la trama (me estoy refiriendo a algún que otro flashback mal ubicado); la tónica general es que el lector agradece enormemente este acercamiento exhaustivo a los personajes. Es fácil identificar a los personajes (en una novela coral es algo que se agradece) y también es sumamente sencillo identificarnos con cada uno de ellos. Entendemos sus motivaciones, sus reacciones y sus decisiones en situaciones extremas porque les conocemos, porque J.J. Lucas ha tenido la deferencia de no convertirlos en personajes planos y arquetípicos, en simples comparsas que esperan su turno para ser devorados.

Junto a la excelente presentación de los personajes destacar la caracterización de los monstruos. Zombis y/o infectados (en la novela se les denomina Whiteeyes) dotados de una fuerza y una agilidad sobrehumanas y que rehúyen la luz solar. Pero lo que les hace realmente temibles es su capacidad para adaptarse, para aprender y para evolucionar; siempre con un único objetivo en sus mentes: devorar humanos… y solamente humanos (el resto de especies no les interesan). En este sentido me pareció realmente interesantísimo el pasaje de la novela que sigue la evolución de un grupo de infectados que han permanecido durante años confinados en el interior de una gruta.

En definitiva “Renaissance, La caída de los hombres” supone un debut sorprendente que pone de manifiesto la capacidad de su autor a la hora de crear personajes consistentes y situarlos en un contexto de horror puro y duro (hay pasajes realmente terroríficos) y acción trepidante. A pesar de algunos defectos sin duda imputable a la falta de experiencia de su autor, “Renaissance, La caída de los hombres” es una muy recomendable novela de horror que te atrapa desde el capítulo 1 y no te deja hasta llegar a una conclusión abierta que promete una segunda novela a modo de secuela en la que seguro que J.J. Lucas ya estará inmerso. Un servidor la espera con ganas…