Hijo del mítico realizador de televisión, del que no solo ha heredado el nombre y el apellido sino también un profesional cuidado de la imagen, El nido supone el debut en el largometraje de Hugo Stuven. Y hablo del cuidado de la imagen porque la factura es uno de los grandes valores de esta película: una fotografía perfecta y algunas decisiones en sus planos realmente hermosas, pero sin alardes subrayados.

Apoyada en sus compases iniciales sobre los pilares de dos películas —Nunca te sueltes, de Alexander Aja, y El bosque, de M. Night Shyamalan—, tras sus primeros diez minutos la cinta planea en busca de corrientes de aire menos evidentes para hablarnos de los traumas familiares y de cómo estos, muchas veces, se transmiten de padres a hijos.

En el corazón de un frondoso bosque, lejos de cualquier rastro humano, hay una cabaña en la que habita nuestra protagonista, una sensacional Michelle Jenner. No vive sola: le acompaña su madre (Luisa Gavasa), que permanece encadenada a un extraño sistema de raíles que le permite caminar por la cabaña, pero que le impide llegar al exterior; y su hijo Óscar (Dylan Radley), un crío de nueve años, al que controla mediante explicaciones sobre el mundo exterior y el mal que en él habita.

Algunas críticas están masacrando lo nuevo de Eli Roth. Pues qué queréis que os diga, yo me lo he pasado como un cochino en una charca.

Los niños no son aquí aquellas criaturas siniestras de mirada perdida de El pueblo de los malditos ni tampoco existe la solemnidad satánica de Damien. Estos son mini psicópatas desatados, una guardería organizada por Art the Clown. Y la película encuentra su mejor versión cuando deja de fingir que existe una historia importante detrás y se entrega al caos.

No estamos ante Ari Aster diseccionando traumas familiares ni ante Robert Eggers invocando demonios entre velas mientras alguien habla inglés del siglo XVII. Dulce sabor a muerte es una estupidez. Una estupidez monumental, pero una estupidez cojonuda. Porque mientras medio género anda ocupado hablándonos del trauma, la maternidad y la depresión mediante planos de una señora mirando una pared durante siete minutos, Roth aparece con su carrito de los helados preguntando: ¿De qué sabor lo quieres?

El director Steven Quale llamó mi atención, como a casi todos, en 2011, cuando llevó a cabo la quinta entrega de la franquicia Destino Final. Tras esto supe que había estado en la ayundantía o de director de segunda unidad de James Cameron en ni más ni menos que Avatar o Titanic. Llegó después En el ojo de la tormenta, un thriller de catástrofes funcional que se proyectó en el entonces revolucionario 4D en algunas salas. Esto fue hace ya doce años y desde entonces, tenía la pista totalmente perdida de Quale. Pero ahora vuelve con una de mis debilidades, una cinta de terror en un medio de transporte, más en concreto en un avión, sin duda un título atractivo para la cartelera.

El rodaje de La matanza de Texas (The Texas Chain Saw Massacre, 1974) fue uno de los más extremos de la historia del cine. Dirigida por Tobe Hooper y coescrita junto a Kim Henkel, la película no solo redefinió el género slasher, sino que se convirtió en un mito por el nivel de sufrimiento físico y psicológico que sufrieron los que estaban involucrados. Sobre todo, los actores.

El presupuesto inicial de la película fue de aproximadamente 60.000 dólares, aunque acabó elevándose a unos 140.000 dólares tras la posproducción. Para optimizar los costes, los productores formaron una sociedad limitada llamada Vortex, Inc. Gran parte del reparto estaba formado por actores desconocidos de la escena teatral de Austin o estudiantes universitarios, contratados bajo condiciones laborales cuestionables. De hecho, aceptaron porcentajes de los beneficios de la película que, debido a disputas posteriores con la distribuidora Bryanston Distributing Company, tardaron años en cobrar y, en algunos casos, nunca llegaron a ver.