“S&Man” es de la pelis más reveladoras que he visto en mucho tiempo. Es un falso documental en el que, con la excusa de investigar cómo se hacen las películas ultragore, se responde a varias cuestiones sobre el cine de terror y sus motivaciones, sin moralina ni sensacionalismo. Muchas son las películas que plantean, como gusta decir por ahí, las preguntas adecuadas; pocas, como “S&Man”, que se atreven a responderlas o, al menos, a dar respuestas que a mí, personalmente, me resultaron útiles.

J.T. Petty, el director de la película, cuenta, al comienzo, una historia espeluznante de su niñez sobre un pedófilo que vivía en su barrio. Según sus propias palabras, intenta convencer a HDNet Films, compañía productora de la película, para hacer un documental sobre este hombre, pero cuando consigue localizarlo, él se niega a participar. Como necesita encontrar material para entregar una película, acude a la convención Chiller, en Nueva Jersey, donde se juntan los directores y fans del género alternativo, gore extremo. Allí, conoce a varios de ellos, incluido a Eric, creador y único responsable de la serie “S&Man”. Dicha serie consiste en el propio Eric, siguiendo a chicas por la calle, hasta que las consigue conocerlas, llevárselas a su casa o al bosque, y asesinarlas. Por supuesto, se trata de ficción hiperrealista e hiperviolenta, no muy distinta a la que plantean otros consagrados del género como Fred Vogel o Bill Zebub, a quienes igualmente conoce y entrevista.

Esta es la excusa para inmiscuirse en los rodajes de un tipo de cine poco o nada comercial pero que tiene su público a pesar de estar prácticamente fuera de cualquier tipo de circuito. Vuelvo a un punto de vista absolutamente subjetivo y ajeno a toda crítica: yo no soy seguidor de estas películas. Me dan morbo pero, cada vez que me he puesto a ver una, no la he terminado. El morbo del realismo que provoca la falta de medios y la imaginación de sus creadores, ya que suplen esta falta de medios con un verismo atroz, no son motivaciones suficientes para que les dedique todo el tiempo que precisan. Pero, también es verdad, que parte del morbo proviene de imaginar quiénes son, cómo trabajan, de qué manera le presentan las escenas a un actor o actriz, por ejemplo: eh, ahora vamos a destripar a un tipo encima tuya, así que acabarás cubierto/a de vísceras (de cerdo) y eso te provocará un vómito que estaría bien que fuera real y no un yogur cortado. También, y esto es más en serio y más íntimo, ver hasta dónde llega el atrevimiento, averiguar dónde está el límite de lo que, socialmente, me han convencido que si se cruza es ya de psicópatas o de enfermos. Por suerte o por desgracia (por suerte, desde mi punto de vista), me muevo en un entorno donde parece que nadie nunca vaya a escandalizarse demasiado por los gustos y preferencias del de al lado, a cualquier nivel.

“S&Man” entrevista y se mete en vivo en el rodaje de algunas escenas de estas películas. Para mí, como he descrito en el párrafo anterior, era un sueño hecho realidad. Sorprenden algunas declaraciones, pero sobre todo me fascina descubrir cómo da exactamente igual el trabajo que se tenga: en el fondo, todos somos curritos intentando satisfacer egos y fantasías. Y aceptar las de uno mismo sólo puede tener ventajas y ahorrarse una pasta en psicólogos.

Este es otro de los temas clave de “S&Man”: el metraje está salpicado con las opiniones de dos psicólogos, Richard y Megan. En cualquier otra cinta, estos hablarían en clave de condena o condescendiente, pero aquí se pronuncian de un modo aséptico y brillante sobre las distintas patologías o fetiches que mueven a los psicópatas y cómo algunas de ellas se presentan en este tipo de películas; sobre todo, en las que son por encargo, cuando un cliente particular llama a una productora y les pide una peli de crucificados, por ejemplo, o de axilas. ¿Cuál es la diferencia? ¿Hace falta decirla? ¿A estas alturas tiene alguien que explicar lo distinto que es ver una peli de crímenes a cometer uno?

También, opina mucho y bien, a modo de voz más convencional para alguna cabeza despistada que quizás se ha puesto a ver esta película pensando que el material era el mismo que el de otras como “Going to Pieces: the rise and fall of the slasher films”, Carol Clover, autora del libro “Men, Women and Chain Saws”. En uno de sus primeros testimonios, presenta su teoría sobre los distintos niveles de vouyeurismo que se establecen en el cine de terror, desde el más básico, el punto de vista de la víctima o el asesino dentro de la película, hasta el más elaborado, el del espectador para quien la pantalla es una ventana a través de la que puede satisfacer mirando alguna necesidad, sea esta de la índole que sea.

Pero “S&Man” es un falso documental, una gran broma. Hay una trama en ella que es ficción, y aunque nunca revelan cuál, sí que se dan señales a lo largo del metraje de que no todo (o quizás nada) es real. Valga como ejemplo ese pequeño momento, que intenta parecer un fallo de montaje, en el que se cuela una imagen de los dos psicólogos haciendo el tonto en la oficina para, en el momento siguiente, volverlos a ver sentados en sus sillas, serios, y recuperando el mismo tono formal del resto del metraje. Conforme se llega al final, se va viendo claramente qué no es real, aunque es verdad que, por breves segundos, aunque sabes que es imposible que aquello sea cierto, no quieres ver lo que, inevitablemente, acaba sucediendo. La sensación, todo hay que decirlo, aumenta al intentar buscar la trayectoria del equipo técnico en IMDB y ver que, a parte del director y los actores profesionales, el resto es prácticamente amateur, con poco o nada antes… y poco o nada después.

(SPOILER: hay un comentario sobre la película en el que un hombre cuenta cómo la vio con su mujer en el festival de Toronto y, tras el pase, aparecieron el director, J.T. Petty, y el actor Erik Marcisak, para dejar bien claro a los presentes que aquello era, como dirían en La Última Casa a la Izquierda, “sólo una película”. FIN SPOILER).

En fin, tras esta perorata, no puedo disimularlo: me ha encantado “S&Man”. Es entretenida, divertida, interesante, morbosa y, sobre todo, ofrece unas cuantas claves para que, después, uno pueda sentarse en su habitación y responderse a sí mismo: ¿por qué motivo disfruto viendo películas de terror?

Lo mejor: Su falta de prejuicios.

Lo peor: Que no sea de visión obligada, tanto para los seguidores del género como para los detractores.

En 2005 cargué la mochila a la espalda y, junto a un par de imprudentes universitarios norteamericanos y un joven director llamado Eli Roth – quien se había ganado una nueva oportunidad gracias a su impactante debut en Cavin Fever – , puse rumbo a la vieja Europa del Este. La experiencia resultó peligrosa, dolorosa… y satisfactoria. Dulces ninfas del este actuando como cebo para universitarios salidos, y una oscura organización dándole su merecido a mis incautos compañeros de viaje.

Así es, Hostel fue una agradable sorpresa. Sobre todo porque hacía muchísimo tiempo que un servidor no abonaba la entrada de una sala de cine para asistir al repertorio de salvajadas con el que Hostel nos obsequiaba en su tramo final. Eli Roth hizo un buen trabajo. Pero por alguna extraña razón que no alcanzo a comprender, nunca sentí la necesidad de volver a cargar la mochila a la espalda y acompañar al realizador norteamericano en una segunda aventura repleta de turistas insensatos, europeos tarados e imaginativas torturas. No he visto Hostel 2. Pese a que, repito, me gustó el primer Hostel, jamás sentí la motivación suficiente como para darle una oportunidad a su secuela, estrenada también en salas de cine. Si tuviera que dar una explicación a dicho desinterés por Hostel 2 quizás apuntaría a la retahíla de desvergonzados clones que surgieron a la sombra de Hostel y que arrastraron por el lodo de la mediocridad a la ya de por sí absurda etiqueta del torture porn (Train, Penance…).

Pero entonces… ¿qué demonios me ha empujado a ver Hostel 3?. Eli Roth ya no ejerce de director, y la producción se ha visto relegada al mercado doméstico. Ni una cosa ni la otra eran buenos presagios. No sé… quizás Las Vegas, quizás el buen recuerdo que conservo de la entrega original, o quizás el hecho de que durante los últimos suspiros del 2011 la oferta de cine de género que nos fue llegando, con cuentagotas, no resultó excesivamente atractiva.

Cuatro amigos celebran la despedida de soltero de uno de ellos alojándose en un lujoso hotel de Las Vegas. En su camino se cruzan un par de atractivas muchachas que les convencen – sin demasiado esfuerzo – para asistir a una fiesta clandestina. Todo parece ir bien hasta que al día siguiente caen en la cuenta de que uno de ellos ha desaparecido sin dejar rastro.

No ha funcionado. Scott Spiegel, director de Hostel 3, lo ha intentado todo. Cambio de escenario, un guión que gana en complejidad y se empeña en sorprender constantemente al espectador, mantener - o al menos intentarlo – el nivel de violencia… Todos los esfuerzos han sido en vano.

La nueva ubicación le sienta como una patada en el estómago a Hostel 3. Uno de los grandes “logros” del Hostel de Eli Roth fue el de convencernos a todos de que Eslovaquia no era una opción a tener en cuenta a la hora de escoger destino para nuestras próximas vacaciones. Hostel dibujó una Europa del Este peligrosa, retrasada, lúgubre y plagada de putas, maleantes y sádicos asesinos. Un lugar supeditado a las ansias de sangre y tortura de cuatro zumbados que hicieron fortuna tras la caída del régimen comunista. Y desde luego, por más pueril y sesgada que fuera su visión de Eslovaquia (… y seguro que lo era), Eli Roth supo ser convincente (hasta el punto de que altas instancias del gobierno eslovaco manifestaron su malestar tras el estreno de la película).

En el trayecto que va desde Eslovaquia hasta Las Vegas, Hostel 3 se ha dejado por el camino toda esa atmósfera viciada y enfermiza que supo transmitir de manera tremendamente eficaz el tercio final de Hostel. En Hostel 3 nos ubicamos, impotentes, en una ciudad del juego infensiva, inócua; muy lejana al desasosiego y el malestar que sí supo transmitir el primer Hostel.

A esa sensación de inocuidad contribuye, de manera decisiva, la violencia low cost de la que hace gala Hostel 3 durante todo su metraje. Porque si preocupante resulta el error en el cambio de escenario, mucho más grave se me antoja la falta de agresividad y la flojera de piernas mostrada por cada una de las secuencias de violencia y tortura de Hostel 3. No nos enañemos, la gran seña de identidad que propició el éxito del primer Hostel fue, sin duda alguna, la explicitud y la contundencia de la violencia mostrada en pantalla. Una secuela que flojee precisamente en estos términos de violencia y centre todos sus esfuerzos en ofrecernos un guión que confunde complejidad y elaboración con el hecho de escupir toda una serie de giros, más o menos inesperados, y que escasamente logran mantener nuestra atención; no puede ser considerada de otra forma que no sea una secuela fallida. Sólo recomendada para curiosos y entusiastas de la saga.

Lo mejor: La chica de la ballesta.

Lo peor: El único que transmite mal rollo es el taxista.

En el cine hay cumbres. Se denomina de este modo ha películas que, dentro de su género y/o temática, están en la cúspide de lo que se ha conseguido en ellos. Así, en el cine sobre mafiosos, podría considerarse una obra maestra como El padrino (1972) la cumbre de dicho género o subgénero; en cuanto a bichos especiales podríamos elegir Alien, el octavo pasajero (1979) y en cuanto a exorcismos, obviamente, El exorcista (1973). En cuanto al gore, la cumbre es Braindead.

El otrora rey de la casquería

Ese era Peter Jackson. Ya hablé sobre ello en la reseña de su notable opera prima, Mal gusto (1987), pero valga recordar una frase que él mismo soltó cuando le preguntaron sobre un hipotético regreso a sus comienzos:

“Volveré al género cuando alguien dirija una película más gore que Braindead”

Pues bien, estamos casi en el 2012 y han pasado casi veinte años desde el estreno de aquella. Peter Jackson no ha vuelto. Podría ser culpa de su arrollador éxito en el cine mainstream, pero, de momento, en ningún caso está incumpliendo su promesa.

Braindead, también conocida en España como Tu madre se ha comido a mi perro, o en Estados Unidos como Dead Alive, es una producción de Nueva Zelanda, país natal del director y donde ha rodado gran parte de su carrera, tanto de la primera etapa como de su actual aventura por Hollywood con la cartera mucho más llena. De hecho, una de las cosas que suele exigir de cara a llevar a cabo un proyecto es que le dejen rodarlo allí.

Las toneladas de liquido rojo, fluidos de dudosa procedencia, desmembramientos y decapitaciones son, en manos de Jackson, un autentico jolgorio de sesión golfa, con efectos especiales y de maquillaje tremendamente efectivos, sobre todo teniendo en cuenta el presupuesto asignado (alrededor de tres millones de dólares que, con todo, son casi tres millones más de los que utilizó para Mal gusto). Todo con un estilo cartoon irresistible que exagera al límite todos y cada uno de los apartados. Y, finalmente, consiguió que la película más sangrienta, y una de las más nauseabundas hasta la fecha, fuese también accesible a (casi) todo tipo de públicos (no faltarán amigos, familiares y conocidos poco o nada puestos en gore, que han visto y disfrutado la película). Algo que diferencia a Jackson de agoreros malsanos del género (ultragore alemán) u otros que se adhieren a él para hacer chorradas con la excusa de las imágenes explicitas.

Ratas venenosas, zombis y curas karatekas

Al comenzar, nos hayamos en una isla llamada Sumatra ( la Skull Island que utilizó Jackson como lugar de residencia para su King Kong). Allí, unos tipos cazan una extraña criatura, la rata-mono de Sumatra, peligrosa por su veneno y mala leche. Uno de ellos es mordido, y como manda la tradición, aquello de “nadie puede salir de aquí infectado”, le van cortando en trocitos según se descubren nuevas zonas infectadas en su cuerpo. El titulo de la película salta a la pantalla.

La acción pasa a Nueva Zelanda, en un pequeño pueblo, donde Lionel (genial Timothy Balme), un joven-adulto sobreprotegido por su madre, hace lo que puede para llamar la atención de Paquita, una dependienta del barrio de la que está enamorado. Paquita (algo perdida, pero simpática Diana Peñalver), muy creyente, deja que la echen las cartas para salir de dudas sobre su futuro, y sobre todo, el amor. Y mira por donde, parece que Lionel está llamado a ser el hombre de su vida. Pero cuidado, según avisan las cartas, fuerzas oscuras se acercan a su vida y todo podría tener un desenlace trágico.

No, tranquilos. Braindead no es una película romántica. A no ser que llaméis amor a lo que viene después; Paquita y Lionel visitan el zoo, y la madre del segundo, obsesionada con él y con la idea de que aquella joven le arrebate a su amado hijo, les sigue para ver que sucede e intentar destrozar la cita. Así hace, cuando la rata-mono de Sumatra, que se encuentra en una de las jaulas, ve muy cerca brazo de la madre y la asesta un buen bocado. En pocos días la madre de Lionel empieza a notar los cambios, que vienen a ser, desde perdida de piel (y orejas, que en una de las escenas más divertidas y desagradables resultan comestibles) hasta un gran apetito, que termina por dar por sentido al titulo por el que también la conocemos en España (sic).

Todavía nos queda una hora de zombis purulentos, curas expertos en artes marciales, surrealista sexo post-mortem, desmembramientos a granel, decapitaciones, liquido rojo en cantidades nunca vistas y un bebe muy cabrón haciendo de las suyas. Respecto a este ultimo, hubo una curiosidad; una de las escenas más recordadas, la de Lionel persiguiendo al bebe por un parque, se rodó por puro entretenimiento con dinero que había sobrado del presupuesto. Sin embargo, terminaron siendo los minutos preferidos del director.

Se dice que para el largo clímax final se utilizaron cinco galones de sangre artificial por minuto. Para la película en conjunto más de 30.000.

Otro tipo de escabechina

No solo se cortaron cosas en el rodaje de Braindead. Los miembros honorables que velan por la moral del mundo, es decir, los censurratas, vieron aquí motivos suficientes para hacer que trabajan. Así, la función quedó censurada, en mayor o menor en medida, en Argentina, Australia, Canadá, Chile, Finlandia, Dinamarca, Francia, Japón, Nueva Zelanda, Alemania, Corea del Sur, Noruega, Portugal, España, Suecia, Inglaterra y Estados Unidos (ésta última un caso sangrante, al quedar recortado el montaje original más de veinte minutos).

En varios de ellos se terminó viendo, en formato DVD, la versión integra de 105 minutos.

Pese a ello, y pese a que muchos críticos del momento la pusieron verde y la trataron como violencia barata o apología del mal gusto, el tiempo fue poniéndola en su lugar, más allá de los estrictos caminos del culto entre fans, pues incluso revistas como Times la han considerado entre las 25 mejores películas de terror de la historia.

Lo mejor: Prácticamente todo. Es una de esas delicias, sean del género que sean, que quedan en tu memoria si son vistas en su adecuado momento, y nunca más se van.

Lo peor: : Como ya dije en la reseña de Mal gusto, lo peor que nos puede pasar, y está pasando, es que Peter Jackson se haya centrado, del todo, en otras labores. Y sus alumnos desde entonces no han llegado a esa cumbre.

Buscar a la víctima más frágil, a la más vulnerable, y someterla a un via crucis de tortura, dolor y muerte que suponga, para el espectador, una de las experiencias cinematográficas más intensas, desasosegantes y difíciles de soportar que haya tenido en su vida.

Si no fuera porque siento auténtica fascinación y devoción por el la ópera prima de Alexandre Bustillo y Julien Maury, me atrevería a tildar a este par de locos franceses como unos auténticos cabrones (con todo el cariño del mundo…) que lograron culminar en A l’Interieur todos sus perversos propósitos.

Sara, todavía recuperándose de las secuelas psicológicas derivadas del accidente de tráfico que le costó la vida a su marido, se dispone a pasar la nochebuena sola en casa y en un avanzadísimo estado de gestación. Una mujer irrumpe en la casa en mitad de la noche…

La historia que se esconde tras A l’Interieur no invita a grandes reflexiones. Al margen de un giro final en el que se nos descubre la verdadera intención de la psicópata, Bustillo y Maury, también guionistas de A l’Interieur, se limitan a dibujar un escenario mínimo, necesario, en el que poner en marcha, con cierto margen de garantía, su calculadísima maquinaria de crueldad y violencia infinitas.
En este sentido el arranque de A l’Interieur es sintomático del propósito de Bustillo y Maury. Asistimos, entre impotentes y sorprendidos, a las consecuencias de un accidente de tráfico desde la perspectiva de un feto nonato. ¿Qué efecto directo tiene dicha secuencia en el espectador? Todo en A l’Interieur está concebido para potenciar el sufrimiento del espectador. Empatizamos no solamente con la madre, si no también con el feto mismo, lo cual no hace otra cosa que aumentar nuestro nivel de involucración en la historia (y por lo tanto también de sufrimiento) y acrecentar la sensación de crueldad ante todo lo que se nos viene encima. Y lo que se nos viene encima no es poco…

Una mujer vestida de negro irrumpe en casa de Sara dispuesta a arrebatarle el hijo que lleva en su vientre. A partir de ese instante una sucesión de imágenes truculentas (dotadas de un elevadísimo nivel de sadismo), secuencias de violencia extrema y sobreabundancia de efectos gore; se adueñan por completo de la función. El castigo, el dolor, la violencia y la sangre son las razones de ser de una película que más allá del disfrute (o el sufrimiento) de dichos elementos, encuentra difícil justificación.

Bustillo y Maury sitúan, desde un principio, el listón de la violencia y el gore muy alto. Y a partir de entonces A l’Interieur se convierte en una especie de carrera contrareloj cuya meta es la de irse superando a sí misma. Resultar, a cada nueva secuencia, más gráfica, más explícita, más repulsiva… Abogar por el exceso, por la necesidad de transgredir los límites de la violencia y el sufrimiento; y todo ello sin renunciar a una cierta dosis, milimetrada, de humor negro y mala baba que arrancará en el espectador más de una risilla nerviosa (ver al respecto la intervención de la madre de Sara).

A l’Interieur es una oda al dolor. Una película capaz de someter al espectador a un estado de intranquilidad, de nerviosismo y de malestar que está incluso por encima de la simple explicitud de sus estallidos gore. Y esa capacidad perturbadora se debe en parte a la brutal puesta en escena por parte de Bustillo y Maury (genial su labor a la hora de crear una atmósfera irrespirable durante buena parte del film y también al plasmar, con virtuoso detalle, las secuencias de violencia gráfica), al hecho de que la víctima sea una mujer a punto de dar a luz (¿existe una víctima con la que podamos experimentar mayor empatía?), y a un tercer elemento del que todavía no he tenido la oportunidad de hablar: la pavorosa presencia de la actriz Béatrice Dalle en el papel de la misteriosa mujer vestida de negro. Su rostro, sus gestos, sus movimientos, su sola presencia ha logrado siempre, en las cuatro ocasiones que he visto A l’Interieur, ponerme el vello de punta. Magnífica, oscura, arrebatadora…

A l’Interieur no es una película que soporte las medias tintas: o se odia o se ama. Más allá de ser un ejercicio de extrema violencia y de su solvencia a la hora de infundir en el espectador una acusada sensación de angustía e intranquilidad; la realidad es que A l’Interieur tiene poco más que ofrecer. Quienes no comulguen con su capacidad de sugestión y no se sientan atrapados por esa red de desasosiego y malestar que teje a lo largo de todo su metraje; probablemente la vean como una película vacía, carente de contenido o interés, y posiblemente recurran, como prueba irrefutable de sus limitaciones, a esa banda de estúpidos e ineptos policias empeñados en desbaratar el clímax final de la película.

Pero, si por contra, el espectador consigue entrar de lleno en el juego planteado por Bustillo y Maury, posiblemente acabe sintiéndose partícipe de una de las experiencias cinematográficas más brutal, feroz y, en definitiva, extraordinaria que nos brindó el género en la pasada década. Genial.

Lo mejor: El mal rato que te hace pasar y una increible Béatrice Dalle.

Lo peor: Esos estúpidos policias...

“Hay una anécdota muy divertida… supongo, que es en la escena en la que un extraterrestre (de hecho, yo) vomita y otros se lo beben. Pues la sustancia se hizo con yogurt, porque como se lo tenían que beber lo hice pensando ellos para que fuese lo menos desagradable posible. Incluso compré un yogurt bueno. Pero la mezcla quedó muy diluida y tenía que quedar mucho más espesa. Y yo se la di a un extra y le dije que la hiciese más espesa, mientras me iba a rodar otra escena. Y claro, yo suponía que él sabía que era para beberla. Después volví y el tipo lo había hecho muy bien, y había conseguido espesarla bastante. Así que rodamos, y al poco los actores empezaron a marearse… ¿Sabéis lo que pasó? El tío que espesó la mezcla había ido al jardín y le había echado barro al potingue, ¡y entonces claro que quedó más espesa! Así que, cuando vuelvas a ver la escena, piensa lo que esos pobres actores estaban bebiendo de verdad, ¡barro!”

Esta anécdota, entre otras que iremos viendo, narrada por el director del invento, Peter Jackson, resume perfectamente lo que es Mal gusto. Primero, ahí tenemos el titulo. Segundo, porque el sentido de lo desagradable, pero a la vez divertido, festivo, es algo que manejaba como nadie en esto del gore. Y tercero, porque estamos ante una película de amigos, de rodaje largo, complicado, pero del que estoy seguro que la mayoría de los que estuvieron involucrados guardan gratos recuerdos. Se lo pasaron pipa, vaya. Ese es el espíritu de la opera prima del hoy megalómano cineasta que se codea con gente como Spielberg.

Actualmente, puede que queden espectadores no aficionados a estas cosas que no tenga mucha idea de Mal gusto. Pero, si hablamos de Peter Jackson, casi todos responderán afirmativo. Su carrera inicial, y en mi opinión más interesante y redonda, está formada por dos clásicos del gore; la que nos ocupa y, sobre todo, la insuperable Braindead, tu madre se ha comido a mi perro (1992). Y también por una olvidada pero reivindicable rareza como es El delirante mundo de los Feebles (1989).

La sobrevalorada trilogía de El señor de los anillos (2001-2003) y el aburrido remake de King Kong (2005) le han marcado a fuego en las miras de Hollywood y en las de muchos fans a lo largo del mundo. Su estilo se ha vuelto denso, menos simpático, pero aún con capacidad, dentro de sus nuevos órdenes presupuestarios, de llevar a cabo excelentes set pieces espectaculares. En todo caso, la imaginación desbordante y el ingenio creativo, sin prejuicios, buscando romper moldes y llamar la atención con un cine atrevido y original, quedaron en gran medida, y a la espera de sorpresa, en esos comienzos.

“Nadie se había percatado de lo que estaba durando el rodaje hasta que alguien del equipo reseñó que durante el proceso de producción dos actores se habían prometido, otro se había retirado y otro se había divorciado. Desgraciadamente también murió alguien, Doug Wren, el actor que hace del jefe de los extraterrestres, falleció durante la post producción y todo su trabajo tuvo que ser doblado por otro actor”.

El rodaje se alargó hasta los cuatro años. Tuvieron que rodar durante los fines de semana y algún otro hueco libre que consiguieran. Los actores eran amigos, compañeros de trabajo y vecinos de Jackson. El presupuesto era ínfimo aunque, por sorpresa, tras el rodaje, recibieron ayuda de la New Zealand Film Commission, permitiendo que se dedicara por completo a terminarla, así como pasar la película de los 16mm en los que fue rodada a los 35mm necesarios para su distribución en salas de cine. Así, además de pasarla por variopintos festivales, consiguieron llevarla a Cannes y darse a conocer a mayor escala. Allí, en el famoso festival, fue donde algunos pelearon por conseguir Mal gusto para su distribución comercial.

¿Cómo es posible que una película gore, producida sin medios y por completos desconocidos, llamase tanto la atención en un festival respetado y “serio”? La razón fue Peter Jackson. Y es que solo hay que ver unos minutos de la película para darnos cuenta que, ya en sus comienzos, apuntaba maneras; puesta en escena imaginativa y eficaz, ritmo de montaje excelente, soluciones visuales inesperadas; y todo ello con dos duros y muchas ganas. No es algo nuevo que esto suceda, pues, sin ir más lejos, unos años antes, un tal Sam Raimi consiguió algo muy similar con la excelente Evil Dead (1981). Ahora pocos desconocen que Raimi es (o era) muy amigo de Marvel y su Hombre Araña.

Mal gusto es lo que podríamos denominar “gore festivo”. Algo que Jackson llevó posteriormente hasta sus ultimas consecuencias con la citada Braindead, cumbre tanto del festivo como del gore en general. Pero antes, con la que nos ocupa, y con menos medios pero no por ello malos efectos visuales y de maquillaje, consiguió convocar a aficionados al cine de todo tipo, pese a que no fuesen degustadores habituales del subgénero, para que se divirtieran y/o se introdujeran en él. Ahí se encuentra otro acierto más de su creador: llevar lo grotesco, desagradable, sangriento y prácticamente underground a un público más amplio. Y de todo ello crear un culto instantáneo. Cuando suceden estás cosas (intención de llevar un género o subgénero poco comercial o underground a un público amplio) los resultados, para los puristas, suelen ser devastadores. Este no fue el caso.

“Aquello era otro mundo completamente absurdo. Hay una escena en la que al alien le explota la cabeza. Para esa escena estábamos tres personas: el que hacía del alien, otro y yo. Entonces mi trabajo era rodar, mover la cámara, accionar los explosivos y actuar, y tenía que hacerlo todo casi a la vez. Así que para ello tenía que poner la cámara en un trípode y rodar en plano fijo; sacar a mi personaje de plano mientras corría a por los explosivos, detonarlos y volver otra vez a dirigir en movimiento. Una locura. Casi todo se rodó así y todo se ve en pantalla, casi siempre es lo que había, la gente si no estaba haciendo una cosa estaba haciendo otra”.

Lejos del normalmente soporífero ultragore alemán, y sin intención de provocar las sensaciones malsanas y enfermizas de aquel, Jackson sabe como llenar la pantalla de desmembramientos, líquidos purulentos, decapitaciones y momentos completamente desagradables (como el que se cita en la introducción) que, pese a ello, logran arrancarnos la carcajada entre la nausea. Él mismo ha dicho en más de una ocasión, que únicamente volvería al gore para hacer algo más sangriento que Braindead. Ojala. De esa joya del delirio macabro-festivo hablaremos dentro de poco.

Lo mejor: El talento de Peter Jackson para, con medios ínfimos y cientos de complicaciones, sacar adelante una película divertida, con buena puesta en escena, montaje dinámico, soluciones visuales, narrativas sorprendentes y ultragore.

Lo peor: Que no pudiese (o más bien, no quisiese) volver a dirigir algo con esta libertad y ausencia de prejuicios.

Quiero agradecer efusivamente a Eddie Lamorgue (de LaMorgueCinema) por la publicación, en su blog, de pequeñas gemas como la que nos ocupa. Sin el trabajo de estos aficionados, dedicados en podrido cuerpo y corrupta alma al cine de terror, no íbamos a disfrutar ni la mitad del cine que tanto amamos. ¡Seguid en la brecha!

¿Que ocurriría si los árboles cobrasen lucidez y fuesen conscientes, así como dolorosamente sensibles, de las atroces indignidades a las que el ser humano los somete?

Canadá, una pequeña ciudad sin problemas que prepara la celebración de la Navidad, época de milagros y asesinatos rituales desde que el nacimiento de Jesucristo la inagurase. Los abetos tiemblan cuando llegan los depravados leñadores, pero su paciencia se está agotando. Ni un siglo más, ni una año más, ni un segundo más.

El director y el guionista de Hobo with a Shotgun, además del trailer falso para la dupla Grindhouse y el corto en que se basaba su puesta de largo, el cuál sobra decir que ha sido una de las grandes revelaciones del año; pues entre estos trabajos, justamente en 2008, estrenaron un premiado cortometraje que demuestra como el éxito de Hobo en la ciudad del pecado no ha sido flor de un día.

Comedia negra, escatología sexual inédita, irreverentes viñetas de splatter explicito y una cruel venganza que entronca directamente con la sangría, que no os podéis perder, de un tal Rutger Hauer. Aunque en esta ocasión presentada en cómodo formato píldora, y es que estamos hablando de un corto de quince minutos a la antigua usanza: una micropelícula que desecha la complejidad por la presentación, usando una estética visual rica en matices, partiendo de una idea innovadora pero simple y cuyo trasfondo no son las lecturas filosóficas si no el entretenimiento. Amén de presentarnos un marco encantador y surrealista, que supone esa Navidad donde el rojo contrasta sobre el blanco de la nieve, merced a nuestros abetos justicieros preferidos.

Partida en dos mitades bien diferenciadas, Treevenge detona en un festín gore final que contrasta dolorosamente con el colorido de la encantadora ciudad donde se celebran unas típicas navidades “pseudoyankies”. Aunque como en Hobo, los vivos colores, los personajes sonrientes y la fotografía clara no esconden la depravación humana que motiva el nexo común entre ambas obras: la rebelión granguiñolesca de la inocencia frente a la hipócrita maldad humana. Por supuesto, desde una perspectiva burlona y cínica que evita cualquier discursito moral que hubiese fastidiado la experiencia. El ecologismo queda lejos del punto de mira de Eisener y Cotterill, pero desde luego que se puede extraer una lectura muy simpática de la historia narrada por el cortometraje: “la humanidad es ridícula”.

Cita ineludible para los amantes del cine gore y el humor negro, porque no se sentirán decepcionados por ningún aspecto de este cortometraje empaquetado en un brillante y pulido envoltorio dorado. Actores graciosos, efectos especiales de la vieja escuela, fotografía, dirección y banda sonora de lujo sin renunciar a la “suciedad” de un proyecto independiente… ¿qué más se le puede pedir al gordito barbudo del traje rojo?

Lo mejor: Lo divertido y cruel que resulta

Lo peor: Que no se estilen más cortos así

Mr. Zombie regresa esta semana con la crítica de una cinta ciertamente “picante”. El rango de producciones que se realizan en oriente es muy diverso, y de nuevo Mr. Zombie nos trae una buena muestra de ello. Sin más…

Antes de empezar un aviso para navegantes: Fashion Hell (también conocida como Horny House of Horrors) no es el típico gorefest con géiseres de sangre al que nos han acostumbrado últimamente. El que espere algo al estilo de Tokyo Gore Police o Machine Girl, mejor sepa que esta película se aparta del estilo sangriento de las citadas. Eso no significa que no haya sangre, pero si que lo que prima es mas el humor berraco estilo Takeshi’s Castle (Humor Amarillo en España) , aderezado con puntuales fx creados por Yoshihiro Nishimura con buenos resultados.

Películas de este estilo las hacen a patadas en Japón con, en general lamentables y decepcionantes resultados, aunque no siempre es así, y alguna que otra es capaz de divertir y entretener en sus normalmente escasas duraciones. Hay que tener en cuenta que estas películas se ruedan entre 3 días a una semana a lo sumo, así que se hacen como churros y se simplifican al máximo.

Jun Tsugita es el director de esta Fashion Hell donde sus protagonistas femeninas son estrellas del cine porno japonés real. O sea, son como las Sasha Grey o las Alexis Texas que hemos visto últimamente adentrarse en el cine convencional, en este caso de horror, con resultados catastróficos en cuanto a interpretación para las chicas americanas. Quiero decir con esto, que no es habitual ver actrices del cine para adultos aventurarse en el cine fuera de su categoría x, pero si es mas normal que en Japón si se de ese caso y de hecho sus protas femeninas son habituales verlas en ambas vertientes, ya que están mas acostumbradas a trabajar de esta forma.

En el regreso del juego de su equipo de béisbol, Nakazu, Uno y Toshida han bebido demasiado y terminan visitando el salón de sexo ‘Shogun’. Nakazu nunca ha estado en un salón de relaciones sexuales antes y se siente culpable por traicionar a su novia, Misa. Se intenta ir, pero los otros dos ya están demasiado emocionados para salir. Uno elige a Nonoko, muy atractiva con su uniforme escolar, mientras que Toshida escoge a Kaori, vestida con un sugerente kimono. El tercero espera la llegada de su anfitriona, pero nada es lo que parece en este salón del sexo y cosas horribles están a punto de desencadenarse.

Esta seria la escueta sinopsis de la historia que cuenta Fashion Hell, pero es hora de desvelar ya si la película es otra de esas del montón que indigestan a los 10 minutos de proyección o si por el contrario podemos ver algo potable y decente en esta película. Mi opinión es que Fashion Hell destaca sobremanera de ese montón y en sus 75 minutos de duración se ve de un tirón y sin pestañear. No existen tiempos muertos, no encontré relleno y si por el contrario una película sugerente en cuanto a sensualidad y sexualidad, con un matiz muy claro que ahora intentare explicar. Una película con buen dominio del “tempo” en cuanto a sucesos y planos. En general aceptables interpretaciones, aunque tanto a Saori Hara como a Asami hay que darles de comer aparte y luego explico también esto. El gore escaso pero contundente y divertido. Diría que la película me ha asombrado por que esperaba menos de ella y por el contrario me ha parecido de las rarezas más divertidas que he visto este año.

Fashion Hell indudablemente y para mi gusto es no solo una “rara avis” en el panorama de este tipo de cine chirriante, alocado y definitivamente estrafalario, si no que además es una película con categoría para no quedarse en el pozo de las olvidadas y en definitiva una película que esta muy bien en lo que ofrece, como lo ofrece y en como aspira ofrecerlo.

El matiz del que hablaba anteriormente es sobre las escenas con sexo explicito, pero camufladas a la vez. Es decir, la peli es muy visceral en cuanto a contenido sexual y sugiere que se ven penes, vaginas y sexo explicito, pero en realidad, y repito que solo sugiere, por que no se muestra nada mas que los cuadritos o círculos de color negro que evitan que se vean las partes intimas tanto masculinas, como femeninas, aunque de pechos no habrá ninguna contención y se podrán ver los de las tres protagonistas durante prácticamente toda la películas casi. En el porno japonés es frecuente que las partes intimas se difuminen con cuadraditos que no dejan ver las escenas más “hot”, y el resto quede liberado de ese ocultamiento. Se las denomina películas con categoría “censored”, por que esas partes están censuradas y ocultas. Del mismo modo existen las porno “uncensored” donde no existe ningún difuminamiento y todo se muestra completamente, tal como es una peli americana, europea o latina. Esto lo explico por que aparte de en Fashion Hell se pueden ver mas pelis de este tipo con este mismo tratamiento, como por ejemplo la realizada por Noburo Iguchi, Hyperthrophy Genital Girls, aun sin subtítulos de ningún tipo, donde a la prota , la actriz del porno y convencional a la vez, Tsubomi, le crece un aparato, un trabuco, un troncomovil, ya saben , un superpalote de considerables proporciones, en una película que te partes la caja de lo desproporcionada e intencionadamente ridícula que es.

No me olvido de mencionar a las protagonistas femeninas, especialmente a las dos más conocidas para los habituales a este tipo de películas japos. Tanto Asami como Saori Hara están a caballo entre sus interpretaciones carnosas en sus innumerables producciones x y las ya bastante habítales producciones de cine mas convencional, pero del estilo que rezuma Fashion Hell, aunque no en todos los casos. A Asami la hemos visto en varias pelis de este tipo ya, es una actriz que en papeles de “mala” destaca por su buen hacer, y además es una ricura dando mamporros ya que domina bastante decentemente los movimientos y se defiende bastante bien en escenas de golpes y karate. Es una actriz que me parece muy divertida y sus caras y mohines de cabra loca los hace ingeniosamente elocuentes. Saori Hara por el contrario es mas sensual y se mueve por papeles mas melodramáticos, la chica es bella y despampanante para quien guste de las orientales y tiene madera de buena actriz más allá del universo x. De hecho es la protagonista de Sex and Zen 3D , una superproducción del cine Hongkones de reciente estreno. Se la puede ver también en la esplendida Yurikos Aroma, una película muy recomendable y de estética apasionada y fetichista con tinte dramático, que se encuentra con subtítulos en castellano.

Fashion Hell no es la típica película estúpida y bizarra con actuaciones malas y contenido aburrido, mas bien es un soplo de aire fresco al cine z japonés: Con buenas actuaciones, mejores intenciones y una trama simple pero muy eficaz, destaca por encima de medianías y mediocridades existentes.

Lo mejor: Trama simple pero sugerente y tremendamente divertida. Asami divertidísima, Saori belleza exótica. Fx de Nishimura , pocos pero de calidad. La música en esta ocasión funciona bien, muy acorde con la exposición en pantalla.

Lo peor: Las escenas tapadas, comprensibles pero molestas, sin esos difuminados la peli iria a la categoría x y por ello se entiende, y alguna actuación masculina algo floja.

Alessio es un joven y apasionado director italiano cuyos guiones siempre son mirados con suspicacia; quizás su excesivo celo en la búsqueda del horror, a través de las miradas inquietas de otros cineastas anteriores, convierta su narrativa en un círculo cerrado carente de voz propia y originalidad
Un productor amigo, con muy buenas palabras, le hace ver que sus guiones serán siempre rechazados si no busca una inspiración interna y un discurso más auténtico. Para ello, le ayuda a ponerse en contacto con el famoso, a la par que misterioso, escritor de novelas de terror Ubaldo Terzani. El mismo productor estaría dispuesto a apoyar el desarrollo de un libreto que hubiesen escrito a medias, así que Alessio se pone en contacto con Ubaldo, imbuyéndose en su magnética personalidad con el fin de encontrar la quintaesencia, la piedra filosofal que transforme meras ideas en escalofríos vertebrales.
La primera lección es sumergirse de lleno en el pozo del miedo primigenio para poder plasmarlo en pantalla. Así, Alessio comienza a vivir su propia película de terror plagada de pesadillas, alucinaciones y evisceraciones; fiesta pagana presidida desde su trono de huesos por la inquietante y fija mirada de Ubaldo Terzani

Gabriele Albanesi, joven escritor y director de una cinta más que demuestra que el género terrorífico “autentico” en Italia solo está dormido y no muerto – como el alto sacerdote de los primigenios allí en R’Lyeh -; nos trae una obra independiente de escasos recursos que indaga en la creación del artista y la procedencia de las musas, desde un punto de vista, evidentemente, sucio, directo y perverso; como no podría ser menos viniendo de la península de la bota.
El responsable de The Last House in the Woods (2006), otra mirada puesta en el ayer, concretamente hacía la época dorada de los ochenta, cuando el spaghetti-terror reinaba inmisericorde en los video-clubs de barrio; parece haber querido excavar en la tumba de ese cine espantoso y encantador, de hace décadas, de dos formas claramente diferenciadas:

1.- Por una parte, apartamos los abotargados gusanos de la mítica cinéfila alrededor de celebrados autores como Lucio Fulci (Ubaldo Terzani fue en la gris realidad director de fotografía y operador cámara de Mario Bava, Fulci y Dario Argento, entre otros). Pero no todo queda en Italia, el título original de esta producción era In the Mouth of Ubaldo Terzani, rendición obvia a uno de los mejores trabajos de Jhon Carpenter, cineasta explotado hasta la saciedad por decenas de casposos directores italianos. En cuanto a la decisión de cambiar el título del film, no tengo muy clara cual pudo ser la causa; en todo caso, es cierto que con la nueva denominación se pierde gancho pero se gana en personalidad puesto que, además, la que hoy nos ocupa no tiene nada que ver con la encomiable En la Boca del Miedo, a lo sumo el detalle de usar la figura de un escritor de novelas de horror como eje central de la trama. El homenaje no queda ahí, puesto que para dotar de una mayor verosimilitud a las atrocidades carnales que van guiando al argumento hasta su sangriento desenlace, Albanessi ha contado con la colaboración de lujo de Sergio Stivaletti (Demons, Creepers), afamado especialista en efectos especiales y colaborador constante de los grandes directores del género.

2.- Por el otro lado, levantamos la carcomida tapa del ataúd que guarda el corazón del terror. Ubaldo Terzani Horror Show es también un estudio, o disección si lo preferís, sobre la motivación que se esconde tras la narración de todo cuento macabro. Una aproximación fantástica, y nostálgica, a la creatividad artística y a la psique de aquellos locos que buscan expresarse cara a la galería mediante escalofríos, sustos y degeneración. Por supuesto el acercamiento viene de la mano de, y aquí la nacionalidad de la cinta no iba a ser un dato desdeñable, un recargamiento gótico (incluso erótico) muy propio del romanticismo y que donde mejor se ve, es en las pesadillas y alucinaciones que acompañan a nuestro protagonista en el descenso a las entrañas de Ubaldo. La premisa es simple, el tormento y la frustración alimentan la hoguera del verdadero horror, y acercarse mucho… quema.

Así pues, nos hayamos ante una película en absoluto casual, todo un tributo a los fans acérrimos del “fantaterror”; hecho que al convertirse en único estandarte de la película, se convierte en su gran fortaleza y en su mayor debilidad: es imposible disfrutar convenientemente de la humilde obra de Albanesi sin haberse acercado antes a las cintas de las que bebe; y no solo eso, la cinta también requiere del espectador que se involucre intelectualmente en las disertaciones filosóficas que alimentan la evolución de los personajes. Y solo veo posible involucrarse de esa manera, cuando tus gustos y aficiones gozan de un porcentaje terrorífico muy elevado. En definitiva, no apta para aficionados noveles que probablemente se aburran pronto ante las disertaciones sobre la miseria humana y la creación de monstruos imaginarios.

Y cuando un plato mantiene su exclusividad solo para paladares selectos es porque esconde sutilezas cuyo poder de seducción es equiparable con el tremendo esfuerzo que el gourmet realizó en su día para poder presumir de la sensibilidad de sus papilas gustativas. Estos aromas únicos y prohibidos, serían básicamente dos:

a) La actuación de Paolo Sassanelli como Ubaldo; un personaje hipnótico, luciferino, apasionante, mefistofélico, prohibido, mesiánico, blasfemo, lujurioso, corrupto, seductor, inteligente, sexual, satánico. Un Alister Crowley metido a novelista, por decirlo de otro modo. Tamaña personalidad es el hilo central de la historia, es el planeta alrededor del que un fascinado Alessio orbita sin conocer los peligros en los que su creciente admiración le está metiendo. Genial la sintética escena donde el joven director a punto está de besar el diabólico escritor, embelesado por la cadencia de sus palabras.

b) Las escenas gores que van salpimentando una cubierta de decadencia y perversión – transmitidas como si de un virus se tratase por parte del todopoderoso escritor -; estas secuencias son expuestas en la mejor tradición, marcadas por la mano del ya mencionado Stivaletti, viscerales y dolorosamente realistas, lejos de convertirse en la principal motivación de la película, sirven como granate guinda del sanguinolento pastel. Un guiño que el aficionado talludo disfrutará y que, sin embargo, las generaciones crecidas al diluido amparo de Hostel, Saw o peores, encontrarán risible. Aquí serviría lo que, en las últimas semanas, me he emperrado en llamar como “test Gorgon Video”: si no sabes que narices es “Gorgon Video” no veas esta película. Así de simple.

Todas estas buenas palabras no serían validas, ni justas, sin mencionar los puntos oscuros de una producción, que como todo buen cine “undeground” goza del controvertido encanto de la imperfección.

Puede que el curtido Paolo Sassanelli esté soberbio, pero su gran papel hace que casi cualquier otro momento del metraje – quitando las fantasías gore – desluzca un poco. Fuera de los incendiarios discursos y apasionadas seducciones de Ubaldo, por mucho empeño que pongan el resto de actores – muy sexy y enérgica Laura Gigante como Sara -, existen tediosos interludios que no aportan nada a la trama. Esto es debido, principalmente, a cierta simpleza argumental que daba antes para un mediometraje que para una película completa, y eso que tampoco dura excesivamente.
Tampoco ayuda el que los medios (fotografía, iluminación, vestuario, banda sonora, decorados…) se encuentren tremendamente acotados por un presupuesto ridículo (300.000 € aproximadamente). El “look” casero que despide el conjunto general echará a muchos para atrás, pero pasado el miedo inicial nos encontraremos una cinta que supera sus limitaciones a base de respeto y amor por cine, véase el fantástico trabajo de montaje que imprime ritmo a una cinta mayoritariamente dialogada. ¡Venga que levanten la mano las producciones comerciales occidentales que siquiera intenten aplicar ese respeto para con el espectador! ¿Dos, una… ninguna?

Con todo, lo peor de la cinta sería su descafeinado epílogo que resulta prescindible a todas luces; su tono se aleja incomprensiblemente del resto de la película; pero más allá de esa mancha, solo son pequeños detalles los que deslucen un poco la impresión general.

Una pequeña sorpresa en un panorama bastante dejado de la mano de Dios, irónicamente estoy hablando de Italia, que demuestra como el esfuerzo, la falta de presión a la hora de redactar un guión – estupendos diálogos que consiguen mantener el interés, amén de estar cargados de premoniciones y reflexiones apasionantes – y básicamente las ganas de contar una historia son suficientes para alcanzar el corazoncito que los aficionados al cine de horror tenemos. Lo suficiente exigente como para abordarla sin prejuicios por todos aquellos que lleváis lustros y lustros de lleno en el complicado mundo del cine de terror. Por y para vosotros…

PD: Aunque no comparto la opinión del Sr. Terzani acerca de la narrativa de Clive Barker, reconozco que su planteamiento está muy bien enfocado.

Lo mejor: Buenas actuaciones, especialmente Paolo Sassanelli, un gore doloroso acorde a la historia y una atmósfera demente, directamente heredada del cine maldito de VHS.

Lo peor: El limitado presupuesto define milimétricamente hasta donde puede llegar la cinta obligando a meter mucho relleno intranscendente, como algunas conversaciones demasiado vagas y repetitivas. El epílogo.

Quiero dedicar esta reseña a Luis Trad, quien me animó a ver “Wound” con sus comentarios. Gracias.

Aviso: Intentar no spoilear en la reseña es prácticamente imposible si quiero analizarla como me gusta, porque en este tipo de propuestas todo es relevante y nada lo es a la vez, pero todo ha de ser comentado.

“Wound” es un ejercicio de traslado del subconsciente a nuestra parte consciente sin una lógica clara, o al menos, sin una lógica clara aparente.
David Byrth ha tratado de mostrar en imágenes cómo son los traumas, los miedos, las pasiones y la locura.
“Wound” es una propuesta difícil, que se puede analizar desde dos puntos de vista: Dejándonos llevar por lo que estamos viendo y disfrutarlo sin más o buscando todo el simbolismo e intentar llegar a una conclusión a través de él.
Yo he optado por la parte más simbólica, que en realidad me parece la mas jugosa.

La película arranca potente, es como si nos dijera “vamos chicos, ésta es mi carta de presentación, ¿os estáis enterando? ¿os gusta…?”. Pues vamos a por ella: en las primeras imágenes vemos a Susan dramática, vulnerable, seria, delicada, frágil… desatando toda la ira que tiene dentro, ejerciendo de vengadora castrando gráficamente a su padre, quien la violó en repetidas ocasiones. ¡Quiero sangre! ¡Quiero ver a Susan empapada en sangre, en una sangre que no sea la suya! Y dicho y hecho, Blyth hace caso a mi petición y nos regala la primera escena gore del film, y no está nada mal, nasty…

A partir de ese momento, nuestra realidad y la psicótica realidad de Susan se entremezclan, y en ocasiones lo hacen tanto que no tenemos claro qué es lo que está sucediendo realmente, pero aun así “Wound” no hace perder el hilo, solo hay que intentar meterse dentro de la mente de la protagonista para atar bien los cabos.
¿Por qué se comporta como lo hace? ¿Qué le ha sucedido para llegar a ese estado de desubicación emocional total? No hay que preocuparse, las respuestas se desvelan a lo largo de los 76 minutos que dura “Wound”, pero, como comentaba al principio, creo que es importante dar la relevancia que tiene al simbolismo, o al menos lo que yo entendí por cada uno de esos símbolos, así que, me lanzo a mi conclusión con 9 puntos simbólicos:

1- SUSAN Y TANYA: Tanya es la hija fallecida de Susan, que vuelve a la “vida” de su madre para ayudarla a cerrar el círculo, cerrar el círculo con su madre y con ella misma.
Se podría pensar que Susan es la parte pasiva y sumisa – la débil – y Tanya es la guerrera, la luchadora, la activa (la eterna contraposición del color blanco y el color negro). El delicado aspecto etéreo de Susan, se funde con el salvaje aspecto siniestro de Tanya (en realidad ellas son el ying y el yang).
Susan y Tanya se complementan y se completan, se necesitan y se destruyen. Ellas son el símbolo de una misma identidad.

2 – Simbolismo de la SANGRE (y en abundancia…): La sangre es el reflejo de la pérdida, el dolor, de la ausencia. Cada vez que aparecen las escenas con sangre algo se pierde, la sangre ya no es vida, la sangre es vacío.
Una de las mejores escenas de la película está regada con sangre y precisamente es la sangre la protagonista. Una escena tremendamente esclarecedora. Se trata de la escena en la que Tanya lame el gran charco de sangre del suelo que ha provocado su propio aborto (porque para mí esta hipótesis es totalmente factible dentro de la trama). En un lado de la puerta está Susan, prácticamente desangrada, mientras su hija muerta chupa la sangre de su propia muerte (escena que será, para algunos repulsiva y para otros poética…)

3 – MÁSCARAS: A lo largo de la trama, vemos una sucesión de máscaras. Las máscaras de Susan y Tanya no tienen expresión, simbolizan su propio vacío. Las máscaras de sus propios demonios son máscaras de cerdo (más gráfico imposible). Desde mi punto de vista, el uso de las máscaras está planteado en los puntos necesarios y, de alguna forma, explican el desequilibrio mental de Susan (quien en ocasiones aparece con la máscara que representa a Tanya). Las máscaras son la negación del mundo real.

4 – JUEGOS DE DOMINACION Y SUMISION: Otros dos personajes relevantes son Master John y Mistress Ruth (quien es la madre de Susan), que marcan presente, pasado y futuro.
La dominación que ejerce su madre asesinada sobre ella es el símbolo de una infancia marcada por violaciones y soledad, por traumas y venganza.
La sumisión de Susan ante Master John, más allá de algo puramente sexual y placentero, es el deseo de reprimir su parte mas enferma y violenta (representada a través de Tanya). La sumisión es su vida, la dominación representa su psique

5 – UN ARCÓN LLENO DE “SORPRESAS”: Éste punto fue uno de los que mas me costó entender. El tema es que no se explica nada, pero Susan tiene un arcón en su pasillo donde guarda cientos de deposiciones envueltas en papel de aluminio, ¿el motivo? Ni idea…pero puestos a imaginar, creo que todo forma parte del círculo que no se cierra. Es una idea parecida a: nada que salga de mi interior debe ser desechado porque mi cuerpo ya una vez “desechó” lo mas importante de mi vida (en relación a su hija muerta).

6 – CÁMARAS: En “Wound” vemos una realidad a través de la mente de Susan y Tanya, y otra que muestran unas serie de cámaras ubicadas estratégicamente. Sinceramente creo que el uso de estas cámaras mas que explicar algo, despistan y no cumplen con el propósito de mostrar la cordura y la locura: considero éste un elemento fallido.

7 – VAGINA GIGANTE: Impagable el momento en que Tanya y Susan renacen de nuevo de una vagina gigantesca que marca la comunión de ambas. Este renacimiento con las máscaras puestas, significa que ellas han ganado (o perdido, depende de cómo se mire…), que se han hecho una, que Tanya volvió de la muerte para “poseer” en cierto modo a su madre e indicarle el camino de vuelta a casa. Todo ello regado con mucha sangre y una viscosidad que se pude palpar, un auténtico espectáculo bizarro.

8 – TREN: La imagen de las vías y la preparación para el suicidio de Tanya marcan el inicio de la locura. La visión del vagón del tren final en el que se sube Susan para buscar a su hija, podemos intuir qué simboliza (pero decirlo ya sería el colmo de mis spoilers). Igualmente en este punto no quiero dejar de destacar el hecho de que Susan finalmente se desespere por encontrar a Tanya, porque desde mi punto de vista es algo terriblemente pesimista (el círculo se cierra a pasos agigantados…).

9 – FINAL: SPOILER!!!! Puede sorprender que un final tan aparentemente “fácil” encierre tanto magnetismo. Susan destaca en este final por ser uno de los personajes más tristes y abandonados de este tipo de propuestas bizarras. Después de pasear con ella, de ser parte de su vida y de compartir su locura, con el final que plantea David Blyth, solo pude pensar en dos palabras: soledad y vacío.

En resumidas cuentas, ”Wound” no se anda con medias tintas: es extraña, es salvaje, y te permite sentir la carga sexual y la sangre muy cerca de ti. Puede que te guste mucho o puede que no entiendas nada y no te de la gana de esforzarte por hacerlo, pero creo que para tener una opinión hay que verla. Yo estoy en el grupo de los que quedaron muy satisfechos con la película, ¿en qué grupo estás tú?

Lo mejor: El simbolismo de la película, el duelo entre Susan y Tanya, quisiera que la pantalla pudiera salpicarme de sangre en algunos momentos…

Lo peor: En ocasiones se enrevesa todo tanto que no sabes ni lo que estás viendo y el, para mí, inútil uso de las cámaras.