Un par de cosas me quedaron claras cuando tuve la oportunidad ver Ocho, debut en la dirección del joven director Xavier Miralles. La primera es que a Xavier y a su joven equipo de Totem Producciones, que afrontaron la producción de Ocho con más osadía e ilusión que medios, todavía les quedaba mucho camino por recorrer y un amplio margen de mejora. La segunda es que Xavier, guionista también de Ocho, no tuvo ningún problema en asumir riesgos y contar una historia de superación y de tránsito a la madurez que sobrepasaba los habituales límites de un subgénero que acostumbra a ser muy rígido e inerte en sus planteamientos: el slasher. Ahora acabo de ver El árbol sin sombra, nueva producción independiente de Totem Producciones, y de nuevo vuelvo a tener un par de cosas claras: el margen de mejora se ha reducido considerablemente (aunque todavía existe… siempre existirá) y Xavier Mirales vuelve a arriesgar con un survival que tiene su mejor baza en unos jóvenes protagonistas cuyas vidas, cuyos anhelos, cuyos sentimientos marcarán su destino final.

Ingrid está a punto de cambiar de ciudad para ir a la universidad y Tina, su mejor amiga, teme que este cambio pueda separarlas. Junto con sus amigos acampan en un bosque para compartir los últimos momentos antes de que sus vidas cambien con la llegada de los nuevos estudios. No les hace falta nada más que su propia compañía para estar bien, pero en medio de la tranquilidad del bosque se encontrarán con otro grupo de personas dispuestas a demostrarles que ese vínculo no es tan fuerte como ellos creen.

Los primeros compases de El árbol sin sombra puede que apunten a survivals cercanos - por poner un ejemplo – a Eden Lake… Un idílico lago, un grupo de preuniversitarios plantando sus tiendas de campaña y dispuestos a pasar un inolvidable fin de semana, y tres desconocidos contemplándolos desde la orilla opuesta. Pero rápidamente el guión de Miralles y Cati Moyà se esfuerza por ofrecernos detalles acerca de la personalidad de cada uno de los jóvenes protagonistas. Todos ellos están en un momento decisivo de sus vidas. Nuevos estudios, nuevas responsabilidades, nuevas ciudades y quizás nuevos amigos. Algunos afrontan este paso a la madurez con ilusión y determinación, mientras que otros se sienten inseguros y temen ser rechazados y quedarse solos.

Las premisas son excelentes: la civilización ha desaparecido, el mundo que conocemos yace bajo una colosal capa de hielo y los pocos supervivientes que quedan malviven en pequeñas comunidades subterráneas que, en otra hora, fueron factorías o instalaciones. Sin apenas contacto entre ellos, con el hambre, el frío y sus recursos mermando por momentos, nuestro mundo se apaga…

Esta es la propuesta de inicio de The colony que viene avalada además por un reparto plagado de caras conocidas, muchas de ellas estrellas cuyo brillo han perdido lustre estos últimos años aunque siguen figurando en proyectos menores. El director Jeff Renfroe nos traslada a una de estas colonias y sin preámbulos realiza las presentaciones iniciales donde la pátina de ciencia ficción apocalíptica deja paso al western futurista con un chico rebelde (Kevin Zegers), un sheriff que de inflexible es malvado (Bill Paxton), el tipo duro (Laurence Fishburne), la chica guapa (Charlotte Sullivan) y el resto de personajes que pueblan nuestro micromundo. También se nos presentan las terribles leyes que rigen ese espacio… como en todo western que se precie las relaciones de los personajes serán llevadas al límite cuando una amenaza externa haga su aparición.

The colony es una cinta deudora del cine de Carpenter, y en menor medida de el de Walter Hill y Sam Pekinpah, también recuerda argumentalmente a esa rara joya de finales de los 90 que fue Ravenous (una cinta a reivindicar y una recomendación en el caso de que aún no la hayas visto). Todo este ramillete de buenas intenciones y aromas se ve lastrado desde sus primeros minutos por un dibujo de personajes excesivamente acartonado y superficial. Algo que dota al conjunto de un aire de comic de aventuras que, si bien divierte, lo cierto es que deja a la película lejos de los resultados que, con un poco más de intención y mala idea, podría haber llegado.

Conociendo a la mayoría de los que aquí escribimos y teniendo en cuenta lo mucho que se ha debatido y comentado el fantástico filme ¿Quién puede matar a un niño?, de Narciso Ibáñez Serrador, creo que puedo cerciorar que a casi todos nosotros, cuando se nos comenta algo acerca de este remake, se nos viene a la cabeza una confortable cama que pide a gritos una cabezadita. Es tal el aburrimiento que produce que me duermo incluso leyendo reseñas de Como out and Play. Pura, purísima indiferencia.

La razón por la que considero oportuno escribir esta reseña y no dejar que dicha cinta se ahogue por el retrete del que salió, es porque considero que merece la pena ahondar más en ese debate tan centralizado en el actual género de terror. Debate que tantas pullas levanta, levantó en un pasado y seguirá levantando en un futuro; y que tiene su orígen en el término “remake”. Dicho esto, aclaro que no me voy a molestar ni un ápice en analizar el argumento ni las elucubraciones que pudieran derivarse de una película como Come out and Play. Para examinar la maldad contagiosa que puede ocultarse tras un prepúber, me limitaría a comentar la película la original, como ya hice en su debido momento. Es decir, Come out and Play viene a ser exactamente lo mismo que la película firmada por Ibáñez Serrador en 1976. De manera que ponerme a hablar, otra vez, de los niños y de su maldad intrínseca sería, en mi opinión, darle a Makinov, director y guionista de la película, lo que desesperadamente buscaba. De manera que ya os adelanto que de esta reseña no sacará nada de nada (lisa y llanamente, porque lo considero inmerecido y me acabaría durmiendo hasta yo)… excepto un golpe en las partes bajas, quizás…

Desde luego la sinopsis de Another kind no puede ser más anodina y ya vista: Dos parejas (chico-chica, chico-chica) plantean una excursión por el territorio nevado de las montañas de Catskill , un simulacro para coger algo de experiencia con vistas a una futura visita al Himalaya. Tras una agria discusión, una de los componentes se retirará y el trio restante se adentrará en el espesor de los montes. Durante su primera noche serán despertados por extrañas luces. Un primer encuentro que irá acompañado por nuevos sucesos, a cual más misterioso, que sumados a la falta de experiencia del equipo amenazan con una conclusión fatal… Si al menos hubiesen llevado un mapa.

Y es que el guión del título que nos ocupa no pasará a la historia del cine ni contiene material alguno demasiado reseñable. Y, a pesar de construir unos personajes sólidos, nos regala, por la contra, un ramillete de escenas inverosímiles acompañadas de reacciones pueriles, cuando no absurdas. Afortunadamente los protagonistas palian con creces estos huecos con unas buenas actuaciones… y será en el resto de los aspectos de la película donde ésta brille y sume enteros. El resultado del conjunto es una escalada de momentos inquietantes que nunca llegan a apasionar pero que tampoco pierden fuelle. Un film de tensión medio-baja que se ve con mayor interés cuantas menos pretensiones tengas al enfrentarlo.

Ciertamente desconocía por completo que fuera la leyenda del clan Sawney Bean la que inspirase a Wes Craven en Las colinas tienen ojos (probablemente sea porque nunca me terminó de convencer la película de Craven…). Una leyenda que inspira y da título al filme que hoy nos ocupa y que poco tiene que ver con hechos verídicos según una gran mayoría de historiadores. La cuestión es que esa curiosidad cinéfila - situar la leyenda en el orígen de Las colinas tienen ojos – era, para muchos aficionados al género, el gran atractivo de este Sawney, también conocida como The lord of Darkness; lo que explica, en cierto modo, gran parte de las críticas negativas que ha recibido la película (ya desarrollaré el porqué más adelante…). Personalmente, el hecho de que la leyenda del clan Sawney inspirara una de las obras más populares de Craven me resultaba absolutamente indiferente. No obstante, sí que considero patente ese parecido existente entre las dos películas; del mismo modo que veo dicha similitud con cualquier otro survival que tenga a una familia disfuncional como eje central de la trama (véase La Matanza de Texas).

A diferencia de Las colinas tienen ojos o La matanza Texas, Sawney abandona la senda del manido survival y se decanta por establecer una trama policial, elección que para muchos es sinónimo de fracaso inminente. Personalmente agradezco el cambio de registro, primordialmente porque a pesar de establecer una trama policial Sawney sigue, prácticamente, la misma estela de un survival. Por un lado no se nota tanta diferencia entre Sawney y cualquier survival con familia disfuncional; y por otro lado la trama policial ofrece un soplo de aire fresco, aun cuando dicha elección suponga una palmaria limitación entre los aficionados afines al survival más elemental. Dicho esto, centrémonos en la pregunta clave: ¿Cumple Sawney con lo propuesto? Sí, lisa y llanamente. Porque resulta un filme ameno, proporciona algún momentos de survival muy dinámico e intenso, genera una atmósfera brillante y está interpretada por un reparto elocuente, versátil y efectivo. Además de alguna que otra muerte inesperada. ¡Y joder! Sawney es pavoroso…, soberbio David Hayman.

(*) Aclaración: En Black Rock hay venganza, pero no violación (se queda solo en intento), no obstante, la estructura es la misma que la de un rape and revenge de toda la vida.

Black Rock es un prestigioso survival que dirige, escribe y protagoniza Katie Aselton. Survival que, contra todo pronóstico, cautivó en su estreno a todo el público del Sundance 2012, obteniendo, además, críticas altamente favorables por parte de la prensa especializada. Black Rock es un filme, lisa y llanamente, sencillo; propone una especie de rape&revenge (1) protagonizado por un triángulo de féminas que buscan revivir aventuras y limar asperezas del pasado dando rienda suelta a su euforia aventurera en plena naturaleza. Buscan, básicamente, reavivar su amistad. Y evidentemente, esta premisa suena demasiado similar a la que propuso Neil Marshall en el survival dramático The Descent, película en la que, como principal eje de conflicto, también teníamos a una congregación de mujeres de las que, curiosamente, destacaba un triángulo de féminas en especial (Beth, Juno y Sarah), que a través de la espeleología más adrenalínica buscaban reavivar su dejada amistad.

La razón por la que hago hincapié, con tanto énfasis y determinación, en la película de Marshall, es porque se valía de los mismos elementos que nos propone Black Rock: de una amistad, una lealtad, una traición, una venganza, un perdón y una muerte. Esos eran los componentes vitales de The Descent, lo que la convertía en un apabullante cúmulo frenético de emociones humanas que “desvirtuaba” (según para quién) esa irrupción de monstruos subterráneos de los que prescinde Black Rock. Sin embargo lo que debería ser una mezcla asimétrica de emociones extremas, se acaba convirtiendo en linealidad, debido primordialmente a esa dificultosa relación existente entre Abby y Lou (Katie Aselton y Lake Bell respectivamente) tan distante y, lo que es peor, por momentos tan condescendiente (he aquí la fuente del problema), lo cual se ve fortalecido por unas actuaciones muy forzadas de ambas actrices en lo que respecta, concretamente, a la segunda mitad del film.