Verónica ha sido entrenada desde niña para este momento y lugar. Momento: no lo sabemos. ¿Ubicación? Una pequeña población en algún lugar indeterminado de Canadá o Estados Unidos. Un pueblecito que llora a casi una docena de preciosas jóvenes desaparecidas, mientras el bosque cercano oculta sus secretos entre la niebla y el silencio. Verónica sabe algo de esos cuatro chicos que la están llevando al bosque para beber unos tragos, y está dispuesta a usarlo para hacerles tragar sus aires de depredadores.

“Final Girl” supone el debut cinematográfico del fotógrafo Tyler Shields, estamos ante un thriller que pretender ser extraño, postmoderno y provocador quedando en mera anécdota debido a su deficiente guión, basado en una idea interesante, pero no tan original como algunos podrían suponer. Entonces, la historia hace aguas desde el primer minuto de la cinta al cargar una trayectoria lineal sobre unos personajes alienados, planos, predecibles, artificiales y demás adjetivos peyorativos. Pero el mayor pecado de “Final Girl” sería su inverosimilitud, tanta que termina por enervar al espectador. Y aunque se levanten las voces críticas ante mi opinión, aduciendo que se trata de una obra de ficción rozando incluso el género fantástico y que por lo tanto debería “dejarme llevar”, les tengo que decir, señores resabiados, que la clave de una buena película radica en su capacidad para suspender la credibilidad de todo aquel que acceda a ella. Desde luego que soy consciente de que los viajes en el tiempo no son posibles, pero reviso “Regreso al Futuro” y soy capaz de verme junto a Marty McFly montado en un Delorean rumbo a la era del Twist. Esa es la magia del cine y no acceder a una película como “Final Girl” que te hace resoplar durante todo el metraje de lo absurda, simple y boba que resulta.

La directora francesa de adopción e iraní de nacimiento, Marjane Satrapi se demostró como una excelente narradora de historias, adaptando a la gran pantalla sus populares novelas gráficas: primero en clave de animación en Persépolis; autoretrato de la rebeldía adolescente y canto a la libertad bajo la opresión del fundamentalismo islámico. Y después con personajes reales en la igualmente fantástica Pollo con ciruelas; una suerte de fábula adulta sobre el amor, la muerte y las cosas que hacen bella y dan sentido a la existencia. Satrapi hizo gala, en ambas ocasiones, de pulso para abordar con naturalidad y cariño circunstancias de gran dureza vital, de un exquisito sentido del humor y de una sensacional sensibilidad con respecto a la composición, el color y la belleza visual… faltaba ver qué tal se defendería lidiando con un guión de otro autor y The voices le ha brindado esa oportunidad: el resultado es tanto o más merecedor de aplauso que en sus anteriores cintas y vista exclusivamente en el terreno del cine de género, podemos afirmar que nos encontramos ante un título con vocación de clásico que sin duda formará parte de las listas de lo mejor de este 2015 que comienza.

La normalidad de Jerry (Ryan Reynolds) se sustenta exclusivamente gracias a su medicación. Cuando deja de tomarla su mente se separa paulatinamente de la realidad para aterrizar en un mundo mucho más sencillo y atractivo donde, acompañado de las voces de sus mascotas, la vida es más cómoda y asequible a su sensible y delicada personalidad. Su gato, el señor bigotes, le recuerda lo peligroso de su condición y lo artificial del mundo que se ha creado, mientras que su perro Bosco le anima a continuar en el deleite y le felicita por su nobleza. Aconsejado por ambas voces, decide pedir una cita a la chica de sus sueños: su compañera de trabajo Fiona (Gemma Arterton ), comenzando un peligroso brote de locura del que sólo será medianamente consciente su preocupada terapeuta (Jacki Weaver). Pronto comenzarán las muertes y Jerry tendrá que lidiar con su pasado, su cordura, sus víctimas y sus mascotas…

Gloria es una mujer divorciada, independiente y de carácter jovial que ha huido junto a sus dos hijos de un marido celoso y maltratador. Recelosa de volver a tener ninguna otra nefasta experiencia sentimental, accede a regañadientes a conocer a Michel, quien contacta con ella a través de un espacio web para encuentros. Sin darse apenas cuenta, cae rendida bajo el seductor influjo del desconocido, decidiendo abandonarlo todo para caer presa de la irrefrenable pasión que la corrompe.

El amor, ese proverbial sentimiento circunscrito a todas las razas y especies, devastadora fuerza interna que provoca en los seres comportamientos absurdos e inexplicables. Han sido muchos los pensadores y artistas obcecados en expresar los matices de este sentimiento aunque, a título personal, una servidora destacaría la apreciación de William Shakespeare quien, muy sabiamente, afirmó que el amor hace de la bestia un hombre y del hombre una bestia. El director, productor y guionista belga Fabrize Du Welz suscribe, mediante su última producción, las acertadas palabras del dramaturgo inglés; Alleluia es un oscuro melodrama de corte romántico, dotado de gran propiedad estilística como suele ser común en el personal universo del autor belga, que trata de ser una visión amarga, terrorífica y, por qué no decirlo, algo edulcorada de la vida de Raymon Fernandez y Martha Beck, una famosa pareja de psicokillers americanos que entre los años 1949 y 1951 estafaron y asesinaron a más de una veintena de mujeres solteras.

Corren los cincuenta en la gran España, la de Caudillo, escapulario y pandereta. En ese Madrid gris ve Montse pasar los días desde su casa. Acosada por la agorafobia y un tormentoso pasado lleno de madres muertas y padres severos, Montse ve con miedo el decimoctavo cumpleaños de su hermanita: se ha convertido en una mujer y sabe que traerá problemas. Aunque al contrario de lo que pensaba, los problemas comienzan con la visita de un guapo vecino. Herido se adentra en el nido de esas dos mujeres, ejerciendo de catalizador para la locura y el amor, los ingredientes perfectos de un drama terrorífico.

Todos coinciden en que Macarena Gómez soporta el peso de la película por sí sola. Del histrionismo cómico, por el que era conocida, cambia al histrionismo dramático con tintes terroríficos. Se enfunda el vestido de una mujer destrozada por la culpa y la frustración nacida del fervor religioso y la sobreexposición a un padre extremadamente riguroso, que interpreta un magistral Luis Tosar; da igual que su papel sea mínimo, sube el caché de “Musarañas” cuando un actor como él llena la pantalla con su carisma.

Sin embargo, no os engañéis, es ella, sigue siendo Macarena quien arrastra por los pelos al espectador hasta el universo de la posguerra, donde el régimen y la opresión católica se perfilan como telón de fondo de un thriller psicológico que arranca como un drama magnífico y termina rindiéndose a los excesos festivaleros que el terror actual necesita para perpetuarse en su vacio. No corren tiempos de guiones redondos, el agujero se vende barato a cambio de los aplausos de una platea sedienta de escenas “fuertes”. Nos creíamos junto a Hugo Silva en la ciudad donde llueve ceniza y, de repente, Silent Hill se desmorona a favor de Raccoon City, y Hugo no nos salva, simplemente pone su fama de icono sexy al servicio de un libreto femenino pero sin estrógenos.

anarquía. (Del gr. ἀναρχία). 1. f. Ausencia de poder público. 2. f. Desconcierto, incoherencia, barullo.

purgar. (Del lat. purgāre). 1. tr. Limpiar, purificar algo, quitándole lo innecesario, inconveniente o superfluo. 2. tr. Sufrir con una pena o castigo lo que alguien merece por su culpa o delito. 3. tr. Purificar, acrisolar.

Volviendo a recuperar el pensamiento de los clásicos, James DeMonaco pone de nuevo la locución Homo homini lupus ante nuestros ojos, sin llegar a meter el dedo en la llaga y apostando (una vez más) por una serie de capas de auto-corrección que nos dejan a medias en lo que podría haber sido una historia absolutamente llena de incorrección política. Salvando la Anarquía que reza el título de esta secuela de The Purge (DeMonaco, 2013), uno de los thrillers más rentables de los últimos años, y la premisa de una historia que cambia de escenario, todo en este nuevo acercamiento a La Purga Anual sigue la tónica de correctismo de su predecesora, quedándose a puertas de algo polémico y desgarrador.

Quizá la intención de DeMonaco nunca haya sido la de provocar, pero está claro que la sola idea purgatoria es, cuanto menos, provocadora y, por ende, instiga a que nuestras bizarras mentes divaguen en busca de algo altamente retorcido. Si esto era algo que ya sucedió con la primera entrega, la decepción para con esta segunda parte no está del todo justificada, pues desde el primer momento el espectador debe ser consciente de que vamos a asistir al mismo tipo de juego, uno en el que lo explícito y la sangre a raudales no juega en primera plana, convirtiendo a la terrorífica idea de la Purga y todo el abanico de posibilidades de la mezquindad humana de ella derivado, en los verdaderos conflictos que moverán la historia.

Edward Lionheart, Vincent Price, es un reputado actor pasado por alto durante la adjudicación de los Premios de la Crítica, a pesar de producir una brillante temporada de obras de Shakespeare. Después de enfrentarse al Círculo de la Crítica, un intento suicida acaba con sus huesos en el Támesis. Convirtiéndose en un moderno fantasma de la ópera, pero bastante más atractivo, que intentará tomarse una poética y sangrienta venganza sobre aquellos que lo repudiaron.

Cuando me senté delante del ordenador para escribir esta reseña, tenía la intención de escribir una especie de homenaje a la figura de un gran actor como lo fue Vincent Price, icono del género de terror e intérprete polifacético con una deslumbrante personalidad transmitida a cada uno de sus personajes. Sin embargo, hablar al tuntún de un caballero sobre el que se han vertido litros de tinta, amén del profundo destripe alrededor de sus películas señeras, flaco homenaje me parecía frente al valor intrínseco de sus interpretaciones inmortales, más si cabe desde el desconocimiento e incapacidad de síntesis que caracterizan a este que suscribe. Así que me limitaré a recomendaros el visionado no solo de “Matar o no matar, éste es el problema” (“Theatre of Blood” en su Inglaterra natal), sino de toda su filmografía terrorífica, que incluye títulos de prestigio como “The Fly”, “El Abominable Dr. Phibes”, “La Caida de la Casa Usher” o “Los crímenes del Museo de Cera” (y “Laura” si os gusta el cine noir de calidad). Quizás el primo pobre de otras leyendas del calibre de Peter Cushing o Christopher Lee, sobre todo por su tendencia a terminar en cintas de presupuestos muy ajustados, pero es imposible negar su valía como actor, además de ser un reconocido “gourmet” y “gentleman” (¡llegaron a editarse libros de cocina con sus consejos!).
Tomen nota las nuevas generaciones: su asociación con Roger Corman, en la famosa serie de adaptaciones de Poe, desafiará al tiempo como un testamento de horror gótico imperecedero.