Thriller psicológico sobre una pareja que se traslada de Chicago a California donde esperan empezar una nueva vida de forma tranquila… pero todo se complica cuando empiezan a recibir misteriosos regalos y aparece Gordo, un amigo del pasado.

Y con esta breve sinopsis se presenta The Gift, la nueva producción de la omnipresente Blumhouse, la gente de sagas varias como Paranormal Activity, Insidious o The Purge. Pero ojo, porque esta película está causando sensación entre la crítica de Estados Unidos, con un 92% de valoraciones positivas según Rottentomatoes. El público también está bastante entusiasmado, a juzgar por el 7,7 de media que le otorgan en IMDB. ¿Estamos ante una de las sorpresas del año? Por el momento, se ha estrando con éxito: 12 millones de dólares en su primer fin de semana. Estamos hablando de una pequeña producción de 5 millones, que viene a ser lo habitual dentro de los parámetros Blumhouse

Un ratero de ciudad llamado Cody vive sus peores momentos cuando un misterioso desconocido le ofrece la oportunidad de su vida. Tan sólo hay una pega… en este juego tendrá que apostarlo todo, incluso su vida. Cody se encuentra atrapado en mitad de un grupo de extraños e inadaptados que luchan por sus vidas para lograr un bocado del sueño americano. Instigados por un grupo de sádicos enmascarados, Cody y el resto del grupo ganarán una fortuna… o sufrirán una muerte dolorosa y brutal.

Las películas de “extraños forzados a participar en un juego mortal” - definición que parece irle como un guante a Union Furnace – son prácticamente un género en sí mismas. De hecho, en nuestro modesto catálogo de películas en Filmin tuvimos un par de representantes bastante dignas del género: Pannic Button, en la que los ganadores de un concurso se suben a un jet privado en el que serán sometidos a una serie de juegos macabros; y Vile, en la que un grupo de desconocidos despiertan atrapados en una casa de la que tan sólo podrán escapar si rellenan un contador que se nutre con los elementos químicos que producen sus cerebros al sentir dolor… Rebuscado, el argumento.

Verónica ha sido entrenada desde niña para este momento y lugar. Momento: no lo sabemos. ¿Ubicación? Una pequeña población en algún lugar indeterminado de Canadá o Estados Unidos. Un pueblecito que llora a casi una docena de preciosas jóvenes desaparecidas, mientras el bosque cercano oculta sus secretos entre la niebla y el silencio. Verónica sabe algo de esos cuatro chicos que la están llevando al bosque para beber unos tragos, y está dispuesta a usarlo para hacerles tragar sus aires de depredadores.

“Final Girl” supone el debut cinematográfico del fotógrafo Tyler Shields, estamos ante un thriller que pretender ser extraño, postmoderno y provocador quedando en mera anécdota debido a su deficiente guión, basado en una idea interesante, pero no tan original como algunos podrían suponer. Entonces, la historia hace aguas desde el primer minuto de la cinta al cargar una trayectoria lineal sobre unos personajes alienados, planos, predecibles, artificiales y demás adjetivos peyorativos. Pero el mayor pecado de “Final Girl” sería su inverosimilitud, tanta que termina por enervar al espectador. Y aunque se levanten las voces críticas ante mi opinión, aduciendo que se trata de una obra de ficción rozando incluso el género fantástico y que por lo tanto debería “dejarme llevar”, les tengo que decir, señores resabiados, que la clave de una buena película radica en su capacidad para suspender la credibilidad de todo aquel que acceda a ella. Desde luego que soy consciente de que los viajes en el tiempo no son posibles, pero reviso “Regreso al Futuro” y soy capaz de verme junto a Marty McFly montado en un Delorean rumbo a la era del Twist. Esa es la magia del cine y no acceder a una película como “Final Girl” que te hace resoplar durante todo el metraje de lo absurda, simple y boba que resulta.

Seis miembros de una agencia de publicidad son invitados a pasar un fin de semana de retiro para enfocar la nueva campaña. Dicho retiro tendrá lugar en una aislada casa de campo junto al lago de bosque. Cuando uno de los miembros se pierde, descubren que el albergue era antiguamente una institución mental privada que había sido cerrada tras acusaciones de comportamiento no ético por parte de su personal.

El estadounidense Ace Jordan debuta en el largometraje dirigiendo y escribiendo “Silent Retreat”, cinta recientemente adquirida por “Acort International”, una distribuidora independiente, y especializada en terror, de la que Almas Oscuras ha traído algunos títulos. En el caso presente observamos los mismos parámetros: un thriller truculento (dicen que psicológico, pero yo no me lo trago) con actores de medio pelo, un presupuesto muy ajustado y más ilusión que otra cosa. Pese a ello, puede que salga una de esas películas con la suficiente enjundia como para refrescar una calurosa tarde de domingo. Al menos, el tráiler muestra algo de carnaza, en todos los sentidos, lo que justifica estas magras esperanzas. Otra cosa es que el argumento de nuevo nos sitúe en una cabaña perdida en el medio del bosque, ¡qué cansancio! Está claro que una profesión con futuro es la de vendedor de cabañas prefabricadas, malditas por viejos fantasmas de pacientes dementes a poder ser…

En las garras de dolor tras la muerte de su hijo, Parker vuelve renuente a trabajar como investigador privado. Y lo hace embarcándose en una misión inusual: espiar a una mujer desde un apartamento abandonado. Parker graba los sucesos extraños que rodean a la mujer, sin darse cuenta de que el edificio abandonado ha dado a luz una presencia oscura que amenaza lentamente con consumirlo.

Australia vuelve a la carga, y lo hace con un thriller psicológico de ecos sobrenaturales. “Observance” intentará postularse como la sorpresa del festival canadiense “Fantasia” (que año tras año crece para convertirse en un evento fundamental del cine fantástico a nivel mundial) donde tendrá lugar su premier mundial, y para ello cuenta con una historia retorcida cuya profundidad queda por resolver. La premisa no es muy innovadora, pero la verdad que la cinta se hace merecedora de interés gracias a un tráiler enigmático donde el juego de perspectivas, rapiñado de “La Ventana Indiscreta”, puede establecer una doble narrativa la mar de resultona. Aunque en realidad parece que el peso de la trama se la llevará el descenso a la locura (o al infierno paranormal) al que será sometido nuestro protagonista: Lindsay Farris, que pudimos ver en “Primal”, una recomendable cinta de horror. Vale, la producción no luce muy espectacular, de hecho estamos ante una obra de bajo presupuesto con efectos especiales limitados y un elenco de poca experiencia, pero algo me dice que tendrá buena acogida entre la crítica especializada.

Takashi Miike es bien conocido por su cine bizarro, controversial y gráfico; con escenas que van desde sexo zoofílico, asesinatos con dardos soplados desde una vagina menstruando, un muchacho que sufre de acoso o “bully” raspándole el excremento a un pobre tipo de su escuela, un colegial golpeando a su madre como desquite porque a él le golpean mientras los demás miembros de su casa lo permiten, un hombre rebanado desde la cabeza hasta la ingle, una película de zombies musical con animaciones de 24 frames por segundos, etcétera.

Es un director prolífico —entre 1992 y 2002 realizó unas 25 películas— que lleva más de noventa películas en su haber, de las cuales prácticamente todas tienen un componente polémico y/o extraño, capaz de causar aberración o placer por igual en el espectador. Su cine no es para todos, y prueba de ello es su anecdótico paso por la serie de televisión Masters of Horror, al lado de directores consagrados como Joe Dante, Darío Argento, Don Coscarelli, Tobe Hooper, Stuart Gordon o John Carpenter, entre otros. En dicha serie a todos ellos les dieron libertad creativa, a excepción de ligeras restricciones de contenido sexual y violento —nada de desnudos frontales ni de violencia relacionada con niños; fuera de eso… todo lo que quisieran—. Miike realizó Imprint, basada en un cuento tradicional japonés, “Bokkee Kyotee”, escrito por Shimako Iwai. En su aportación incluyó representaciones gráficas de violencia, tortura femenina y fetos abortados que él consideró “suaves” y “socialmente aceptable”, pero que abrieron un crudo debate acerca de la libertad y los cánones de violencia admisibles para una audiencia occidental.