Estamos ante una de esas apuestas no aptas para todos los paladares, un detalle que se observa en las dispares valoraciones en las webs de cine más internacionales. Cuando se ve que una película adolece de notas medias, con cientos de unos y dieces, queda claro que no se trata de algo convencional. Eso es precisamente lo que le ocurre a Circle, un thriller psicológico inspirado en el clásico 12 hombres sin piedad.

Vaya por delante que de terror esto tiene poco, ya que no ve una gota de sangre y las muertes son poco más que una descarga de electricidad sobre el desdichado o desdichada, encima muchas veces off-screen. Esto es más bien un thriller angustioso, de esos que en la jerga de las reseñas anglosajonas inspiran frases como «de morderse las uñas» o «te mantendrá al borde de la butaca». Yo me incluyo en el grupo de los que adoran la película, siempre entendiéndolo como un ejercicio de cine de guerrilla, que suple con maña las carencias más obvias. El escenario único (exceptuando el final, donde hay un par de planos exteriores que no llegan a los dos minutos) ayuda a mantener costes bajo mínimos, así como un elenco de actores en el que sólo conseguí reconocer a Julie Benz, habitual de la serie Dexter y de algunas películas como Punisher: War Zone o John Rambo. Indagando en las anécdotas del film, averiguamos que consiguió rodarse en diez días. No poca proeza para una película hecha y derecha, pese a que nunca será conocida por el gran público.

Aunque lo probable es que una película de terror del 2015 te decepcione, más si las críticas no acompañan , nunca me gusta quedarme sin mi propia y humilde opinión. Ha ocurrido en contadas ocasiones. La reciente sorpresa de ver como la segunda temporada de True Detective es más que pasable, pese a las acervas reseñas que se leen por ahí, me hizo pues dar la oportunidad a Sinister 2. Vuelvo a incidir en la reticencia inicial porque el anterior trabajo del guionista Scott Derrickson, (realizador además de la primera Sinister) fue la broma de mal gusto Líbranos del mal, una película a mi juicio infame.

Aunque me consta que hay detractores, yo considero la primera Sinister una excepcional pieza de terror moderno, de las pocas que consigue ese toque malsano, enfermizo, de desasosiego, sin necesitar golpes de efecto en forma de sustos trillados o la solución ramplona de casquería en lugar de terror. La prueba es que sin apenas mostrar hemoglobina, la película se estrenó con la calificación más “adulta”, basándose sólo en el contenido. Parte de ese impronta malsana la tiene la excelente banda sonora, que incluye artistas fundamentales como los europeos Aghast, referencias del dark ambient. Y como no el elemento central de la trama, las snuff movies rodadas en Super 8, con ese componente morboso de ver las situaciones más inocentes convertidas en masacres inhumanas.

Cada vez que se acerca octubre empiezan las ganas de pasar miedo de la sociedad occidental (aquella que puede permitirse distraerse con chorradas así, para que nos vamos a engañar) y con ellas aparecen películas de terror que aprovechan tal fervor pasajero. Esto no es intrínsicamente malo, aunque sí lo es el abandono de muchos de esos títulos, productos prefabricados que son el equivalente cinematográfico de las hamburguesas envasadas de las gasolineras. Lo único que consiguen es calmar el hambre de la manera más burda y defraudar a todo aquel que espere deleitarse lo más mínimo.

Lo peor es que este título partía con buenas premisas, aún dejando a lado la presencia de Nicholas Cage, que pierde la virginidad como protagonista en el género del terror más puro (Wicker Man se suele considerar más una película de suspense). Es cierto que siempre ha sido motivo de chiste por su voz y su lenguaje corporal, pero Hollywood no sería lo mismo sin el bueno de Nick. Aparte de que nunca usó en su favor ser sobrino de Francis Ford Coppola (al menos del modo más evidente) ha probado saber actuar (Leaving Las Vegas, Joe) y su contribución al cine de acción noventero no dista mucho de la de un Bruce Willis (Con Air, La Roca). Aquí, además, su peculiar rictus de incredulidad ayuda, en un papel de perplejidad por una inexplicable desaparición.

Como reza el epígrafe, este título cerró la trilogía caníbal/selvática del iconoclasta Ruggero Deodato, especialista en sacudir a la sociedad de los setenta y ochenta con su cine extremadamente sádico, gráfico y violento. Se me ocurrió verla después de conocer el homenaje descarado de Eli Roth en The Green Inferno; director, el norteamericano, que por cierto no oculta su veneración por el italiano, a quien otorgó un cameo en la segunda parte de Hostel.

Nunca estrenada en España (de ahí el título en ingles/italiano), esta cinta de 1985 supuso un cambio de registro frente a las brutalmente explícitas Mundo caníbal, mundo salvaje y la madre del cordero, Holocausto Caníbal, tan controvertidamente célebre. Cut and Run: Inferno in diretta se desmarca decididamente de las dos obras anteriormente mencionadas, no sólo porque no hay canibalismo por ningun parte, sino porque Ruggero decidió no cargar tanto las tintas y ofrecer algo que, aun siendo salavaje en términos generales, no levanta cejas para el espectador medio. Es más, su escena más cruenta fue censurada en casi todos los países en los que la película logró estrenarse, pero de eso ya hablaremos más adelante.

Uno siempre es escéptico antes de una nueva película de un tema tan manido como el de la licantropía. Pero lo cierto es que las dos últimas que me ha tocado ver son de nota. Tal vez sea que al no ser un nicho del terror que me apasione especialmente, sólo escojo aquellos títulos con garantías, y por ello causan una buena impresión. El caso es que tanto Wer (2013) como esta Late Phases (2014) son películas meritorias, y no sólo dentro del terror, sino en términos absolutos.

Late Phases es un rara avis dentro de las películas de género en muchos aspectos. Para empezar el protagonista es un anciano, de la vertiente más dura y curtida. El capaz Nick Damici da en el clavo con su papel de veterano de vuelta de todo, con un físico impresionante para su edad (55 años) y un acento 100% de Brooklyn (habrá de verse en versión original, para sacarle todo el jugo). Recuerda peligrosamente al personaje de Kowalski de Gran Torino, dirigida y protagonizada por Clint Eastwood, con una personalidad huraña y gruñona paralera a su valentía y calidad humana. El resto del reparto también se abstiene de rostros bellos y jóvenes, para traernos al antiguo habitual de películas de insituto noventeras Ethan Embry (más metido que nunca en el terror/thriller desde las violentas The Guest y Juegos Sucios) y bastantes ancianos (lógica a nada que se lea la sinopsis, y uno sepa que todo transcurre en un complejo residencial para jubilados, o a lo sumo en los aledaños del mismo).

Maniac Cop no va a ganar ningún premio. Pero es que tampoco lo ha intentado nunca. Lo que el director William Lustig se trajo bajo el brazo fue una mezcla gloriosa de acción y terror, con el suficiente éxito de conseguir dos entregas más, todas muy homogéneas en su corte serie B sin tapujos.

A finales de los ochenta el crimen era todavía un problema en Nueva York, y la leyenda de la serie B Larry Cohen (La sustancia maldita, La serpiente voladora) supo verlo. Su guión hace un gran uso de esta premisa, mediante la ejecución de las ideas acerca de la histeria que causarían las personas que abusan de su figura de autoridad y poder. Lo cortés no quita lo valiente, y aparte de la parte sátira, están también los boquetes en la trama, pero ¿quién no los espera con un nombre como Maniac Cop?

Rescatar esta cinta sucedió de un modo que viene siendo habitual últimamente: forzado por la amenaza de un remake. Aunque menos traumático que otras veces (ya que el responsable parece ser el talentoso Nicholas Windig Refn, experto en resucitar el espíritu de neón ochentero) sí es cierto que va a ser difícil que se supere la magia de la original.