Vaya por delante mi aplauso a Voces, anterior película del director Ángel Gómez Hernández. Pese a los muchos defectos que se podían achacar a ese primer largometraje, lo cierto es que era una cinta de terror pata negra, consecuente con lo que requería ese género y que hacía gala de una factura técnica y una construcción de los sobresaltos, a la americana, bastante bien trasladada a los códigos y maneras del cine español. Desgraciadamente, El hombre del saco desafina en tantos aspectos que cuesta trabajo encontrar los destellos que apreciamos en su trabajo anterior.

El punto de partida de El hombre del saco es el crimen real, de comienzos de pasado siglo, en el pueblo Almeriense de Gádor, que creó en el imaginario colectivo del país, la figura de un anciano que con un saco de arpillera se llevaba a los críos que se portaban mal. Con este origen, la cinta construye a un ser sobrenatural que cada siete años se lleva a un buen puñado de chavales para alimentarse de ellos. En la actualidad, un grupo de amigos se ve en el ojo del huracán de una nueva cosecha humana.

Siento un especial cariño por el libro El umbral de la noche. Me recuerda a los años (1985-1988) en los que descubrí a Stephen King y leí compulsivamente todas sus obras publicadas en España hasta esa fecha. A este libro en particular le correspondió el honor de ser una de mis lecturas durante el verano del 85, junto con el cómic de Creepshow y varios libros de Lovecraft. También le guardo un especial aprecio porque muchos de los relatos que recopila han dado lugar a películas que alimentaron mi pasión por el cine fantástico. Me refiero a títulos como Los ojos del gato, Los chicos del maíz, Maximum Overdrive, El cortador de césped, A veces vuelven, La fosa común, Alianza macabra y el mediometraje The Boogeyman (antecesor del que nos ocupa), que incluía la serie de TV de relatos del maestro, The Night Shift, y que yo solía alquilar en aquellos años en el videoclub.

Lo primero que tenemos que decir de este moderno The Boogeyman es que no es propiamente una adaptación, sino más bien una secuela. Me explico: en el cuento original, un hombre acude a un psiquiatra para contarle cómo una fuerza oscura (el coco/The Boogeyman) ha matado a su mujer y a sus hijas. Por un olvido, regresa a la consulta y descubre entonces que el psiquiatra es en realidad el coco, que se le viene encima para acabar también con él. Esta película dirigida por Rob Savage nos presenta a la familia del psiquiatra. Él y sus dos hijas se encuentran en horas bajas tras el repentino fallecimiento de su esposa. Reciben de forma inesperada la visita del protagonista del cuento, que les da las claves de la criatura que les acecha. En un descuido del médico, el hombre será presa de este monstruo, que se esconde después en la casa de las nuevas víctimas.

Dos pesos pesados del horror actual van de la mano en Antlers, criatura oscura: Por un lado, Guillermo del Toro en calidad de productor y por el otro, el guionista Nick Antosca, cómplice necesario de proyectos tan interesantes como Channel zero, Nuevo sabor a cereza o la dramática e inquietante The act. Se suma a este tándem un director con cuatro potentísimos films en su trayectoria (muy recomendable Black Mass: Estrictamente criminal), Scott Cooper. El trío abordaba una de esas cintas esperadísimas por los aficionados; tan esperada que el sabor que dejó tras sus pases en el festival de Sitges no fue precisamente a cereza; muchos encontraron a esta criatura oscura un tanto soporífera. Pasados unos meses de ese primer visionado, vamos a analizar con más frialdad las luces y las sombras de este proyecto.

La acción nos sitúa en un pueblo agonizante de la América profunda; de esos en los que la desaparición de la actividad minera ha herido de muerte a un sector amplio de la población y donde los restos de la industria asoman en el paisaje como huesos de dinosaurios. El protagonista de la cinta, el pequeño Lucas (Jeremy T. Thomas) acompaña a su padre, un delincuente de poca monta, a su nuevo laboratorio de Crack en el corazón de una mina, donde son atacados por algo. Días después la profesora del pequeño (Keri Russel) observa un cambio de actitud en el crio, ya retraído de serie, que alerta de una situación familiar compleja, un problema que no tardará en comunicar a su hermano sheriff del pueblo (Jesse Plemons).

Comparada por la crítica con Zombieland por el carácter desenfadado de ambas propuestas, aunque personalmente su referencia más cercana viene de un videojuego, la cinta que reseñamos hoy es una excelente producción con buenos efectos especiales y muy carismática en su planteamiento adolescente. Entre la pandemia y el deseo de incentivar las plataformas domésticas por parte de Paramount, Love and monster ha visto mermada su distribución internacional en salas; una pena, pues su factura merece una pantalla grande y seguro que gana enteros disfrutada entre palomitas y público de todas las edades. Son malos tiempos para estos formatos que hace solo unos años habrían ocasionado un ruido y un éxito en taquilla notable…

La cinta presenta un mundo abandonado por los humanos, escondidos en refugios cuando la tierra es dominada por mutaciones descomunales de nuestra flora y fauna. Joel (Dylan O’Brien) es un chaval que hace unos años vio truncada su adolescencia cuando los monstruos le arrebataron a su familia y le alejaron de su novia (Jessica Henwick), con la que sigue manteniendo una relación, vía radioaficionado, pues se encuentra en un refugio a sólo 85 millas. Aunque, con la que hay montada en la superficie, esa distancia es todo un mundo. Con una cada vez más alarmante falta de recursos y llevado por los vientos del amor, nuestro héroe decide salir al exterior y luchar por llegar junto a su particular Penélope, pese al terror paralizante que le provocan estos seres.

Me gustaría primero de todo reconocer el gran trabajo que realizó Andy Muschietti en la primera entrega de It. Pese a sus innumerables licencias, creo que supo transmitir el aire de aventura, camaradería e inquietud de la novela de Stephen King. Es cierto que pasaba todo por el tamiz evocador ochentero de “Stranger things”, pero es que la serie de Netflix es también, en gran medida, fruto de la influencia del escritor de Maine.

Muschietti, en cualquier caso, jugó con mucha astucia: dejó toda la parte más compleja y oscura aparcada, centrándose exclusivamente en las peripecias de “El club de los perdedores” cuando estos eran unos mocosos. Al contrario que en el libro o en la miniserie de 1990, en su cinta no se entremezclaba el hilo narrativo de los personajes 27 años después, que sólo se rodaría si las cifras de la primera entrega eran lo suficientemente rentables como para correr el riesgo. Como “It” es hasta la fecha la película de terror más taquillera de la historia, la secuela arrancó casi enseguida.

_Han pasado 27 años desde que “Los perdedores” vencieran al payaso. Aunque juraron regresar a Derry si Pennywise despertaba, cada uno ha tomado caminos distintos y han olvidado casi completamente su infancia y lo que padecieron. Únicamente Mike se ha quedado en el pueblo y sólo él conserva clara la memoria de los acontecimientos. Cuando la muerte vuelve a rondar la localidad decide reunir nuevamente a la cuadrilla.

Animado por el inminente estreno de Godzilla: rey de los monstruos, la secuela de la adaptación americana que hizo Gareth Edwards en 2014, por fin he decidido escribir sobre una de las películas más importantes en mi pequeño mundo de aficionado.

Antes de entrar en materia, me gustaría aclarar que la versión sobre la cual se hará referencia será siempre el corte original japonés de Ishirô Honda, previo a los recortes e insertos comerciales por parte de la distribución americana, con los cuales la propia Toho estuvo conforme. Creo importante constatar esto, puesto que la simple existencia de una versión suavizada de una película tan socialmente comprometida habla directamente de lo afilado de su discurso y de lo potente que fue y sigue siendo hoy en día.

Tendemos a considerar el cine de monstruos gigantes, el kaiju eiga, como un subgénero más próximo a la serie B, el explotation o directamente al trash. Y esto es totalmente lícito, puesto que la gran mayoría de producciones de este cariz forman parte directamente de cualquiera de estas subcategorías. De hecho, la evolución de la serie originada a partir de esta ‘Japón bajo el terror del monstruo’ acabaría derivando, y más de una sola vez, en títulos que harían las delicias del público de cualquier doble sesión de medianoche. Y es por eso, justamente, que esta primera (y única en su propio universo) entrega del rey de los monstruos suponía un golpe sobre la mesa. Puesto que no solo la potencia de su núcleo en forma de metáfora era devastadora, sino que suponía una total declaración de intenciones a favor de la narrativa fantástica más extrema como comunicadora de primer nivel. Honda, apoyado por la Toho, que se veía deslumbrada por el reciente éxito de otras producciones monstruosas como ‘King Kong’ o ‘El monstruo de tiempos remotos’, creían en un proyecto que, pese a su carácter más freak, tenía capacidad más que suficiente para hablar sin tapujos de una de los problemáticas más serias y preocupantes del momento.