Una casa, una niñera, dos niños y una cinta VHS, que algún tarado ha dejado en la bolsa de caramelos del más pequeño. La mezcla ideal para una noche de 31 de Octubre terrorífica. El siniestro payaso, hilo conductor de las macabras historias que contiene la cinta, será el maestro de ceremonias para una fiesta que no puede acabar bien. Si Halloween es de por sí especial, esta noche nos regalará un “truco o trato” inolvidable, aunque probablemente para mal.

“All Hallows Eve” intenta, desde su precipitado arranque, convertirse en serie b de referencia para exclusivo consumo durante la noche de Halloween. Digamos que aspira a ser la nueva “Truco o Trato”, a sacar un dinerito fácil editándose justo antes de la festividad de Todos los Santos; y lo hace con más descaro que ideas y medios. Todo sobre la base del corto que precedió, en 2011, el debut de Damien Leone dentro del largometraje: este escritor, guionista, editor y especialista en efectos especiales, bastante novel en todas estas lides, ha optado por tirar del formato antología para sintetizar su visión acerca de la Noche de Difuntos.

Obviamente resulta un formato que se adapta como un guante a la variedad monstruosa de disfraces que lucen los niños para pedir su ración de dulce droga. Pero, en esta ocasión, parece que la división capitular venga justificada realmente por la comercial inclusión de un cortometraje que tan buen resultado le dio a Damian hará un par de años.

Robert Morgan es un animador que lleva años pisando fuerte en el panorama del cine de animación independiente. Su pericia con el stop motion y la singular estética de la que dota a sus películas lo han hecho merecedor de ser comparado con vacas sagradas en la materia como Jan Svankmajer o los hermanos Quay. Bobby yeah es su trabajo más reciente. Desde su estreno no ha dejado de cosechar premios en festivales a lo largo y ancho del globo. Con él, su autor se ha ganado el elogio unánime de la prensa especializada. Su último cortometraje es una historia de terror visceral y sin reservas, una pieza coherente y consecuente con la poética que viene componiendo y perfeccionando desde su primer trabajo de sus días de estudiante, titulado Paranoid. Morgan siempre ha mostrado inclinación por las historias descarnadas, visualmente indigestas y, a veces, al borde de la repugnancia. Suelen desarrollarse en espacios claustrofóbicos, bajo una atmósfera opresiva. Sus protagonistas son seres amorfos, freaks deshumanizados y maldecidos con la carga de una fisonomía monstruosa. La iconografía de sus películas se nutre de un grupo compacto de símbolos recurrentes y fácilmente identificables: la oscuridad, la suciedad, la carne, los insectos (en estado larvario o desarrollado), el coito asociado a inciertos y extraños procesos de reproducción o la metamorfosis en un sentido muy próximo a lo kafkiano. Sus películas tienen textura de pesadilla consistente y sólida, capaces de sostenerse a plena luz del sol.

Desde sus comienzos Morgan subraya sus influencias en cada uno de sus trabajos sin el menor disimulo. Monsters y The cat with hands son sus títulos más neutros. El primero es su única incursión hasta la fecha en el cine de imagen real, mientras que el segundo mezcla actores de carne y hueso con stop motion. Este último es un claro ejemplo de terror clásico y sencillo. Le debe su eficacia a la configuración de la atmósfera y a la elaboración del sentimiento de peligro inminente, que remata una impactante imagen final; sin duda, un gran cortometraje. En la otra orilla de su producción se alinean la mencionada Paranoid, The man in the lower left hand corner of the photograph, The separation y Bobby Yeah. Es en ellos donde mejor se aprecia el particular estilo de Morgan que tantos adeptos y seguidores le ha procurado. Viéndolos, es fácil entender de dónde le vienen las comparaciones con Svankmajer o los Quay: un mal entendido surrealismo adjudicado a ambos, un gusto por lo sórdido, lo extraño y a menudo hermético; una querencia por los objetos de morfología alambicada y, por ende, por lo inanimado, ya sea inerte o simplemente muerto; una estética sucia, feísta, a caballo entre lo realista y lo puerco, y una galería de personajes grotescos.

Erase una vez un grupo de irlandeses que emigraron a la tierra de las oportunidades, de nombre U.S.A. Se llevaron consigo un duende para que su poder les proporcionase suerte, oro y alcohol en cantidad. Y vaya si lo hizo, a costa de enfadar al ser hasta el fin de los tiempos. Pero los irlandeses, aparte de borrachos, son muy vivos, así encerraron a la criatura hasta la edad moderna con avanzados medios como herraduras y madera.

La edad moderna, hoy como quien dice: una joven descendiente de esos emigrantes está cazando con su muy tradicional y alcohólico abuelo; la mala fortuna se ceba en su mañana y, de buenas a primeras, contrae la maldición del trébol rojo. Esa misma que le permite sólo cuatro días de vida, siendo la pos adolescencia muy dura actualmente, y además despierta al duende del pueblo para sembrar el terror, justo antes de la festividad de San Patricio.

“No volveré a ver nada del After Dark”, “No volveré a ver nada del After Dark”, “No volveré a ver nada del After Dark”… Si pronuncias esta frase cinco veces delante de un espejo es que eres igual de gilipollas que un servidor. Para aquellos que no sepan qué diablos es eso del After Dark intentaré sintetizarlo como un intento norteamericano de distribuir y difundir cintas de terror independiente. Una intencionalidad que por loable tampoco esconde las deficiencias de los productos que sacan al mercado. Cuando esta especie de festival anual decidió introducirse en el mundo de la producción cinematográfica, aliándose esporádicamente con la infame productora The Asylum, las cosas tampoco mejoraron. Y así, las ocho cintas que compusieron la edición del 2011, llamada After Dark Originals 2011, brillaron por sus defectos antes que por sus virtudes.

El director de la irregular Siege Of The Dead (Rammbock, 2010), Marvin Kren, nos trae en esta ocasión una especie de homenaje, aunque con sello propio, de La Cosa de John Carpenter.

The Station cuenta una historia que recuerda totalmente al mencionado film de Carpenter, con un evidente parecido tanto en el enfoque de la historia, como en las diversas situaciones y las mutaciones que se irán sucediendo a lo largo de la trama. La película, con un presupuesto discreto, en realidad parece un homenaje menor al film de Carpenter; y pese a que probablemente Marvin Kren no rehusó en ningún momento a acercarse lo máximo posible, en todo tipo de aspectos, a una de las obras cumbres del maestro; tampoco perdió de visto hacerlo siempre desde una perspectiva y una identidad propias. Y lo cierto es que, a mi parecer, lo consigue. Más que eso, The Station incluso se acerca peligrosamente a acariciar el portento que diseñó el gran John Carpenter hace ya más de treinta años. Y es que si nos situamos en el ámbito de los muchísimos títulos deudores de La Cosa a lo largo de las tres últimas décadas, sin duda The Station se encuentra entre los mejores. La película de Kren es una delicia en todos los aspectos. Realmente me ha parecido de lo mejor que he visto este año… y con diferencia. Yo que soy un apasionado de este tipo de películas con mutaciones monstruosas y supervivencia extrema, he quedado absolutamente prendado y enamorado de The Station. Voy a intentar explicaros porqué me ha gustado tanto.

Realmente me cuesta descubrir puntos débiles en la película. Son tan menores las carencias de The Station que apenas debería ni tan solo mencionarlas. El guion, por supuesto, ni resulta original en su globalidad, ni tampoco pretende serlo; pero en última instancia sabe darle un enfoque diferente a la historia y no contar exactamente lo mismo que ya tuvimos la oportunidad de disfrutar en La Cosa. Ahora se trata de un componente orgánico que contamina el agua de toda la zona donde tiene lugar la acción. Dicho componente se convierte en un virus que al ser bebido por un animal y este, a su vez, devorado por otro animal cazador de distinta especie; puede transmutar entre los dos cuerpos y llevar a cabo una metamorfosis juntando ambos y creando una criatura híbrida, llegando inclusive a poder unir tres o más especies. Esta explicación, a groso modo, sería la que yo os ofrezco; pero en realidad todo está muy bien explicado en la película, hasta el punto de que no vais a querer dudar, ni por un instante, si todo es más o menos creíble, posible o viable.