Un joven escritor traumatizado por la muerte de su esposa e hijo describe sus experiencias perturbadoras a un psiquiatra, mientras que un misterioso hombre que se esconde bajo un paraguas le obliga a terminar dolorosamente su autobiografía sin importar las consecuencias.

Ganadora del premio al mejor largometraje latinoamericano en la última edición del festival “Nocturna”, “Presagio” (conocida internacionalmente como “Omen”) es un film argentino que está atrayendo bastante atención gracias a la potencia de sus imágenes oníricas, además del perenne sesgo psicológico que, como tan bien corresponde a los hijos de la pampa, inunda sus abundantes diálogos. Planteada como una narración a varios niveles, el lenguaje se convierte en la mejor herramienta para bucear en la psique del personaje principal, desvelando un pasado que, expresado mediante ensoñaciones macabras, será motivo de horror para todos los implicados. Metáfora tras metáfora, Matias Salinas debuta con este viaje a las entrañas de la locura, y lo hace de la mano de un escritor y un psicólogo, haciendo gala de los intereses argentinos. Salinas, perdona la broma, pero sólo te falta un futbolista para terminar con el triunvirato cultural de tu bonita y querida nación.

Descubrí el trabajo de Takashi Miike a principios de siglo, cuando en España, y otros países de habla hispana, se distribuyó con mucha fuerza “Audition”, una cinta de terror psicológico que, denostada y amada a partes iguales, le dio fama mundial a este cineasta prolífico y ecléctico cuya carrera, por desgracia, ya no brilla como antes. Más tarde vendrían puñados y puñados de películas, con una media de cuatro películas por año Miike se erigía como uno de los artistas nipones más pujantes de su industria junto a otros nombres ya conocidos de la talla de Hideo Nakata o Takashi Shimizu, llegando a colaborar en “Izo” con una de las leyendas actuales del cine de género: Takeshi Kitano. Así se sucedían obras que incluso llegaban hasta a las salas comerciales de medio mundo, como hizo “Llamada Perdida”, estoy hablando de títulos del calibre de “Gozu”, “Visitor Q”, “13 Asesinos”, “La Gran Guerra Yokai”, la trilogía “Dead or Alive”, “Zebraman”, “Ichi the killer”, “La felicidad de los Katakuri”, la psicotrópica serie “MPD Psycho” o el polémico capítulo de “Masters of Horror” llamado “Imprint”. Todas ella películas con un sello muy obvio: el divertimento puro y duro, la honesta subversión de los tópicos de determinados géneros y el amor hacia el aficionado. Un claro ejemplo sería la saga “Dead or Alive”, una auténtica gamberrada donde el cine de yakuzas, podríamos decir que el cine negro nipón, adquiere tientes entre cómicos y de ciencia ficción. Un absurdo que se prolongaría hasta “Gozu”, para un servidor una de las obras de Miike más redondas, donde yakuzas y horror se dan la mano en una historia que también pone sobre la mesa los tabús de la identidad sexual y la maternidad.

El padre de Danny, un científico pionero en investigación molecular, ha desaparecido. Ante la sospecha de juego sucio, Danny acude al centro de investigación molecular en secreto. Pronto descubre que hay algo siniestro en esa plataforma, de modo que su vida se convierte en una carrera contra el tiempo para salvarse a sí mismo, a su padre y a todo el planeta ¿Qué se interpone en su camino? Gánsteres, vagabundos tóxicos, policías corruptos, payasos psicópatas, chavos desarrapados, matones callejeros, científicos locos, una ciudad llena de odio y un monstruo afición por la desmembración. Bienvenidos a Haven Port City.

La alargada sombra de la Troma adopta aquí tintes británicos gracias a “The Wrong Floor”, que recaudó parte de su financiación en “Indiego”, pudiendo llegar a completarse de manera reciente. Por si dudáis que la película escrita, dirigida, producida e interpretada por los hermanos Hamill (y no hagáis chistes porque… ¡uno de ellos se llama Marc!) podría pertenecer al catálogo de Lloyd Kaufman veamos cuáles son sus ingredientes: un 20% de vagabundos tóxicos, otro 20% de payasos asesinos, un 10% de científicos chiflados, un 10% de gangsters con acento, un 30% de vengadores callejeros cargados de armas de fuego y un 10% de desfachatez.

Pongan un póster con aire retro; véndanlo como una comedia postmoderna que transgrede las normas de algún subgénero, en este caso el pobrecito slasher; añadan como protagonistas a unos jóvenes atormentados por el siglo XXI, pero bien planos no sea que el espectador se maree; hagan claras referencias nada solapadas a clásicos del cine transgredido, en este caso “Viernes 13” (partes 4 en adelante), “The Burning” o “Sleepaway Camp”; y así ya tienen garantizado un importante premio en el festival de turno. Que además sea el premio al mejor guión tiene guasa – sí, estoy hablando de Sitges -, todo gracias a ese guiñó cómplice propio de pijos niuyorkinos que se inventan el meta-slasher en un giro abominable que atenta contra la ya cuestionable “El Último Gran Héroe”. Luego leo referencias a “Jacuzzi al pasado” o “Tucker & Dale vs. Evil” y me entran ganas de llorar, no se podía mencionar a películas más intrascendentes, no. Esto apostilla la terrible sensación que me embarga desde hace años: el terror está absolutamente banalizado. Peor aún, se ha malinterpretado absolutamente los entresijos, más rancios que frescos, de un cine que va perdiendo la sensación de peligrosidad o divertimento que nos regalaba antaño de cualquier guisa, ya fuese disfrazado de serie Z como “Slime City”, de serie B nostálgica como “Lecturas Diabólicas” o de clásico absoluto como “Halloween”.