En el cine español es muy difícil encontrar títulos que sean realmente innovadores. Películas que no se limiten a seguir una corriente y apuesten por hacer algo nuevo, con un nuevo sabor, asumiendo riesgos, decantándose por técnicas y resultados infrecuentes. Sólo por eso O apostolo merece nuestro aplauso y admiración. Porque pese a su resultado un tanto irregular, este título es un rompehielos en nuestro anquilosado panorama fílmico. Una propuesta que ha llegado a puerto gracias al tesón y la insistencia de Fernando Cortizo, su director, que ha sabido poner el talento y esfuerzo necesarios, y que ha confiado plenamente en sus posibilidades e investigado muchísimo para sacar adelante el primer filme europeo en stop-motion estereoscópico.

La animación española está resurgiendo, y además lo está haciendo apostando no solamente por el tradicional género infantil. Otras propuestas se le han sumado y han captado un gran interés en el extranjero - una pena que en nuestras tierras estos esfuerzos sean vistos con indiferencia en el mejor de los casos e ignorados en su mayoría – . Títulos como Chico y Rita que logró una nominación al Oscar, Arrugas que ha cosechado infinidad de premios fuera de nuestras fronteras, y Las aventuras de Tadeo Jones que ha superado todas las expectativas en cuanto a taquilla y aceptación internacional, han sacudido el polvo de una industria en estado crítico.

El doctor Eddie Jessup (William Hurt) vive obsesionado por la estructura de la mente humana, por descubrir qué se esconde bajo las capas de personalidad y ego que creamos. En sus pesquisas no duda en emplear todo tipo de drogas y técnicas para alcanzar estados alterados de conciencia. Conocer a la que será su esposa, Emily (Blair Brown), y formar una familia, logra paliar en parte sus inquietudes; pero pasados los años decide retomar sus investigaciones con una droga chamánica desconocida. Poco a poco irá viviendo experiencias regresivas más intensas hasta conectar con una naturaleza incontrolable y peligrosa.

A finales de los 70 la novela Altered States era todo un éxito de público y crítica. Su autor, Paddy Chayefsky (con tres oscars como guionista), se basó en las investigaciones psicológicas de la época para llevarla a cabo. Desde el principio tenía muy clara su adaptación a la gran pantalla. La dirección pasó por varias manos, desde Kubrick a Steven Spielberg, pero finalmente fue el británico Ken Russell, que gozaba de gran éxito tras dirigir el musical de los Who, Tommy, el que se hizo con las riendas del proyecto.

Pese a que muchos de sus títulos no llegan a España, o si lo hacen es de tapadillo, la animación francesa es una de las más potentes e innovadoras del mundo. Un cine que además, por lo general, apuesta por un público adulto y por propuestas alejadas de lo que vienen a traernos las factorías americanas como Disney o Pixar. Películas como “Bienvenidos a Belleville”, la infantil “La profecía de las ranas”, “Los cuentos de la noche” de Michel Ocelot, la franco-canadiense “Kaena, la profecía” o “Un gato en París” son un ejemplo (entre cientos) de la diversidad visual y calidad de sus títulos. Acercándose más al manga, aunque con un hilo argumental muchísimo más sencillo de seguir, se presentó en 2011 The prodigies.

No os dejeis llevar por primeras impresiones de las imágenes o por el trailer que acompaña a esta reseña. Bajo la apariencia de film juvenil de mediocre calidad (al comienzo parece una secuencia de las que se intercalan en los videojuegos con el propio motor gráfico) se esconde un film de animación sobresaliente en lo técnico, y soprendentemente violento y adulto en su argumento.

La vida de Tommy cambia radicalmente el día en que presencia, impotente, el ataque a Joanne, su mujer embarazada. Aunque los médicos logran salvar a su bebe, ella fallece semanas después. Las secuelas en Tommy son devastadoras: vive bajo una sensación constante de amenaza, las fobias dominan su vida y está seguro de que tanto él como su hija están siendo asediados por las mismas personas que atacaron a su esposa. En un entorno hostil, suburbial, y desolado, acosado por presencias cada vez más cercanas y letales, Tommy indaga sobre quien o que está rondándole, descubriendo una aterradora comunidad…

Lo primero a remarcar es que Citadel no es una película perfecta, sus carencias en cuanto a presupuesto, calidad técnica, y puesta en escena son claras desde los primeros minutos; pero también lo son sus buenas maneras, y los recursos empleados para paliar todos esto escollos. Un primerizo en largometrajes, el director Ciaran Foy, decide apostar por sus auténticos valores: un guión original, un buen protagonista que borda el papel, y mucha astucia para dar y distribuir miedo.

Es indiscutible que no se puede entender la historia del cine fantástico, y más del europeo, sin la obra de Darío Argento. Títulos como Profundo rojo, Suspiria o El pájaro de las plumas de cristal encumbraron el género “giallo” a lo más alto (policíaco italiano de asesinatos, generalmente cometido por psicópatas, plagado de crímenes escabrosos, y fetichismo en el uso de las armas), y junto a Lucio Fulci y Mario Bava, lograron que el fantástico italiano de los 70 fuese todo un referente en el difícil arte del escalofrío.

El cine de Argento se caracterizaba por su tremenda artificiosidad, por unas secuencias y planos abigarrados, y un “horror vacui” a la hora de filmar, fascinante para algunos (entre los que me incluyo) y pretencioso y aburrido para otros (entre los que a veces también me incluyo). Un estilo intenso, tremendamente visual, que suele ir en detrimento de un guión que generalmente no deja de ser superficial, y que sirve únicamente de excusa para concatenar sus secuencias de pesadilla.