Damos cabida al último trabajo de Eli Roth, más por la trayectoria de este director dentro del género fantástico que por su producto en sí, que es un ramplón policíaco. Como la gran mayoría sabréis este Death wish es el remake de la cinta de mediados de los 70 que protagonizó Charles Bronson y dio lugar a toda una saga en la que, el justiciero, repartía estopa a diestro y siniestro entre los agresores de sus seres queridos. En su momento, el título, fundó o definió un subgénero pulp que podríamos denominar “cine de justicieros” y que no deja de ser una variante, con testosterona, del rape and revenge. En este género de justicieros se suele pasar con suma delicadeza sobre las posibles connotaciones sexuales (si hay abuso suele venir verbalizado por el médico u oficial de turno, ahorrando al espectador el trago de contemplarlo en pantalla) para centrarse en la violencia pura y dura. Una violencia que suele venir justificada por la ineptitud del sistema judicial, la sobresaturación de la policía, el abuso de drogas y el intento de asalto a la clase media-alta norteamericana por parte de los enemigos del sistema, los extranjeros y los desheredados del sueño americano.

Keith y Jessica son dos científicos que trabajan para una vasta e impersonal corporación, su objetivo es investigar el extraño comportamiento de la naturaleza donde se erigió el remoto campamento de un misterioso culto. Trabajan y viven en un entorno de alta tecnología que está completamente en desacuerdo con el campo circundante, allí pasan sus días recopilando evidencias físicas del culto, analizándolas e informando sobre sus hallazgos.

La intensidad del trabajo y el aislamiento extremo acercan a la pareja. Pero cuando Jessica descubre algo de origen desconocido, la dinámica entre ellos cambia: se guardan secretos, surgen tensiones sexuales y se acrecienta la paranoia. Keith comienza a tener visiones y es incapaz de distinguir si son pesadillas o fantasmas de los antiguos moradores de la zona. Habiendo perdido cualquier sentido de lo que es real o imaginario, todo lo que sabe es que el horror que él y Jessica han sido enviados a descubrir (algo que podría ser biológico, psicológico o sobrenatural) ahora amenaza su propia supervivencia.

Una treintañera se muda a un nuevo estado para reconstruir su vida después de algunos eventos de traumáticos relacionados con acoso. Todavía tiene algunas alucinaciones persistentes de inseguridad, por lo que acude a una consejería psicológica, lo que resulta en una breve estancia en una clínica de salud mental para su observación. Pero ese inocente ingreso acabará resucitando el miedo y la inseguridad hasta el punto de no saber si ha perdido la cordura, incapaz de salir de la institución.

Muy buen sabor de boca. Tanto por el resultado visual de la propuesta, arriesgada hasta cierto punto, como por el desarrollo de la trama, perfectamente ejecutada y narrada. Suelo ser crítico con la falta de credibilidad de las películas que me trago, en este caso todo el producto está pensando para arrojar verosimilitud, por mucho que una parte importante de su argumento resulte difícil de asimilar. Dado el realismo con que está rodada, gracias al inteligente uso y colocación de diferentes iPhones, “Unsane” convierte su historia en algo más que probable, tanto en la parte de la violencia de género como en la conspiración creada entre las aseguradoras y el sistema de salud privado estadunidense. Sin embargo permitan que no ahonde en estas cuestiones, un servidor sería responsable de revelar las dos sorpresas que posee el film, las claves para encontrarle la gracia a la obra.

Sin ser yo ni fan ni detractor de la primera parte, es cierto que levanté ceja cuando me enteré de esta secuela, que además no puede llegar más tarde a la fiesta, en general.

Cuando el tráiler salió a la luz ya dejó entrever que el uso del trio era una mera excusa para atraer al público a un survival más corriente que contuviese algo que le sonase mínimamente familiar, ya que el concepto cambia totalmente. Allí donde la original fue el detonante para la nueva oleada de home invasión, y se centraba al cien por cien en explotar esa faceta con toda su normativa, esta segunda parte obvia totalmente la irrupcióndel espacio seguro, para abordar la acción en un lugar desconocido y convertirse en un slasher de nueva ola y bastante de manual, con su olorcillo a revival ochentero incluido.

Tras veinte años encerrado en un psiquiátrico por un crimen con el que se le relacionó injustamente, Tom hereda la enorme mansión de su padre, perpetrador de su propio suicidio cinco días antes de la liberación de nuestro protagonista. Retenido dentro del opulento edificio treinta días por arresto domiciliario, la última prueba antes de obtener la libertad definitiva, Tom lucha contra sus propios demonios a base de una abundante cantidad de pastillas de litio y muchas tragaderas. En especial con la actitud abusiva de su agente de la condicional, una arpía que deja muy claras las ganas que tiene de devolver cualquier basura esquizofrénica a la celda acolchada. Mientras Tom se aclimata los recuerdos infantiles y las visiones de pesadilla amenazan con llevarse por delante su frágil cordura. Peor aún, la visita inesperada de su hermano, en prisión hasta la fecha, hará que la tensión incremente en los largos y vacíos pasillos del caserón. ¿Estará todo en la menta del pobre Tom o la casa esconde algún secreto sobrenatural capaz de dejar catatónico a nuestro asustadizo héroe.

Una carretera perdida, sin casi tráfico. Un grupo de seis amigos que viajan de buen humor. Un francotirador cuyas intenciones nadie conoce ni conocerá. Los ingredientes perfectos para una masacre.

Por fin hemos podido disfrutar de una de las cintas de género más esperadas de esta primera mitad de 2018. El director Ryûhei Kitamura arrastra mucho interés en cada una de sus producciones desde que se estrenase en esto del largometraje con la legendaria “Versus”. Un puñado de proyectos después en su tierra natal –entre los que podemos destcar la la preciosista “Azumi” y la flojita “Ski High”– daba el salto a Estados Unidos para establecerse de manera firme como un director de serie B de calidad, véanse por ejemplo “El Vagón de la Muerte” o “No One Lives”. A este último grupo viene a sumarse “Downrange”, la cual no pretende revolucionar nada si no proporcionar entretenimiento fácilmente digerible a las nuevas generaciones, muy en la línea de “No One Lives” e igualmente estirada artificialmente hasta los noventa minutos. Hablamos de ver y olvidar, cine de consumo que genera mucha buena prensa en el ambiente de jolgorio y diversión que caracteriza a los festivales de género, y así se demostró en el pasado Sitges, pero que enfrentado en la soledad del hogar requiere de algo más que cerveza y estupefacientes para brillar con luz propia a medida que pasan los años. Sin embargo, ¿aspiraba a algo más? Seguro que no.