La joven y ambiciosa agente Leigh es contratada para vender una casa con un turbio pasado y malévola presencia. Durante sus primeros intentos se cruza con una chica perturbada quien cree es la hija fugitiva de la pareja que ha puesto en venta la propiedad. Cuando Leigh trata de intervenir y ayudar a la chica, se ve enredada, así como su hermana artista, con una fuerza sobrenatural y demoniaca que busca un nuevo hogar a cualquier precio.

“At the Devil’s Door”, también conocida como “Home”, prometía darnos unos cuantos sustos y contar de forma inteligente una historia que esperábamos más retorcida según el trabajo anterior, y debut, de su director y guionista: Nicholas McCarthy. Desgraciadamente, el autor de “The Pact”, cinta que cosechó un éxito relativo, suficiente como para tener en ciernes el estreno de su secuela, no se ha mostrado todo lo brillante que algunos pensábamos, dejándonos con un sabor de boca agridulce y cierta decepción, pese a que su nuevo intento dentro del género alberga cualidades positivas, más si cabe hablando de una producción independiente de bajo presupuesto.

Para un servidor, sería su simple guion el que representa el principal problema de “At the Devil’s Door”, a un nivel en el que me resulta imposible realizar comparaciones con otras cintas sin casi desvelaros su final. La historia la tenemos resumida en el tráiler e incluso la sinopsis oficial de la cinta narra tres cuartas partes de la historia. Quizás no sería un problema de peso si la narrativa fuese lo suficientemente espectacular como para hacernos olvidar que no existe materia para desarrollar una historia con un mínimo de complejidad; la verdad no será por falta de ganas por parte de McCarthy, porque ha planteado su cuento de una manera no lineal, con saltos en el tiempo, narrado desde tres perspectivas diferentes que se van entrelazando por la interacción del mal, bastante ramplón habida cuenta de encontrarnos ya metidos en el siglo XXI.

Martin es un “looser” que aspira a convertirse en una gran estrella de rock, pero tras todos los intentos y llevar una vida miserable como pizzero sólo le queda realizar un pacto con el diablo y convertirse en el gran Angel Martin (¡ouh yeah!). Por supuesto las cosas no pueden acabar bien cuando debes matar para conservar tu mansión, fanáticas ninfómanas, poderes demoniacos y capacidad para tocar la guitarra casi literalmente con… el rabo. Así que el drama de un nuevo Fausto está por empezar, esta vez a ritmo de hard rock (¡mueve tu peluca!).

Hace poco recordaba en la reseña de “Slumber Party Massacre II” la participación de Traci Lords, la famosa estrella porno (y si no la conoces, amigo heterosexual, ya te faltan manos para hacerlo), en una película de serie b del tito Corman, lo que me dio pie a revisar otra de sus participaciones en el cine casposo que tanto me gusta. “Hasta la Muerte” (“Shock’em Dead” en su Estados Unidos natal) viene a unirse a la ilustre/infame lista de producciones que mezclan horror y rock and roll (nada de ñoñeces tipo One Direction, que os veo venir): “Muerte a 33 R.P.M.”, “Rock Tropper”, “Al filo del Infierno”, “Black Roses”, “Reverb”, “Lords of Salem”, “Hard Rock Zombies” y, para no olvidarnos de la patria, “Metal Creeps” (Bazofia Films). Pues bien, la película de un desconocido Mark Freed nos sumerge en la historia de un Fausto californiano que vende su alma al diablo, o a una bruja vudú para el caso, con tal de convertirse en una estrella de la guitarra (¿te imaginas despertar en una mansión con jacuzzi y tres pivones a tu lado?). Siendo de principios de los noventa, y con Los Ángeles como telón de fondo, es lógico que el estilo musical a practicar sea el hard rock glam (en la línea de Poison, bastante menos punk que los grandes Guns and Roses). Parece que, ante semejante tesitura, la presencia de Traci Lords fuese casi obligada porque por la época previa a la eclosión del grunge, la diva porno se había convertido en objeto de culto entre la escena hard rock californiana. Famosa es la cuasi relación, truncada por el crack, que mantuvo con el bueno de Slash, uno de los mejores guitarristas de la historia.

De visita a la cabaña que el profesor Waterman ostenta en unas remotas montañas, cuatro jóvenes celebran un picnic que acaba por verse relacionado con un extraño libro, al parecer causante de una brecha entre este mundo y el infierno. Tentáculos, gorilas mutantes, gigantes de color verde que reparten sopapos en lugar de maíz, posesiones demoniacas, símbolos arcanos y el guardabosques del Infierno os esperan detrás del equinoccio.

De nuevo nos adentramos en el mundo de las rarezas cinematográficas desempolvando una de esas obras que con los años ha cosechado el renombre que le fue esquivo el día de su estreno. “Equinox” data de 1967 como cortometraje, aunque su estreno como largometraje se produjese tres años después en decenas de “drive-in”s norteamericanos. Dicho corto fue creado de forma artesana por un grupo de amigos: Dennis Muren, David Allen y Jim Danforth, los cuales recopilando poco más de seis mil dólares quisieron experimentar en el campo de los efectos especiales con la animación, los trucajes y todo lo que se pudiera al alcance. Unos visionarios, sin duda, pues durante las dos décadas siguientes este grupo de artistas ha participado en las áreas técnicas de casi cualquier película fantástica que podáis imaginar: Desde “Furia de Titanes” hasta “Terminator 2”. Los muchachos, guiados por Jim, el único que tenía una firme experiencia a la fecha, consiguieron hasta colocarse en “Industrial Ligh & Magic”, casi nada. En otras cuestiones, como fotografía, guión o dirección fueron alternándose los roles con otros colegas, tomando una relevancia crucial Mark Thomas McGee (malogrado de tal forma tras este prometedor arranque que acabó escribiendo patrañas como “Sorority House Massacre II”), logrando un producto que consiguió atraer, recordemos que “Equinox” era en este punto sólo un cortometraje, la atención de una pequeña compañía dispuesta a completar el metraje hasta obtener un producto distribuible. ¡Corcho, si hasta el distribuidor rodó material adicional!

A Henry le ponen la cara fina por donde quiera que va. Por fin, tras salir de la cárcel alcoholizado, cierra un trato con un tipo extraño que le promete poder para vengarse de sus enemigos. 3, 2, 1… la masacre satánica ha empezado.

Hoy os traigo una de esas películas desconocidas para la gran mayoría de aficionados al terror. Lo primero por tratarse de una producción bastante oscura de principios de los noventa, cuyo lanzamiento directo al mercado de VHS impidió una distribución potente, aunque llegó a ser doblada y editada en España. Lo segundo por ser una cinta bastante mala que no llega a los estándares de lo que un ser humano consideraría medianamente visible. Pero, por supuesto, vuestro amigo Bob es una criatura despreciable que sabe degustar la mierda y le encanta hacer recomendaciones para aquellos que sepan ver más allá de la pedantería actual que rodea al cine de terror. Así que dadme la mano y os llevaré a un basurero lleno de viejas cintas de vídeo quemadas.

Esta vez el invento ha sido fabricado en Canadá, con lo que todo ello conlleva. Siempre me ha resultado simpático el cine de terror que ha llegado desde ese país tan peculiar y aparentemente falto de personalidad. Sin ir más lejos recordad que “Pontypool” salió de las tierras recorridas por el Wendigo. Pero que los años y los kilometros de distancia no nos hagan perder la perspectiva, “Outcast” (no confundir con el bodriete británico de 2010) es tan pobre de argumentos como de presupuesto. Y con el añadido de quedarse un escalón por debajo de lo que le pediríamos a una “caspamovie” genuinamente divertida: el humor involuntario. No obstante consigue emitir una extraña aureola, quizás debido a una apreciable música y sus entornes suburbanos, que nos deja pegados a la pantalla. ¿Será la mezcla de thriller psíquico, cine de venganza, justicieros satánicos, la semilla del anticristo?

El personaje interpretado por Kane Hodder (actor que tiene el honor de haberse puesto en la piel de Jason Voorhees en un mayor número de ocasiones) irrumpe en la consulta de una psicóloga a la que entrega un arma para, acto seguido, confesarle que su verdadera naturaleza es la de un demonio de la decimotercera dimensión del infierno conocido como Asmodeus. El supuesto demonio invita a la facultativa a que le pegue un tiro con la pistola que acaba de entregarle en el caso de que no crea su historia. Son apenas cinco minutos de introducción en los que ya tuve tiempo más que suficiente para sacar un par de tempranas conclusiones. La primera es que me sigue constando trabajo ver al bueno de Hodder sin su mítica máscara de portero de hockey. La segunda conclusión es que Born: El embrión del mal, tenía toda la pinta de un telefilme de esos que invitan a un sueñecito rápido y placentero un sábado por la tarde. Pues bien… una de estas dos conclusiones fue precipitada y errónea.

Mary Elizabeth es una joven virgen con fuertes convicciones religiosas en buena parte impuestas por su estricta hermana. Tras un extraño suceso ocurrido en el cementerio durante el entierro de su madre, Mary Elizabeth despierta al día siguiente estando embarazada. Su padre y su hermana creen que el niño es un enviado del Señor… pero se equivocan. El hijo de Mary Elizabeth es un descendiente de satanás que reclama su dosis diaria de sangre. Mary Elizabeth, poseída por el monstruo que lleva en sus entrañas, dará rienda suelta a su ansias homicidas con el objetivo de completar un ritual que finalice con el devenir del hijo del demonio en la tierra.

Con el paso de los años el director J.T.Petty ha ido consolidando su carrera cinematográfica dedicada, única y exclusivamente, a este género que tanto adoramos; tratándose, a día de hoy, de todo un referente para muchos aficionados. Pero para seros sincero, en mi opinión se trata, ciertamente, de una carrera muy irregular, llena de altibajos, que se debate entre un cine entretenido sin muchas pretensiones y que busca el entretenimiento fácil - muchas veces trivial – ; o por auténticas rarezas experimentales que, por razones que desconozco, siempre acaban creando escuela. Sin embargo no fue hasta que vió la luz su tercera película, S&Man, sin duda su título más provocador e innovador – título que, por cierto, aborrezco, al igual que su debut como director, Soft for Digging, película excesivamente experimental, tal y como mencionó nuestro querido lector Mountain – , cuando el director norteamericano cosechó una multitud de aplausos. De hecho S&Man marcó, no solo la forma de entender el cine de J.T.Petty por el espectador, sino también para él mismo; y por esa razón veremos insertados en mitad de Hellbenders esos fragmentos de documental disertando y justificando con antelación cada paso que da Petty, del mismo modo que ya hizo, y de forma tan original, en la mencionada S&Man.

Con Helbenders, cuyo guión está basada en la obra gráfica homónima escrita por el propio director, Petty repite amalgamas anteriores formuladas en S&Man y que constituyen, de forma abierta, su “marca personal”. Pero desgraciadamente esa “marca personal” termina por dificultar más que por ayudar. Aunque a modo de presentación el recurso de los fragmentos de documental avanzando la acción posterior siga siendo efectivo, finalmente su abuso acaba colapsando las pocas ideas buenas de su desarrollo, lo que hace de Hellbenders 3D una película más previsible, tonta y aburrida de lo que debería. Y es que, directamente, no se debería “spoilear” de ese modo al espectador.