Entre febrero de 1929 y octubre de 1931, Peter Kurten, nacido en la localidad de Mülheim (Alemania), asesinó al menos a ocho personas, adultos y niños, e intentó matar a otras siete. Tras cometer un error imperdonable Kurten se entregaba a la policia sin oposición y confesando todos sus delitos.

No es la primera vez que la figura de Kurten es llevada a la gran pantalla. De hecho, si prestáis un poquito de atención a una de esas aburridas y anquilosadas listas sobre las mejores películas de la historia del cine que corren por internet, es muy probable que agazapada entre Casablanca, Ciudadano Kane y alguna de las obras maestras de Hitchcock, encontréis a todo un clásico que hace referencia directa a Kurten y que dirigió el alemán Fritz Lang en 1931. Obviamente me estoy refiriendo a M, El vampiro de Düsseldorf. Ahora Kurten regresa a la escena del crimen con Normal: The Dusseldorf Ripper una coproducción checa e inglesa, escrita y dirigida por Julius Sevcík, y basada en la obra de teatro homónima de Anthony Neilson.

Justus Wehner es un joven y ambicioso abogado cuyo primer caso importante es la defensa del asesino en serie Peter Kurten. Wehner está seguro de que Kurten sufre graves trastornos mentales y para probarlo deberá sumergirse en el pasado del asesino, en sus motivaciones y su psique. Pero Marie, la esposa de Kurten, comienza a manipular al letrado hasta hacerlo partícipe de su último crimen. Ahora Wehner no sólo deberá luchar para ganar un juicio complicado, sino también para salvar su alma.

Una mañana como cualquier otra, Brad Landers es despertado con brusquedad y arrebatado de su hogar ante la atenta mirada de sus afligidos padres. Sus peores temores son confirmados cuando comprende que le espera un largo periplo de sufrimiento y humillación, encerrado en un centro de ayuda para jóvenes con problemas de conducta no reglado gubernamentalmente.

Coldwater, debut del polifacético guionista, director y escritor Vincent Grashaw en el ámbito del largometraje, no es una simple historia de traumas juveniles ambientada en un reformatorio, sino una denuncia en toda regla contra el abuso y maltrato de menores en este tipo de correccionales ilegales para adolescentes, pues la historia relatada con todo lujo de detalles a lo largo del film bien podría tratarse de un hecho real más que de un guión ficticio escrito por el propio Grashaw. Han sido ya varias las instituciones que, a nivel internacional, se han enfrentado a denuncias por la aplicación de este tipo de “tratamientos de choque”, condenas a trabajos forzosos y aplicación de castigo físico que, en más de una ocasión, se han cobrado la vida de algunos de estos jóvenes problemáticos. Tal ha sido, por ejemplo, el caso de varios centros de rehabilitación psiquiátrica para jóvenes en Perú, de los cuales se ha desentendido el ministerio de salud a tenor de las denuncias de abusos, trabajos forzados e incluso muertes causadas a base de palizas que, de forma constante, eran recibidas de parte de las familias de algunos de los internos. El caso de Perú, con ya cerca de cuarenta años a sus espaldas, ha sido, precisamente, uno de los más conocidos y comentados debido al impacto provocado en la sociedad actual. En palabras de María Edith Baca, consultora de la OPS (Organización panamericana de salud), “la falta de desarrollo neurológico implica que los adolescentes no sean aún capaces de planificar su vida, ejercer un pleno razonamiento ni tampoco funciones ejecutivas. Por eso, el juicio de un adolescente es menos maduro que el de un adulto”, es por ello que la consultora afirma que se requiere reconocer el factor neurobiológico que caracteriza este etapa del desarrollo humano y que la práctica de actividades deportivas, recreativas o artísticas son vínculos para que los adolescentes logren desarrollar comportamientos positivos. Igualmente, destaca que la táctica de “mano dura” no ayuda a estos adolescentes problemáticos sino que, por el contrario, promueve entre ellos el uso descarnado de un comportamiento denodadamente violento y mezquino.

A la espera de una cita a ciegas en un parque de Tel Aviv, un programador informático llamado Jonathan Goldberg se encuentra con un misterioso hombre que siente una extraña inclinación por la poesía obscena. El hombre en cuestión atiende al nombre de Eisenberg. Inmediatamente después de su encuentro inicial, Eisenberg entra a formar parte de la vida de Goldberg… sin el consentimiento de éste último. Le sigue al cine. Aparece en su casa. Se enfrenta junto a él a una banda de matones, que incluye a un tipo que debe ser el único nazi en Tel Aviv. La situación con el tiempo llega a un punto de ebullición, lo que obliga a Goldberg a tomar medidas extremas.

“La respuesta israelí a los hermanos Cohen”. Vale… quizás estén exagerando. Al fin y al cabo no es más que una frase promocional. Pero en esta ocasión debo reconocer que a medida que iba viendo el tráiler de Goldberg & Eisenberg a mí también me venía a la mente el cine de los Cohen. Pero las comparaciones no acaban ahí. También se menciona que Goldberg & Eisenberg tiene algo de Polanski, de Park Chan-Wook, o incluso de David Lynch. Casi nada. Sea como sea el argumento de esta comedia negra (“negrísima”, según afirman las primeras críticas) me resulta muy atractivo. Una especie de Misery en el que un freak que recita poemas obscenos se obsesiona, peligrosamente, de una programador informático. Escrita y dirigida por el israelí Oren Carmi, Goldberg & Eisenberg parece ser una de esas películas capaces de arrancarte una sonrisa bajo situaciones realmente complicadas y violentas.

Ulises se hizo atar de pies y manos al palo mayor de su embarcación y se dispuso a escuchar el canto de las sirenas. Aquel canto que había llevado al desastre a cientos de naves tripuladas por fornidos hombres, guerreros en su gran mayoría, incapaces de resistirse a la majestuosa voz de aquellas hermosas mujeres con cola de pez. Escuchar su canto divino tenía un precio: la muerte.

La joven Leigh tiene un poder… o quizás sería más exacto hablar de una maldición. Durante su adolescencia descubrió que su cuerpo exhalaba un olor que nublaba los sentidos de todas aquellas personas que permanecieran a su lado. Los hombres la veían como la culminación de todos sus deseos. La mujer perfecta. Un objeto que todos, sin excepción, desean poseer a cualquier precio. Las mujeres la ven como una constante amenaza y acaban odiándola. Lejos de aprovechar ese poder o maldición en su favor, Leigh vive recluida y aislada del mundo, en una gran mansión rodeada de flores y plantas que disimulan su olor corporal. Un día aparece un hombre en los alrededores de la mansión. Un excombatiente en busca de trabajo. La primera reacción de Leigh es huir, esconderse. Pero pronto se dará cuenta de que aquel hombre es especial… parece inmune a su poder, a su olor. ¿Podrá la sirena por fin enamorarse?

Curioso debut en la dirección del norteamericano Jesse Peyronel. A Siren quizás podríamos adjudicarle la etiqueta de película romántica con un toque sobrenatural y unas gotitas de thriller en su tramo final. Pero de esta miscelánea de géneros parece evidente que el que despierta un mayor interés en Peyronel es el romántico. Estamos en Almas Oscuras, y por lo tanto el contexto supongo que me obliga a poneros sobre aviso: Siren no pretende engañar a nadie, de manera que si no os apetece vivir una historia de amor y pasión en la piel de dos personajes que luchan por esquivar su destino, sencillamente dedicad vuestro tiempo a algo más productivo que leer esta reseña.

Un equipo de grabación está realizando un reportaje sobre Frederich Raynard, un criminal de guerra nazi experto en ocultismo que pudo acabar sus días en un pueblo del norte de España. Lo que debería ser un trabajo rutinario pronto se convertirá en una oscura aventura que cambiará sus vidas para siempre.

Con el diario de Raynard en su poder y perseguidos por una organización clandestina, los integrantes del equipo de grabación buscarán la ayuda de Macías, un profesor de parapsicología. Junto a él no tardan en averiguar que sus vidas corren peligro y que la única manera de salvarse es realizar uno de los rituales del diario de Raynard. El ritual que causó su propia muerte años atrás.

Este es el argumento de El círculo de Raynard, película española independiente dirigida por María Valle y Manuel Valle. Ambos nos comentan que El círculo de Raynard es un largometraje que se mueve entre distintos géneros cinematográficos, pero en el que priman el suspense y lo fantástico con pequeñas pinceladas de terror. Realizada sin ningún tipo de subvención y de manera totalmente independiente y low cost, tiene como referentes películas tan distintas como “Regreso al futuro” o “Posesión Infernal” y un claro gusto por el cine de los setenta y ochenta. El próximo jueves 28 de noviembre tendrá lugar el preestreno de la película en la Sala Artístic Metropol, tras el cual permanecerá en cartel del 29 de noviembre al 1 de diciembre. Os dejo con algunas imágenes y el tráiler de El círculo de Raynard.

Vaya por delante que nunca he tenido la oportunidad de ver Somos lo que hay, la película del mexicano Michel Grau en la que se ha basado Jim Mickle para llevar a cabo We are what we are. Supongo que no haber visto la película original me proporciona un par de situaciones ventajosas; la primera es llegar totalmente virgen a la película de Mickle. Apenas conocía algún detalle muy superficial de la historia que cuenta Somos lo que hay, y por lo tanto afrontaba We are what we are con la mochila de los prejuicios completamente vacía y con la capacidad de sorpresa totalmente intacta. La segunda ventaja quizás os importe todavía menos que la anterior: el hecho de no haber visto la película mexicana me evita tener que establecer odiosas y cansinas comparaciones entre el remake y el original, proceso que habitualmente me resulta aburrido y agotador.

La familia Parker vive momentos difíciles. El padre y sus tres hijos, soportan el dolor de la reciente desaparición de su esposa y madre, en trágicas circunstancias. Pero el dolor convive con la necesidad de la familia Parker de mantener vivas sus tradiciones y, sobre todo, su particular modo de vida. Las reiteradas desapariciones de personas en los últimos años y la oposición creciente de las dos hijas mayores, ponen en peligro el oscuro secreto que ha sido el pilar de la familia Parker durante varias generaciones.

Esta es una de esas ocasiones en las que tengo prisa por decir las cosas. Con We are what we are, Jim Mickle desciende a los infiernos del American Gothic con un espectacular drama que se sustenta en los lazos familiares, el tránsito a la madurez, la fuerza de las tradiciones, el fervor religioso y la necesidad de desafiar a la autoridad y al orden establecido.