“Mi nombre es Allen… y esto es lo que hago”. Allen trabaja de lavaplatos en un restaurante de mala muerte. Está enamorado de una de las camareras, pero es incapaz de confesarle sus sentimientos hacia ella. Tras una dura jornada de trabajo regresa a casa, se tira en el sofá y construye unas extrañas figuras cúbicas con cualquier material que tenga a su alcance. Pero hay algo más… Allen también es un asesino. Además de un necrófilo y un caníbal. Sale a la calle y mata. Sin seguir un patrón concreto. Sin metodología alguna. Sencillamente siente la necesidad de hacerlo, y lo hace.

Un pervertido, romántico y empedernido asesino, Allen Dean, comienza un viaje de 7 días para buscar a su verdadero amor. Él se debate entre Denise la camarera, a la que cree amar, y su primer amor verdadero, el asesinato.

Sorprendente debut en la dirección del norteamericano Jason Koch, un tipo con mucha experiencia en el campo de los efectos especiales (es la cabeza visible de Aftermath Effects Studio), donde ha dejado su impronta en películas como V/H/S 2 o la tromática Return to Nuke ‘Em High. En 7th Day acomete el día a día de un asesino perturbado llamado Allen que relata sus propias experiencias y sensaciones ante un micrófono sujeto por una especie de periodista imaginario cuya principal característica es que carece de rostro. Una alucinación que Allen experimenta constantemente y que probablemente utilice como medio para justificar, en cierto modo, sus atroces acciones. De esta manera la voz en off de Allen nos ofrece detalles de su infancia, marcada por la relación incestuosa de su madre y su hermano, por el destino fatal de su padre, y por una educación ultrareligiosa acompañada de una fuerte represión sexual. Son toda una serie de acontecimientos que Allen relata, en ocasiones, con cierto sentido del humor (muy negro) y que en última instancia utiliza como escudo para protegerse del monstruo en el que él mismo se ha convertido. Allen se autoengaña. Crea a su alrededor un universario imaginario en el que se siente cómodo y en el que pueden encajar todas las salvajadas que comete sin miedo a ser destrozado por el sentimiento de culpa.

Jack disfruta de una buena – aunque algo maloliente – vida. Tiene una bella esposa y una hermosa casa situada en una ciudad encantadora, y si mantener esta vida significa que de vez en cuando esté recubierto de mugre, Jack lo acepta sin problemas. Jack es un fontanero. Uno de los buenos. Así que cuando su pueblo se ve golpeado por una crisis de agua contaminada, es a Jack a quien recurre para que encuentre y resuelva el problema, mientras que los residentes son evacuados a pastos más limpios.

Pero las cosas no salen según lo planeado. Jack se encuentra la fuente del problema en un profundo tanque olvidado de aguas residuales; pero no está solo en la planta. Sus habitantes hostiles logran atraparle dentro del tanque fétido, sin comida ni agua potable. Y así comienza una larga y repulsiva transformación. Puede que fuera Jack cuando entró en el tanque, pero que va a convertirse en El Hombre Séptico (Septic Man) antes de abandonarlo.

Septic Man. Un superhéroe con nombre de fosa séptica. Un hijo bastardo del gran Vengador Tóxico (de hecho hay quien la ha definido como una mezcla de La Mosca de Cronemberg y Toxic Avenger). Un tipo normal y corriente que resurge de la mierda y la mugre para convertirse en el salvador de la ciudad y hacer frente a una retahíla de estrafalarios villanos. Supongo que la cosa no pasaría de simple broma con mayor o menor gracia sino fuero por un par de nombres: el de su director, Jesse T. Cook, responsable de la entretenida Monster Brawl; y sobre todo el de Tony Burgess, autor de la novela y el guión de la imprescindible Pontypool. De hecho en un momento del trailer de Septic Man incluso podemos ver fugazmente el rostro del actor Stephen McHattie, quien interpretara al inolvidable locutor de radio Grant Mazzy en la mencionada Pontypool.

Un par de cosas me quedaron claras cuando tuve la oportunidad ver Ocho, debut en la dirección del joven director Xavier Miralles. La primera es que a Xavier y a su joven equipo de Totem Producciones, que afrontaron la producción de Ocho con más osadía e ilusión que medios, todavía les quedaba mucho camino por recorrer y un amplio margen de mejora. La segunda es que Xavier, guionista también de Ocho, no tuvo ningún problema en asumir riesgos y contar una historia de superación y de tránsito a la madurez que sobrepasaba los habituales límites de un subgénero que acostumbra a ser muy rígido e inerte en sus planteamientos: el slasher. Ahora acabo de ver El árbol sin sombra, nueva producción independiente de Totem Producciones, y de nuevo vuelvo a tener un par de cosas claras: el margen de mejora se ha reducido considerablemente (aunque todavía existe… siempre existirá) y Xavier Mirales vuelve a arriesgar con un survival que tiene su mejor baza en unos jóvenes protagonistas cuyas vidas, cuyos anhelos, cuyos sentimientos marcarán su destino final.

Ingrid está a punto de cambiar de ciudad para ir a la universidad y Tina, su mejor amiga, teme que este cambio pueda separarlas. Junto con sus amigos acampan en un bosque para compartir los últimos momentos antes de que sus vidas cambien con la llegada de los nuevos estudios. No les hace falta nada más que su propia compañía para estar bien, pero en medio de la tranquilidad del bosque se encontrarán con otro grupo de personas dispuestas a demostrarles que ese vínculo no es tan fuerte como ellos creen.

Los primeros compases de El árbol sin sombra puede que apunten a survivals cercanos - por poner un ejemplo – a Eden Lake… Un idílico lago, un grupo de preuniversitarios plantando sus tiendas de campaña y dispuestos a pasar un inolvidable fin de semana, y tres desconocidos contemplándolos desde la orilla opuesta. Pero rápidamente el guión de Miralles y Cati Moyà se esfuerza por ofrecernos detalles acerca de la personalidad de cada uno de los jóvenes protagonistas. Todos ellos están en un momento decisivo de sus vidas. Nuevos estudios, nuevas responsabilidades, nuevas ciudades y quizás nuevos amigos. Algunos afrontan este paso a la madurez con ilusión y determinación, mientras que otros se sienten inseguros y temen ser rechazados y quedarse solos.

Hay películas buenas y películas malas. Hay películas entretenidas y otras aburridas. Hay películas con buen guión y otras que no parecen tener. También hay películas y experiencias. Gravity es una experiencia.

La verdadera razón de ser del cine

“La narrativa es muy sencilla, lo que a mi me importa es que tú sientas que eres ese astronauta perdido en el espacio”

Estas palabras salieron de la boca del director Alfonso Cuarón durante el Festival de Cine de Venecia. Allí, en tan reputado y muchas veces exigente panorama, Gravity no solo salió airosa, sino vitoreada. Eran los primeros síntomas de que el cineasta mexicano no engañaba a nadie con su experimento: numerosas críticas se hicieron eco del espectáculo visual de primera mano que ofrecía, de la sensación de profundidad e intensidad de un 3D que, por fin, servía para algo más que sacar cuartos, y también de que el guión y los personajes quedaban en un plano secundario. Así que, no se engañen, esta película no pretende sentar las bases de la narrativa cinematográfica, pero sí de la tecnología y lo que es seguramente el aspecto más puramente cinematográfico: hacer que el espectador pueda vivir una experiencia difícil o imposible de disfrutar/sufrir en su rutinario día a día.

Gravity no deja que te lo pienses. Nada más comenzar, te mete en faena. Y lo hace con un espectacular plano secuencia de 17 minutos que te deja sin aliento. De la calma a la angustia en unos pocos minutos, nos sitúa en la inmensidad del espacio en una situación limite. Nunca fue más cierta la famosa frase promocional de Alien, el octavo pasajero (1979) “En el espacio nadie puede oír tus gritos”. Desde los primeros compases entramos de lleno en una pesadilla que, al mismo tiempo, resulta poética. Algo parecido a lo que en su día logró Stanley Kubrick con su 2001: Odisea en el espacio (1968) desde el punto de vista del tratamiento visual y sonoro, que no argumental y filosófico.

El cine más pequeño, ese que apenas cuenta con presupuesto, donde unos pocos técnicos se ocupan de hacer todo, y donde no se tienen los actores que se necesitan sino los actores que se han prestado a trabajar contigo… ese cine es complicado de reseñar. Y es difícil porque sus virtudes, de haber alguna, suelen quedar enterradas bajo gran cantidad de imperfecciones. Pero es en estos minúsculos filmes donde se forjan los futuros cineastas y donde, los que disfrutamos del cine, encontramos piedras preciosas sin pulir. Hemorrhage es una de estas películas. Desgraciadamente, éste que os escribe, no ha llegado a decidir si en esta producción hay un cineasta escondido o sus pocos aciertos son fruto de la casualidad… Como podéis imaginaros no es un título fácil ni de recomendar ni de comentar, pues su resultado es tan fallido como tedioso es su desarrollo… aunque también hay destellos aquí y allá.

Oliver (Alex D. Mackie ), ha pasado varios años encerrado en una institución siquiátrica tras sufrir, en su juventud, un brote extremadamente violento. Ahora la junta médica ha decidido que está preparado para comenzar una vida nueva fuera de los muros del centro. Pero Oliver no está curado. Su salto sin red en la vida real y su intento por conocer a una enfermera de su trabajo, Claire (Brittney Grabill), va a reabrir su fisura mental con funestas consecuencias. Fuera de control, terminará por secuestrar a su compañera y emprender un viaje sin un rumbo fijo… pues es imposible escapar cuando el peligro está en uno mismo.

Proxy viene a significar “intermediario” o “mediador”; algo que suele ser anónimo y ayuda a contactar a dos elementos o personas. Y eso es precisamente lo que buscan con desesperación y violencia los personajes de esta cinta: las conexiones ocultas que han generado un acontecimiento o las que unen a dos personas. Un juego del gato y el ratón donde todos son agresores y también son todos víctimas, y donde el espectador queda a merced de una trama absorbente e inesperada.

Poco tiempo antes de dar a luz Esther Woodhouse (Alexia Rasmussen), madre soltera, sufre una brutal agresión de un asaltante encapuchado que hace que pierda su bebé. Siguiendo la sugerencia de una asistente social, pasado el tiempo acude a un grupo de terapia para mujeres que han perdido a sus hijos en circunstancias violentas. Allí conocerá a Melanie Michaels (Alexa Havins) que, atormentada por la pérdida de su familia, se postula como una nueva amiga. Pero ni ellas, ni su entorno, son lo que aparentan en un principio…

Porxy llega casi dos años después de que su director, Zack Parker, nos sorprendiese con Scalene: un drama con muchos tintes de buen thriller, contado a tres bandas, totalmente recomendable. En él ya nos demostraba su gusto por las maneras del cine clásico de Hitchcock y sus discípulos, que aderezaba con una banda sonora a lo Bernard Hermann, planificaciones de escenas minuciosas y querencia por los personajes femeninos. La película que hoy nos ocupa continua esta senda pero tomando muchos más riesgos. Aunque no me queda duda de que el resultado, en términos de calidad, es algo menor a su título previo, para los amantes del suspense y el terror, estamos ante una cinta totalmente recomendable que tiene ingredientes y maneras para llegar a ser de culto.