Almas Oscuras. Cine de terror, slasher, gore, serie B, etcétera

A estas alturas todos los que somos aficionados al cine de terror sabemos (o al menos intuimos) de la dificultad que supone encontrar inéditos e inexplorados caminos dentro del género. Solemos tener esa desapacible sensación de que todo está ya inventado y de que estamos condenados a deambular, una y otra vez, por terrenos conocidos.

Esa es también la razón por la que, con la misma premura con la que podemos deprimirnos -en ciertas ocasiones- al plantearnos el estado actual del género (remakes, secuelas, repetición de fórmulas…), solemos entusiasmarnos ante cualquier propuesta que implique una mínima promesa, por liviana que esta sea, de originalidad o singularidad.
Pero debemos reconocer que este segundo supuesto no es el más habitual. La originalidad, dentro del género, y en términos generales, brilla por su ausencia. Así que en nuestra condición de infatigables fanáticos del género (o aficionados… o lo que quiera que cada uno desee considerarse), no nos queda más remedio que aceptar, aunque sea a regañadientes, que dentro de ese “terreno conocido” también es posible toparnos con propuestas lo suficientemente virtuosas y entretenidas como para dar pos satisfechas nuestras expectativas.

En Timber Falls una joven pareja se dispone a pasar un fin de semana de acampada en mitad de un bosque. Transcurrida la primera noche de acampada, la chica desaparece y su novio emprende la desesperada búsqueda. Ambos caerán finalmente presas de una familia de integristas religiosos que exigen de sus víctimas un tributo.

El argumento de Timber Falls no admite segundas lecturas. Es tan simple como parece. Si a ello le sumamos una secuencia de apertura en la que otra joven (distinta a la anterior) corre, ensangrentada, a través de un bosque para, finalmente, tropezar y caer justo frente a la cámara; nos aseguramos de que el punto fuerte de Timber Falls no es, precisamente, su originalidad.

Así que, partiendo de la premisa de que la falta de originalidad y la utilización masiva de clichés son moneda de cambio asegurada en Timber Falls, la única esperanza que nos queda es confiar en que Tony Giglio, su director, sea lo suficientemente hábil para ofrecernos algo con un mínimo de frescura, con un mínimo de garra, con un mínimo de atrevimiento, con un mínimo de algo, lo que sea, siempre que logre captar nuestra atención y nuestro interés de algún modo, y nos recompense, al menos, con un rato de insano entretenimiento.

Giglio lo intenta. Desea hacernos partícipes de la causa de Timber Falls. Y lo intenta de la forma menos sutil: a través de la violencia. Lo único remarcable en una película cómo Timber Falls son las secuencias de violencia, y no por que sean unas secuencias especialmente afortunadas o que destaquen por su brutalidad, o su estética; en realidad dichas secuencias de violencia sobresalen en Timber Falls por una cuestión de simple descarte. En Timber Falls, todo aquello que no sea violencia gráfica apesta, cansa y aburre.

La interminable sucesión de diálogos que se establecen entre los miembros de la familia de fanáticos religiosos explicando lo que está ocurriendo y la razón de su conducta (lo cual resulta absurdo ya que todo ello lo estamos viendo), provoca que, durante buena parte de su metraje, Timber Falls sea una carga difícil de soportar. Y es una auténtica lástima, ya que temas tan aparentemente graves como la intolerancia, el fanatismo religioso, la intransigencia, el sectarismo… Timber Falls los toca, en ocasiones, con un acertado distanciamiento e incluso con un puntito de sarcasmo e ironía (ver la secuencia de la boda). Sin embargo, ese exceso de verborrea apuntado entre los miembros de la familia acaba echando a perder lo que podría haber sido una excelente aproximación a todo este tipo de cuestiones (siempre sin perder de vista de que nos enfrentamos a una película de género sin demasiadas pretensiones).

Tampoco la descripción de los personajes ayuda a que Timber Falls remonte el vuelo.
La presencia del brazo ejecutor de los fanáticos religiosos es un auténtico desastre. Un deforme y retrasado psicópata armado con una especie de guadaña de mano, víctima de la represión sexual en la que vive sumergido, y carente de la menor personalidad o carisma. Su sola presencia en lugar de sumar, resta.

Y, por favor, por favor, por favor, no más escenas finales como la de Timber Falls. Uno acaba sintiendo vergüenza ajena ante este tipo de escenas. No son necesarias. No aportan nada, y caen en el ridículo más espantoso. Basta.

En definitiva, Timber Falls es una película que ya conocemos, que ya hemos visto antes. Una galería de tópicos y clichés que nos remite a títulos tales como Km666 (Wrong Turn), Las Colinas tienen Ojos, La Matanza de Texas, y un larguísimo etcétera…
Acepto la falta de originalidad si el producto final es válido y entretenido, pero desgraciadamente no es este el caso de Timber Falls, una película mediocre a medio camino entre el survival y el torture porn (sic- cada vez me cuesta más trabajo pronunciar estas palabras) que se pierde entre una marea de diálogos innecesarios, personajes estereotipados y mal trazados, y que sobrevive únicamente gracias a sus secuencias de violencia. Insuficiente.

Lo mejor: la violencia gráfica.

Lo peor: exceso de diálogos y una escena final penosa

Por lo visto, los británicos Simon Boyes y Adam Mason tuvieron serios problemas a la hora de encontrar financiación para Broken.
Los anteriores trabajos de Adam Mason (The 13th Sign y Dust) habían pasado prácticamente desapercibidos, por lo que encontrar el apoyo para su nueva propuesta terrorífica no iba a ser una tarea fácil.

Finalmente Boyes y Mason decidieron que la única solución a su problema pasaba por financiarse ellos mismo el proyecto con los pocos medios que tenían a su alcance. Una decisión que, a la postre, tendría una influencia decisiva (y afortunada) en el concepto mismo de lo que iba a ser Broken.

El título inicialmente previsto por Boyes y Mason para su película era The Heart Eater, y su argumento abandonaba a un nutrido grupo de jovenzuelos en mitad de un bosque para ser convenientemente masacrados. Sin embargo, las restricciones presupuestarias provocaron la decisión de sus creadores de simplificar al máximo las cosas. El nutrido grupo de joven carnaza se convirtió en una única y sufrida protagonista de mediana edad enfrentada a su secuestrador. El resultado de todas estas vicisitudes fue rebautizado con el nombre de Broken.

Hope es una madre soltera que intenta rehacer su vida. Tras una agradable cita con un semidesconocido, llega a casa justo a tiempo para dar las buenas noches a su hija Jennifer, de seis años. A la mañana siguiente despierta en el interior de un arcón de madera. Tras sobrevivir a una cruenta prueba de iniciación deberá aprender a convivir con su secuestrador, quien la mantiene retenida en mitad de un bosque.

Esa secuencia citada en el argumento como “una cruenta prueba de iniciación” supone uno de los principales escollos a los que deberá hacer frente Broken. No porque se trate de una mala secuencia… todo lo contrario. Es una magnífica secuencia que aparece prácticamente al inicio de la película, que está rodada de forma espléndida, y que resulta cruel, sádica y un auténtico mazazo para el espectador. Sin embargo también es una secuencia que puede inducir a una idea equivocada sobre lo que Broken nos tiene reservado. Broken no es un sucedáneo de Saw. Ni tampoco es Hostel, ni nada que se la parezca (por más que la comentada secuencia de inicio esté a la altura, en términos de crueldad explícita, de los citados títulos).

Broken es una película de personajes. Todo su argumento gira en torno a la relación entre una víctima cautiva y su secuestrador. Tras un intenso comienzo, capaz de ponerte el corazón en la boca, Broken recupera su ritmo natural, pausado y contemplativo, para establecer los sólidos cimientos que definirán una relación en la que cada uno de los involucrados irá evolucionando según sus propias necesidades, de supervivencia por un lado (el lado de la víctima) y de ratificación de la supremacía por el otro (el lado del secuestrador).

La batalla, sin cuartel tanto a nivel físico como emocional, está servida. Hope, la víctima, deberá superar el pánico y el dolor iniciales para así ser capaz de encontrar las armas (psíquicas) con las que hacer frente a su oponente. La necesidad de conocer el destino de su hija le llevará a sacar fuerzas de donde parecía imposible sacarlas.

Por otro lado un secuestrador, del que no sabemos absolutamente nada acerca de sus motivaciones (algo que, muy probablemente, supondrá un grave problema para buena parte de los espectadores), y que deberá actuar siempre con la convicción y dureza necesarias para mantenerse fuerte en su despótica posición dominante. No le resultará fácil. Los días van pasando y la relación entre ambos se va consolidando al tiempo que la cuerda se tensa, hasta el punto de que el secuestrador acabará mostrando sus debilidades y su cansancio… su humanidad, al fin y al cabo.

El trabajo de Boyes y Mason tras las cámaras es soberbio. Una magnífica fotografía, la excelente recreación de un ambiente malsano, la música, los calculados, efectivos y dolorosos estallidos de violencia…; toda una labor que, unida al impresionante trabajo de los dos actores protagonistas, viene a confirmar que Broken es una película poco menos que imprescindible.

Pero a pesar de ello Broken no es una película fácil. Requiere del esfuerzo y la complicidad del espectador. Hay detalles importantes susceptibles de provocar su rechazo. Su ritmo lento (pero necesario), un secuestrador del que desconocemos cualquier razón que le impulse a actuar como lo hace, la insistencia de la protagonista por desaprovechar cualquier ocasión que se le presenta de acabar con su opresor (un servidor ve dicha actitud plenamente justificada en el hecho de que el secuestrador pueda ser la única persona que conozca el paradero de su hija), un tercer personaje en discordia que no aporta demasiado a la trama y un típico final que tanto tiene de impactante cómo de tramposo y sensacionalista.

Recomiendo efusivamente Broken en el supuesto de que todavía no la hayáis visto (… ya me pediréis cuentas más tarde). Pero tened en cuenta, pese a lo que podáis leer por ahí o lo que os puedan sugerir los primeros quince minutos de la película, que no estamos ante un producto derivativo de Saw.
Broken no es torture-porn, ni su principal punto de interés reside en las secuencias de violencia (que también las hay). Broken es la crónica de una terrible y decarnada confrontación, a nivel físico y psíquico, entre desiguales. Un duelo intenso (por momentos brutal), en el que vuelve a ponerse de manifiesto uno de esos temas universales que a algunos tanto nos apasiona: le irracional ferocidad que puede llegar a alcanzar el ser humano.

Atención: la calidad de imagen del trailer es pésima, pero no he encontrado nada mejor.

Lo mejor: La historia, los actores, los estallidos de violencia...

Lo peor: Que se la pueda tomar por lo que no es.

A medida que se consumían los minutos de The Last Resort empecé a tener la sensación de encontrarme ante un auténtico manual sobre cómo hacer las cosas de la peor forma posible.

Cuatro hermosas chicas acuden a un complejo hotelero en México para celebrar la despedida de soltero de una de ellas. La noche transcurre entre cantidades importantes de alcohol y flirteos inocentes con el personal masculino hospedado en el hotel.

Una de las chicas (America Olivo) conoce a un turista norteamericano y se encierran en la habitación del hotel para pasar una noche de sexo salvaje y lujurioso (pero que nadie se anime más de la cuenta… lo de “sexo salvaje y lujurioso” es producto, únicamente, de mi imaginación y mi “admiración” por America Olivo. The Last Resort no muestra nada en este sentido –ni en muchos otros-).

A la mañana siguiente, las tres amigas restantes son asaltadas por unos falsos guías turísticos y abandonadas a su suerte en mitad del desierto. El destino las llevará a un nuevo complejo turístico, anteriormente habitado por una secta que abogaba por la libertad extrema de las pasiones humanas, y que en la actualidad –por desgracia- se encuentra maldito.

¿Qué queréis que os diga? De nuevo supongo que mucho me tacharéis de inocente, de crédulo, o directamente de estúpido por dejarme llevar por el póster de una película que muestra a una atractiva rubia en bikini sujetando un enorme cuchillo (demasiado viejo para caer en la trampa). Quizás de ser demasiado impulsivo a la hora de depositar mis esperanzas en un proyecto que ofrecía, potencialmente, una serie de alicientes y expectativas que, en efecto, nunca se ven cumplidas. O dicho con otras palabras ¿quién no se apuntaba de antemano a una película que, aparentemente (y sólo aparentemente), ofrecía chicas guapas, sexo, escenarios exóticos e importantes dosis de sangre y violencia? Yo he sido fiel a este tipo de premisas durante toda mi vida… y seguiré siéndolo, por más que tropiece, una y otra vez, con películas del calibre de The Last Resort.

Efectivamente The Last Resort tiene chicas guapas (una de ellas, la espectacular America Olivo, a la que pronto veremos en Bitch Slip), tiene sexo (ejem...), la imponente presencia del desierto, y también sangre y violencia. Lamentablemente todo está planteado de una forma tan blanda, tan aséptica, tan desfallecida; que The Last Resort queda condenada, irremediablemente, al fracaso.

Sobre el trabajo de las chicas protagonistas no pienso abrir la boca. Hacen lo que pueden con lo que tienen (que no es mucho) y, al fin y al cabo, su sola presencia fue lo único que me mantuvo despierto a altas horas de la madrugada (maldito calor y maldito insomnio).
En cuanto a los dos jóvenes turistas masculinos que acompañan a America Olivo en su aventura, la cosa es distinta. Sé que estamos ante una película de terror de bajo presupuesto, pero… ¿tan complicado resulta encontrar a un par de actores jóvenes cuya aparición en escena no te haga pensar en improperios, insultos y blasfemias que atenten contra su propia dignidad como personas? Son malos, realmente malos. Aunque tampoco son, ni de lejos, el peor de los problemas de The Last Resort.

The Last Resort es una pésima película. Un guión de pena, diálogos desastrosos (atención a la vieja vidente que habla en castellano –en el original- y a la intervención de uno de los chicos turistas, que traduce sus palabras cómo le da la real gana…), una puesta en escena torpe y sin garra, un nulo contenido sexual (el personaje de America Olivo, tras lo que se adivina una noche entregada al sexo sudoroso y sin pudor, se levanta de la cama de su amante tapada hasta las cejas con una sábana… muy natural), y un tercio final de película, supuestamente el más sangriento, violento y terrorífico, que tan sólo logró arrancarme algún que otro bostezo y el deseo de que la cosa acabara cuanto antes.
Decepción… una más.

Lo mejor: la presencia de America Olivo.

Lo peor: que lo más destacado sea la presencia de America Olivo

Cuatro amigos se disponen a pasar un fin de semana de acampada en las profundidades de un bosque (también son ganas, sabiendo que son los inminentes protagonistas de una película de terror). Uno a uno, los cuatro amigos irán despareciendo bajo extrañas condiciones.

Dead Wood es una película de terror de bajo presupuesto cuyo argumento, tal y como demuestra el anterior párrafo, no ofrece una sola sorpresa al espectador. Por lo tanto, ese triunvirato formado por David Bryant, Richard Stiles y Sebastian Smith, todos ellos guionistas y directores de Dead Wood, se lo juegan todo a una sola carta: lograr que de un guión trillado y sobado hasta provocar cansancio, surja una digna y eficaz película de horror.

La empresa se presenta realmente complicada... pero no imposible. Al fin y al cabo Sam Raimi, con un puñado de dólares en el bolsillo y armado, eso sí, de mucho talento, soltó a algunos de sus mejores amigos en mitad de un bosque para que fueran víctimas de todo tipo de troperías demoníacas (Posesión Infernal, 1982), dando orígen a una de las mejores sagas de horror/comedia/aventura del género.

Algo parecido sucedió en 1999 con El Proyecto de la Bruja de Blair (The Blair Witch Project), cuando Daniel Myrick y Eduardo Sánchez revolucionaron el panorama del cine independiente logrando que su Bruja de Blair (nueva muestra del género "maldiciones" en mitad de un bosque al que un servidor no tiene en gran estima) arrasara en las taquillas de medio mundo.

Y la mención de estas dos películas, ambas con un peso muy específico dentro de la historia del horror reciente, no es una cuestión baladí.
Dead Wood presenta unos recursos muy limitados a la hora de dibujar las diversas situaciones de tensión y horror presentes en su trama.
Apenas un tenebroso bosque recorrido por un rápido travelling (herencia directa de la Posesión Infernal de Raimi), un par de secuencias nocturnas con linternas incontrolables y cámara mareante (herencia directa de El Proyecto de la Bruja de Blair) y alguna que otra aparición fantasmal deudora del yurei japonés (que no se diga que uno no va aplicando los conocimientos que va adquiriendo en este blog).

Se me antojan necesarias cantidades exorbitantes de talento para que tan escaso material se traduzca en una experiencia terrorífica que merezca la pena. No es el caso.

Durante los primeros compases de Dead Wood, en los que los protagonistas se adentran en el bosque y empiezan a descubrir indicios de que algo extraño y amenazante se cierne sobre sus cabezas, la película mantiene cierto interés gracias a unos protagonistas menos cargantes de lo habitual y a unas dosis de suspense bien calculadas. También ayuda la ambientación (el bosque siempre transmite la sensación de ser una amenaza real) y una elaborada banda sonora.

El problema de Dead Wood (como en tantas otras ocasiones) viene dado en cuanto el horror se vuelve explícito. Es entonces cuando entra en juego la cámara mareante, las linternas al vuelo y alguna que otra aparición de lo más predecible. Material escaso y errático que en ningún momento cumple su función básica: la de crear una situación lo suficientemente angustiosa para que el resultado final resulte mínimamente entretenido. No hay apenas acción, ni violencia, ni momentos estremecedores. Los personajes desaparecen en la espesura del bosque, sin más. Sin que sepamos el porqué de dichas despariciones ni, lo más importante, cómo demonios se producen las mismas (a excepción de uno de los protagonistas, cuya muerte nos permite intuir el destino del resto de sus compañeros).

Y para coronar la decepción general que supone este "Bosque muerto", uno de esos finales que vemos repetido por enésima vez y que acaba provocando vergüenza ajena.

Lo mejor: Los primeros compases de la película muestran un aceptable nivel de suspense.

Lo peor: Es predecible y no da nada de miedo.

Falta de ambición no se le puede reprochar al debutante David Gregory.
Probablemente en su ánimo estaba el fabricar un cuento de hadas con hechuras de pesadilla malsana y oscura.

Los elementos utilizados para ello, a simple vista, no parecían nada desacertados. Una maldición que afecta a los recién nacidos de una pequeña y endogámica comunidad, unos adolescentes fantasmagóricos, deformes y juguetones, y un tenebroso bosque cuya atmósfera impregna cada rincón de la que prometía ser una más que interesante muestra de género.

En realidad uno podía llegar a creer, en un alarde de prepotencia sin justificación alguna, que iba a resultar relativamente sencillo agitar dichos ingredientes con un mínimo de talento para acabar logrando una película de terror independiente de cierta envergadura.

Pero la cosa, por lo visto, no iba a resultar tan sencilla. Los resultados que arroja este "Plague Town" nos indican que todavía quedaba mucho camino por recorrer. Y que este estaría repleto de complicaciones.

"Plague Town" nos cuenta la historia de una desestructurada familia norteamericana que decide malgastar junta una apacible jornada en una apartada campiña irlandesa, en la que el padre pasó buena parte de su infancia. La excursión se complica cuando, a causa de los constantes reproches que se lanzan los unos a los otros, acaban despistándose y perdiendo el último autobús que les llevaría de vuelta a la civilización.
¿Qué solución les queda? Pasar la noche en mitad de la nada y, con algo de suerte, encontrar la ayuda de algún lugareño que les de cobijo.

David Gregory dedica los primeros y estériles treinta minutos de "Plague Town" a describir las conflictivas relaciones que se establecen entre los distintos miembros de la familia protagonista (incluido un estúpido novio que la hija mayor ha conocido un par de días atrás en Londres). Y me refiero a ellos como “treinta minutos estériles” no sólo porque estén plagados de diálogos facilones y sin sustancia, sino porque cuando una vez finalizan y el supuesto terror se apodera de la trama, nos damos cuenta de que esos treinta minutos previos no nos han servido de nada. Esas relaciones de conflicto familiar tienen una incidencia nula en los acontecimientos que están por venir, por lo que el espectador acaba con la triste sensación de haber asistido a un sinsentido que no le ha llevado a ningún sitio y que, como mucho, lo único que ha logrado es hacerle perder el tiempo. Si en lugar de la familia desestructurada y problemática que tanto se esfuerza David Gregory en presentarnos, se hubiera tratado del prototipo de familia feliz, la historia que viene a continuación no se hubiera resentido en modo alguno.

Pero pasemos página y miremos hacia delante, con optimismo.
La familia (desestructurada o no… que más da) acaba perdida y abandonada a su suerte en mitad de un lúgubre bosque. La pesadilla parece que está a punto de iniciarse.

El problema es que en ese bosque acaban perdidos no sólo todos los miembros de la familia protagonista, sino que también acaban desorientados el director de la película, el guionista, el creador de efectos, los actores y hasta el iluminador (una cosa es que David Gregory quisiera que Plague Town fuera un cuento de hadas oscuro, y otra muy distinta es que nos viéramos obligados, a causa de esa oscuridad mal entendida, a intuir determinadas escenas… porqué verlas, lo que se dice verlas…).

El desarrollo de la historia es un desastre carente de ritmo y sin continuidad, dónde cada personaje actúa por libre sin aportar un mínimo de sentido común a la hora de tomar sus decisiones.

Los adolescentes deformes a causa de una maldición, el principal argumento terrorífico que esgrime "Plague Town", acaban siendo sombras de risilla histérica corriendo en mitad del bosque que, más que aterrorizar (o ni siquiera inquietar), acaban dando pena y rozando el ridículo más espantoso.

David Gregory se esfuerza por romper el halo de cierto tradicionalismo que respira la historia de "Plague Town" a través de las escenas de violencia. Muertes salvajes y sangrientas, pero rodadas con escasa imaginación y un alto grado de torpeza. No impactan. No sorprenden. No hay una sola muerte original o destacable, por la razón que sea, en "Plague Town". La que se presume la muerte más elaborada y efectista de "Plague Town", una de las primeras en acontecer, dispara a nuestro cerebro un par de misiles con dos nombres muy claros: "Cube" y "Resident Evil". Adiós al factor sorpresa.

Y en cuanto al final, pues muy poco que añadir. Uno llega tan fatigado y derrotado, que le da igual cómo termine el viaje.

"Plague Town" es un cúmulo de despropósitos y oportunidades perdidas. Lo que se presumía una historia interesante y propicia para desplegar unos eficientes mecanismos de horror, acaba siendo una total decepción que sucumbe a la mediocridad y al aburrimiento. Otra vez será.

Lo mejor: Rosemary y la secuencia inicial.

Lo peor: Aburre.

Nueva propuesta del After Dark HorrorFest, y nueva decepción. En esta ocasión "Dying Breed" se adentra en uno de mis subgéneros favoritos, el survival. Es por ello que en esta ocasión quizás he sido menos condescendiente de lo que habitualmente suelo ser.

Directores prometedores como Greg McLean (“Wolf Creek”, “Rogue”), u otros muchos más experimentados como Jamie Blanks (“Storm Warning”), han sido algunos de los encargados de hacernos partícipes, durante los últimos años, de los constantes peligros que se esconden tras la espectacular y variada geografía australiana. Desiertos, volcanes, bosques, marismas… lugares, todos ellos, idóneos para dar cobijo a todo tipo de amenazas, y susceptibles de originar un sólido argumento para recomendables muestras del género survival.

Psicópatas rurales, clanes caníbales, familias de granjeros tarados, o incluso cocodrilos de origen prehistórico; cualquier excusa es válida para ir dando forma a ese particular plan de promoción turística que nos ha ofrecido el reciente cine de terror provinente de las antípodas.

"Dying Breed", dirigida por Jody Dwyer, se inscribe fielmente dentro del género survival. Su prometedora y magnífica secuencia inicial nos sitúa en el contexto histórico de mediados del siglo XIX, época en la que Australia era una colonia penitenciaria. En 1820, Alexander Pierce fue condenado a siete años de prisión por el robo de seis pares de zapatos. Dos años después logró escapar en compañía de siete compañeros del penitenciario. Perdidos entre grandes bosques, barrancos y acantilados, los víveres no tardaron en agotarse. La solución adoptada por el grupo de evadidos fue drástica: devorarse los unos a los otros.

Los más débiles fueron los primeros en caer. Finalmente, tan solo Alexandre Pierce quedó en pie. Meses después fue capturado y trasladado nuevamente al penal del que se escapó. Tras una nueva fuga se dirigió hacia las montañas del norte del país, dónde jamás le encontraron y dónde, por lo visto, afianzó sus hábitos antropófagos, dando vida a la leyenda del Pieman.

Por supuesto "Dying Breed" es mucho más escueta a la hora de hacer referencia al personaje de Pierce, pero al menos dicha secuencia inicial tiene la fuerza suficiente para que un servidor se interesase por ahondar en el origen de su leyenda (ya os puedo adelantar que dicho interés por la historia real de Alexandre Pierce fue, con diferencia, lo mejor recompensa que obtuve de una película como "Dying Breed").

Posteriormente la acción se traslada a un momento cercano a la actualidad. La zoóloga Nina, acompañada de su pareja y de un par de amigos, se trasladan a una zona boscosa del norte en busca de alguna prueba sobre la existencia del extinto tigre de Tasmania y de noticias sobre la desaparición de su hermana. Su llegada a una pequeña población despierta el recelo de los lugareños. Algunos no tardan en advertirles de que lo mejor que pueden hacer es largarse de allí lo antes posible.

Llegados a este punto, y animado quizás por la secuencia inicial que os he comentado, llegué a considerar la posibilidad de que "Dying Breed" acabara siendo una nueva y excelente propuesta de survival australiano. Todos los ingredientes estaban sobre la mesa: un grupito de víctimas propicias a la búsqueda y captura de un animal que se presume extinto (el tema del tigre de Tasmania termina por ser una de las peores excusas argumentales que he visto en mucho tiempo), un poblado de psicópatas endogámicos dispuestos a cualquier cosa por mantener intactas las costumbres alimenticias de sus ancestros, y los espectaculares y amenazadores bosques de Tasmania.
Todo parecía apuntar a que era tan sólo cuestión de esperar un poco y disfrutar de un salvaje, brutal y sangriento juego de supervivencia que hiciera las delicias de los aficionados al género.

Desgraciadamente la espera se hizo interminable. Dying Breed tarda una eternidad en arrancar y, cuando por fin lo hace, Jody Dwyer nos ofrece toda una lección de cómo desaprovechar una excelente materia prima para acabar creando un survival de una mediocridad aplastante.

Es cierto que la película atesora algunos momentos gore dignos de mención, pero en ningún caso son suficientes para justificar el descalabro de un survival aburrido, lento, torpe en su desarrollo y que, sobre todo, no añade absolutamente nada nuevo o remarcable a propuestas anteriores del género muchísimo más interesantes y entretenidas como pueden ser "Wolf Creek" o "Eden Lake".

Además hay cierto aspectos del guión que se adivinan prometedores pero que, finalmente, se echan a perder a consecuencia de ese torpe desarrollo de la historia al que hacía referencia. Lo de la presencia del tigre de Tasmanía es lo de menos (quién espere alguna intervención más o menos destacable del animalito en algún instante de la película, que se lo vaya quitando de la cabeza).
La mayor decepción procede de la propia naturaleza de los presuntos descendientes del Pieman quienes, por momentos, parecen dudar entre ofrecer su colaboración a los turistas para que estos logren salvarse, o hacer todo lo posible por garantizar la subsistencia y procreación del clan caníbal.

En cualquier caso son aspectos que podrían pasarse por alto si, finalmente, "Dying Breed" hubiera resultado una experiencia satisfactoria al nivel de lo que todo buen survival debería ser capaz de ofrecer: un intenso juego de supervivencia, salvaje, sangriento, y terriblemente entretenido (algo parecido a lo que nos ofreció esa pequeña joyita de la serie B más destartalada que fue "Wrong Turn 2").
"Dying Breed" queda lejos de estos resultados y acaba dejándonos un survival triste, aburridísimo en su inicio (al margen de la secuencia introductoria) y con muy poquito que destacar en sus secuencias de acción (apenas un par o tres de momentos gore que quizás logren convencer a los muy fanáticos de la sangre y las tripas).

Lo mejor: algunos destellos gore que, sin embargo, no logran salvar el conjunto de la propuesta.

Lo peor: uno de esos finales dobles que no aportan nada bueno a la película.

La segunda sorpresa agradable tras "Autopsy", lo que no está nada mal teniendo en cuenta que acabo de alcanzar el ecuador del festival.

No me resisto a contaros, brevemente, la historia que hay detrás de "Perkins 14". After Dark, la compañía que hay tras la organización del After Dark HorrorFestival, tras la edición del 2008, decidió que era el momento idóneo para producir su propia película de terror que, por supuesto, figuraría en la selección del festival del 2009.

Para ello ideó una forma bastante original (y arriesgada) de afrontar la producción. Convocar un concurso a través de la web Massify.com, en el que un determinado número de argumentos/sinopsis competirían por hacerse con los favores de quiénes habitualmente visitan dicha página. La votación de los internautas dieron como vencedor al libreto de "Perkins 14", escrito por Jeremy Donaldson y que, finalmente, dirigiría Craig Singer.

Incluso el casting se decidió por votación popular teniendo en cuenta las audiciones que diferentes actores subieron a Massify.com con el objetivo de hacerse un hueco en la producción.

Una de las frases que promocionaban la película lo dejaba muy claro: “En esta ocasión, fans del horror, la sangre está en vuestras manos” (Por cierto, Perkins 14 ha sido la ganadora del Alter Dark HorrorFest 2009, algo que a mi, particularmente, no me interesa demasiado).

Una vez hecho el inciso pasemos directamente a la película. Deciros, en primer lugar, que no me extraña en absoluto que el argumento de Jeremy Donaldson consiguiera salir vencedor en las votaciones de Massify.com. Ciertamente, la base argumental de "Perkins 14" es uno de los aspectos más positivos de la película.

Diez años atrás, en la pequeña localidad de Stone Cove, catorce niños desaparecieron sin dejar rastro. Kyle, hijo del policia local Dwayne Hopper, era uno de ellos. La misma noche en que se cumple el décimo aniversario de la desaparición de Kyle, ingresa en el calabozo de la comisaria local Robert Perkins, acusado de saltarse un control policial. Dwayne Hopper no tardará en sospechar que Robert Perkins es el responsable de la desaparición de los catorce niños.

El arranque de "Perkins 14" es estupendo. Tanto la relación que se establece entre el policia Dwayne Hopper y Perkins, como la forma en la que Craig Singer escenifica el trauma y la culpabilidad vividos por un padre que ha perdido a su hijo (a través de unos acertadísimos flashbacks, un recurso cinematográfico utilizado de forma nefasta en tantas y tantas películas); contienen unas dosis de dramatismo y suspense muy poco habituales en una película de terror de bajo presupuesto.

Pero una vez agotada la base argumental, "Perkins 14" debe crecer, desarrollar su magnífica idea original y convertirse en una película de terror completa. Y aquí es dónde empiezan los problemas para "Perkins 14".

Vaya por delante que la película me ha gustado y que no tengo ningún inconveniente en recomendarla. Sin embargo, una vez finalizada su visión, tuve la incómoda sensación de haber perdido una extraordinaria oportunidad de estar ante una de las mejores películas de terror del año.

Da la impresión de que a Craig Singer le faltó tiempo, y sobre todo dinero, para construir la película que "Perkins 14" merecía ser.
Una vez liberado el batallón de Perkins asistimos al típico juego del gato y el ratón entre los adolescentes de muy dudosa naturaleza (es muy complicado aceptar que una simple droga convierta a unos muchachos encerrados en un sótanos durante más de diez años, en unas salvajes criaturas sedientas de sangre y dotadas de una fuerza, agilidad y, sobre todo, resistencia, prácticamente sobrehumanas), y la família del policia local Dwayne Hopper.
No se trata de que lo que estamos viendo sea malo, ni siquiera mediocre. En realidad los estallidos de violencia provocados por el batallón de Perkins nos ofrecen momentos espléndidos, como el episodio de la habitación del motel, de una intensidad, fuerza y rabia realmente destacables.

El problema real está en lo que no vemos. Un par de mensajes en la radio de la policia local nos avisan del caos que los adolescentes de Perkins están causando en Stone Cove. Debemos creer lo que dicen dichos mensajes. No nos queda otro remedio. No hay una sola imagen en "Perkins 14" que corrobore el hecho de que esa situación de caos incontrolable se está produciendo realmente. Por lo tanto, esa sensación de confusión y anarquía motivada por la aparición de los catorce de Perkins, nunca la tenemos; lo que, sin duda, va en decrimento de la historia.
Mostrar explícitamente la furia desatada de los adolescentes sin centrarse únicamente en el devenir de la familia del policia hubiera incrementado, sin duda, el nivel de salvajismo e intensidad de la película, lo cual no le hubiera ido nada mal.

Por otro lado, la parte final de la película (me trajo a la mente el clásico de Carpenter “Asalto a la comisaria número 13”), adolece de cierta confusión y abuso de luces parpadeantes en algunas de las escenas que nos muestran los ataques de los catorce de Perkins. Pese a ello son sobradamente efectivas y contundentes, con un nivel de gore más que aceptable (incluído un sentido homenaje a los zombis de Romero).

Me reitero, "Perkins 14" es una película absolutamente recomendable. Supongo que la opción más inteligente es olvidarnos de lo que pudo haber sido y no fue, y centrarnos en lo que finalmente tenemos a nuestro alcance: un película con un interesantísimo planteamiento inicial, un desarrollo algo fallido (con esa impresión de que a la película está incompleta, de que le falta algo por contar), y unas escenas de violencia efectivas y disfrutables. Una propuesta arriesgada dentro del panorama de las películas de terror de bajo presupuesto.

Lo mejor: el planteamiento inicial de la historia y muchos de los momentos violentos de la historia.

Lo peor: la sensación de que, potencialmente, la película podría haber dado mucho más de si.

Nueva decepción, y de las importantes, para mi tercera película del After Dark HorrorFest 2009.

Faith se traslada a la gran ciudad huyendo de Jimmy, un antiguo novio agresivo que no cesa en su empeño por encontrarla.
Una noche entabla amistad con Lola, hija de un granjero. Entre ambas surge una intensa amistad, y cuando Faith descubre que Jimmy, finalmente, ha logrado descubrir su paradero, no dudará en aceptar la invitación de Lola y hospedarse en la granja de su padre.

Prácticamente una hora entera, con sus minutos y sus segundos, sin que ocurra absolutamente nada. Está bien, quizás no fueron exacatamente sesenta minutos. Es posible que el nivel de aburrimiento experimentado fuera el causante de que los minutos se me hicieran más largos de lo habitual. Incluso tengo el vago recuerdo de que durante todo ese tiempo hubo un par de instantes –muy fugaces- en los que la sangre hizo acto de presencia.

"Slaughter" lo deja todo para el final. Tampoco es la primera vez que esto ocurre. No es la primera vez que una película de terror acumula toda su intensidad, toda su energía, en el tramo final de su metraje. El problema radica en cómo ocupar todo ese espacio que precede al esperado desenlace de la historia.
Se me ocurren varias opciones: desarrollar una historia interesante que atrape al espectador, construir una eficaz atmósfera de suspense que acreciente nuestro interés por llegar al final del camino, darle más fuerza a los personajes y a las relaciones que se establecen entre ellos... qué se yo, no soy guionista de cine.

Por desgracia Stewart Hopewell, director y guionista de "Slaughter", tiene una idea muy particular de cómo ocupar ese tiempo: sumirnos en el más exasperante de los aburrimientos.
Faith y Lola se conocen, hablan, se van de copas, trabajan en la granja, hablan, y vuelven a irse de copas. Y todo con una lentitud y un ritmo cansino que invitan, irremediablemente, al bostezo.

Los minutos pasan y la única esperanza que nos queda es que, cuando la película finalmente arranque, el estallido de violencia sea de tal magnitud que acabemos olvidando el suplicio al que hemos estado sometidos durante sesenta interminables minutos (¿o eran menos...?).

Y finalmente "Slaughter" arranca... o al menos eso parece. Porque a la altura en que la violencia y la sangre empiezan a adueñarse de la pantalla, nosotros ya estamos hartos de esperar, hasta el punto de que apenas nos importa el destino de las protagonistas o conocer el desenlace final de la historia.

Por si fuera poco, una realización plana y carente de riesgo, la falta de tensión, la limitada aportación de todos y cada uno de los actores (a destacar la presencia de un niño de esos cuya sola presencia acaba resultando insoportable), y la absoluta incapacidad para perturbar o inquietar al espectador, provocan que afrontemos las escenas de violencia de "Slaughter" con la misma falta de entusiasmo con la que hemos asistido al resto de la película.

Lo peor que podía pasarle a "Slaughter" es que, tras la desesperante espera por conocer su desenlace, este acabe siendo igualmente tedioso, pesado y fatigoso (incluso, en ocasiones, ridículo, como es el caso de la absurda aparición de cierto personaje que tiene traumatizada a Faith desde el inicio de la película).

Me considero un tipo con una mirada bastante optimista sobre el género. Siempre intento buscar algún aspecto positivo que resaltar en cada una de las películas que veo, por malas que me hayan parecido. En el caso de "Slaughter" no lo he conseguido. Espero que si finalmente os decidís a verla, tengais mejor suerte.

Lo mejor: no lo sé.

Lo peor: aburre a las piedras.

¿Fundar todo un subgénero basándose únicamente en determinadas escenas de violencia y tortura indiscriminada practicadas sobre víctimas indefensas? Eso es lo que ha conseguido, a grandes rasgos, el torture-porn.
Cómo nuevo género de terror siempre me pareció que estaría muerto apenas iniciara su andadura. Con el díptico "Hostel" (me divertí muchísimo con la primera entrega, y me aburrí terriblemente con la segunda) de Eli Roth y la retahíla de absurdas secuelas de "Saw", el cupo empezaba a estar cubierto. Los productos con la etiqueta colgada de torture-porn que nos llegaban desde el ámbito de la serie B o independiente tampoco ayudaban a ser optimistas (Live Feed, See Jane Run). Y todo esto sin mencionar que el género de torturas no es un fenómeno que se haya inventado o que haya aparecido de la nada durante la última década. La tortura siempre ha existido –y existirá- como una manifestación más de lo que, genéricamente, conocemos como cine gore.

Por lo tanto, presentar "Mum & Dad" simplemente como una nueva muestra del torture-porn me parecería absurdo e injusto con todo lo que tiene por ofrecernos esta impresionante y sorprendente muestra de cine de terror independiente, escrita y dirigida por el debutante Steven Sheil.

Lena, una joven emigrante polaca que trabaja en el servicio de limpieza del aeropuerto londinense de Heathrow, entabla amistad con su compañera de trabajo Birdie y el hermano de esta última. Al perder el último autobús de la noche que le llevaría a casa, Lena acepta la invitación de Birdie de pasar la noche en casa de sus padres, situada muy cerca del mismo aeropuerto. Cuando las puertas de casa de mamá y papá se cierran, Lena empezará a descubrir un nuevo concepto de educación familiar.

Es complicado saber con certeza si la intención de Steven Sheil era ofrecernos una oscura, pero a la vez paródica –y hasta cierto punto divertida-, reflexión sobre el estilo de vida de una desestructurada familia de nivel medio-bajo, o si la pesadilla obscena, sucia, enfermiza, demente y pasada de vueltas que nos ofrecen las imágenes y diálogos de este "Mum & Dad", alcanza un nivel de surrealismo tal, que acaba siendo la única culpable de que una leve sonrisa helada, histérica y culpable se dibuje en nuestro rostro durante la mayor parte de su metraje.

Mantener a la familia unida es lo más importante, y mamá y papá lo saben. Para alcanzar dicha unidad no dudarán en aplicar los más estrictos, crueles, vejatorios y retorcidos métodos de férrea disciplina.

La pesadilla es mayúscula. Violencia, tortura, mutilación, abusos sexuales,… todo vale para hacerle entender a Lena que debe respetar los estrictos códigos de comportamiento (absolutamente inmorales y que incluyen, entre otras lindezas, la permisibilidad de relaciones incestuosas) marcados por su nueva família.

Lena está atrapada. Las constantes idas y venidas de aviones sobrevolando el hogar de mamá y papá son, a la vez, una cruel metáfora de libertad y salvación; y un clarísimo indicador de lo profunda y arraigada que está la pesadilla y lo lejos que se encuentra dicha libertad.
Su única oportunidad para escapar –y sobrevivir- pasa por adaptarse, por integrarse en el núcleo familiar, por ser una más. Y es en esos precisos momentos cuando Steven Sheil aprovecha la oportunidad de teñir el horror y la locura con un soterrado humor negro -negrísimo- que nos hace más soportable el incomodísimo nivel de perversidad.

La aparente normalidad y cotidianidad de un tranquilo desayuno familiar con papá leyendo el periódico y mamá preparando las tostadas, se rompe, súbitamente, con determinados detalles de exagerada y surrealista escabrosidad (uno de los comensales atado a la silla y amordazado, otro trasportando sospechosos paquetes hasta el patio…), logrando la película, en esos instantes, sus mejores registros.

La extraordinaria combinación de normalidad/horror arroja unos resultados excepcionales y tremendamente divertidos. Y en este mismo camino también cabe destacar la acertadísima lucha fraternal que se establece entre Birdie y la recién llegada Lena (ahora hermanastras), ambas dispuestas a cualquier cosa por alcanzar el afecto de mamá, lo cual se traduce, automáticamente, en el visto bueno de papá –toda una garantía de supervivencia-.

Desde el punto de vista técnico hay muy poco que reprocharle a "Mum & Dad". Siendo como es una película de bajo presupuesto, sabe resolver perfectamente todas sus limitaciones presupuestarias con una puesta en escena y fotografía más que aceptables y que logran transmitir esa sensación de pesadilla enfermiza, claustrofóbica y putrefacta que requiere la historia.

Mención especial para todos y cada uno de los actores.
Perry Benson, en el papel de papá, alcanza, gracias a su excelente labor interpretativa, unos níveles increíbles de perversión y locura. Su rol de típico y aburrido padre preocupado únicamente por traer un sueldo a casa y mantener a raya a sus hijos, contrasta perfectamente –y en ocasiones, de forma realmente cómica- con sus repentinos estallidos de violencia, sadismo y depravación sexual (no hay que perderse detalle de su presentación -¿un homenaje encubierto a “American Pie”? No, no lo creo-).

En definitiva, "Mum & Dad" vuelve a demostrarnos por enésima vez que debemos rebuscar en el panorama de la serie B y el cine de horror independiente para encontrar nuevas y originales propuestas.
"Mum & Dad" es una película incómoda, salvaje y enfermiza, con un contínuo caudal de violencia que desemboca en una bizarra y desatada celebración de la navidad, y cuyo final, sin asumir demasiados riesgos, resulta visualmente espectacular.

Lo mejor: que abra nuevos caminos inhóspitos al llamado torture porn.

Lo peor: los que esperen una orgía de vísceras y sangre (ultragore) quedarán decepcionados.