Me resulta difícil valorar esta película sin ser subjetivo. Aún así, creo haberme resistido y he puesto las notas que merece, pese a la tentación de hacer lo contrario.

Muchos seres humanos son poco atractivos para el extraño, pero el centro del universo para sus parejas sentimentales. Sirviéndome de la comparación, alguien apasionado de los ochenta, la música rock, las bandas sonoras con sintetizador, las películas sobre la venganza y las chicas con actitud como es quien escribe este artículo, considera a Calles Salvajes un sublime producto, ya que aúna todo ello con maestría y sobre todo, honestidad. Nada es más odioso que un cineasta(s) que tratá de otorgar a su obra una pretenciosidad que no casa con lo que ofrece. En Calles Salvajes, Danny Steinmann no tropieza con esa piedra: él ofrece algo que parece exploitation, huele a exploitation y se inspira en exploitation. Sin titubeos. Sin falsas ínfulas. Sin cinismo. Y es por eso, aparte de por ofrecer toda esa ristra de elementos gloriosos arriba citados, que quiero recomendar esta película.

¿Qué tenemos en Calles Salvajes? Por un lado a Linda Blair, la niña de, para muchos, la mejor película de terror de la historia (El Exorcista) ya hecha toda una mujer, aunque haga de adolenscente por exigencias del guión. También a una scream-queen de primer nivel como es Linnea Quigley (El regreso de los muertos vivientes, Pesadilla en Elm Street 4, Night od the Demons y productos todavía menores). Y a un gran actor, nunca reconocido lo bastante, como es John Vernon. Ellos tres se reparten los papeles menos bidimensionales, ya que el resto no se apartan de los estereotipos del género: matones sin un ápice de humanidad que piden a gritos a lo largo de todo el metraje una muerte lenta y cruel.

Tras regresar de un viaje que emprendió con una hermosa desconocida, Falcon descubre que la casa que una vez compartió con su esposa ahora está ocupada por unos adictos a la metanfetamina que trabajan para su hermano Sam. Por lo visto Sam se ha convertido en un pequeño capo de la mafia local. Falcon recupera un cargamento de armas y rápidamente se deshace de los lacayos armados de su hermano; y todo ello antes de recuperar la única cosa que nunca le ha traicionado … su poderoso coche genuínamente americano.

No me resisto a transcribir las palabras de un tal Travis Stevens, productor de American Muscle, contándonos de qué va la película: “American Muscle gira alrededor de un chico que ha estado en prisión durante los 10 últimos años de su vida. Ahora está libre, y tras un pequeño viaje de placer se encargará de matar, en las siguientes 24 horas, a todo bicho viviente que tuviera algo que ver con su encarcelamiento. No es más que un tiburón con un único objetivo: masticar a todo el que se ponga delante. Siento que American Muscle es mi película más personal, ya que tiene todo lo que amo en este mundo: ¡nenas tatuados y desnudas montando motocicletas con Uzis en sus manos y un protagnoista bastardo que en realidad no habla demasiado!”

¿Es posible confundir a tu propia madre con un extraterrestre? Pues aunque parezca imposible, Goodnight Mommy ha hecho esa pesadilla real. Directamente consigue que veas pájaros donde no los hay durante 95 minutos de pura angustia en los que el espectador olvidará la realidad y vivirá inmerso en el mundo de fantasía y pesadilla de los niños. Eso es exactamente, para mí, Goodnight Mommy. De pronto dejé de ser adulto; medía medio metro, estaba perdido en un maizal y me dejaba guiar por la mágica sensación de la ingenuidad.

Es curioso, pero en ningún momento podríamos afirmar que Goodnight Mommy es una película “original”. Su leitmotiv básicamente radica en un malentendido disparatado que degenera en la maldad de los supuestos seres más inocentes de la Tierra: los niños. Maldad que hemos visto representada cientos de veces en pantalla con miles de formas distintas, desde el clásico de Ibáñez Serrador ¿Quién puede matar a un niño? (1976), La profecía (The Omen, 1976) y con especial hincapié en la pragmática y veleidosa Rhoda, la cría pedante del clásico Mala Semilla (1956). Sin embargo Goodnight Mommy da un paso más allá en su análisis psicológico sobre la maldad infantil, hasta el punto que lo que debería ser una locura de película de terror que en primera instancia no debería haber existido, es un estudio absolutamente creíble, muy visual y mucho más real y analítico de lo que jamás hubiera imaginado. Goodnight Mommy es el perfecto ejemplo de que, en la mayoría de ocasiones, lo que realmente importa no es que lo que se cuente esté muy manido, sino lo notable que puede llegar a ser el cómo se cuenta, y si se hace de un modo inteligente y original.

Un hombre despierta y se da cuenta que su querida esposa, enferma terminal, ha muerto durante la noche. Incapaz de lidiar con algo tan emocionalmente devastador, elige completar, durante el fin de semana, la lista de ‘cosas por hacer’ que dejó su mujer escrita días antes de morir. Una lista aparentemente simple que empujarán al marido a iniciar un viaje de frustraciones y agravios, pasando de la hilaridad a la violencia y, finalmente, la catarsis. Esta es la historia de un hombre sin nada que perder: capullos, tened cuidado.

Obviamente Mourning has broken dista mucho de ser una película de terror. Más bien se trata de un drama con generosas dosis de humor negro y un toquecito de violencia. Pero el proyecto, escrito y dirigido a cuatro manos por los hermanos Brett y Jason G. Butler, me ha parecido tan interesante que he decidio tráermelo para Almas Oscuras. Según nos cuenan los propios directores, el orígen de Mourning has broken “Se encuentra en nuestra propia fascinación por aquellas personas que se esfuerzan para que su día a día se mantenga en unos estrictos cauces de ética y moral. Pero, ¿qué ocurre si no pueden lograrlo? Con Mourning has broken hemos querido ampliar los límites de lo que significa estar afligido. Se espera de nosotros, cuando nos enfrentamos a una pérdida traumática, que lloremos, que seamos valientes y que miremos hacia adelante. Pero en ocasiones no es tan fácil, sobre todo cuando lo único que queremos es hacer las cosas a nuestra manera. Queremos acompañar a la audiencia a través de un viaje que les hará reir, entristecerse y pensar.”

Corren los cincuenta en la gran España, la de Caudillo, escapulario y pandereta. En ese Madrid gris ve Montse pasar los días desde su casa. Acosada por la agorafobia y un tormentoso pasado lleno de madres muertas y padres severos, Montse ve con miedo el decimoctavo cumpleaños de su hermanita: se ha convertido en una mujer y sabe que traerá problemas. Aunque al contrario de lo que pensaba, los problemas comienzan con la visita de un guapo vecino. Herido se adentra en el nido de esas dos mujeres, ejerciendo de catalizador para la locura y el amor, los ingredientes perfectos de un drama terrorífico.

Todos coinciden en que Macarena Gómez soporta el peso de la película por sí sola. Del histrionismo cómico, por el que era conocida, cambia al histrionismo dramático con tintes terroríficos. Se enfunda el vestido de una mujer destrozada por la culpa y la frustración nacida del fervor religioso y la sobreexposición a un padre extremadamente riguroso, que interpreta un magistral Luis Tosar; da igual que su papel sea mínimo, sube el caché de “Musarañas” cuando un actor como él llena la pantalla con su carisma.

Sin embargo, no os engañéis, es ella, sigue siendo Macarena quien arrastra por los pelos al espectador hasta el universo de la posguerra, donde el régimen y la opresión católica se perfilan como telón de fondo de un thriller psicológico que arranca como un drama magnífico y termina rindiéndose a los excesos festivaleros que el terror actual necesita para perpetuarse en su vacio. No corren tiempos de guiones redondos, el agujero se vende barato a cambio de los aplausos de una platea sedienta de escenas “fuertes”. Nos creíamos junto a Hugo Silva en la ciudad donde llueve ceniza y, de repente, Silent Hill se desmorona a favor de Raccoon City, y Hugo no nos salva, simplemente pone su fama de icono sexy al servicio de un libreto femenino pero sin estrógenos.

El aislado pueblo de Woods Maiden es testigo de como una empresa maderera de la zona ha roto el equilibrio de la vida en el bosque, desforestando importantes zonas salvajes. Sin embargo, la naturaleza guarda un as bajo la manga: desde el bosque helado surge “algo”, una amenaza para los ciudadanos locales, cuya única esperanza es el sheriff local.

Tras ver el tráiler de la independiente “Dark was the night” uno se queda con dos sensaciones. Por un lado un buen sabor de boca ante la fría y realista ambientación conseguida, una pequeña comunidad trazada como una oscura versión de Twin Peaks; y por otro lado el interés por conocer el desenlace del misterio planteado, ajeno a la tendencia actual de desvelarnos los meollos de cada guión en un adelanto de minuto y medio. En la época de la sobre información parece que son estos proyectos, los que se plantean con cuidado enseñar sus cartas antes de la partida, los que se llevan el interés del espectador y esperemos que también el éxito.

Por si fuera poco esta elegante carta de presentación, comentar que el aval bajo el brazo del director de “Dark was the night”, Jack Heller, tampoco es desdeñable. De nuevo dentro de los parámetros del cine barato, la anterior película de Heller consiguió llamar la atención a aquellos capaces de superar sus aires de telefilm: “Enter Nowhere”, que contaba con el muy de moda ScottEastwood y Sara Paxton. Muestra de que el director sabe rodearse a nivel actoral, y lo vuelve a demostrar contando para “Dark was the night” con el protagonismo de dos sólidos actores en alza: Kevin Durand (“The Strain”) y Lukas Haas (“Origen”, “Brick”). Otra de las razones que sitúan esta producción a tener muy en cuenta cuando se estrene, probablemente el año que viene. Nosotros nos la apuntamos mientras nos encomendamos al Wendigo para que cuide de nuestras almas durante la helada noche del Norte…