Ahora que todo parece quedar entre amigos en esto del cine de terror, Eli Roth se ha compinchado con Ti West. El proyecto que les ha unido se titula The Sacrament y les tendrá en tareas de producción y dirección, respectivamente.

“Ahora estoy produciendo una película titulada The Sacrement, que dirigirá Ti West. Él hizo una película increíble titulada House of the Devil, y tenía una gran idea acerca de una película de terror found footage (mockumentary) donde unos cineastas se verán atrapados en una ceremonia de una secta que planea realizar un suicidio en masa. Es muy, muy aterrador”.

A Roth le está empezando a gustar esto de producir con dos duros y ver beneficios lo más rapido posible. Sin ir más lejos, producciones suyas fueron sus Cabin Fever (2002) Hostel (2005) y Hostel 2 (2007), cuyos presupuestos en suma no superan los 16 millones de dólares, mientras que el conjunto de las recaudaciones alrededor del mundo ascendieron a casi 150 millones. Por no hablar, ya en su faceta de productor alejado de la silla del director, la muy rentable El último exorcismo (2011), para la que puso un poco de calderilla y sacaron 67 millones y una secuela a punto de estrenarse. Precisamente con El último exorcismo es con la que, a priori, más semejanzas comparte The Sacrament*.

El 31 de octubre de 2001, en North Hollywood (California), un grupo de amigos decidió grabar en vídeo su noche de Halloween. Lo que acabararon documentando fue el sangriento ataque de un asesino que convertirió aquella en la peor noche de sus vidas. Esta película es un compendio del metraje encontrado aquella noche.

La moda - pasajera… o no – del found foutage ha recorrido, a estas alturas, una alucinante variedad de caminos: zombis, fantasmas, casas encantadas, tribus caníbales… incluso dinosaurios. Pero soy incapaz de recordar (seguro que sí… ya sabéis que la memoria no es mi fuerte) si alguien había tenido hasta ahora la genial idea de mezclar la estética y las normas de funcionamiento del metraje encontrado (grabar cámara en mano, como si de un documental se tratara, en aras a lograr una mayor sensación de realismo), con el clásico asesino en serie que esconde su rostro tras una máscara y utiliza un enorme hacha como tarjeta de presentación (vamos… un slasher de los de toda la vida). Seguro que ahora me soltáis una retahíla de títulos que ya han contemplado dicha mezcla, pero hasta que ese momento se produzca, dejadme atribuirle el mérito a los jovencísimos realizadores de esta producción ultraindependiente titulada Loss of Life.

26 piezas provenientes de 26 directores de nacionalidades diversas, todos ellos con un estilo y una personalidad muy distinta, y abordando la muerte desde 26 perspectivas muy personales. Las reglas, por lo visto, eran claras y concisas: todos los cortometrajes, de una duración aproximada de entre 4 y 5 minutos, debían contener al menos una muerte que pudiera relacionarse con la letra del alfabeto asignada a cada director (se supone que por sorteo). Para llevar a cabo su encargo, cada director contaba con un ajustado calendario de rodaje, 5.000 dólares de presupuesto que, se supone, podían gastar como mejor les viniera en gana, y, por supuesto total libertad creativa.

The ABC’s of Death es una propuesta original, sincera (se evidencia en cada una de las piezas esa libertad creativa a la que os hacía referencia), distinta y, casi por definición…, IRREGULAR. Es prácticamente una cuestión de lógica o de sentido común. Y es que no podía ser de otra manera, atendiendo a la heterogeneidad de la propuesta: en The ABC’s of Death hay de todo, como en botica. Hay piezas ingeniosas que logran arrancarte una sonrisa de complicidad (Apocalypse, Cycle, Quack); otras con las que tuerces el gesto por una cuestión de pura incomodidad (XXL, Líbido); otras que, sencillamente, son incapaces de dejar huella (Hydro-electric diffusion, Bigfoot, Nuptials, Pressure); alguna en la que te preguntas en qué coño se habrá gastado el director los 5.000 € de presupuesto (Miscarriage), y finalmente hay un grupito (pequeño) de piezas EXTRA-OR-DI-NA-RIAS capaces de justificar, por si solas, el hecho de soportar estoicamente los más de 120 minutos de duración de la película.

Para qué negarlo, ¡adoro el cine del maestro Tarantino!, prácticamente desde que era un mísero crío. Aún recuerdo aquella vez que fui, desconfiado, a ver una tal Reservoir Dogs de la que todo el mundo hablaba maravillas, y poco a poco esa temerosidad inicial se acabó convirtiendo en pura euforia. Y ese es el mayor regalo que le puedes hacer a un espectador. Sencillamente porque todo lo que veía era lo que, como espectador, quería ver; y eso es lo que hace del cine de Tarantino un cine especial. Puede que no sea todo lo original que dicen que es, pero tiene ese gusto por los detalles tan peculiar y exquisito que no solo admiro, sino que además comparto. Algo parecido me ha pasado mientras veía Sushi Girl, dirigida por el debutante en largometrajes Kern Saxton, película que se inspira en el cine de Tarantino y que, por lo tanto, es como un homenaje a muchas de las películas de su filmografía.

Un hombre apodado “Fish” ha pasado seis años en la cárcel manteniendo la boca cerrada sobre un robo y cuatro personas implicadas en el mismo a las que encubre. La noche en la que queda en libertad, las cuatro personas a las que protege le obsequian con una elegante comida liderada por Duke (Tony Todd) en el que el sushi reposa encima de una chica desnuda. Pero según transcurre el día, la desconfianza se va apoderando de unos y otros con la mirada puesta en dónde está escondido el botín. A partir de entonces veremos una sesión de venganza pura y dura.