Si deseas acudir a “11-11-11” con la mínima esperanza de verte sorprendido, no leas esta reseña ni te acerques a menos de cien metros de alguien que la haya visto. En realidad, no se trata de un problema en cuanto al contenido en spoilers o la falta de elegancia de la gente que ya la ha visto, sencillamente, estamos ante una película que por su propia definición, por el estilo al que se adscribe, deja al descubierto todo el desarrollo de su argumento cuando se apuntan generalidades sobre ella o simplemente se compara con alguna otra de las películas básicas dentro de ese remedo de subgénero que sería “el Apocalipsis luciferino”.

Joseph Crone, una vez escritor de éxito internacional, perdió la fe en Dios cuando su mujer y su hijo murieron en un incendio. Intenta rehacer sus pedazos, pero el número 11-11 le persigue hasta en sueños para recordarle que su tragedia personal no importa a ojos del Señor y que existen designios más allá de su razón.

Las piezas del misterio se revelan ante él cuando debe volver a Barcelona, donde a su padre le quedan pocos días de vida y su hermano Samuel, un cura paralítico, se ve atacado por fuerzas sobrenaturales que quizás anuncien el fin del mundo o el principio de uno nuevo. ¿Qué lugar le depara a Joseph la providencia ante una conspiración de fuerzas demoníacas?

Once de Noviembre del 2011, un día ideal para que suceda algo grande: bien sea un importante premio de lotería o el fin del mundo. Sin embargo, de tan señalada fecha ya pasan muchas horas y nada espectacular ha sucedido. ¿Decepción? Sí, elevada a la undécima potencia en el caso de la película que nos ocupa. Una cinta sobre profetas, señales sobrenaturales, numerología, el Apocalipsis y un hombre que ha perdido su fe en el dios cristiano con cuyas enseñanzas machacaron su educación y blah, blah, blah. Un nuevo muestrario de paisajes comunes, rodados con poca gracia, y con una falta de mimo hacia los detalles de su guión, de tal forma que se convierte en una tortura para el espectador debido a errores capaces de empequeñecer un film, relativamente caro, que se merecía un destino mejor.

Adscrito a lo que sería el “cine luciferino”, definición que me saco de la manga y cuyos principales exponentes, para lo que nos ocupa, serían La Semilla del Diablo y La Novena Puerta, ambas de Roman Polansky, no llega a transmitir lo que sería la clave de este tipo de argumentos. De hecho, si bajo el prisma de estas dos pequeñas joyas midiésemos el resultado final de 11-11-11, pasaría por se una de las peores películas tratando el advenimiento de la serpiente, del ángel de la luz y execrable señor de los Infiernos judeocristianos. Todo, por como digo, esa incapacidad de apuntalar el pilar básico de este cine: la transformación, el viaje iniciático que los protagonistas, habitualmente descreídos, padecen hasta descubrir que la sombra crece al cobijo de la luz y demás zarandajas que vienen a desvelar la naturaleza lobuna del ser humano, representada ésta en la efigie de Lucifer. Jamás llegamos a empalizar con Joseph, siempre se ve perdido en un guión que hace aguas a pesar de mostrarse ligero e incapaz de profundizar en peligrosas cuestiones éticas o, siquiera, en el horror psicológico que Joseph debiera vivir como parte de su transformación. Si junto a la imprescindible El Corazón del Ángel (1987, Alan Parker) formasen ambas parte de una misma moneda, mientras aquella sería la cara está sería, sin lugar a dudas, la cruz.

El principal culpable, como director y guionista, de este patinazo es un hombre experimentado en la industria, aunque más dado a los fuegos de artificio que a otra cosa, lo que no quita para reconocer que el eclecticismo de Darren Lynn Bousman es digno de alabanza. Director de Saw II-IV (justo las partes que dinamitaron mi interés por la saga), del musical Repo, The Genetic Opera y del acertado remake de Mother’s day; podemos decir que no le tiene miedo a nada, porque con 11-11-11 cambia de registro completamente. Sin embargo, el cambiar de estilo una y otra vez, no evita el que a sus películas les falten “corazón”. Todas sin excepción tienen más de un momento de tedio, pero con su último producto se lleva la palma.

La trama gira en torno al significado místico e importancia como señal divina del número 11-11, aunque sin llevarlo al terreno de la obsesión, como la irregular El número 23, y como afecta a la vida del protagonista, que verá puesto a prueba su ateismo merced a las fría relación familiar que mantiene con su hermano, cura para más “inri”. Y aquí ya contamos con el primer fallo de bulto: en ningún momento se siente la transformación de Joseph; de amargado escéptico, incapaz de sentir más que resentimiento hacia su padre y hermano, pasamos a creyente, salvador de una humanidad que desconocemos si le importa o no. Proceso lento, que en su último estadio se acelera de forma poco creíble, tan aburrido como soporífero y que se prolonga durante más de una hora, sin que el resto de escasos personajes parezcan aportar nada a los cambios de perspectiva sufridos por el protagonista.

A ello se suma una falta de carisma flagrante por parte de los personajes; es más, Lynn Bousman se centra más en recalcar las señales sobrenaturales, con algo de numerología real para darle credibilidad al asunto (cuestión que para un servidor sobraba), antes que en indagar dentro de la psique de unos personajes que, pese a tópicos, daban mucho juego para manipular la paranoia del espectador. Donde, por ejemplo, en “La Novena Puerta” se juega con la confianza del público, a través de los ojos de Johnny Depp, aquí es preferible mostrar sombras por aquí y susurros por allá a ver si asustamos al espectador, que para eso ha pagado la entrada a una película de “miedo”. ¿Resultado? Absoluta incapacidad para mantener la atmósfera ominosa que se merecía un nuevo cuento sobre nuestra relación con Dios y el Diablo, aunque fuese desde cierto punto de vista maniqueo. En definitiva, la faceta de thriller, la investigación sobre los terribles hechos que sucederán el 11-11-11, es aburrida y falta de interés; teniendo en cuenta que se trata de todo el nudo del metraje, son demasiados minutos intrascendentes, fallidos en su ambientación, como para mantener la completa atención del espectador. Un servidor tuvo que realizar tres intentos hasta verla completa, porque siempre comenzaba a dar cabezadas cuando llegaba al minuto… ¡11:11!

En cuanto a los actores, pese a no ser grandes estrellas de Hollywood, sin duda estamos ante profesionales competentes pero, no sé si por la ausencia de dirección artística o dejadez propia, nunca llegan a cuajar en la pantalla. En concreto os hablo de Timothy Gibbs (Joseph) y Michael Landes (Samuel). No es solo falta de carisma o credibilidad, a veces incluso se notan forzadas las interpretaciones, quizás por unos diálogos bastante flojos (antológicos todos los mantenidos por Celia, la “factotum” de casa “Crone”, y Joseph); la cuestión es que siendo imposible empalizar con sus cuitas nos quedamos sin elementos de interés cuando, además, el guión base se resume en solo dos líneas, que justamente se desvelan en un final que, cosas de la vida, consigue salvar parcialmente los muebles. Aunque me gustaría aparcar las malas sensaciones que me ha provocado 11-11-11 momentáneamente, para señalar que la fotografía me ha fascindo. Resulta curioso que mientras en otros apartados técnicos luzca discreta (efectos visuales, banda sonora y, especialmente, montaje para olvidar con respecto al presupuesto manejado), la fotografía salga beneficiada de los escenarios barceloneses – genial esa casa junto a la playa -, luciendo las tonalidades azules y apagadas, a la luz del día, como lo mejor de la película sin lugar a dudas. ¡Como veis siempre intento rescatar algo hasta del bodrio más abyecto!

Como ya he comentado, el final es para darle de comer a parte. Su disfrute radica en dos puntos: los efectos especiales – la traca final -, y la resolución de los misterios planteados, y como dejan a Joseph y a su hermano con respecto a la historia. Vaya por adelantado, que el primero de estos puntos, el elemento sobrenatural tangible, es digno de una “caspamovie” emitida en cualquier cadena de televisión privada a la hora de la siesta. Pero no me malinterpretéis, desde esa perspectiva casposa me resultó la mar de disfrutable y risible, sobre todo porque contrasta frente a la seriedad con que se tratan las señales del 11-11-11 igual que una zurraspa marrón sobre el níveo algodón de unos calzoncillos cualesquiera. Porque, ¡¿qué diablos pintan esos “jeepers creepers” de saldo como heraldos de “otro mundo”?!. Una completa ida de pinza del señor Lynn Bousman. El segundo punto, la resolución del misterio, está a la altura del “cine luciferino”, que me inventaba párrafos más arriba, lo que no quita para que ser parcialmente predecible pero al menos no suponga una burla pueril hacia el espectador.

Resumiendo, desconozco en base a que criterio podría recomendársela a nadie. Este pobre escriba se queda con una sensación bastante amarga tras verla y analizarla, como si de una perdida total de tiempo se tratase. No es que todos sus elementos merezcan ser incinerados, pero los pocos rescatables ya los he visto en otras películas y narrados con mayor potencia (¡madre mía! Que edición más infame ahí que aguantar con 11-11-11). Así que antes que dejaros vuestros euros en el cine con este “quiero y no puedo” o inquietaros hora y media sobre vuestro sofá, acudir a clásicos luciferinos de verdad como La Tutora o El Principe de las Tinieblas, peliculones donde los haya. Si me apuráis, hasta creo que prefiero ver al buenazo de Brendan Fraser dorándole la pava a la despampanante Elizabeth Hurley en Al diablo con el diablo… ¡ahí es nada!

Lo mejor: El final, acorde a la atmósfera ominosa de todo el metraje.

Lo peor: La incapacidad narrativa de su director.

En 1968 Charlton Heston descubrió en la orilla del mar de lo que creía un planeta extraño, que en el pasado la humanidad no hizo bien los deberes. Aquella terrible escena con la Estatua de la Libertad semihundida en la arena y con Heston maldiciéndonos a todos, ha perdurado hasta hoy como uno de los mayores iconos cinematográficos de la historia: el impactante clímax de una notable película llamada a convertirse en clásico de la ciencia ficción. Los simios eran amos del planeta Tierra y los humanos que quedaban eran los nuevos simios. El enorme éxito sirvió para que cuatro secuelas poco destacables y una serie de animación vieran la luz en los años posteriores. Sin embargo, ese éxito se perdió con cada nueva película y, pese a que en el 2001 Tim Burton lo intentó defecando un remake que vendió bastantes entradas, El planeta de los simios no volvió a ser lo que un día fue. Pero tranquilos, pues…

…Cada cierto tiempo sucede. Una película de la que nadie espera nada, que no cuenta con una publicidad enorme en comparación con otros blockbuster veraniegos o navideños, ni con un presupuesto que da para comprar el mundo tres veces y que parece sentenciada semanas antes del estreno…da la sorpresa. Si hace varios meses preguntabas a alguien sobre El origen del planeta de los simios te respondía con gesto áspero, cansado. O bien arqueaba una ceja. O bien te afirmaba con humo saliendo de las orejas que no vería nunca más algo que tenga en su titulo “planeta” y “simios”, después de sufrir el remake. Pero, señoras y señores, niños y niñas, cada cierto tiempo sucede. Y este origen, precuela a priori innecesaria, a priori insufrible, a priori ninguneada, se ha convertido no solo en un gran éxito comercial, sino también en una de las mejores películas en lo que va de año.

Entonces, arrepentidos del error del prejuicio, miremos ahora con la mente limpia y ajusticiada la lección que nos ofrecen sus responsables sobre como realizar un entretenimiento de calidad que además de inteligente resulte espectacular; que además de “palomitero” resulte intimista; que además de archiconocido resulte sorprendente.

El origen del planeta de los simios supone, de primeras, un punto y a parte en la captura de movimiento. Esta técnica, utilizada, entre algún otro, por Peter Jackson y, sobre todo, el devoto en la materia Robert Zemeckis, se basa en capturar la interpretación del actor por medio de variados parches, situados en su rostro y cuerpo, que envían al ordenador la información necesaria para crear un personaje ficticio a partir de sus gestos y movimientos. En la trilogía de El señor de los anillos (2001-2003) obtuvo su primer gran personaje con Gollum, y experimentos animados fallidos como Polar Express (2004) o Beowulf (2007) pusieron su empeño en hacer crecer el invento. Pero la cumbre a batir ha llegado con los nuevos simios. Especialmente con uno llamado César. Cosas de la vida, interpretado detrás de los parches por el gran Andy Serkis; el mismísimo Gollum o…el último King Kong (2005).

Tiene más merito aún si contamos que los minutos que César/Serkis está en pantalla, borra de un plumazo las (buenas) interpretaciones de James Franco o el siempre bienvenido John Lithgow, y obviamente las apariciones-florero de Freida Pinto. Tal vez ella junto a algún que otro cliché en la exposición de malos-malosos humanos constituyen las únicas y pequeñas notas negativas de la función.

A los pocos minutos de proyección, cuando el ojo se acostumbra a visualizar los efectos “por captura” de los simios, cuesta distinguir lo que es real y lo que no. Sus gestos nos provocan sensaciones cada momento: les acompañamos en su tristeza, en su dolor y finalmente, en su revolución. Sin necesidad (salvo algún estereotipo aislado, como ya comenté) de hacer de los humanos unos villanos de película, es difícil no sentir esas ganas de mostrar tu apoyo a los peludos. Y no, no simpatizo con los del PETA ni similares.

El director del invento se llama Rupert Wyatt, y lo único que ha hecho anteriormente más o menos reconocible es el thriller independiente The Escapist (2008). A partir de ahora, Wyatt pasa a formar parte de los cineastas a tener en cuenta. Y digo esto porque la puesta en escena de El origen… es simplemente magnifica. Se mueve con idéntica soltura en el drama que en la acción, y no deja ninguna escena sin algún interés visual añadido. La acción, cuando estalla durante el largo clímax final, va directa al grano y, dentro de su sencillez, convierte algo esperable desde el comienzo de la trama en una aventura intensa y emocionante. Por descontado, hay que agradecerle a él y a su equipo de montaje que hayan dejado todo clarito, de la forma más clásica posible. Esto es, nada de diez planos por segundo ni montaje epiléptico ni de explosiones más molestas (para el tímpano) que impactantes (para la vista), ni efectos especiales hasta el agotamiento ni salidas de tono chorra ¡Y sin 3D!

Todavía nos quedaría hablar de toda la parte obvia de denuncia social ecologista; de llamada de atención, como lo era El planeta de los simios original, sobre como el hombre debe autoevaluarse y recapacitar. Pero creo que aquí lo más interesante e importante es que con un 30% del presupuesto de cosas como la nueva de Transformers o la nueva de Piratas del Caribe, se ha conseguido ofrecer una lección de cómo hacer un blockbuster veraniego sin necesidad de vender humo ni de tomar al personal por idiota. Que ya se sabe que el cine está muy caro y hay que elegir bien por lo que uno paga.

Lo mejor: Andy Serkis, los sorprendentes efectos especiales, un guión sencillo pero inteligente y siempre interesante, la puesta en escena del cuasi novato Rupert Wyatt…

Lo peor: El personaje-florero de Freida Pinto y algún otro personaje humano muy estereotipado.

Cody, Q y Elroy son colegas hasta la muerte y miembros de una familia de moteros que remonta sus andanzas desde los sesenta. A estos chicos les gusta el sexo, la violencia, el crimen y las motos rápidas; pero aun les gusta más volver a casa para pasar el cumpleaños de su madre con la familia y el resto de la “crew”.

En la vieja casa perdida en el bosque, sede de tantas y tantas fiestas, los delincuentes habituales ahogan las penas en el bourbon derramado entre los senos turgentes de las strippers. Todo el mundo se relaja menos Cody, que se come los nudillos viendo como su ex-novia se lo monta delante de todos con el primer idiota que ha encontrado

Pero lo bueno se acaba tarde o temprano y todos vuelven para sus casas y caravanas como pueden. No pasa mucho tiempo en la casa familiar cuando Michelle, la ex de Cody, vuelve cubierta de sangre y en estado de shock. Algo extraño está ocurriendo en las montañas: luces anormales en el cielo, compañeros desaparecidos, ruidos siniestros entre los árboles. Cody y sus compadres ni siquiera sospechan que dejando entrar en casa a Michelle han dejado pasar algo más: la raza caníbal.

The Violent Kind es el segundo intento de The Butchers Brothers, lease Mitchell Altieri y Phil Flores, por realizar una película de terror de “casta”. Es decir, ese tipo de cintas que buscan al aficionado puro y duro, que no dejan lugar a equívocos y que se ruedan con un ojo puesto en los gustos personales de los autores, unos adictos de aupa al terror ochentero – a juzgar por su estilo – y otro en una narrativa más rápida y directa, acorde con los tiempos que corren. El primero de estos intentos fue la insatisfactoria The Hamiltons, cinta que pasó sin pena ni gloria por el año 2006 y de la que pronto tendremos una secuela llamada The Thompsons; podríamos decir que el trabajo de estos directores, ha seguido la progresión acorde con su estilo y han rodado, esta vez, una cinta más entretenida pero que no puede quitarse el sambenito de “intranscendente”; The Violent Kind supone una pequeña evolución, sobre todo a nivel técnico, con respecto a su primeriza obra, pero solo eso, puesto que sus defectos son demasiado evidentes y algunos aspectos arguméntales han sido descuidados de una forma casi incomprensible. Aunque la película se pueda seguir agradablemente, incluso contiene algunos momentos y personajes brillantes, el resultado final queda deslucido por una aparente falta de dirección.

No solo en la búsqueda del cine independiente autentico y de calidad se han embarcado The Butchers Brothers, también realizaron el insufrible remake de April Fool’s Day (el bueno de Manu seguramente aun se estará tirando de los pelos ante tamaño despropósito convertido en cinta barata y apestosa). Lo cual no habla excesivamente bien de la orientación o rumbo que estos cineastas han llevado en sus cortas carreras. Una falta de criterio, por así decirlo, que como comentábamos se ve reflejada en este, su proyecto más ambicioso.

Sinceramente, la película arranca con fuerza. Asistimos a las correrías de los protagonistas, que desde su papel de moteros salvajes nos muestran un recetario de fechorías – sobresalientes los títulos de crédito – con bastante gasto de acción y labia. Sin embargo, empiezan las primeras pegas: ¿Por qué han elegido a esos actores para los papeles protagonistas? Sin tapujos: son demasiado “guapitos” para pertenecer a una banda sanguinaria; además, si Cody hubiese pasado realmente una temporada en la trena, en el tiempo en que ocurren los hechos de la película tendría el culo como un bebedero de patos. Entendedme, no es que los muchachos (Cory Knauf – The Hamiltons – y Bret Roberts – Pearl Harbour, May – ) lo haga mal, pero carecen de cualquier credibilidad como miembros de la “crew”.
Además, resulta curioso que dada la importancia que los directores le han dado a la introducción de los personajes – todo un tercio del metraje se dedican a dibujar las personalidades y tribulaciones de la familia de moteros, como si de un remedo de Easy Rider se nos estuviese mostrando – no se hayan preocupado más por su endeble caracterización, y eso que otros elementos (banda sonora muy rockera, fotografía áspera, diálogos propios de tipos duros) han sido bastante mimados.

En definitiva, tenemos un tercio de metraje que podría corresponder con un drama o “explotation” ligero de bandas. Y entonces, en las postrimerías de la fiesta de cumpleaños de la madre de nuestros protagonistas, aparece Tiffany Shepis – viendo la filmografía de est< princesa de la serie-z uno se pregunta cuando duerme esta pequeña morenaza – cubierta de sangre cual Carrie pechugona, y la película se convierte en un remedo de Evil Dead y El exorcista; así, sin más.

Este cambio radical es bastante agradecido, cargado de tensión, y destacado dado que el acabado visual mantenido durante toda la película, se ve más explotado en los tramos de sangre e histeria – entre sexies y desquiciados – protagonizados por una excelentemente poseída Tiffany/Michelle. Ahora, no esperéis explicaciones; el nudo de la película es un vagar sin mucho sentido alrededor de la cama de la “enferma” y la cabaña súbitamente vacía; con el añadido de breves pinceladas acerca de una amenaza mayor que la hambrienta –de carne en cualquier formato, preferentemente en barra – ex-novia de Cody.

Casi diría que la parte central de The Violent Kind es lo menos interesante; pronto vemos un error que siempre me ha parecido muy molesto, y demasiadas películas de terror cometen: ¿en que queda el desarrollo inicial de los personajes? En nada. El cambio de tercio es tan brusco que Cody y sus amigos podrían ser motoristas, universitarios o, incluso, payeses. Si la intención de los “hermanos carnicero” era enfrentar a tipos duros contra una amenaza monstruosa – recordemos que hasta este punto la amenaza no son más que luces en el cielo y una mujer con instintos caníbales -, para evitar los cansinos tópicos de la yuxtaposición de “universitarios vs zombies mutantes del espacio exterior”… pues la verdad es que han conseguido todo lo contrario. Los personajes se convierten en los típicos pollos sin cabeza dando vueltas por el set de rodaje, donde las reflexiones sobre su condición de miembros de una banda de moteros quedan en un remoto plano, sin interés alguno.
Toda una pena porque la dosificación de pistas que aclaren lo que realmente ocurre en el bosque, contiene bastante misterio y una fuerza estética innegable. También Tiffany Shepis se esfuerza en crear una atmósfera malsana realizando una actuación física muy “demoniaca”, que hubiese conseguido mayor efecto de no haber sido tan tópica: a estas alturas, el concepto “jóvenes atrapados en una casa” requiere algo más eficaz que la Shepis para llevarse toda nuestra atención.

Así vamos avanzando hacía la parte final de la película, cuando hacen acto de presencia los verdaderos protagonistas de la película: personas desaparecidas en los cincuenta, que acusan un “look” decididamente “rockabilly”, el cual casa muy bien con el entorno conceptual en el que se ha desarrollado todo el metraje. No entraré en el análisis de lo que significa la presencia de estos “abducidos” porque directamente estaría destripando lo más interesante, tanto a nivel argumental como narrativo (y es que repito: la escena donde esta “troupe” de siniestros “rockeros”, “teddy-boys” y “pin-ups” despliegan todo su potencial y discurso, es el momento álgido, junto al epílogo, de la historia). Sin embargo, su presencia provoca otra cansina ruptura expositiva, que introduciendo nuevos elementos completamente distintos a las ideas propias desarrolladas tras una hora de asistir a los descubrimientos de “Cody and Cia.”, nos muestran otra película de la que creíamos estar viendo. En este caso, algo más cercano a “La Invasión de los Ultracuerpos”, aunque juro y perjuro que la información suministrada por el guión de “The Butcher Brothers”, hace esta afirmación anterior poco menos que risible. Dejamos atrás las posesiones y los muertos-vivientes – sí, aquí hay sitio para todo – para entrar de lleno en el terreno de la ciencia-ficción macabra; aunque de una forma para nada satisfactoria y profunda.

Las piezas no terminan de encajar, todo está cogido por los pelos y se hace insistente la pregunta de “si ahora la narración avanza en esta dirección, ¿qué sentido tenía lo que han contado hace veinte minutos?” Pues una razón de ser puramente estética. En ese terreno, reconozco que Mitchell Altieri y Phil Flores han trabajado bien su película – hago un inciso para remarcar unos efectos especiales espectaculares para el presupuesto de una producción independiente – ; no obstante, el error ha sido intentar llamar la atención sobre un guión nacido de la mezcla de todos los elementos que han podido incluir sin resultar pedantes, pero sin preocuparse realmente de lo que estaban contando; que al final es demasiado simple. Y eso que el epílogo, los diez últimos minutos, son donde se intentan responder atropelladamente las dudas que tantas piezas de un puzzle, aparentemente incompatibles, nos habían generado. A este respecto, no se puede poner ninguna pega: un final interesante, morboso e inquietante que logra subir enteros a un guión que parecía perder el rumbo por momentos.

The Violent Kind no es una mala película, tampoco consigue superar la intranscendencia de un producto demasiado ambicioso argumentalmente; lo que para unos es una fortaleza para otros es una debilidad; y los “hermanos carnicero” deberían dosificar mejor sus ideas para que sus cintas no fuesen un mero espectáculo visual – además limitado – y trabajar más a los personajes con un propósito claro, aprovechando los elementos obviamente destacables en detrimento de otros – a uno le cuesta entender que con el potencial que tenían el grupo de “rockabillys” de los cincuenta, se les haya olvidado, relativamente, con el objetivo de mostrar y mostrar y mostrar a una Tiffany Shepis poseida -. Una cinta recomendable para tardes aburridas, y para amantes del subgénero de “atrapados in da house”, siempre que sepáis apreciar el valor individual de las premisas fantásticas – incluso del principio puramente motero – que se nos presentan, antes que el conjunto algo confuso. El balance final es positivo pero molesta esa sensación de fuerza bruta desaprovechada y, dentro de nuestras cabezas, el guión se demuestra con una falta de cohesión hiriente que termina por aburrir al espectador con años de experiencia.

Abducidas hasta devorarnos a nosotras mismas…

Lo mejor: El mejunje de subgéneros. En el último tramo de la película todo toma buen ritmo, merced al giro argumental que traen los “rockabillies from hell”.

Lo peor: El mejunje de subgéneros. Una introducción de personajes que no llega a aportar mucho y momentos de obligada transición entre los subgéneros que aburren.

The Taint es, directamente, una patada en las gónadas al cine comercial, a muchos valores estadounidenses y una broma “trash” que sigue los pasos de producciones clásicas como Street Trash, Slime City o Deadly Spawn e, incluso, bebe de la desfachatez visual del “splatter” japonés moderno (Samurai Princess, Robo Geisha o Vampire Girl Vs. Frankenstein Girl). En definitiva, una cinta gore de limitados recursos, que a pesar de no exponer aberraciones únicas (preguntadle a Olaf Ittenbach si no está todo inventado), consigue su propia identidad dentro de un panorama cargado de mediocridad, aunque esta personalidad propia se cimiente en el amplio muestrario de penes reventados al que asistiremos. Mala baba y humor bruno, a partes iguales, envuelven una sátira sobre el machismo que, desde luego, funciona mejor como festival sangriento antes que como cine denuncia; su acercamiento a la protesta social queda empañado delante de bestias pardas como A Serbian Film, pero acabó siendo mucho más divertida para éste vuestro escribano. Precisamente ese divertimento refleja la elevada nota que humildemente le he colocado, no valoro nada más que mi propio disfrute.

No quiero engañar a nadie, el ajustado presupuesto sitúa a The Taint dentro de la categoría de Serie Z, de forma casi inmediata. Este corsé económico deja expuestas unas actuaciones y capacidades técnicas que seguro molestaran a los amantes del cine más comercial, incluso herirá profundamente la sensibilidad de cierto público, como aquellos cerdos homófobos y machistas a los que precisamente ataca la cinta; dicho público debería alejarse de esta gamberrada a una prudente distancia moral y ahorrarse, desde ya, los comentarios negativos. Sin embargo, tales defectos y obstáculos pecuniarios definen la esencia de un experimento libre en su manufactura y discurso; algo que resulta un soplo de aire fresco en una situación, la del cine de terror independiente, que se sostiene tan solo por productos de esta índole. Producto cargado de calidad, entendiendo como calidad el respeto para con el cinéfilo, que sus autores se han esforzado en proyectar sobre su trabajo a golpe de sudor, consoladores y bolsas de sirope. Un servidor aplaude esta actitud frente al poder del talonario; imaginativa y provocativa sobredosis de autenticidad, algo que en su día fue siempre estandarte del cine “underground” (¿os acordáis de Pink Flamingos?)… me quedo con la mejor técnica 3D de todas: el encanto de la imperfección

Para ello, los directores Drew Bolduc y Dan Nelson tiran de manual de la vieja escuela y toman el control total de su producción, solo hace falta ver los títulos de crédito para darse cuenta del homenaje de estos cachondos para con la era del videoclub y las hombreras.

Tenemos frente a nosotros un acabado artesano, al estilo de las mejores cintas independientes de los ochenta, que además se ve reforzado por esa insistencia en incluir exagerada comedia absurda, tan propia de nuestra querida Troma. En este sentido destacan los vestuarios “improvisados” donde las pelucas juegan un papel primordial, relativizando las explosiones de cuerpos cavernosos que llenan el metraje. Todo un delirio visual preparado para ocultar otras deficiencias, como la molesta escasez de escenarios, más allá de los socorridos bosques, o unas actuaciones obviamente limitadas.
De hecho, como no podía ser menos, es el propio Drew Bolduc quien se reserva el papel protagonista, justamente encarna al tremendo gilipollas de Phil O’ginny, el esperpéntico personaje disfrazado de colegial que ejerce de nexo de unión para las diversas historias del resto de caracteres. Muy adecuada esta decisión narrativa, la cual incrementa enteros a The Taint, puesto que se rompe en buena medida la linealidad que hiere de muerte a la mayoría de productos independientes… y comerciales, claro.
Sobre todo cuando, y es la única gran pega que he encontrado, no se cuenta realmente nada. Se nos plantea una situación y poco más, no hay un destino para los protagonistas, solo contemplamos una serie de viñetas (atractivas visualmente, eso sí) sin un trasfondo profundo, lo que no es óbice para disfrutar de una las experiencias más autenticas del cine gamberro… una sesión doble cargada de cervezas y colegas jaraneros junto a Black Devil Doll se plantea como una noche memorable.

De todos modos, es un gran detalle que se vayan hilando diferentes segmentos, casi rozando la antología de terror, con una cuidada atención hacia la coherencia argumental, pese a ciertas lagunas salvadas mediante humor de brocha gorda:

Nuestro buen amigo Phil, es un chaval de instituto cuyas tres únicas preocupaciones son follar, cohabitar y meterla en caliente. Es precisamente en un renuncio entre las piernas de una chica, cuando el fin del mundo le sorprende. Una sustancia desconocida ha “manchado” el agua de una ciudad cualquiera, envenenando a todo aquel hombre que la beba. Esta contaminación no crea zombies, infectados o como puñeteramente se llamen; tan solo sacan al animal misógino que todo macho lleva dentro en mayor o menor medida.

Phil pronto se une a Misandra, la cual perdió a su amor en la catástrofe; ambos intentarán alcanzar un pozo de agua limpia mientras en su camino se ven acosados por amigos/enemigos del pasado, misóginos descerebrados de enorme verga colgante y chorreante e, incluso, con el único conocedor del origen de la masacre.

Un accidentado viaje por los Estados Lisérgicos de Norte América.

Bajo una premisa tan sencilla, vamos asistiendo a un sinfín de aberraciones, entre las que destacan el paseo alucinado de un científico con la cara entre las manos, un aborto casero escalofriante, el empalamiento de mujeres pene mediante, eyaculaciones sanguinolentas, violencia de género tanto psicológica como física, decenas de penes amputados y… bueno, paro de enumerar porque corro el riesgo de ser censurado y encerrado en una celda bajo errónea acusación por apología de maltrato hacia la mujer. También podrían ser juzgados negativamente Drew Bolduc y Dan Nelson, pero han sabido ser suficientemente listos como para dotar de humor negro las escenas más escabrosas. Todos los que veáis The Taint podréis comprobar los extremadamente gilipollas e imbéciles que son todos los personajes masculinos que desfilan fotograma a fotograma. Toda una declaración de intenciones: nos reímos de nuestra propia estupidez como hombres, enfrentándonos a ella mediante la risa. Es precisamente por el enfoque cómico que la denuncia contenida en algunos momentos se pierde; no obstante, la crítica social sigue presente en momentos puntuales muy intensos: Especialmente tensa es la vejación inflingida por un profesor de gimnasia – gay reprimido y ultraconservador – a su novia (“¿Quieres llorar con razón?” ¡Zas! ¡En toda la boca!); y la impresionante carrera final, con Phil completamente desquiciado, reservándonos duros momentos a ritmo de techno que sirven de alegoría y protesta contra la sociedad machista que seguimos viviendo.

Precisamente, es la banda sonora un punto determinante en el film, canciones realizadas mediante sintetizadores, en gran parte por Drew Bolduc (¡este tipo le da a todo!), con un ojo puesto en los grandes clásicos de Carpenter y con el otro sobre las tendencias electro-clash de la pasada década. Ritmos machacones y simples, tomados del punk, que agudizan la sensación de alienamiento sobrevolando todo el ajustado metraje. Y es que todo es eyaculado inmisericorde sobre nuestra cara en poco más de una hora, intercalándose con ciertos descansos en forma de pseudos-vídeoclips, cortos animados o anuncios de corte nazi para aumentar el tamaño de tu pene; divertimentos que de nuevo nos retrotraen a los años ochenta.

Mucho mimo invertido en lo estético, y no menos el dedicado a los diferentes apartados técnicos: trepidante montaje, efectos especiales cargados de látex y fotografía tan directa como colorista con la única intención de resaltar las atrocidades presentadas en pantalla. Se demuestra así que no estamos ante otro proyecto cualquiera entre “amiguetes”; uno se queda con ansias de conocer el nuevo proyecto de unos directores con las ideas tan claras…

Sin querer enrollarme más, porque ya lo he hecho bastante, solo me resta recomendar encarecidamente el visionado de The Taint, obra transgresora en la medida justa, y que no se aparta del entretenimiento puro y bacilón tan difícil de ver en esta era desprovista de inocencia.
Si por el camino aprendemos a enfrentarnos con nuestro machismo mediante la exposición “grand guiñolesca” del mismo y, obviamente, sin moralinas… pues mejor que mejor. Candidata a película de culto, el tiempo y el público la pondrá en su lugar.

Imprescindible.

Dejo el link a una entrevista en exclusiva, realizada por el blog Nido de Cuervos, a los dos directores de The Taint. Un honesto recital sobre el auténtico cine independiente, y que os ayudará a entender que hay tras decenas de pollas explotando.

Entrevista a Drew Bolduc y Dan Nelson en Nido de Cuervos

Lo mejor: El despliegue gore, la frescura de ideas, la comedia que valida escenas muy fuertes y, en general, el atrevimiento superlativo de toda la cinta. Mención especial para la BSO.

Lo peor: Algunas escenas videocliperas se alargan demasiado, los escenarios son monótonos.