”La Casa Fantasma” es la primera reseña de una serie de entregas donde repasaré uno de mis subgéneros favoritos: el de las casas encantadas. Por supuesto el criterio de selección de este especial pertenece al terreno personal y se ajusta a aquellas cintas que considero son señeras de las diferentes interpretaciones, dentro del cine, de la historias de casas malditas. En este caso, “Ghosthouse” representa el lado más casposo y frívolo del asunto. En la próxima entrega viajaremos algunas décadas más al pasado junto a Vincent Price.

En una casa victoriana se produce un horrible crimen donde son asesinados una pareja y su joven hija, años después la casa sigue vacía a causa de los fenómenos que se suceden en la misma. Pero una petición de auxilio por radio, recogida por Paul y su novia, llevará a estos a la misma casa fantasma, donde se encontrarán con otros jóvenes, que pasaban por allí (ejem). Todo ellos deberán enfrentar el misterio tras el espantaso payaso de juguete que fuese detonante de la violenta muerte de los antiguos inquilinos.

“Ghosthouse” sería el resultado de un empacho de “Amityvilles”, “Poltergeists” y “Posesiones Infernales”, en sesión continua junto a un buffet de pasta, sufrido por los delicados estómagos de dos luminarias de la explotación cinematográfica: Joe D’Amato y Umberto Lenzi. Semejante hartón de casas encantadas provocaría unos efectos diarreicos en la mente de nuestros intrépidos italianos capaz de acabar con todo el suministro de desatascador del planeta. Para los que no estén sobre la materia, los dos interfectos son las cabezas más visibles de lo que se dio por llamar durante los ochentas como “italoexploitation”, dícese de copias baratas con boloñesa de cualquier éxito que produjese Hollywood, con una especial obsesión por el terror, la ciencia ficción y la acción (géneros de fácil consumo en videoclub, objetivo concreto de estos expoliadores). Una vez realizadas las presentaciones señalar que la calidad de estas burdas copias siempre dejaba bastante que desear, sus atropellados rodajes tienen que verse reflejados en pantalla por narices, pero también es cierto que cuentan con un saborcillo especial que ha encandilado, entre ellos me cuento, a infinidad de aficionados. Quizás su poder de atracción radique en eso de ser tan malas que resultan divertidas o, y esta es mi opinión, esa extraña cualidad onírica, apoyada por la mala edición y la incapacidad narrativa, que acerca este cine a las pesadillas debido a su desbarajuste y pérdida de control característico.

Eddie está harto de su vida: sus padres están divorciados, no tiene casi amigos, se ríen de él en el instituto por su afición al heavy, la chica de sus sueños ni siquiera sabe que existe… pero lo peor, lo peor… lo peor es haberse enterado de la muerte de Sammi Curr, su ídolo, rockero y satanista reconocido que estudió en el mismo instituto que Eddie. Es difícil seguir cuando con 16 años el mundo se yergue contra ti. Sin embargo, llega a su poder el último vinilo de Sammi, el disco inédito que puesto al revés cambia la realidad y trae el poder a un Eddie sediento de venganza contra todos los que le ignoraron.

Hablar de “Muerte a 33 r.p.m.” es hablar de una época, en concreto la segunda mitad de los ochentas y el boom que sufría el heavy metal por aquellos años. Profundizando un poco más, en lo que vendrían a ser recuerdos, esta cinta saca a la palestra las vivencias en el instituto y el fuerte auge que sufría la serie b de mano de producciones de terror que proliferaban como setas en las estanterías de los videoclubs. Camisetas de los “Iron Maiden” o “Poison”, dos cadenas de televisión, ordenadores de 8 bits, pelos cardados, una inocencia pubescente que veía su reflejo en largas tardes jugando en la calle con una pelota o un puñado de canicas. Pero la nostalgia es un arma de doble filo, y lo que a veces vemos decorado con los vapores de la memoria oculta la verdad: que no siempre todo tiempo pasado fue mejor y que simplemente hay que disfrutar el día de hoy como si no existirá mañana para recordar.

Una familia lucha por sobrevivir y reconstruir sus vidas tras las heridas de una plaga catastrófica. Viven una existencia solitaria, abandonados en una casa aislada, esforzándose y sufriendo por mantener un sentido de normalidad en medio de un mundo sin ley, con los recursos disminuyendo a cada día que pasa, y con el peligro de las pandillas itinerantes. Además deben sacar adelante a una niña de ocho años llamada Birdie. Un día el padre recoge a un hombre malherido llamado Jack y le ofrece refugio en su casa. Pero probablemente el padre acaba de dar un paso en falso…

El Toronto After Dark Festival fue escenario, el pasado 22 de octubre, del estreno de Refuge (anteriormente conocida como “The Mansion”), película post-apocalíptica dirigida por Andrew Robertson y Lilly Kanso, marido y mujer en la vida real. La pareja asegura que su inspiración para rodar una película post-apocalíptica “Salió de nuestras experiencias viajando por el sur de los EE.UU durante los últimos años. Fuimos testigos de como, a raiz de la gran recesión de 2008, complejos de apartamentos quedaban abandonados por completo y los barrios ofrecian una visión cada vez más desértica. De hecho, rodando en Georgia, en muchas ocasiones ni siquiera tuvimos que trabajar en los decorados. La realidad en la que nos movíamos era exactamente lo que buscamos para nuestro escenario post-apocalíptico”.

Corren los cincuenta en la gran España, la de Caudillo, escapulario y pandereta. En ese Madrid gris ve Montse pasar los días desde su casa. Acosada por la agorafobia y un tormentoso pasado lleno de madres muertas y padres severos, Montse ve con miedo el decimoctavo cumpleaños de su hermanita: se ha convertido en una mujer y sabe que traerá problemas. Aunque al contrario de lo que pensaba, los problemas comienzan con la visita de un guapo vecino. Herido se adentra en el nido de esas dos mujeres, ejerciendo de catalizador para la locura y el amor, los ingredientes perfectos de un drama terrorífico.

Todos coinciden en que Macarena Gómez soporta el peso de la película por sí sola. Del histrionismo cómico, por el que era conocida, cambia al histrionismo dramático con tintes terroríficos. Se enfunda el vestido de una mujer destrozada por la culpa y la frustración nacida del fervor religioso y la sobreexposición a un padre extremadamente riguroso, que interpreta un magistral Luis Tosar; da igual que su papel sea mínimo, sube el caché de “Musarañas” cuando un actor como él llena la pantalla con su carisma.

Sin embargo, no os engañéis, es ella, sigue siendo Macarena quien arrastra por los pelos al espectador hasta el universo de la posguerra, donde el régimen y la opresión católica se perfilan como telón de fondo de un thriller psicológico que arranca como un drama magnífico y termina rindiéndose a los excesos festivaleros que el terror actual necesita para perpetuarse en su vacio. No corren tiempos de guiones redondos, el agujero se vende barato a cambio de los aplausos de una platea sedienta de escenas “fuertes”. Nos creíamos junto a Hugo Silva en la ciudad donde llueve ceniza y, de repente, Silent Hill se desmorona a favor de Raccoon City, y Hugo no nos salva, simplemente pone su fama de icono sexy al servicio de un libreto femenino pero sin estrógenos.

El aislado pueblo de Woods Maiden es testigo de como una empresa maderera de la zona ha roto el equilibrio de la vida en el bosque, desforestando importantes zonas salvajes. Sin embargo, la naturaleza guarda un as bajo la manga: desde el bosque helado surge “algo”, una amenaza para los ciudadanos locales, cuya única esperanza es el sheriff local.

Tras ver el tráiler de la independiente “Dark was the night” uno se queda con dos sensaciones. Por un lado un buen sabor de boca ante la fría y realista ambientación conseguida, una pequeña comunidad trazada como una oscura versión de Twin Peaks; y por otro lado el interés por conocer el desenlace del misterio planteado, ajeno a la tendencia actual de desvelarnos los meollos de cada guión en un adelanto de minuto y medio. En la época de la sobre información parece que son estos proyectos, los que se plantean con cuidado enseñar sus cartas antes de la partida, los que se llevan el interés del espectador y esperemos que también el éxito.

Por si fuera poco esta elegante carta de presentación, comentar que el aval bajo el brazo del director de “Dark was the night”, Jack Heller, tampoco es desdeñable. De nuevo dentro de los parámetros del cine barato, la anterior película de Heller consiguió llamar la atención a aquellos capaces de superar sus aires de telefilm: “Enter Nowhere”, que contaba con el muy de moda ScottEastwood y Sara Paxton. Muestra de que el director sabe rodearse a nivel actoral, y lo vuelve a demostrar contando para “Dark was the night” con el protagonismo de dos sólidos actores en alza: Kevin Durand (“The Strain”) y Lukas Haas (“Origen”, “Brick”). Otra de las razones que sitúan esta producción a tener muy en cuenta cuando se estrene, probablemente el año que viene. Nosotros nos la apuntamos mientras nos encomendamos al Wendigo para que cuide de nuestras almas durante la helada noche del Norte…

Kristy es la segunda película del director Oliver Blackburn, tras la intrascendente Donkey Punch. Justine, una joven universitaria, estudiante y trabajadora, que decide quedarse en el campus durante las vacaciones de Acción de Gracias porque el vuelo para ver a su familia es demasiado caro, sufrirá el acoso de unos jóvenes con no muy buenas intenciones. El porqué de esta situación tendrá que ver con su propio nombre…, aunque ella jura no llamarse realmente Kristy.

La nueva película de Blackburn tiende hacia el thriller psicológico, por el tema del nombre de la chica, y en una serie de detalles que no quiero destripar; pero también contiene unas gotas de survival horror, puesto que toda la parte final de Kristy consiste en una serie de persecuciones a través del campus así como en el interior de sus edificios. El argumento no va más allá de lo que acabo de plantearos, pero los responsables de Kristy nos lo brindan de forma convincente, y especialmente amena de ver a lo largo de su escueto metraje.

La película cuenta con la solvente actuación de la actriz Ashley Greene, conocida por sus intervenciones en la saga Crepúsculo. La chica es guapa y actúa francamente bien. Y la actriz que desempeña el papel de antagonista tampoco lo hace nada mal. Desgraciadamente, en Kristy, los chicos son los que pierden, puesto que sus papeles e interpretaciones no sólo no están a la misma altura que las de las féminas, sino que además no son ni tan sólidos, ni aportan tanto a la trama de la película. Los roles masculinos son, de manera muy evidente, menos interesantes que los femeninos.