Parece mentira que, con casi cincuenta años a sus espaldas, “Don´t look now” no haya perdido un ápice de su seductor encanto ni de su extrañeza. Un film arriesgado, plagado de secuencias paralelas, donde prima la atmósfera sobre los diálogos y las explicaciones. De hecho, si analizamos su historia sin los elementos formales que la adornan, nos encontramos con una tontuna sin pies ni cabeza. Y es que, el director en “La amenaza en la sombra” es tan importante como los personajes o la decadente y lúgubre Venecia que los acoge. Su impronta autoral hace de “Don´t look now” un film imprescindible para cualquier fan del género, aunque el resultado pueda no gustar a muchos.

Una pareja pierde a su hija en un desafortunado accidente, que tal vez hubiera podido evitarse de haber prestado atención a las extrañas casualidades que sucedían al tiempo que la pequeña moría ahogada. Para comenzar a serenar la tristeza que les asalta, deciden viajar a Venecia, donde el marido está restaurando una capilla. Pero desde su llegada estas casualidades, estas minúsculas señales que parecen manifestarse a su alrededor, les zarandean. La visión de una pequeña con el abrigo rojo que llevaba su hija en el momento de morir y una vidente ciega y su hermana, sumergen a la pareja en una incierta aventura.

Animado por el inminente estreno de Godzilla: rey de los monstruos, la secuela de la adaptación americana que hizo Gareth Edwards en 2014, por fin he decidido escribir sobre una de las películas más importantes en mi pequeño mundo de aficionado.

Antes de entrar en materia, me gustaría aclarar que la versión sobre la cual se hará referencia será siempre el corte original japonés de Ishirô Honda, previo a los recortes e insertos comerciales por parte de la distribución americana, con los cuales la propia Toho estuvo conforme. Creo importante constatar esto, puesto que la simple existencia de una versión suavizada de una película tan socialmente comprometida habla directamente de lo afilado de su discurso y de lo potente que fue y sigue siendo hoy en día.

Tendemos a considerar el cine de monstruos gigantes, el kaiju eiga, como un subgénero más próximo a la serie B, el explotation o directamente al trash. Y esto es totalmente lícito, puesto que la gran mayoría de producciones de este cariz forman parte directamente de cualquiera de estas subcategorías. De hecho, la evolución de la serie originada a partir de esta ‘Japón bajo el terror del monstruo’ acabaría derivando, y más de una sola vez, en títulos que harían las delicias del público de cualquier doble sesión de medianoche. Y es por eso, justamente, que esta primera (y única en su propio universo) entrega del rey de los monstruos suponía un golpe sobre la mesa. Puesto que no solo la potencia de su núcleo en forma de metáfora era devastadora, sino que suponía una total declaración de intenciones a favor de la narrativa fantástica más extrema como comunicadora de primer nivel. Honda, apoyado por la Toho, que se veía deslumbrada por el reciente éxito de otras producciones monstruosas como ‘King Kong’ o ‘El monstruo de tiempos remotos’, creían en un proyecto que, pese a su carácter más freak, tenía capacidad más que suficiente para hablar sin tapujos de una de los problemáticas más serias y preocupantes del momento.

En un principio, solo pretendía reseñar películas que me gustasen por la sencilla razón de que me daba pereza ponerme a escribir sobre algo que no me gusta y con poco o nada que rescatar, pero pensándolo bien, reseñar aquello que no me gusta, me da la oportunidad de vengarme y quedarme a gusto poniendo a parir algo con lo que pensaba pasar un rato agradable y acaba siendo un bodrio infumable y haciendo que me acuerde de su pu…

Quizás exagero, pero detrás del atractivo título “Labios de sangre” se esconde una película que perfectamente podría estar firmada por Jess Franco, director de cine español que se especializó en la exploitation más casposa, la que se limita a desnudar ante una cámara a mozas de buen ver con cierta actitud lasciva o libidinosa donde abundan las escenas eroticas (a veces casi pornograficas) y “violentas” pero que se quedan en nada por la falta de originalidad en los guiones y las malas actuaciones.

En 1922, durante una excavación en el antiguo Egipto, el equipo de arqueólogos británicos dirigido por Sir Joseph Whemple dan una momia muy extraña, la de Imhotep. No le han sido extraídas las vísceras y todas las inscripciones para protegerle en el otro mundo, han sido borradas, castigándolo tanto en la vida como en la muerte. Tras un vistazo, el Dr. Muller detecta que fue enterrado con vida, para que sufriera la peor de las torturas. Al mismo tiempo, el ayudante de Whemple, Ralph, está obsesionado en abrir un cofre que les ha entregado un misterioso hombre, y, a pesar de las advertencias de sus superiores de que no lo haga, acaba haciéndolo y descubriendo un pergamino que lee en voz alta, provocando que la momia despierte de su sueño eterno, robe el pergamino y desaparezca. Diez años más tarde, cuando el hijo de Sir Whemple, Frank, está a punto de regresar a El Cairo con las manos vacías tras una excavación, un enigmático egipcio que se presenta como Ardath Bey, le entrega las pistas para que encuentren la tumba de la princesa Ankh-es-en-amon. Tras el exitoso descubrimiento, Ardath Bey reaparece para acercarse a lo que han extraído de la tumba, a lo que los Whemple se muestran más que agradecidos y dispuestos a hacerlo. Pero lo que no saben es que ese egipcio en realidad es la momia de Imhotep, que tiene la intención de devolver a la vida a su amada, Ankh-es-en-amon, a través de su última descendiente, la bella Helen Grosvenor, protegida del Dr. Muller.